Dove si trova: Basilica di San Pietro in Vaticano, Città del Vaticano

Realizzato da: Michelangelo Buonarotti

 Questa è stata una scultura rivoluzionaria, poiché fino a quel momento le pietà che vennero realizzate dai precedenti artisti erano realizzate su un piccolo supporto di legno ed il rapporto tra la figura di Maria e Gesù era reso in modo semplicistico.

Michelangelo rinnovò completamente lo schema tradizionale dell’opera, scolpendo le due figure in modo estremamente realistico: la Vergine è seduta su una piccola roccia, che simboleggia il monte Calvario, sul quale Cristo venne crocifisso; lo stesso Gesù, invece di essere realizzato in modo completamente rigido ed in posizione orizzontale, qui Michelangelo lo immagina accasciato sul corpo della propria madre, con il suo corpo privo di vita.
Ciò che mi ha colpito di più in questa scultura è la realisticità che riesce a comunicare. I corpi sembrano quasi vivi per via delle loro forme curve e proporzioni tanto che la scena sembra reale. Nessun'altra scultura è riuscita a colpirmi tanto quanto questa per la naturalezza che riesce a trasmettere

Dove si trova: museo di Capodimonte a Napoli

Realizzato da:Vincenzo Camuccini

Il pittore romano trasse ispirazione per questo quadro dalla lettura della Morte di Cesare di Plutarco. Il momento raffigurato è quello in cui Giulio Cesare, alzatosi e sceso dal seggio della curia pompeiana per cercare di difendersi, si accorge della presenza di Bruto, suo figlio adottivo, che vigliaccamente lo colpisce senza guardarlo in faccia. Sulla destra è collocato il gruppo di senatori, che osservano l'omicidio di Cesare increduli e terrorizzati. L'intera composizione si articola staticamente su semplici linee orizzontali e verticali, schema geometrico tipico della pittura neoclassica; i gradini a destra seguono l'andamento della direttrice orizzontale, mentre le linee verticali sono descritte dalle due sculture poste nelle nicchie del muro e dalla grande statua di Apollo che regge un globo terrestre in mano. La Morte di Giulio Cesare è composta da colori particolarmente caldi, come il rosso e il giallo, stesi sulla tela in modo preciso e senza sfumature.
Sono rimasto sorpreso da questo dipinto per la rappresentazione scenica e teatrale proposta quasi come un fermo immagine senza sfocature perfetto in ogni minimo dettaglio.

Dove si trova: Galleria Nazionale d’Arte Moderna.

Realizzato da: Francesco Paolo Michetti

Il dipinto rappresenta un momento della festa di S. Pantaleone nel piccolo paese di Miglianico (Chieti), quando alcuni fedeli, in chiesa per adempiere un voto, strisciano verso il busto-reliquiario del santo con la lingua sul pavimento, sullo sfondo dei canti, delle preghiere, degli incensi. Mi sembra quasi che particolare del grande dipinto viene trasferito in parola: tutta la truce intensità di quella fede, tutta la convulsione di quello spasimo è raccolta nella figura che si attacca con l’estremo sforzo delle braccia al simulacro d’argento e gli attacca alla bocca la bocca insanguinata. Suscita in me qualcosa di sovrumano che però attrae che lo osserva; pare che quel vecchio si aggrappi a un’ultima speranza di salvezza, pare che voglia donarsi anima e corpo a quell’essere muto che lo guarda dalle profonde occhiaie di teschio nella radiosità del disco tagliente. Tutta la faccia e il cranio calvo si confonde con il metallo, nel sudiciume del sangue e della polvere; ma un riflesso d’argento brilla nell’occhio umano vincendo il luccicore della fede. E' un dipinto che trae ispirazione da una pratica a metà tra la fede e la superstizione,che documenta un determinato aspetto di una tradizione popolare con intenti realistici, in sintonia con l’indirizzo prevalente della cultura del tempo per esempio I Malavoglia o Vita dei campi di Giovanni Verga.

Dove si trova: Galleria Nazionale d’Arte Moderna.

Realizzato da: Gustav Klimt

 Il dipinto rappresenta in modo simbolico tre momenti della vita femminile: l’infanzia, la maternità e la vecchiaia.L’artista rappresenta in questo quadro la precarietà della vita e della bellezza. Ne Le tre età della donna appare esplicita un’allegoria della vita e del corso delle stagioni.

Il gesto della donna anziana che si copre gli occhi ha un carattere drammatico: rappresenta la rinuncia ad affrontare la realtà e l’inevitabilità della morte. Simboleggia il tempo che scorre inesorabile e la morte che minaccia il genere umano, non solo quello femminile.

La donna giovane, raffigurata frontalmente e coperta soltanto da un velo, appare con una carnagione pallida ma la sua luminosità crea un deciso ed energico contrasto con quella della donna anziana, così come il colore dorato della capigliatura. La piccola è paffuta, dettaglio che si nota nelle guance rosa. Dai visi delle due figure femminili con gli occhi chiusi si intuisce tuttavia un senso di appagamento o felicità spirituale. Anche lo sfondo aiuta a trasmettere questa sensazione: l’anziana si trova su un piano arretrato, dallo sfondo scuro, composto di toni che vanno dall’ocra al marrone al nero; le altre due si trovano su uno sfondo color oro, tinteggiato da colori pastello, decorato.
In questo caso sono stato colpito dalla rappresentazione fedele di Klimt delle fasi della vita e di come le si affronti cercando di sottrarsi a quelle più difficili ma inevitabili.

Dove si trova: Museum of Modern Art, New York

Realizzato da: Salvador Dalì


La persistenza della memoria raffigura un paesaggio costiero della costa Brava dominato da un cielo dalle sfumature gialle e celesti. La scena, disabitata e scevra di ogni vegetazione, è inspiegabilmente popolata da diversi oggetti: un parallelepipedo color terra, un ulivo senza foglie che sorge su quest'ultimo, un occhio dalle lunghe ciglia addormentato e un plinto blu sullo sfondo, che si intona al mare retrostante. L'attenzione è catturata dai tre orologi molli, quasi liquefatti, che di fatto sono i protagonisti della scena. Squagliandosi, questi assumono la foggia dei loro sostegni: il primo ha una mosca su di esso e scivola oltre il bordo del volume squadrato collocato in primo piano, il secondo è sospeso sull'unico ramo dell'albero secco appoggiato sul parallelepipedo, e il terzo è avvolto a spirale sulla timida figura embrionale colante sul suolo. Un quarto orologio, l'unico ad essere rimasto allo stato solido, è collocato sempre sul parallelepipedo ed è ricoperto di formiche nere brulicanti. Salvador Dalì con La persistenza sulla memoria riflette sulla relatività del tempo. Il suo scorrere è cupamente scandito dal moto cadenzato degli orologi, che pretendono di misurare oggettivamente questa dimensione; eppure questi strumenti sono messi in crisi dalla memoria umana, un dato né quantificabile né tangibile che è alla base della soggettività del tempo. 

Questo quadro ha mosso in me un senso di inquietudine ,causato principalmente dall'accostamento di colori molto caldi a colori molto freddi, che mi ha portato però ad analizzarlo più volte e a riflettere su elementi che ad un prima visione mi erano sfuggiti e sui significati ad essi legati.