Évidemment ce travail sera noté ! Rassurez-vous je vous transmets la grille de compétences.

Les consignes concernant ce premier article sont les suivantes :

En binôme vous devrez rédiger un article sur un autoportrait (préalablement reçu en classe) et le publier sur le padlet. Cet article devra contenir :

• Une rapide biographie de l’artiste et un court récapitulatif du mouvement artistique auquel il appartient.

• Une description complète de l’œuvre, selon la fiche méthode distribuée en classe.

• Une analyse de l’œuvre au regard de la problématique suivante :

  « Pourquoi l’artiste a-t-il choisi de se représenter de cette façon? »

Doivent impérativement apparaître sur votre article : vos sources utilisées et votre identité (nom / prénom).

Norman Rockwell, né à New York le 3 février 1894 et mort le 8 novembre 1978 à Stockbridge, Massachusetts est un illustrateur américain Il est célèbre pour avoir illustré de 1916 à 1963 les couvertures du magazine The Saturday Evening Post, où il représenta dans un style naturaliste et réaliste, la vie quotidienne aux Etats Unis dans l'entre 2 guerres et l'après guerre.

Description complète de l’œuvre

Triple autoportrait est une illustration de Norman Rockwell pour une couverture du magazine The Saturday Evening Post de peinture à l'huile sur toile pour le numéro du 13 février 1960, Dans cette œuvre, Rockwell se représente lui-même en train de se regarder dans un miroir afin de disposer d'un modèle pour peindre son autoportrait . Au premier plan, nous apercevons le peintre de dos, assis sur un tabouret, le torse penché vers la gauche. Au deuxième plan, il y a le chevalet : nous voyons l’artiste en train de se peindre. Sur le tableau sont affichées 4 autres peintures de différents peintres célèbres ainsi qu’une esquisse de l’œuvre en devenir. Le troisième plan est constitué du miroir dans lequel Rockwell se regarde pour pouvoir se peindre. L'artiste utilise ici une mise en abyme qui consiste à incruster dans une image cette image elle-même Le tableau original fait partie des collections du musée Norman Rockwell à Stockbridge dans le Massachusetts

Pourquoi l’artiste a-t-il choisi de se représenter de cette façon?

Se peignant en s'embellissant, Rockwell montre peut-être la tentation de donner de soi une plus belle image pour la postérité. Il pose le problème de la sincérité de l'autobiographie. Des trois personnages représentés, lequel est le vrai ?

Käthe Kollwitz, née le 8 juillet 1867 à Königsberg (Royaume de Prusse) et morte le 22 avril 1945 à Moritzburg (Saxe), est une graveuse, sculptrice et dessinatrice allemande, dont l’œuvre figure parmi les plus représentatives du XXe siècle. Elle passe son enfance et son adolescence à Königsberg, en Prusse-Orientale, où elle reçoit des leçons de son grand-père. Considérant la passion de sa fille pour le dessin, son père l'encourage à suivre des cours. À partir de 1881, Käthe, à l'âge de 14 ans, s'initie à son art auprès du peintre Gustav Naujok et du graveur sur cuivre Rudolf Mauer. En 1885, elle quitte Königsberg pour Berlin, où elle fréquente l'école de dessin et de peinture. Puis elle séjourne à Munich où elle achève presque sa formation auprès du professeur Ludwig von Herterich et se fiance à Karl Kollwitz.

(image de l œuvre si possible)

Description complète de l'œuvre :

Dans ses autoportraits, Käthe Kollwitz se représente souvent de manière austère, avec un visage marqué par les épreuves de la vie.

Sur cette autoportrait, on y voit un contraste saisissant entre la lumière et l’ombre, un regard direct et perçant, et une attention au détail dans l’expression du visage. Elle ne cherche pas à embellir son image mais à transmettre sa vérité intérieure.

Problématique : Pourquoi l'artiste a-t-elle choisi de se représenter de cette façon ?

Käthe Kollwitz se représente de cette façon pour plusieurs choses :

Authenticité : Elle veut montrer la réalité de son existence, marquée par sa douleur personnelle.

Engagement : Son autoportrait est un miroir de son engagement social et artistique. Elle s'appuie sur son rôle d’observatrice et de critique des injustices.

Introspection : Ces autoportraits servent à refléter l’impact des épreuves qu’elle a traversées.

Nous avons utilisé pour ce travail :

• Wikipédia

• wikiart.org

• Museum köln.

  
  

Alyssa et Gabrielle

L’arrière-plan désertique reflète la désolation et la solitude qu’elle ressentait. Cette œuvre est souvent interprétée comme une représentation de son calvaire personnel, avec des références à la crucifixion du Christ.

La Colonne brisée de Frida Kahlo est un autoportrait illustrant sa douleur physique et émotionnelle après un grave accident, avec une colonne vertébrale brisée et des clous symbolisant sa souffrance.

-Il a réalisé au 19eme siècle en 1845 , son autoportrait le plus célèbre : Le désespéré

Sur son autoportrait on le vois se tenir de face et il se tiens les cheveux . Il nous regarde droit dans les yeux en nous fixant. Les couleurs froides sont majoritaires sur son autoportrait . Il c’est représenté comme sa pour montrer son profond d’espoirs . Il a du la recommencer plusieurs fois car il a étais refusé par le Salon de Paris.

Cette œuvre de Pablo Picasso s'intitule Buste de femme, c'est une peinture à l'huile sur toile, réalisé en 1929 c'est inspiré d'un mouvement précubisme.

Sur cette peinture on peut voir, au premier plan, des formes géométriques mélanger avec des caractéristiques humaines comme des dents, une langue, un cou, des narines, des yeux ainsi que des cheveux.

Au second plan, nous pouvons voir un tableau

L'hyperréalisme vient du marchand d'art belge Isy Brachot III. Les artistes utilisaient des photos de magazines ou des photos personnelles comme modèle pour leurs peintures. C'est tellement réaliste que le spectateur se demande si la nature de l'oeuvre est une peinture ou une photographie.

Cette peinture hyperréaliste se nomme «La pintura en mi cabeza 2», elle a été conçu par Eloy Morales en 2017.

La peinture est en plan serré (gros plan) avec un fond bleu uni. Le tableau est plutôt froid avec des couleurs dans les tons bleus mais quelques touches de rouge et de jaune le réchauffe. On ne voit qu'un visage recouvert de grosses tâches de peinture.

Ce portrait s'arrête au ras du menton de la personne. Nous reconnaissons très bien les éléments du tableau grâce au mouvement artistique utilisé.

Nos premières impressions ont été de l'étonnement quand nous avons appris la nature de l'oeuvre. Le visage du modèle fait ressortir un sentiment neutre voire triste. Eloy Morales explique sa relation avec la peinture au travers d’autoportraits dans lesquels il se met en scène, le visage couvert de peinture. La série des tableaux qui se nomment «La pintura en mi cabeza» semble coïncider avec sa propre évolution au niveau de la peinture.

Autoportrait au passeport juif est une huile sur toile peinte en 1943 par Felix Nussbaum. Le mouvement artistique est la nouvelle objectivité. Cette œuvre est conservée dans la maison de F. Nussbaum à Osnabrück en Allemagne. Ses dimensions sont 56 cm sur 49.

Au premier plan, nous pouvons voir Nussbaum qui tient un passeport de sa main gauche au seconde plan nous pouvons observer une grande muraille derrière Felix et au dernier plan il y a un bâtiment de quelques étages et un tronc d'arbre desséché.

Il y a majoritairement des couleurs froides comme le gris de la muraille le brun et le vert kaki mais également des couleurs chaudes comme le jaune de l'étoile juive et le rouge sur le passeport . Les lignes horizontales et verticales sont nette avec des symétries elles organisent les deux espaces.

Ce tableau représente un autoportrait, au dernier plan est représenté un ciel envahi de nuages grisâtre et/ou de fumée. La nature est en partie détruite présentant seulement un arbuste fleurit. Un grand immeuble dont on aperçoit seulement la partie supérieur fait allusion à une prison par ses fenêtres à demie fermés au second plan un haut mur d'enceinte fissuré et dégradé fait allusion à un espace clos et sinistre devant la muraille au premier plan, le peintre se représente en plan rapproché. Il porte un parquas de couleur brun et un chapeau dissimulant son visage. Les couleurs sont similaire aux décors dissimulant Felix. Il se peint en juif car il soulève son col faisant apparaitre son étoile juive et montre également son passeport. Au premier plan les couleurs sont un peu plus clair car le peintre semble éclairé c'est donc son visage qui est mit en avant ( mise en abyme ) .

La peinture représente la peur l'angoisse et la souffrance éprouvé par les juifs et juive durant une triste période. Nussbaum exprime sur son visage de l'angoisse et la peur du juif persécuté et stigmatisé qui vivait constamment dans la crainte. Son regard peut être interprété différemment selon les points de vu. Autoportrait d'un passeport juif est une œuvre témoignage une œuvre dont la mémoire ne s'effacera pas.

Sur son autoportrait on le vois se tenir de face et il se tiens les cheveux . Il nous regarde droit dans les yeux en nous fixant. Les couleurs froides sont majoritaires sur son autoportrait.

Il c’est représenté comme sa pour montrer son profond d’espoirs . Il a du la recommencer plusieurs fois car il a étais refusé par le Salon de Paris.

nous cain ut

(Juline et Chloé)(3°3)

La nature de l’œuvre et le mouvement artistique

L’œuvre est une peinture à l’huile sur métal, inscrite dans le mouvement du surréalisme, bien que Kahlo ait souvent refusé cette étiquette. L’œuvre mêle réalisme et symbolisme dans une composition narrative complexe qui souligne les oppositions entre tradition et modernité, nature et industrie.

Le cadrage et les plans

Le cadrage est frontal et serré sur Kahlo, qui se tient au centre de la composition, divisée en deux parties contrastées : à gauche, le Mexique traditionnel et vivant, et à droite, les États-Unis industriels et pollués. Kahlo est placée sur un plan rapproché, immobile entre ces deux mondes qu’elle semble séparer.

Les couleurs

Les couleurs sont vibrantes et contrastées. Le côté mexicain est riche en tons chauds (bruns, rouges, verts) qui évoquent la terre et la nature, tandis que le côté américain est dominé par des tons plus froids et métalliques (gris, bleus) suggérant le béton et la machine.

La lumière

La lumière est douce et diffuse, sans contraste marqué. Elle semble mettre en valeur Kahlo de manière égale, soulignant sa position centrale sans éclairer préférentiellement un des deux côtés, ce qui crée un équilibre visuel.

Les lignes

Les lignes de la composition sont principalement horizontales et verticales, délimitant nettement les deux côtés opposés du tableau. Les lignes industrielles sont rigides, droites et rectilignes, contrastant avec les formes organiques et courbées de la nature du côté mexicain.

L’organisation

L’organisation de la scène est symbolique et binaire : chaque élément du côté mexicain a son opposé du côté américain, illustrant le fossé entre les deux cultures. Kahlo se tient immobile au centre, ancrée dans la terre mexicaine mais tournée vers l’industrialisation américaine, comme pour souligner son sentiment d’appartenance et son rejet des valeurs étrangères.

En résumé

Autoportrait à la frontière du Mexique et des États-Unis est un tableau puissant et symbolique qui capture la dualité de l’identité de Kahlo. Par son cadrage centralisé et ses contrastes visuels, Kahlo exprime à la fois sa fascination et sa critique du monde industriel, tout en affirmant son attachement indéfectible à la culture mexicaine.

Source:Wikipedia Youtube connaissances

-L’autoportrait aux gants de Albrecht Dürer est daté de 1498. Il appartient donc à la renaissance allemande et est une huile sur panneau (c’est le deuxième de trois autoportraits peints par Dürer).L'artiste a choisi un format de trois-quarts face, à mi-hauteur du corps, afin d'attirer l'attention sur son visage et sur ses mains

Sur ce tableau, on le voit assis nous fixant de son regard. Il se représente sous les traits d'un gentilhomme vêtu de couleurs claires et de riches habits, montrant des gants d'agneau teints en gris. A droite de lui se trouve une fenêtre d’où l’on peut apercevoir l'extérieur. La position du corps, avec l'angle du coude au premier plan, répète la forme en L de la fenêtre. Le tableau est essentiellement constitué de couleurs froides avec du blanc, du noir et du marron. Il semble éclairé par la lumière provenant de la fenêtre. L'oeuvre est signé et porte l'inscription : « Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sechs und zwenzig Jor alt / Ce qui veut dire « J'ai peint ce tableau selon mon aspect quand j'avais vingt-six ans.».

-Il a choisi de se représenter de manière élégante et raffinée, en portant des gants, non seulement pour montrer son habileté technique en peinture, mais aussi pour affirmer son statut social et intellectuel. À l'époque de la Renaissance, les artistes commençaient déjà à être reconnus comme des créateurs exceptionnels et non plus simplement comme des artisans. En se peignant lui-même avec des gants, Dürer revendiquait cette nouvelle perception de l'artiste comme un homme de génie et de culture.

Source: Wikipédia

Pendant sa jeunesse elle fut agressé sexuellement par son professeur : Agostino Tassi qui lui aussi était un artiste. il y a eu un procès qui a été mis en place est celui ci c'est mal passé car elle a été humiliée, ainsi que torturée.

Artemisia est l'artiste la plus respectée de son époque car c'est une icone du féminisme.

Sur l'autoportrait allégorie de la peinture on peut voir Artemisia entrain de peindre, elle porte une robe verte. Ses cheveux son rangés dans un chignon avec quelques mèches rebelles qui en dépasse . Autour de son cou pend un médaillon.

elle a décidé de se représenter de cette façon pour montrer sa vigoureusitée, son indépendance et son calme lorsqu'elle peint. le portrait est très important car a cette époque les femmes occupaient rarement un emploi. son œuvre est conservé au château de Windsor à Londres, elle fait partie de la royal collection qui appartient à la couronne britannique.

Nous avons utilisée Wikipédia, panorama de l'art et google.

Olivia et Lou

L’arrière-plan désertique reflète la désolation et la solitude qu’elle ressentait. Cette œuvre est souvent interprétée comme une représentation de son calvaire personnel, avec des références à la crucifixion du Christ.

La Colonne brisée de Frida Kahlo est un autoportrait illustrant sa douleur physique et émotionnelle après un grave accident, avec une colonne vertébrale brisée et des clous symbolisant sa souffrance.

L’arrière-plan désertique reflète la désolation et la solitude qu’elle ressentait. Cette œuvre est souvent interprétée comme une représentation de son calvaire personnel, avec des références à la crucifixion du Christ.

La Colonne brisée de Frida Kahlo est un autoportrait illustrant sa douleur physique et émotionnelle après un grave accident, avec une colonne vertébrale brisée et des clous symbolisant sa souffrance.

Il s'agit d'une photographie prise en 1999 ( année de mort de l'artiste qui a pour titre

" autoportrait avec mon petit-fils " .

En premier plan Edouard ( l'auteur ) et Raphaël ( son petit-fils ) et à l'arrière plan il y a une fenêtre dans laquelle on peut y voir la vue sur la ville en noir et blanc

La photographie représente un moment intime entre le petit-fils et son grand père au centre de l'image qui illustre la continualité de vie , transmission de valeurs , expériences et souvenirs d'une génération à une autre. Puis , derrière eux se trouve des plantes , à leur droite une fenêtre et un miroir devant eux que Edouard utilise en guise de autoportrait

Personnellement cette photographie autoportrait nous fait ressentir l'amour mutuel , l'affection , la tendresse une sorte de convivialité ce que l'auteur a voulu donc faire ressentir : l'amour intergénérationnel mais encore les liens familiaux et nous montrer l'amour entre un grand père et son petit-fils

Dans un monde de plus en plus connecté, les écouteurs sans fil se sont imposés comme un accessoire indispensable pour de nombreux utilisateurs. Leur succès repose sur des caractéristiques qui allient confort, technologie avancée et liberté d’utilisation.

L’un des principaux atouts des écouteurs sans fil est la liberté de mouvement . Libérés des câbles encombrants, les utilisateurs peuvent profiter de leur musique, de leurs podcasts ou de leurs appels sans être dérangés par les fils. Que ce soit lors d’une séance de sport, dans les transports en commun ou même à la maison, ces écouteurs permettent de se déplacer facilement.

De plus, ils sont très léger ce qui les rend agréables à porter pendant de longues périodes.

Mais ils ont aussi des inconvénients. Leur batterie ne dure pas toujours longtemps, donc il faut les recharger régulièrement. En plus, ils sont petits et faciles à perdre, ce qui peut être embêtant, surtout vu leur prix souvent élevé.

Gabrielle