Mi proyecto de vida gira en torno a mi familia, la danza tradicional Colombiana y los instrumentos de percusión colombianos de legado indígena y afro.

Disfruto y he podido viajar por muchas regiones de Colombia, también me gusta la historia.

Como profe es un placer compartir lo poco que se con diferentes personas e instituciones.

También me gusta mucho trabajar con la madera enfocado en restaurar, arreglar y construir instrumentos musicales de percusión.

Mi realidad, no dista de la realidad de muchos colombianos pues a la edad de 4 años, mi familia se vio inmersa en hechos de desplazamiento forzado a causa del conflicto armado interno; este suceso generó que descubriera en el arte de la danza la posibilidad de vivir el quehacer campesino de mi familia el cual me fue arrebatado a causa de una guerra que no pedimos vivir. Así fue como nos ubicamos en el departamento de Risaralda, Marsella fue el municipio que me acogió como hijo suyo, en donde paralelamente a la realización de mis estudios primarios y secundarios, continué mi formación artística en aquella que los marselleses denominamos la casa grande de todos, La Casa de la Cultura (mi casita). Desde aquel mágico salón de danzas, mi alma recorría todo el territorio nacional a medida que interpretaba nuestro folclor, guiado por otras almas soñadoras que dejaron su impronta grabada en mis movimientos, mis expresiones y en mi ser.

La ciudad de Pereira, me abre sus puertas a mis 17 años, en donde instituciones como La Universidad Andina, el SENA, La Casa Taller Artedam, Trietnias UTP y Arabela Espectáculos, contribuyeron al afianzamiento de mi proceso formativo y laboral, lo cual cualificó mi perfil como interprete, creador, formador y gestor cultural.

Actualmente, Trabajador Social con conocimientos pedagógicos y capacidad para diseñar, evaluar y coordinar programas y proyectos de intervención en sectores como educación, cultura, desarrollo humano, social y comunitario. La gestión cultural me ha permitido articular mi experiencia y formación profesional con las diferentes políticas públicas desde mi especificidad como servidor público en beneficio del sector, aportando a la preservación de las manifestaciones tradicionales e identidad cultural de los territorios y poblaciones.

 La danza hace parte de mi vida, es una extensión más de mi cuerpo, de mi mente, de mi ser. Y aunque disfruto todas las cosas que hago, estar con mi familia es mi mayor paz y tranquilidad.

Me gusta caminar y disfrutar de la naturaleza, lo combino con montar bici o con salir a pasear a las montañas. Disfruto de la misma manera una conversación con un@ niñ@ al igual que con un adulto de avanzada experiencia, aunque no sean los mimos temas, siempre tengo tiempo para escuchar. Trato de caracterizarme por mostrar que le hecho ganas a todo y en el fondo la mayoría de las veces asi lo siento…

En mi experiencia, he desarrollado un enfoque pedagógico único que no solo se centra en las técnicas artísticas tradicionales, sino que también promueve el desarrollo emocional y social de mis estudiantes. Concibo el arte como un medio poderoso para la autoexpresión, la sanación y la conexión comunitaria, y me esfuerzo por llevar esta visión a cada aula y comunidad en la que trabajo.

Mi labor como educador me ha permitido conectar a los jóvenes con sus raíces culturales mientras los inspiro a descubrir su potencial creativo y a enfrentar los retos de su entorno. Cada día, busco enriquecer las vidas de mis estudiantes y demostrar que el arte puede ser una herramienta de cambio profundo y crecimiento personal.

Algunas de las problemáticas en los NNA, no están distantes a los que sucede en la ciudad, ya que identificamos que por el plan de ordenamiento territorial se transpola dichas problemáticas, el consumo de sustancias psicoactivas, la hipersexualidad de los adolescente, la maternidad y paternidad temprana, los índices de violencia social.

Dentro de este espacio seguro, la cohesión grupal desempeña un papel crucial. Un grupo artístico cohesionado funciona como un organismo vivo donde la comunicación y la confianza mutua son esenciales. La cohesión no significa uniformidad absoluta, sino la capacidad de integrar las diferencias para fortalecer el conjunto. Se construye con el respeto por la diversidad, la promoción de la cooperación y el fortalecimiento del sentido de pertenencia. Cuando los integrantes sienten que su trabajo tiene un propósito común, la creatividad fluye de manera más libre y la calidad artística se eleva.

La confianza dentro del grupo es otro pilar indispensable. Sin ella, la colaboración se torna superficial y limitada. Creer en las propias capacidades y en las de los compañeros permite tomar riesgos creativos sin miedo al fracaso. La confianza mutua se refuerza con la transparencia, el apoyo emocional y el reconocimiento tanto de logros individuales como colectivos. Un grupo donde sus miembros se sientan seguros y respaldados tendrá mayor capacidad para innovar y evolucionar en su arte. La individualidad es otro aspecto a considerar dentro de la armonización artística. Cada integrante del grupo aporta su propio estilo, visión y habilidades, enriqueciendo la construcción colectiva. Respetar la individualidad dentro del equipo no significa trabajar de manera aislada, sino potenciar la creatividad personal para que el conjunto gane en profundidad y diversidad. En un grupo bien armonizado, cada artista encuentra su espacio de expresión sin perder la conexión con los demás.

El trabajo en equipo, por su parte, es la materialización de la cohesión, la confianza y la integración de las individualidades. En las artes escénicas, la sincronización, la coordinación y la disposición para adaptarse al ritmo de los demás son esenciales. Para que el trabajo colaborativo sea efectivo, es importante establecer estrategias de comunicación clara, definir roles y fomentar la responsabilidad compartida. La gestión grupal ayuda en este aspecto, organizando dinámicas de trabajo y facilitando el equilibrio entre las necesidades individuales y los objetivos del grupo.

Además, el diagnóstico de intereses permite conocer qué motiva a cada integrante dentro del colectivo, lo que facilita la construcción de proyectos alineados con sus pasiones. Esto, a su vez, genera mayor compromiso con la producción artística y promueve una participación activa. Complementariamente, el diagnóstico de capacidades contribuye a distribuir responsabilidades de manera estratégica, asegurando que cada persona pueda aprovechar sus fortalezas y desarrollar sus habilidades. El origen etimológico de "armonía"

La palabra "armonía" proviene del griego ἁρμονία (harmonía), que significa "acuerdo", "ajuste" o "combinación ordenada". Su raíz ἁρμόζω (harmózō) hace referencia a "encajar" o "ajustar", transmitiendo la idea de integración equilibrada. En el contexto artístico, la armonización es más que sincronizar movimientos o voces: es la capacidad de crear una obra colectiva donde cada elemento encaje en un todo expresivo y significativo.

En definitiva, la armonización en un grupo artístico no es solo una cuestión técnica, sino humana. A través de la cohesión, la confianza, la valoración de la individualidad y el trabajo en equipo, los artistas construyen un espacio en el que su arte cobra vida con fuerza y sensibilidad. Cuando un grupo logra armonizar sus diferencias y potenciar sus talentos, su creación trasciende, dejando una huella en quienes la reciben.

Fuerza es esencial para realizar movimientos con potencia y resistencia, y se puede trabajar mediante ejercicios de entrenamiento funcional o de pesas. Equilibrio se cultiva con prácticas como yoga y ejercicios de estabilidad, lo que permite mantener control corporal durante poses y transiciones. La agilidad, clave para movimientos rápidos y fluidos, mejora con ejercicios de coordinación y entrenamientos cardiovasculares como el baile contemporáneo. Finalmente, la flexibilidad se perfecciona con estiramientos diarios y técnicas específicas, como el método Pilates, para aumentar la amplitud de movimiento.

Un entrenamiento integral que combine estos elementos garantiza una ejecución artística segura, expresiva y llena de gracia.

Proxemia: Este concepto, desarrollado por Edward T. Hall, se refiere al uso y percepción del espacio en las interacciones. En las artes corporales, la proxemia es crucial para transmitir emociones y narrativas, así como para establecer conexiones entre los intérpretes y el público. Por ejemplo, la forma en que un bailarín utiliza el espacio escénico, acercándose o alejándose del espectador, puede comunicar tensión, intimidad o dinamismo.

Propiocepción: Es la capacidad del cuerpo para percibir su posición, movimiento y equilibrio en el espacio, gracias a los receptores ubicados en los músculos, articulaciones y tendones. En la danza y el teatro, la propiocepción ayuda a los artistas a realizar movimientos precisos y fluidos, además de prevenir lesiones. Los ejercicios de conciencia corporal, como el entrenamiento en técnica Alexander o Pilates, potencian esta habilidad, mejorando el control del cuerpo durante la actuación.

Kinestésica: Este término engloba la percepción del movimiento y la sensibilidad hacia las acciones físicas propias y de los demás. En el ámbito artístico, la kinestésica es esencial para crear conexiones emotivas a través de movimientos armoniosos. En la danza, permite que los intérpretes se coordinen en duetos o ensembles, mientras que en el teatro fomenta una interpretación física que enriquece el texto dramático.

La integración de estos conceptos en las artes corporales potencia la expresividad, la conexión emocional y el dominio técnico de los artistas, permitiendo que sus cuerpos se conviertan en herramientas expresivas extraordinarias.

"Mi cuerpo en paz" se convierte en una declaración central en esta corpografía, donde el cuerpo se sintoniza con el ritmo de la naturaleza. La tranquilidad del paisaje montañoso inspira un estado de equilibrio interno, donde el movimiento fluye como el viento entre los árboles o como los ríos que descienden desde los picos. El cuerpo encuentra su paz en la integración con el entorno, respetando su propia fuerza y límites mientras celebra su capacidad de explorar, adaptarse y expresarse.

El concepto de "ojo de tigre interior" añade una dimensión introspectiva y simbólica a esta práctica. Este término se asocia con la conexión entre la mirada interna y la percepción del mundo exterior. El "ojo de tigre interior" simboliza fuerza, intuición y claridad mental, elementos esenciales para cualquier artista que busque encontrar sentido en su movimiento y expresión. Así como la piedra de ojo de tigre refleja luz y contiene múltiples matices, este concepto invita al intérprete a explorar sus capas internas, encontrando armonía entre su energía interna y la calma externa del territorio que habita. La corpografía en este contexto no solo busca representar el territorio de las montañas, sino que se convierte en un viaje hacia la introspección, la paz interior y el descubrimiento de la fuerza propia. El cuerpo se convierte en una extensión del paisaje, y cada movimiento es una manifestación tanto de la geografía exterior como de las emociones y fortalezas internas. En este diálogo constante entre el entorno y el ser, el arte del movimiento encuentra su mayor resonancia, transformándose en un acto poético de conexión profunda.

La importancia del folclor en Cundinamarca

El folclor de Cundinamarca refleja los ecos de su historia y la conexión de sus habitantes con su territorio. Canciones tradicionales, danzas y relatos populares son vehículos para transmitir valores, costumbres y memorias colectivas. Además, estas expresiones fortalecen el sentido de pertenencia y tejen lazos entre las generaciones, manteniendo vivas las raíces culturales de la región.

Entre los géneros musicales que predominan en el folclor de Cundinamarca, el pasillo se erige como una de las formas más representativas. Este género, que combina influencias indígenas, afrodescendientes y europeas, es un emblema de la identidad cultural andina, y ha servido de inspiración para compositores que capturan la esencia de su tierra y su gente.

Una cartografía social en construcción

La riqueza folclórica de Cundinamarca, representada en canciones como "La gata golosa", demuestra que el territorio no solo se define por su geografía física, sino también por las historias, sonidos y emociones que conectan a su gente. Al plasmar estos elementos en una cartografía social, se reconocen las relaciones que moldean la identidad de la región y se preservan las tradiciones que continúan dando vida a su cultura.

Este legado cultural, además de ser una fuente de orgullo, actúa como un puente entre el pasado y el presente, invitando a futuras generaciones a abrazar y reinterpretar las expresiones artísticas que han definido a Cundinamarca como un crisol de historias y voces.

Uno de los ejemplos más emblemáticos del pasillo es la célebre canción "La gata golosa", compuesta en 1914 por Fulgencio García, un destacado músico bogotano. Esta obra, escrita inicialmente como una pieza instrumental, ha trascendido su tiempo para convertirse en un ícono del repertorio nacional. Su melodía elegante y vivaz evoca la alegría y la picardía, elementos característicos de la música de la región andina.

La canción también está envuelta en una leyenda popular que añade un matiz mágico a su historia. Se dice que "La gata golosa" hace alusión a una mujer coqueta y encantadora, cuya gracia robaba miradas en los pueblos donde vivía. Aunque las interpretaciones varían, la narrativa siempre refleja un sentido de admiración y humor hacia las figuras femeninas de carácter fuerte y seductor, tal como las comunidades han sabido retratar a las protagonistas de sus tradiciones.

"La gata golosa" ha sido interpretada y adaptada a lo largo de las décadas, consolidándose como una pieza fundamental del folclor musical colombiano. Representa, además, la vitalidad del pasillo como forma de expresión cultural, uniendo generaciones y recordando la riqueza del patrimonio andino.

El pasillo andino es uno de los géneros musicales más representativos de la región andina de Colombia, con profundas raíces en la identidad cultural del país. Este estilo musical surgió en el siglo XIX, influenciado por géneros europeos como el vals y la polca, que llegaron al continente durante el periodo de independencia. Sin embargo, el pasillo fue adaptado y transformado por los músicos locales, adquiriendo características propias que lo hicieron auténticamente colombiano.

El pasillo andino se caracteriza por su ritmo ternario (3/4), similar al vals, y por la riqueza melódica de sus composiciones, que suelen evocar emociones profundas, desde la alegría hasta la nostalgia. Es común que esta música sea interpretada con instrumentos tradicionales como la guitarra, el tiple y la bandola, que le dan un sonido distintivo y lleno de matices. Además, muchos pasillos incluyen letras poéticas que narran historias de amor, naturaleza o paisajes de la región andina.

En cuanto a su función, el pasillo ha sido no solo una forma de entretenimiento, sino también un medio de expresión cultural y artística. Por ejemplo, canciones como "La gata golosa" no solo representan la maestría técnica de los compositores, sino también el espíritu creativo y narrativo de las tradiciones locales.

Hoy en día, el pasillo andino sigue siendo un símbolo del patrimonio musical colombiano y es celebrado en festivales, concursos y eventos culturales en todo el país, como el famoso Festival del Pasillo Colombiano en Aguadas, Caldas. Este género, que une generaciones, continúa siendo una prueba del legado y la riqueza cultural de la región andina.

La Danza es el lenguaje oculto del alma. V.J.P.A.

https://gitmind.com/app/docs/mcdwjrj3

La armonización, ya no es un asunto meramente interno, se vive y reconstruye en colectivo.

Temores y miedo de otras pieles, otras miradas, otras posturas, es abrumador.

La secuencia didáctica del lenguaje del cuerpo, va escalando entre los dedos que dan y reciben... Un mundo inexplorado, presente y al mismo tiempo invisible.

Reconocer que no estás solo, es apenas el primer paso para reencontrarnos, sin embargo, las incorporaciones corporales, moldean tu imagen y se convierten en barrotes de tu ser. Complejo contraste, entre voluntad, bienestar y bloqueo mental..... Dos cuerpos que habitan el mismo cuerpo...

De jamás.

Seguridad en el otro (confianza)

Espacios seguros y de confianza

Cambiar pensamientos – cambiar emociones

Cultura de paz – decodificar símbolos

HISTORIA DE BREAK DANCE (BREAKING)

La historia del break dance en Bogotá se remonta  de la década de 1980 hasta 1987 posteriormente convirtiéndose en una  moda que a final de la época de los 80s cogió un rumbo subterráneo ya que llegaron nuevas tendencias tales como el HAUSE, SALTO BAJO y comenzó a verse los primeros Mcs o como se les conoce los Raperos coincidiendo con la llegada y la creciente influencia de la cultura hip-hop en la ciudad.

Los inicios y la influencia del hip-hop:

• El break dance llegó a Bogotá principalmente a través de la música rap, los videos musicales y películas icónicas de la época como "Flash dance" y "Beat Street". Estas producciones mostraron la energía y la espectacularidad del break dance, capturando la atención de muchos jóvenes bogotanos.

• Inicialmente, los jóvenes se reunían en espacios públicos para emular los movimientos que veían, llevando consigo grabadoras para musicalizar sus prácticas.

El Teatro Embajador como punto de encuentro:

• Un lugar clave en los inicios del break dance bogotano fue el Teatro Embajador, ubicado en el centro de la ciudad. Su hall se convirtió en un espacio  donde los primeros b-boys (Breakers) se congregaban en la época de 1984 a 1987 para practicar, compartir pasos y conocer a otros entusiastas de esta nueva forma de baile. Bboy Peña reconocido por su labor en el movimiento hip hop fue un apoyo para que este espacio se reactivara a finales de la misma década de los 80s y comienzos de los 90s y el cual perduro hasta el 2003 siendo este el espacio que formo y acogió a cientos de b boy`s y bgir`s con el apoyo de Bboy Peña

Primeras Crew y eventos:

• Lentamente, comenzaron a formarse las primeras "crews" o grupos de break dance en Bogotá. Estos colectivos fueron fundamentales para el desarrollo de la escena, permitiendo el aprendizaje mutuo y la creación de una identidad propia.

• Años después, se realizaron los primeros eventos y competencias a nivel distrital, lo que contribuyó a dar visibilidad al talento local y fortalecer la comunidad.

• Bogotá se ha consolidado como un importante centro para la danza urbana en Colombia, albergando eventos y competencias de reconocimiento nacional e internacional, como el festival Hip Hop al Parque.

• El talento bogotano en el break dance ha ganado reconocimiento a nivel mundial, y la inclusión de esta disciplina en eventos deportivos de gran magnitud, como los Juegos Olímpicos de la Juventud y los Juegos Olímpicos de París 2024, ha impulsado aún más su desarrollo y prestigio en la ciudad.

Mi trayectoria profesional ha estado centrada en el acompañamiento psicosocial, especialmente a víctimas de violencia intrafamiliar, trabajando desde un enfoque diferencial en espacios como las comisarías de familia. Creo firmemente que la familia es el eje fundamental del desarrollo humano, y que el amor, la empatía y la comprensión son claves para construir relaciones saludables.

Por último, les quiero compartir que más allá de ser Trabajadora Social, soy una hija y esposa amorosa, pero sobre todo una mamá profundamente enamorada. Gracias a cada una de estas personitas que me rodean, puedo ser, sentir y compartir desde un lugar más pleno y humano.

1. Prácticas culturales y artísticas: Colectivos artísticos, gestores culturales, caficultores tradicionales.

   Escuelas de formación en arte, danza y música.

   *Fiesta Nacional del Café

   *Feria de Manizales

   *Festival del Bambuco

2. Problemáticas sociales: existen convocatorias por entidades departamentales, pero la falta de financiación, burocracia impide el desarrollo de proyectos que limitan la participación de la comunidad.

   *corrupción - clientelismo

   *saturación urbana - abandono del campo

   *acceso limitado a la salud y educación por ubicación de centros en la parte urbana.

• Identificación de habilidades y diagnóstico del grupo​

•Entornos seguros ​

•Cuidado integral ​

•Preparación corporal ​

•Sistemas y Técnicas de Respiración

Eso. En artes en procesos de aprendizaje.

Técnico laboral en competencias en Danza

Lo que indica, que la pedagogía y didáctica del cuerpo, han impreso huellas significativas de aprendizajes sociales, familiares y de encuentro. Así mismo, los cuestionamientos se  abordan a partir de la relación profesional, que con la danza tiene cada cuerpo. Las experiencias transitan por el recuerdo, el asombro, la vivencia,  la creación y los  territorios habitados o transitados por el hilo de la vida, contextos específicos que construyen la relación con la danza.

La armonización en el break dance es la integración fluida y estética de todos los elementos que componen esta danza, buscando un equilibrio entre la técnica, la musicalidad, la expresión personal y la conexión con el entorno (ya sea la música, el público o el oponente en una batalla). Implica que los movimientos no sean solo una sucesión de trucos, sino que se enlacen de manera coherente y con un propósito.

Aquí desglosamos los aspectos clave de la armonización en el break dance:

·         Conexión con la Música (Musicalidad): Este es un pilar fundamental. La armonización implica sentir la música, identificar sus ritmos, melodías, cambios de intensidad y traducirlos en movimiento. Un bboy o bgirl armonizado no solo baila con la música, sino que la interpreta a través de su danza. Esto se manifiesta en la sincronización de los golpes, la acentuación de los Breakers y la respuesta a las dinámicas musicales.

·         Fluidez y Transiciones: La armonización se logra a través de transiciones suaves y lógicas entre los diferentes elementos del break dance (top Rock, Foot work, Power Moves, Freezes). Un bailarín armonizado evita movimientos bruscos o desconectados, creando un flujo continuo que mantiene la atención del espectador.

·         Variedad y Dinámica: Una presentación armonizada muestra una gama diversa de movimientos, utilizando diferentes niveles (de pie, en el suelo, en el airees decir manejando los 3 niveles de la danza), velocidades y calidades de energía. La alternancia entre movimientos explosivos y controlados, rápidos y lentos, contribuye a una danza más rica y atractiva.

·         Espacio y Diseño: La forma en que el bailarín utiliza el espacio, creando trayectorias, diseños en el suelo y volúmenes con su cuerpo, es parte de la armonización. Un buen uso del espacio puede realzar la musicalidad y la expresividad del movimiento.

·         Expresión Personal y Estilo: La armonización no significa uniformidad. Cada bboy o bgirl aporta su propio estilo y personalidad a la danza. La armonización permite que esta individualidad se manifieste de manera coherente con los demás elementos, creando una firma única.

·         Control y Precisión: La ejecución controlada y precisa de los movimientos es esencial para la armonización. Un movimiento bien ejecutado, incluso si es simple, tiene más impacto que un truco desordenado.

·         Conexión con el Entorno (Público/Oponente): En una batalla o presentación, la armonización también implica la capacidad de conectar con el público o responder a los movimientos del oponente de manera inteligente y creativa.

En esencia, la armonización del break dance busca integrar la técnica con la sensibilidad artística, creando una experiencia visual y rítmica cohesiva y significativa. No se trata solo de hacer trucos difíciles, sino de cómo esos trucos se enlazan con la música, se expresan a través del cuerpo y se conectan con el entorno para formar una danza completa y armoniosa.

Habitar el territorio desde su propia historia permite reconocer no solo cultura, sino también la trasversalidad de la danza como un medio de encuentro de saberes y de una interlocución, entre el movimiento, el sonido, los escenarios y la construcción de paz.

Pregunta: de compañeros que me dejan reflexioando "CULTURA VS DOCENTE" Y "¿QUE ES LO CORRECTO EN LA DANZA?"

LLEGAR - El cual te invita como buscador a adoptar una postura reflexiva y crítica sobre tu propia práctica artística, investigativa, danzaría y pedagógica, con el fin de implementar procesos para la recolección de datos e información pertinente en tu proceso.

Llegar; es el momento en que las observaciones y preguntas comienzan a tomar forma. En esta segunda fase del proceso de indagación te conviertes en un cartógrafo (el que mapea, el que articula, el que encuentra rutas, el que articula ideas) del conocimiento situado, del cuerpo, el movimiento y las expresiones artísticas y culturales en los territorios, siendo un investigador activo de tu quehacer en-y para la danza.

A través de esta propuesta, encontrarás algunas herramientas para documentar y analizar tus vivencias, en resonancia con tus hallazgos, trazando diversas movilidades entre tus teorías – prácticas, pensamientos y materiales. Los que antes percibías como extraño o en caos, ruido o desarmonía, se transforma en una composición melódica, y los movimientos que eran antes dudas se convierten en estructuras llenas de significado.

Mi experiencia se ha desarrollado generando procesos de acompañamiento psicosocial a diferentes poblaciones y comunidades, desde los enfoques género, poblacional y de colonial.

Mi crecimiento intelectual y profesional lo he realizado con varios de los maestros, investigadores, creadores, gestores, académicos más reconocidos de nuestro país, muchos de ellos residentes en varios departamentos del Colombia, también del Patronato Colombiano de Artes y Ciencias, de la Universidad Antonio Nariño en la ciudad de Bogotá; participante activo de conferencias , talleres, congresos Nacionales e internacionales sobre  Educación y Danza desde 2001; entre el 2005 a 2010 participante de los Foros Talleres Internacionales de Danza dirigidos por la Industria Cultural Los Danzantes en la ciudad Bogotá. En 2007 inicio mis estudios de Licenciatura en Educación Básica en la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia, Sede Sogamoso,  aistente a los Diplomados Nacionales en DANZA VIVA  y CUERPO SONORO del Ministerio de las Culturas, Las Artes y Los Saberes; Desde entonces, con estos aprendizajes en pedagogía y métodos de enseñanza, creé una línea de trabajo y de profundización, con enfoque en la formación de danza dirigida a la Primera Infancia e Infancia ( Didáctica de los Juegos- Rondas y Danzas Infantiles), en el Departamento de Boyacá y su vez compartiendo estos conocimientos con otros Maestros que manejan la primera infancia e infancia en Colombia y Latinoamérica.

KUNTUR MARQA - NIDO DEL CONDOR

Nací en Barbosa Santander el 14 de julio de 1994 hijo de Virginia Castillo de Chiquinquira Boyaca y Benjamin Pira de Barbosa Santander, de quienes aprendí que se vale luchar a pesar de las adversidades. tengo una hermana Anny Pira su profesión es contador público de la UPTC y madre de una hermosa niña, mi sobrina Aly Luciana. De ellas aprendí que la tormenta de la noche se debe olvidar con la salida del sol de la mañana.

La danza llegó a mi vida en el año del 2005 en una práctica del colegio gracias a la profesora Emilce Gamboa quien me inspiró a ser parte del grupo de Danzas de la institución. En el año 2011 me incorporé al grupo de danzas de la UPTC en donde tuve la fortuna de contar con varios maestros de la danza en especial con la presencia y orientación del maestro Javier Torres quien inculcó en mí la pedagogía y la orientación de la danza folclórica en niños niñas y jóvenes de instituciones educativas.

En el transcurso de mis estudios universitarios conocí a mi actual esposa dayanna Araujo con quien he compartido durante 10 años, acompañándome en cada momento importante de mi vida, apoyándome en momentos de dicha y gloria, como también en momentos de frustración y fracaso, con ella tuvimos la fortuna de tener dos hermosos hijos Samuel Gerónimo y Danna Maia, nuestros hijos dos talentosos deportistas y estudiantes, día tras día no me dejan de sorprender con sus resultados académicos, Disciplinarios y deportivos.

Agradezco a Dios por permitirme crecer con el ejemplo de mis parientes y familiares en donde obtuve la mejor herencia, la cual es la unión familiar.

Actualmente trabajo en Comfenalco Santander como instructor de Natación y docente de Danzas de la Universidad de Boyacá.

Cierro mi presentación dejando claro y presente que se debe vivir un día a la vez y que agradezco a Dios por tener en mi vida momentos llenos de felicidad, amor, unión familiar y armonía. Disfrutando cada día de mis padres, mi esposa, mis hijos, mi hermana y mi sobrina.

Amo la actuación, el Arte Escénico,el Cine, la música, la pintura y la fotografía. Nací bajo el abrigo del suelo Caqueteño. Y en mi cuerpo y en mi ser llevo las memorias, las huellas y cicatrices que ayudó forjar parte de lo que Soy. Todas las posibilidades de expresión me las ha brindado el Arte. Canalizar mis energías y volverlas creación ha sido el mayor aporte que he encontrado en éste camino que sigo recorriendo con esfuerzo y ahínco.

¿Soy yo, o los demás?

Mi nombre es Alejandra, soy bailarina de danza folclórica, hija de artistas mi mamá es maestra en danza, mi papá es maestro de teatro, mi proceso danzario inicio en el año 2004 a raíz de una invitación hecha por mi mamá a participar en un encuentro de danzas en una de las sedes de la institución educativa  integrado de sogamoso,Boyacá.
He estado a cargo de escuelas de formación en danza, en municipios como Samacá, Nuevo Colón, Boyacá, Motavita, Viracachá, Ciénega. 
Hoy en día soy estudiante de administración pública territorial, cursando actualmente octavo semestre. 

Esta idea se basa en el poder de la danza para comunicar emociones y fomentar la reconciliación y la unidad entre personas de diferentes culturas, como se destaca en el Día Internacional de la Danza, que promueve la paz y la colaboración intercultural a través del movimiento. También refleja la visión de Martha Graham, quien definió la danza como "el lenguaje oculto del alma" y un medio para la reconciliación y la conexión profunda con uno mismo y con los demás

Está es una aproximación de posibles preguntas que podría orientar el reconocimiento del territorio y acercarme en la posibilidad de desarrollar una propuesta lo más coherente posible; soy yo, mi experiencia, conocimiento, formación y me veo haciendo mi mejor esfuerzo, espero que las realidades no superen la ficción.

EXPLORACIÓN SENSORIAL Y CORPORAL

GRAMÁTICAS DEL CUERPO

Soy Yolanda Arias.

Soy Trabajadora social egresada de la Universidad de Caldas.

Bailarina, actriz y directora, con profundización en dirección del programa de Artes Escénicas de la Universidad de Caldas.

Directora del grupo A Cántaros Danza de Manizales.

Directora artística de la Sala de Teatro El Escondite de Manizales.

Directora del Festival Internacional de Danza “Dos Caminos, Un Encuentro”, 2015-Hasta la fecha. Este año se realizará la novena edición.

Integrante Teatro Imagen (1980-1986) y Teatro Popular de Manizales, TPM. (1991-1997).

Codirectora del Semillero de Investigación Literatura en Escena, Universidad de Caldas (2006-2012).

Integrante Proyecto de Construcción Participativa de los lineamientos de formación de teatro, convenio 097/15 Mincultura, Asociación Entre las Artes, Bogotá, Acandí. 2015; y Tumaco. 2016.

Directora artística Compañía Internacional de Danza Sueño Latinoamericano.

Investigación y puesta en escena, 2013-2018:

•  Manizales, Colombia, 2013

•  Lima, Perú, 2014

•  Mérida, Venezuela, 2014

•  Lima, Perú, 2015

•  Cuernavaca, México, 2015

•  Lima, Perú, 2017

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS:

Primer Puesto Pasillo, Pareja, VI Festival del Pasillo, Aguadas, 1996. Primer Puesto Muestra Nacional Danza Folklórica, Bogotá 1996.

Representante por Colombia al III Festival Latinoamericano de danza folklórica pareja, Bolivia, 1997.

Representante por Caldas en investigación en el VIII Festival Nacional del Pasillo, Aguadas, 1998.

Maestra invitada por Colombia al Noveno Foro Nacional de Danza, Bogotá, 1997.

PRODUCCIÓN ESCÉNICA (Como directora):

El Espejo Quinquifidus, Teatro Popular Manizales, 1992 Fusión: 2004. Soliloquio del individuo, Danza-Teatro, (Nicanor Parra), 2006.

Entre perro y lobo, Danza-Teatro, (Olga Orozco), 2004 – 2006. El Laberinto, Fernando Arrabal. Versión teatral, 2008.

El triciclo, Fernando Arrabal, 2010. (Teatro).

El Laberinto, versión danza – teatro, 2012. Matachín, matachinero, 2015. (Danza folclórica).

Aquel amor ya nostalgia, danza-teatro, 2017. Sueño y memoria, Danza-Teatro, 2018.

Recuerdo y Olvido, Teatro, 2023. 

Autorretratos. Dirección general: Coproducción Colombia – México. (Danza contemporánea). 2023. 

El ojo de la casa. Dirección. (Obra en proceso de montaje). Coproducción Grupo de Teatro El Escondite y Grupo La Esfinge Teatro de Ilusiones.

*En clave de investigación, acción y participación.

*Estar: El tiempo de la presencia, de la contemplación y la acción consciente (vivir el presente)

RELATOS DEL MOVIMIENTO

La creación colectiva nos permitió abrir nuestra mente y expandir la danza para nuevas propuestas y relatos a de los compañeros, es importante resaltar que la unión de las artes nos permiten intercambiar ideas y propuestas con los demás artistas formadores.

En el ejercicio de compartir, con demás instructores formadores y artistas del departamento de Boyacá nos abre la mente para nuevas propuestas y permitir que la danza se convierta en la herramienta principal para mover nuestros cuerpos adicional convertir el movimiento en el principal instrumento de creación y transformación social como agentes creadores de paz.

La interacción de artistas formadores, Creadores, investigadores de danza folclórica nos permitieron construir una danza expansiva con distintos criterios partiendo de las necesidades o dificultades que presentan los niños niñas y jóvenes de nuestro país.

En nuestra propuesta inicialmente se plantean que cada actor o artista cumplía el papel y representaba la necesidad de un niño de cada una de las provincias del departamento de Boyaca se recreo también el aula de clase en donde se comparten ideas y se transforma el conocimiento por medio de distintas dinámicas que manejan los instructores o docentes de aula. Adicional se planteó la planimetría de la rumba criolla con la canción la gallina Melli cera que permitía como ronda folclórica compartir y debatir distintas partes de la coreografía de una de las danzas populares del departamento de Boyaca

El diplomado me permitió descubrir cómo la danza puede conectar a las personas más allá de las palabras, creando espacios seguros donde se pueden expresar emociones, historias y vivencias que muchas veces permanecen silenciadas. Aprendí que la danza tiene la capacidad de sanar heridas, reconstruir vínculos y fomentar una cultura de paz desde lo más profundo de la experiencia humana.

Además, esta formación me brindó técnicas y metodologías para diseñar proyectos danzarios que promuevan la inclusión y el entendimiento mutuo, habilidades que ahora puedo aplicar en mi comunidad o en cualquier espacio donde se necesite construir puentes y superar divisiones. La experiencia me hizo valorar la importancia de escuchar activamente y de dar voz a quienes han sido marginados o afectados por la violencia.

esta experiencia no solo amplió mi conocimiento sobre el poder del movimiento, sino que también fortaleció mi compromiso con la paz, motivándome a seguir trabajando para transformar conflictos a través de la creatividad y la sensibilidad. Estoy convencida de que la cultura y las artes son un lenguaje universal que puede contribuir significativamente a la construcción de un mundo más justo y armonioso.

Fue vital representar la infancia como el inicio del ciclo vital, el desarrollo de las cotidianidades del hogar de las personas a pie, quienes han construido el país, un país ceñido por violencias y carencias; las mascotas en la ruralidad cuentan con otras significancias como las gallinas. Esto nos lo permitió la construcción de la danza expandida entendiendo los elementos del cuerpo, la danza, la historia y las comunidades. Permitió que el proceso de investigación tuviese su génesis desde el movimiento, la experiencia y el afecto.

Emergió en concordancia y armonía en las ideas, cada cual asumió su rol con compromiso y responsabilidad, se presentaron ideas diversas, pero no conflictos, fue un espacio de aprendizaje y cooperación. La danza es una apuesta a la vida, para la sanación, la reconciliación y los afectos.

Es para mí muy reconfortante ver que mis prácticas en danza van en la línea que propone este diplomado. Me alimenté del saber de quienes lo orientaron de un modo tan humano. Gracias por todo.

Núcleo II

Pedagogía para el encuentro y la recreacion

Reflexión

La danza y la recreacion son dos facetas inseparables, la danza, como arte la expresión del movimiento corporal que se utiliza para comunicar ideas, emociones y la creación se refiere al proceso de diseñar y desarrollar nuevas formas de danza en este caso fue un trabajo para niños donde vemos la realidad en las aulas de clase.

Realizamos una historia basada en la niñez donde dos niñas jugaban, una niña cocinando y pendiente de su gallina que hasta la llevaba al colegio, un niño trabajador en el campo uno que estudiaba demasiado y que tenía los medios económicos, niños que nos gustaba ir al colegio aprender, cantar y bailar con nuestra docente que se preocupaba por el bienestar de sus estudiantes, niños y niñas que con mucha alegría disfrutábamos del colegio y del aprendizaje.

Algo muy hermoso desde mi experiencia es la alegría y el aprovechamiento de los niños y niñas al llegar un docente a las instituciones rurales ellos disfrutan del aprendizaje, las lúdicas, los detalles, que lindo sería que fomentarán las danzas en todas las instituciones educativas ya que la danza ayuda al desarrollo emocional, psicológica, educativa, familiar la danza es terapia.

Y esperamos que esto sea un paso de aprovechamiento en cada uno de los estudiantes que reciban este gran regalo de aprender danza conocer territorios sus regiones, su gastronomía, danzas representativas de cada región o país.

Danza es Amor

OBRA: DEL DOLOR AL HONOR - FLAMENCO Y RUMBA CRIOLLA

LA LOCA MARGARITA

PRACTICAS ARTISTICAS Y CULTURALES TEJEDORAS DE PAZ

PROYECTO PEDAGOGICO

CUERPO DIVERSIDAD Y TERRITORIO

INFOGRAFIAS PROFENDIZACION 1,2,3,4,5

En clave de Investigación

Reconocimiento de territorio

Cartografía

HEIDY LIZETH PUENTES ORTIZ

SISTEMATIZACIÓN: En el recurso del computador de un compañero se dispuso todo el material y las diferentes mezclas de música y efectos y la transcripción de la planimetría con los relatos compartidos en el grupo.

INVESTIGACION: Basados en lo investigado en la violencia el lo de la guerra de los mil días en 1889 bajó el gobierno conservador del presidente José María Sanclemente y como el Bambuco hizo parte en el éxito de los vencedores en los libertadores para la subsistencia y herencia como ánimo y consuelo en estos hechos de violencia, dándonos la idea de crear la coreografía y puesta en escena!

"Tras las Huellas 👣 ancestrales"

la danza despierta raíces dormidas,

tejiendo en cada paso historias antiguas, memorias que el viento acaricia.

El cuerpo habla con el suelo,

marca el ritmo de la vida,

y en cada giro, en cada salto,

se renace el alma del territorio.

No es solo movimiento,

es diálogo con el tiempo,

es trabajo que cultiva sentidos,

es semilla que florece en comunidad.

La danza es puente y es hogar,

es voz que une y que transforma,

un acto sagrado que en el territorio

hace latir el corazón del mundo.

Infografías

Profundizaciones

El proceso de creación del montaje interdisciplinar fue una experiencia profundamente transformadora, tanto a nivel personal como colectivo. Desde el inicio, nos sumergimos en una construcción artística que no solo buscaba representar una narrativa, sino también encarnar temas esenciales como la reconciliación, la memoria, la sanación, la resiliencia, la corporeidad y la construcción de paz. Esta puesta en escena no fue un simple acto performativo, fue una manifestación viva del encuentro entre historia, cuerpo y comunidad.

La investigación y sistematización no se desarrollaron desde métodos tradicionales, sino desde una mirada sensible al movimiento, a la experiencia vivida, a los saberes propios y compartidos. El cuerpo se convirtió en archivo, en lenguaje, en medio de expresión, permitiendo que cada participante hablara desde su interioridad y desde lo que habita en lo colectivo. La danza expandida, en este contexto, abrió posibilidades para narrar desde la corporalidad, desdibujando los límites entre arte y vida.

Los acuerdos que guiaron el trabajo no fueron impuestos ni formalizados, sino que emergieron de manera orgánica en el hacer conjunto. La conciencia compartida de que el objetivo era construir una obra con sentido, coherencia y profundidad, dio lugar a un ambiente donde cada persona asumió su rol con compromiso y autonomía. Esta disposición colectiva favoreció una dinámica fluida, de respeto, escucha activa y creación conjunta, donde la iniciativa individual se integró armónicamente en la propuesta colectiva.

La energía positiva, la disposición para el diálogo y un ambiente marcado por el humor y la tranquilidad fueron claves para facilitar el proceso creativo. No se presentaron conflictos, pero se percibía en el grupo la capacidad para abordarlos desde la empatía y la mediación si hubiesen surgido. Esta madurez colectiva es también una forma de resiliencia y una expresión práctica de la paz que intentamos representar en escena.

Este montaje fue más que una obra artística; fue una práctica viva de comunidad, de transformación simbólica y real. El laboratorio creativo fue un espacio de encuentro donde la responsabilidad, la creatividad y la cooperación se entretejieron con los sentidos más profundos del arte como posibilidad de sanación y reconciliación. En este proceso, descubrimos que la danza, cuando se expande más allá de lo técnico, puede ser un acto político, pedagógico y profundamente humano.

Dentro de laboratorio de creación las experiencias tuvieron un maravilloso resultado y la gran oportunidad de trabajar en equipo en base a un tradicional personaje ubicado en Bogotá y es la loca Margarita trabajamos dentro de la historia y la guerra de los mil días pero sobre todo la resistencia humana ante las masacres. dando inicio a la representación del Duelo que ha transitado por el territorio colombiano con la disyuntiva política.

la obra concluye con la importancia de fortalecer los procesos de Salud Mental ocasionados por duelos con sanado falso, inscritos en la memoria de la sociedad ínter generacional.

uno de los factores que como formadores queremos Resaltar es la construcción de la paz y para ello la danza esta en un territorio muy amplio con poblaciones variadas y es por ello que lo vivido Dentro de este laboratorio nos permite identificar los factores en base a las necesidades de las comunidades, como la comunicación la disposición de espacios las comunidades y así como referencia a las situaciones moldeadas con anterioridad para así ofrecer a los participantes explorar Cómo cambiar y mejorar a la ciudadanía Desde allí la original historia de la cultura, la resiliencia y la proyección a futuro por la paz dejando así una memoria de cambio

Una vez más, siento que debemos abordar con más frecuencia estas puestas en escena que nos aportan maravillosos recuerdos e empataran en el público presente una mirada más allá del folclor, como una parte transversal de este.

Agradezco a los compañeros y formadores por esta experiencia vivida en estos cortos siete días en Tunja Boyacá, bendiciones para todos.

Estos aprendizajes me han sido satisfactorios para mejorar y complementar mi quehacer como formador de la danza.

La información condensada, para mejor entendimiento y visualización, comprender de mejor manera lo que realmente trata la Danza expandida, sus diversas maneras en las que se puede abordar y manejar.

gracias a los Maestros Formadores: Arlenson-Susana y Lorena.

Reflexión:

Con este grandioso  grupo de trabajo que conto con una diversidad de géneros no de danza, con la visión y decisión que por medio de la interculturalidad es un eje o un punto de enfoque  en la construcción de paz, se revela como una experiencia profundamente enriquecedora y con un potencial transformador significativo. Al reunirnos como  individuos con distintas formaciones y expresiones dancísticas – desde la energía visceral del contemporáneo, el folclor, lo Urbano hasta la participación de la docencia institucional, pasando por la riqueza cultural de las danzas en general   contacto improvisación al igual que la creación colectiva se sintió y se compartieron ideas gratificantes a través del movimiento y la exploración.

Reflexión La danza de "La Loca Margarita", basada en la canción folclórica bogotana, puede ser interpretada como un poderoso símbolo de paz y reconciliación en el duelo. Margarita Villaquirá, el personaje detrás de esta obra, representa una figura que, a pesar de su sufrimiento y pérdida, encontró una forma de expresar su dolor a través de su presencia y acciones en la comunidad. Los movimientos reflejan la transición emocional desde el dolor hacia la aceptación, utilizando gestos que simbolicen la liberación de la tristeza y la búsqueda de armonía. La música y el ritmo de la rumba criolla, característicos de esta canción, ofrecen una oportunidad para explorar cómo la cultura y el arte pueden ser herramientas para sanar heridas emocionales y fomentar la paz interior.

Además, la historia de Margarita es un llamado a la reconciliación colectiva, recordándonos que el duelo no solo es personal, sino también comunitario. La danza, como expresión artística, nos permite conectar con estas emociones y transformarlas en un mensaje de esperanza y unidad.

El folclor, no es una abstracción de la realidad, es una plasmación de la misma, en la medida en que las condiciones sociales, materiales o espirituales cambian, así, el hecho folclórico se va recopilando y reflejando en las próximas generaciones. Las conmemoraciones religiosas, las fiestas populares, la vida cotidiana, los recuerdos del pasado, dejan su huella en la danza, en el canto y la poesía. El folclor es una expresión del pueblo y es nuestro deber, extender las manifestaciones, trasmitiéndolas, integrándolas y desarrollándolas en nuestro medio social. 

El conceso no fue sencillo, logramos acordar hacer la representación de la danza de la loca margarita, sin embargo, nos costó un poco poder incorporar el flamenco ya que algunos artistas no consideraban esta mezcla de géneros musicales.

La investigación comenzó por la búsqueda de la historia de la danza criolla la cual esta plasmada en la cartilla de creación y la leyenda de La loca Margarita.

Posteriormente intentamos realizar un ajuste en la muestra de creación de la historia sin perder de foco la representación del duelo, de la guerra que se vivió en la época por las disyuntivas partidistas políticas.

Por último, se organizó la cartilla y el vestuario, junto con los accesorios para dicha actividad.

• La danza es el lenguaje narrativo del alma.

La propuesta contenida en la cartilla del Núcleo 2 se entrelaza con la idea de que el cuerpo no es solo presencia, sino también memoria, lenguaje y territorio de sentido. En este enfoque, el cuerpo se vive, se siente y se expresa como un medio vital para construir comunidad y conocimiento.

La creación colectiva, tal como se plantea en el documento, emerge desde lo sensible, lo emocional y lo vivencial. En este sentido, vivir el cuerpo en la creación colectiva implica reconocerlo como fuente de saberes situados, como espacio que alberga la historia personal y colectiva, como canal de afectos, de resistencias y también de sanación.

La creación no es solo producir algo juntos, sino tejer sentidos desde la diferencia, el afecto y la escucha. por lo tanto estas pedagogías abren caminos para construir vínculos más humanos y procesos educativos más sensibles, donde el arte, el cuidado y la participación se unen para transformar realidades.

• Reflexiones.

Al adentrarme en este territorio como trabajadora social, me permitirá tener otra mirada comprendiendo sus necesidades por medio de mensajes que emite el cuerpo con la danza, acompañado de ética y el construir con las personas. Este proyecto es una oportunidad para propiciar espacios donde niñas, niños, jóvenes y artistas formadores transformen el dolor en expresión, la ausencia en memoria y el miedo en movimiento.

Desde mi quehacer profesional, significa también reconocer las condiciones estructurales que afectan a las comunidades la pobreza, la desigualdad, la exclusión, pero sin quedarnos solo en el diagnóstico. Teniendo en cuenta que el arte y el cuerpo son lenguajes potentes de transformación, y que cuando se entrelazan con el acompañamiento psicosocial, abren caminos para imaginar futuros distintos.

Me encanta el trabajo en calle, explorar nuevas posibilidades creativas y de trabajo con diversos territorios, por eso coordino el Componente Pedagógico de Sonidos para la construcción de paz-en la Línea de danza y movimiento por la paz.