Una de sus primeras obras maestras es El aguador de Sevilla, donde se ve a tres hombres que representan etapas de la vida; niñez, juventud y vejez. Respecto a la técnica va acorde al estilo barroco ya que emplea la luz y sombra (claroscuro) en cada uno de los personajes y objetos, la paleta que utiliza son quebrados, colores tierra, que es característico de la gama cromática en estas pinturas pertenecientes al estilo. La escena expresa movimiento, al menos una intención. 

La Sagrada Familia Panciatichi
Podemos identificar que esta obra es manierista debido a las dimensiones desproporcionadas de los cuerpos, que, al ser niños (los personajes más evidentes para demostrarlo) de corta edad poseen un cuerpo gigante. La composición se basa en diagonales definidas por los cuerpos; posiciones del cuerpo un poco más curveadas para señalar el movimiento, podemos notar como los cuerpos de los infantes son más palpables y volumétricos.  Y algo muy importante del manierismo para identificarlo, en algunos casos, es la postura de las manos en la cual se muestra a los dedos anular y medio "pegados" y separados al índice y meñique, significa que nos habla de la Trinidad, y por lo tanto esta técnica de colocación de manos en el manierismo es evidente en esta obra. La gama cromática es de tonos más fríos, pálidos, como la encarnación.

LA ANUNCIACIÓN (1430)

Fray Giovanni del Fiésole, mejor conocido como “Fra Angélico”, llamado así por su estilo de pintura y su devoción personal, fue un pintor renacentista italiano del siglo XV. Su pintura se caracteriza por ser de gran serenidad la expresión de los personajes y su composición general, lo que habla mucho de su vocación de vida monástica como fraile dominico. Su obra más conocida es La Anunciación (1430-1432), y emplea de forma magistral la perspectiva. La técnica general de Fra Angélico es plástico-lineal, y se considera aún con muchas reminiscencias del gótico (lo que llaman “gotizante”) como la posición de los cuerpos, aunque se logra una mayor proporción y naturalismo, lo que la distingue claramente de autores como Giotto, Duccio o Lorenzetti, y la identifica como renacentista. Hay también un mejor manejo del volumen en las encarnaciones, el esfumado y degradado es mucho más suave y trabajado. Los capiteles de las columnas, aunque muy góticos, insinúan el orden corintio; el arco de medio punto es predominantemente renacentista. La paleta es muy colorida y de mucha viveza, tal vez esto debido mucho a la conservación gracias a la técnica del temple de huevo, que es más estable.

LA SANTA CENA (1562)

Pintor valenciano, hijo del pintor Vicente Macip. Sus obras corresponden a la técnica plástico-colorista, pues ya no presentan un dibujo delineado, aunque no es un pintor de empaste, su pincelada no es completamente suave y esfumada sino equilibrada. Se desarrolla casi exclusivamente en el arte religioso. Todos sus retratos de Cristo son de un rostro modelo, que se repite, y a su vez cuida el parecido físico de Cristo con el de sus parientes (primos) San Juan Bautista y Santiago el Menor en su obra más famosa: La Última Cena, llamada también La Santa Cena. El uso de los colores es muy característico del manierismo, ya no son los colores vivos y puros del prerrenacimiento, sino que están mejor trabajados; el claroscuro está presente. En un primer plano vemos la jofaina y la jarra, con los que previamente fue el lavatorio de pies: el volumen es hábilmente representado, al igual que en los objetos sobre la mesa. En segundo plano está la escena de la Consagración en la Última Cena, y los discípulos contemplando devotamente la hostia. La sombra detrás de la hostia hace contrastar su blancura y resaltarla de toda la composición. Una característica particular de esta pintura es la representación del Santo Cáliz de Valencia, que según la tradición es el cáliz verdadero usado por Jesucristo. Detrás de esto está un muro con un vano flanqueado por dos columnas, y en el plano más lejano, a través de dicho vano, hay parte del paisaje, muy al estilo de Leonardo.

JUDITH Y HOLOFERNES (1599)

Caravaggio es considerado el primer gran exponente del barroco en la pintura y el iniciador del tenebrismo. Fue uno de los pintores más prolíficos, a pesar de haber muerto a una corta edad; activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, es considerado uno de los pintores más importantes de toda la historia. El gran Caravaggio realmente creó una nueva forma de pintar, rompió con muchos esquemas renacentistas y prerrenacentistas. Como ya se comentó, inició el “tenebrismo”, que se diferencia del claroscuro en que éste tiene una mayor búsqueda de naturalismo, pues trabaja mejor los degradados y la pincelada es esmerada y bien esfumada, su técnica es plástico-colorista; plasma más vivamente las expresiones y no tiene un mayor interés en el fondo, ya que este casi siempre es una “tenebra”, tiniebla, es negro o muy oscuro, apenas en algunos cuadros se insinúan fondos como muros y cortinas. La obra Judith y Holofernes corresponde a su época de esplendor y es una de las más características de su estilo, ya que podemos ver presentes todas las mencionadas. Judith decidida, aunque un poco asustada y nerviosa, decapita a Holofernes, quien todavía está vivo y muestra su dolor; la criada sostiene la bolsa con actitud imponente y segura, al acecho y con un cierto grado de satisfacción de venganza. Jamás se había logrado plasmar a tal grado las emociones de los personajes, que le da mucha fuerza a la obra y la define claramente como netamente religiosa. Algunos críticos reclaman a Caravaggio el excesivo naturalismo de sus obras, que en algunos casos caen en lo llano, como su primer pintura de La inspiración de San Mateo, que es rechazada y debe ser realizada una nueva con una mayor carga teológica y no tanto cotidiana.

LA ASUNCIÓN DE LA VIRGEN (1740)

Pintor italiano del rococó, la mayoría de su obra es producida en España al ser llamado por la corte para trabajos especiales. Sus temáticas son religiosas y de la mitología. Las características de su pintura, y del rococó en general, son el empleo de colores suaves, apastelados, dominando los tonos rosados y el mayor movimiento. Es netamente plástico-colorista, la pincelada se vuelve más burda y menos trabajada en ropajes y rostros, sin embargo se pone mayor énfasis y cuidado en el trabajo de nubes y cielos, lográndose efectos muy variados: desde contrastantes colores hasta una uniformidad general en determinadas zonas. Esto está presente en la obra La Asunción de la Virgen, en donde apreciamos colores verdosos, rojizos y azulados distribuidos y situados inteligentemente; se observa aún el claroscuro. Otra característica importante es el uso de gran cantidad de ángeles, querubines y serafines, que se van degradando y perdiendo en la profundidad de la nube. Podría decirse que el mayor logro del rococó es el buen manejo de cielos y nubes, así como de los rayos celestiales. Esto es uno de los pasos que faltaban por darse en las técnicas del arte. 

El empleo de las técnicas pictóricas en el arte se fue adaptando a las necesidades de la época, de la mano con las temáticas, y así vemos dichas necesidades en los cambios de la sociedad, como el surgimiento del humanismo en el Renacimiento, el Concilio de Trento o la Ilustración. En las técnicas no hay una mejor que otra sino que debe ser entendida en su contexto histórico, y así cuando era necesario representar los temas sagrados de forma táctil, cercana, humana, se hacía así, cuando era necesario exaltar la gloria divina y celestial se hacía así. Sin embargo, las características de cada pintor también varían, y distinguen a uno del otro, pues esto es muy importante en el barroco y aún en el manierismo: la originalidad de técnica.