Predomina la línea sobre el color. La línea se trata de una línea fina y curva que hace un dibujo ondulado y esquemático. Por otro lado, los colores utilizados son predominantemente los cálidos frente a los fríos. Además de esto se tratan de colores irreales, planos, complementarios y saturados. 

Por otro lado, la luz es completamente antinatural ya que los focos vienen de diferentes ángulos. En cuanto al espacio la perspectiva general es la cromática utilizando colores fríos para alejar y los cálidos para atraer. Además, los personajes se sitúan en diferentes planos. 

Por último, las figuras son anti naturalistas, ya que deforman la realidad y siguen un canon ensanchado. Todas ellas tienen una posición dinámica y muchas de ellas inestables. 

Las figuras muestran proporcionalidad, pero salen de los cánones tradicionales de belleza, el cuerpo humano se aprecia sin distinciones, en la pintura cada personaje está inmerso en su actividad y hay una representación del paisaje con las reglas que se aplican a nuestra realidad.

El cuadro muestra una situación con cada personaje inmerso en su actividad, el pintor muestra un mundo un paraíso donde predomina la felicidad y la búsqueda de la misma realizando una actividad, con los colores y las formas utilizadas el autor crea una invitación a dejarse llevar, solo vivir y centrándose en lo positivo.

La obra muestra una realidad paralela con un toque y saturación de colores y transmite una paz porque es mediante las actividades que creemos como satisfactorias que se consigue un 

grado de felicidad.

El grito presenta una figura andrógina en primer plano con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.

La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal. En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.

 

Los colores son opacos se mezclan tonos grises, marrones, negros colores pálidos que denotan tristeza y desesperación.

Hay también un contraste en el cielo que se representa en esta obra de los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y arremolinado, predomina los tonos naranjas. El sendero y el paisaje, por su lado, parecen iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de una manera arbitraria.

La forma del personaje principal es muy abrumadora e inquietante con trazos suaves y curvos y formas circulares.

 

 La obra es el mejor ejemplo de expresionismo, la escena es inquietante y transmite desesperación y tristeza, lleva al espectador a imaginar una escena incluso macabra y inquietante. 

Los personajes están en un puente y se asemeja una tragedia, pero el objetivo principal es resaltar ese sentimiento de vacío y tristeza que invade incluso al entorno en general.

Las formas y trazos tienen connotaciones psicológicas que hacen pensar y experimentar lo más profundo del mismo subconsciente.

También se conoce como "Los relojes blandos", muestra un desierto con cuatro relojes, de los cuales tres de ellos están "despachurrados" por el efecto del tiempo y el calor, según parece, es una obra realizada con la técnica del óleo sobre el lienzo del surrealismo, obra que alude al tiempo y la eternidad. un paisaje en la playa del mar afondo, un lugar desértico donde vemos dos elementos planos; uno de color azul y otro de color marrón oscuro donde sostiene tres relojes; uno de bolsillo, otro escurriendo en el borde del Angulo plano y otro encima de una rama del árbol seco. En el piso otro reloj al parecer encima de un animal gigante de mar con pestañas grandes y su boca abierta. Su temática representa los hechos de una realidad o un sueño, en el marco de una zona costera, nos muestra la relatividad del tiempo.

La memoria es una forma de marcar el paso del tiempo, una forma interna y subjetiva. El tiempo de la memoria no es el mismo que el de un reloj común: un momento que ha sucedido hace mucho puede ser recordado como algo reciente, mientras que el día anterior puede dar la impresión de haber ocurrido mucho tiempo atrás, una referencia clara a la relatividad.

 

El artista en esta obra maestra representa para lo que él es el tiempo en sí mismo, con referencias claras también al ámbito científico.

Una pintura con muchos significados para quien lo pueda apreciar.

El pintor quiso expresar que el tiempo es infinito y está enmarcado en una especie de círculo con diferentes momentos.

Los relojes representan que, en algún momento de la vida, se acaba lo bello y hermoso. La obra también lleva al cuestionamiento metalingüístico. ¿Cómo el arte puede ser parte de la memoria y no olvidarse? Es la razón que lleva al sujeto que produce la obra a buscar la inmortalidad en sus cuadros.

El interior holandés es una de las obras más representativas de la época de Johan Miró, alejado de las influencias fauvistas y cubistas, a partir de 1925 encuentra una forma de pintar propia a su propio gusto. 
 En la busca de lo esencial, depurando cada vez más su vocabulario expresivo, pasando de las figuras a los ideogramas y los signos. En su habitación surge una estructura dudosa tridimensional, con paredes de colores diferentes y allí surge una figura guitarrista, cuya cabeza está rodeada de un halo blanco y donde sale un pequeño bigote, además de un mechón de cabellos rodeando las orejas, ojos, nariz y boca que permanecen dentro de un círculo de color ocre.

La gravedad y dimensión en este cuadro están representados de muchas maneras ya que hay figuras que parecen flotar dentro de la misma pintura, la perspectiva en el cuadro hace notar como varias dimensiones, cargada de muchos signos que se interpretan de muchas maneras y es complejo a la hora de analizar.

El surrealismo da pie a interpretaciones de muchos sectores o espectadores, en esta obra la complejidad de los trazos y las figuras distorsionadas en la imaginación del artista nos muestra una situación o una cotidianidad de unos personajes, pero llena de signos y referencias. Todo está dotado de una imaginación y creatividad entre genial e infantil, como en resumen toda la pintura surrealista de Miró.

El guitarrista sujeta el instrumento, quizás lo más reconocible de toda la composición, mientras se ve rodeado por una multitud de animales, plantas y objetos que parecen bailar al son y ritmo de las notas musicales.

Magritte fue, por así decirlo, un surrealista conceptual muy interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre un lo pintado y lo real .

Influído por Giorgio de Chirico , empieza a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor. La realidad es para él una ilusión , una trampa por así decirlo y por ello explora a lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial, que es la pintura misma.

Denotación:
De ésta composición surrealista no se conoce la interpretación oficial del artista, sino que se ha especulado en varias direcciones sobre su significado.

Gotas de lluvia con la forma del propio artista que esta por todas partes, es una de las interpretaciones mas difundidas, siempre intento establecer una linea divisoria entre lo real y lo representativo.

Connotación:
Sus obras parecen tener un carácter realista, sin embargo al observar detenidamente, imágenes y escenas son incongruentes. 
las obras de Magritte buscaban reflejar lo que subyace detrás de las apariencias; para ésto, solía pintar objetos aislados, de modo que el espectador se cuestionará sobre el significado de bandeja.

La pintura demuestra un sentimiento de soledad de intranquilidad en un escenario que es una calle muy concurrida por las personas, que, aunque están en medio de muchos la soledad se apodera de cado uno de los personajes. Nuevamente la expresión y su representación en sus rostros muestra inquietud, tristeza. Es un intento atrevido e inquietante de plasmar la desagradable experiencia de un moderno bullicio urbano. La escena irradia tensión, sus hacinados peatones están encerrados en un espacio opresivo; el plano de la acera.

Connotación:

En esta obra el pintor quería resaltar un “oficio” que para la época y aun hoy es despreciado, tomo como modelos unas prostitutas de una reconocida calle de Barcelona donde los burdeles eran muy conocidos.

El artista quiso experimentar ya raíz de ese experimento nació una nueva forma de pintar, en la obra aparecen cinco (5) mujeres desnudas pero su forma se sale de lo convencional ya que para el pintor la belleza se concibe de otra forma e invita al espectador a imaginarse y crear esa belleza dentro de la mente.

Aun así la obra tiene mucho significado y símbolo como la canasta de comida una referencia al trato tal vez de las prostitutas a los clientes, en la obra esa es la idea principal mostrar la invitación y el impacto de una realidad que se esconde en cualquier calle apartada de la ciudad.

Como es característico del cubismo se rompen las leyes de la perspectiva, Juan Gris en esta pintura e influenciado por Pablo Picasso y Georges Braque. 

En este retrato de Picasso, podemos distinguir sin mucho problema los ojos, las cejas, la boca y la nariz (esta última está pintada varias veces, desde diferentes ángulos). Sin embargo, las facciones están tan deformadas que si no fuera por el característico flequillo del pintor malagueño sería imposible saber que se trata él. No importa mucho porque en los retratos cubistas el parecido es casi irrelevante, lo que importa es la técnica.

Estos planos los coloreaban en tonos grises y pardos, aplicados en pinceladas casi puntillistas. Juan Gris procuraba ordenar más los planos, en base a líneas paralelas horizontales, verticales y diagonales.

 

En esta obra Juan Gris muestra su admiración por otro artista el cual era Picasso quien le mostró otra manera de hacer arte, en el retrato se refleja una exaltación al pintor pero con un estilo donde el color no es muy representativo, de hecho la formas y la manera de pintar el cuadro las formas se salen de lo convencional, a primera vista se hace reconocible el personaje por algunas características de Picasso, una alegoría al pintor ya que se ve una paleta con algunos colores en la mano pero no muy destacados.

El rostro desfigurado con trazos geométricos y líneas horizontales la dimensión y proporcionalidad simplemente no existen. Pero es el juego de figuras geométricas al fondo que hacen ver el cuadro en una dimensión diferente.      

En esta obra en particular el pintor se perfila el dibujo, para posteriormente, a través del juego de luces y sombras, ir desarrollando volúmenes y expresiones.

Es el aguafuerte más ambicioso realizado por Picasso. En él mezcla temas de las corridas de toros y Minotauro, figura con la que se identificaba el pintor.

La muchachita con la luz procede de otro grabado, aguatinta, denominado "Minotauro ciego guiado en la noche por una niña"

En la pintura hay juego de grises con una alusión muy importante a la mitología, pero también a una tradición muy fuerte en España. La Minotauromaquia se nos presenta como síntesis final de toda una serie de obras. Es un grabado que condensa todo el universo que Picasso ha desarrollado hasta entonces, complicando el significado de cada elemento hasta crear una composición casi críptica, que desafía todos los análisis iconográficos.

La pintura nuevamente no tiene ni guarda proporción por las formas o figuras y eso es lo que hace especial al cubismo, en este cuadro la mirada de cada personaje se centra en el minotauro, denota una exaltación al mito, pero a la vez una representación del sentimiento del artista de sus emociones y de su alter ego.

 En este contexto encajan perfectamente la fascinación de Picasso por el Minotauro como una proyección de sus experiencias interiores y la gran cantidad de poesías automáticas escritas en este período ‒concretamente tras la creación de la Minotauromaquia en que el artista sufrió un bloqueo emocional que no le pueden pintar durante unos meses.

 

 Realizada la investigación sobre esta obra es claramente una representación o liberación de un hecho en concreto en la vida del pintor, en la pintura se representa claramente una puesta en escena casi teatral con muchos significados y simbolismos.

 El eje central es el minotauro que imponente se ve en la puesta de la escena un caballo representado de otra manera y deformado en la imaginación del pintor un hombre que intenta escapar en una escalera y dos mujeres en una ventana divisan el espectáculo. Sin duda un cuadro cargado de muchas referencias que inclusive hacen pensar que el pintor quiso plasmar una especie de liberación ya que en esos meses no conseguía pintar.

Un cuadro que inspira a analizarlo varias veces y por qué es una mezcla de negros y grises y formas que se salen de lo convencional.

La pintura demuestra un sentimiento de soledad de intranquilidad, en un escenario que es una calle muy concurrida por las personas, que, aunque están en medio de muchos la soledad se apodera de cado uno de los personajes. 
La expresión y su representación en sus rostros mostró inquietud, tristeza.

Es un intento atrevido e inquietante de plasmar la desagradable experiencia de un moderno bullicio urbano. La escena irradia tensión, sus hacinados peatones están encerrados en un espacio opresivo; el plano de la acera.

Año: 1893.

Técnica: Óleo y pastel sobre cartón.

Ubicación: Galería Nacional de Oslo, Noruega.

El pintor plasma un evento muy importante y resalta una situación con colores muy vivos una saturación de rojos, grises, negros, algunas figuras geométricas al fondo con azules y ocres.

El espacio de la imagen tiene a 5 personajes, la pareja principal quien es la que baila con un perfil y una mirada hacia los lados, presentando indiferencia por la actividad principal, al fondo tres soldados con sus espadas como símbolo de autoridad con la mirada fija en ellos y en sus movimientos.

La pintura muestra una ilusión de movimiento que se genera en la mente del espectador se guarda las proporcionalidades, pero los detalles y vestuario calidad de trazos no son muy representativos teniendo en cuenta otras escuelas que prestan mucho detalle en las líneas y formas.

Es una pintura que tiene un significado a la vista en un plano amplio que muestra todos sus participantes en un salón.

 

En la pintura el artista quiere mostrar una realidad, y con una referencia sutil en la forma de pintar las miradas de los personajes se puede dividir en dos la pintura, primero los participantes que bailan que muestran poco interés en bailar, una referencia a una imposición tal vez por cumplir protocolos sociales y una incomodidad de los dos al bailar.

Por otro lado, al fondo los militares mirando y siguiendo la escena, sus ojos y expresiones críticas y muestran un seguimiento a cada detalle de la pareja.

Sin embargo, la pintura está cargado de mucho color en los personajes que bailan y se diferencia de los soldados al fondo con colores un poco más opacos.

El artista quiere destacar a la pareja con mucha luz ya que son el centro de todo el cuadro, pero sutilmente quiere es resaltar la incomodidad derivada de la situación 

Año: 1905

Técnica: óleo sobre lienzo.

Óleo sobre lienzo. Museo Nacional, Belgrado (Serbia).

La pintura es una representación de un huerto, cargada de muchos colores con líneas cortas y horizontales y verticales, con pinceladas muy fuertes donde simplemente la sombra no existe la saturación de colores no permite definir bien las formas de la naturaleza o árboles, las líneas cortas y que terminan muy pronto se mezclan y unen para formar un escenario.

El color naranja y rojo está muy presente en la primera parte de la pintura, se contrasta con la representación del horizonte entre azules, violetas, lilas y blancos. 

La pintura está cargada de símbolos y significados complejos que requieren un análisis muy detallado de las formas que se ocultan con tanto color.

 

La pintura está muy cargada de colores una exaltación que raya en la exageración pero que centra una idea principal un huerto o una especie de jardín a las afueras de un pueblo.

El artista denota una tranquilidad y paz en la escena más que su pensamiento personal.

Los colores y trazos en el espectador generan movimiento de viento en lo que se refiere a los árboles.

Sin duda un artista que refleja rebeldía en su obra y que niega la tradición de pintar bajo reglas ya establecidas.

Periodo. Dadá

Ubicación: Museo de Israel; Jerusalén

Denotación :
Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido. Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.

Connotación:
Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro. En su estilo predomina: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
Sus obras escultóricas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza , él las denomina "esculturas biomórficas", aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza. 
Son obras en bronce, metal, o piedra. Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas. 

Apreciación Artística: NRC 26602 
Docente: Olga Lucía Montenegro Gamboa Duran 
                                                        Grupo N ° 7

Ramírez Medina, Gilbert Andrés - Id: 336837 - Pabón Rodríguez, Carlos Augusto - Id: 803179

López Castañeda, Yeison Andrés - Id: 806078 - Oviedo López, Jader Andrés - Id: 802821