Biografía: Los Caten nacieron en Toronto, Canadá, con el apellido Catenacci. Y, según cuentan, llegaron con quince minutos de diferencia: primero Dean, después Dan. De orígenes humildes, son los menores de una familia de nueve hijos que se criaron al cuidado de un padre solo. Los gemelos cuentan que fueron sus cinco hermanas mayores quienes los impulsaron a crear ropa, porque ellas siempre estaban buscando qué ponerse. Entonces, los pequeños Dean y Dan se las ingeniaban para ayudarlas a reciclar viejos vestidos. Tal era su pasión que hasta diseñaron los trajes de graduación de todas. Ambos aseguran que sus raíces colaboraron a la hora de desarrollar su inventiva: “Tener una infancia con ciertas limitaciones ayudó a nuestro crecimiento. Cuanto menos tenés, más creativo tenés que ser”, consideró Dean en una entrevista para la televisión canadiense. Dan aportó: “No tener te hace querer. Y el deseo no conoce límites”.

Análisis personal, análisis color y formas: La colección muestra características muy afines a lo visto en la época prehistórica, los colores y formas se asemejan a los usados durante ese tiempo.

La serie representó un homenaje a la fusión de estilos y culturas. Los diseñadores Dean y Dan Caten fusionaban la rusticidad de Canadá con la sofisticación de Italia. Incluyen algunos elementos sobresalientes de la colección:
Siluetas y Vestimentas Parkas de gran tamaño con acabados en aceite y lavado en tejidos revestidos de goma.
Jacket de pieles, denim y cuero.
Camisas con motivos florales, chalecos y pantalones de corte regular en denim,canvas o piel.
Fiestas en negro y blanco con adornos tradicionales y esmoquin en terciopelo, camuflaje, lamé o rosa chillón.
Accesorios: Gorras de piel y sombreros Cossack.
Cinturones, botas y bolsos con flecos.
Inspiración: La colección mezcló aspectos de la aristocracia del Reino Unido con referencias de la moda autóctona americana, incorporando estampados tribales, flecos y matices de piel.

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• La Edad del Bronce en Europa: Este periodo, que se extiende desde el III milenio a.C. Hasta el I milenio a.C., se caracteriza por la aparición de nuevas tecnologías, como la metalurgia del bronce, que permitió la fabricación de armas y herramientas más eficientes. La sociedad se organizó en pequeñas comunidades agrícolas y se desarrollaron los primeros sistemas de comercio a larga distancia.

• La Civilización Minoica en Creta: Esta civilización, que floreció en la isla de Creta entre los siglos XXVII a.C. Y XIV a.C., se caracterizó por su desarrollo cultural y artístico. Construyeron palacios monumentales, desarrollaron la escritura lineal A, y se caracterizaron por su comercio marítimo y su arte sofisticado.

• La Civilización Micénica en Grecia: Esta civilización, que floreció en la Grecia continental entre los siglos XVI a.C. Y XI a.C., se caracterizó por su poderío militar y su expansión territorial. Construyeron ciudades fortificadas, desarrollaron la escritura lineal B, y se caracterizaron por su arte monumental y su influencia en la cultura griega posterior.

• La Civilización Etrusca en Italia: Esta civilización, que floreció en la Italia central entre los siglos VIII a.C. Y I a.C., se caracterizó por su desarrollo cultural y artístico. Construyeron ciudades amuralladas, desarrollaron un alfabeto propio, y se caracterizaron por su arquitectura monumental, su cerámica y su arte funerario.

• La Civilización Olmeca en Mesoamérica: Esta civilización, que floreció en Mesoamérica entre los siglos XVI a.C. Y IV a.C., se caracterizó por su desarrollo cultural y artístico. Construyeron grandes centros ceremoniales, desarrollaron un sistema de escritura jeroglífica, y se caracterizaron por su arte monumental, sus esculturas de piedra y sus juegos de pelota.

• La Civilización Chavín en los Andes: Esta civilización, que floreció en los Andes peruanos entre los siglos IX a.C. Y II a.C., se caracterizó por su desarrollo cultural y religioso. Construyeron templos monumentales, desarrollaron un estilo artístico único, y se caracterizaron por su influencia en las culturas andinas posteriores.

Otros habitantes de esas comarcas eran los filisteos, originarios de Creta, que habitaban en el sur de Palestina. Gaza, Ascalón, Asdad, Ekrón y Gat fueron capitales de cinco principados filisteos, que formaban una especie de confederación militar, poderosa rival de los fenicios en la navegación y en el comercio. 

Egipcios: Antiguas civilizaciones
Túnicas de Lino: Usan principalmente túnicas de lino liviano a causa del clima cálido.
Aplicación de Joyas y Adornos: Los egipcios se distinguían por sus joyas y adornos, los cuales reflejaban su condición social y religiosa.
Vestimenta Real y Sacerdotal: Tanto los faraones como los sacerdotes llevaban a cabo atuendos particulares y simbólicos que representaban su estatus divino.
En Grecia,
Toga y Túnica: La toga (himatión) era utilizada por los griegos en lugar de una túnica (quítón). La toga simbolizaba la ciudadanía.
Drapeado y Sencillez: La indumentaria griega se distinguía por su elegante drapeado y la simplicidad en los patrones.
Sandalias y Calzado: Utilizaban sandalias y diversas clases de zapatos que se ajustaban a distintas actividades.
Roma

Toga: La toga era un atuendo característico de los ciudadanos romanos, a pesar de que su empleo disminuyó con el paso del tiempo.
Túnicas y Calzones: Se acostumbraban a vestir túnicas y, particularmente en épocas más frías, calzones.
Estatus Social: La indumentaria romana manifestaba de manera evidente la condición social, empleando materiales y colores particulares exclusivos para determinadas clases.
Estas antiguas civilizaciones crearon atuendos que no solo resguardaban del clima, sino que también manifestaban identidad cultural, posición social y convicciones religiosas.

Biografía

1932 Nace cerca de Milán Valentino Clemente Ludovico Garavani, más conocido como Valentino.

1949 Acaba el colegio y confiesa a sus padres su deseo de ser diseñador. Sus padres lo envían a Milán para que continúe con su formación.

1950 Se traslada a París para estudiar moda en la École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne.

1959 Regresa a Italia donde, con la ayuda de sus padres, abre su primer estudio de costura, concretamente en Roma. Debuta con su primera colección ese mismo año.

Colores y estampados: Los colores utilizados fueron mayoritariamente neutros, como el beige y el negro, aunque también destacaron los estampados étnicos coloridos y los detalles dorados que brillaban en algunos diseños.

Prendas y tejidos: Las prendas que destacaron en la colección fueron:

Vestidos y faldas largas: Diseños fluidos y elegantes que evocaban la sofisticación de la época medieval.

Pantalones palazzo y monos: Prendas más modernas que se mezclaban con los diseños más clásicos.

Encajes, transparencias y brocados: Tejidos y materiales que agregaban un toque de lujo y sofisticación a los diseños.

Detalles y accesorios: Algunos detalles notables de la colección fueron:

Cuello redondo: Un detalle que se repitió en muchos de los diseños, dando un toque de elegancia y simplicidad.

Ausencia de escotes: Un enfoque en la modestia y la elegancia, más que en la provocación.

Ponchos y flecos: Accesorios que agregaban un toque de drama y sofisticación a los diseños.

En general, la colección Valentino Primavera Verano 2014 fue una muestra de la habilidad del diseñador para crear un estilo único y sofisticado, con un enfoque en la ornamentación y la riqueza de detalles

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https://interferencia.cl/articulos/origenes-del-pueblo-judio-y-su-extenso-deambular-por-el-mundo

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https://www.tboxplanet.com/web/culturas/romanos.html

https://historiadeltrajeblog.wordpress.com/2016/02/05/babilonia/

Las damas nobles del Renacimiento tenían la obligación de escoger sus ornamentos y tejidos en función del estatus de sus progenitores o hermanos.
Las prendas utilizadas en el Imperio Romano fueron gradualmente reemplazadas por nuevas prendas. Así, las togas y túnicas, características de la era romana, dieron paso a nuevas vestimentas de punto y malla.
También fueron de gran relevancia las contribuciones hechas por los bárbaros, pues incorporaron ropa como las bragas, que se asemejaban a los pantalones o calzado y se ajustaban a las piernas a través de correas.
En la Edad Media, las capas de lana rectangulares (clámides) continuaron siendo utilizadas, ganando mayor amplitud e incorporando mangas.

También Bizancio contribuyó en el ámbito de la vestimenta, ya que de aquí surgió el lujo y la diversidad de tejidos, resaltando principalmente la seda y los bordados en oro y piedras valiosas. En sus atuendos, sobresalía la utilización principal de flecos y adornos.
Cuando los árabes arribaron al occidente europeo, comenzaron a emplear nuevos tejidos, especialmente los pantalones anchos (zaragüelles), la faja, el turbante y la túnica corta abotonada y ajustada (aljuba).
En el periodo de conflictos entre cristianos y árabes en la Península Ibérica, los primeros costumbraban usar la camisa como vestimenta interior, seguido de varias túnicas entrelazadas, que finalizaban con el rial, que se ajustaba al cuerpo hasta la cintura (jubón).

El pellote era una especie de vestido largo y abrigado ya que se forraba habitualmente con piel de conejo. Las cabezas eran adornadas con sombreros cilíndricos o birretes.

Biografía

Celebridades y miembros de la realeza de todo el mundo han lucido los vestidos ultrafemeninos y vaporosos del diseñador de moda libanés Elie Saab. Nacido y criado en Damour, un suburbio costero de Beirut, Saab comenzó a aprender a coser de forma autodidacta antes de los 10 años, vistiendo a su hermana con retazos de tela del armario de su madre que él mismo cosía. En 1982, a los 18 años, lanzó su propia marca en Beirut, tras una breve estancia en la escuela de diseño de París. A pesar de la guerra civil que estalló en el Líbano en 1975 y que desplazó a muchas personas, incluida la propia familia de Saab, este insistió en abrir su propio taller de costura en su país natal.

Combinando siluetas y formas occidentales con un estilo de Oriente Medio para la ornamentación y el embellecimiento, la ropa de noche de Saab se popularizó rápidamente, ganándole fans de todo el mundo, especialmente futuras novias. También es popular entre las familias reales de Oriente Medio; la reina Rania de Jordania lució uno de sus vestidos para su ceremonia de coronación en 1999. En la alfombra roja, Halle Berry puso a Saab en el mapa de la moda de Hollywood cuando aceptó su Premio de la Academia de 2002 con un vestido bordado transparente con una falda de tafetán carmesí. Desde entonces, una serie de figuras notables han lucido los vestidos artesanales de Saab, entre ellas Beyoncé, Priyanka Chopra, Celine Dion y Angelina Jolie. Cada vez más buscado por las celebridades, un vestido de Saab fue lucido por la actriz israelí Gal Gadot en los Premios National Board of Review de 2018. Esto provocó un gran estallido de indignación entre los usuarios de las redes sociales libanesas, dado el conflicto entre Israel y el Líbano que estalló en 1948. 

Saab se ha consolidado rápidamente como una marca reconocida en Beirut, y ha participado repetidamente como juez en la edición de Oriente Medio de 2016 de Project Runway. Saab lideró el crecimiento de la compañía homónima con la apertura de boutiques en las metrópolis de la moda, Londres, Nueva York y París, donde ofrece sus colecciones de alta costura. Su línea de prêt-à-porter y sus perfumes se venden en más de 160 puntos de venta internacionales, incluyendo distribuidores como Net-a-porter, Matchesfashion, Mytheresa y Farfetch.

Se convirtió en el primer diseñador no italiano en ser aceptado en la Camera Nazionale della Moda, el organismo que rige la Semana de la Moda de Milán en el país, donde estrenó su línea de prêt-à-porter. Poco después, en 2003, fue invitado por la Chambre Syndicale de la Haute Couture de París a ser miembro y sigue siendo una de las pocas marcas de alta costura oficialmente reconocidas en el mundo. La empresa de Saab tiene ahora su sede en París. Divide su tiempo entre Líbano, Francia y Suiza, con su esposa Claudine.

En abril de 2019, Saab anunció su expansión al diseño de interiores, diseñando interiores de lujo para una propiedad privada frente al mar en Dubái, en colaboración con la inmobiliaria Emaar. También incluirá tiendas de moda boutique, galerías y cafeterías con la colección Saab.

La firma libanesa deslumbró una vez más con su colección de Alta Costura inspirada en la Edad Media y en la serie más vista de los últimos meses, Game of Thrones, destacándose desde la escenografía hasta los diseños.

Nombró a la linea "Una leyenda de reyes caídos" con vestidos 'joya', largos bordados en su totalidad -ideales para futuras red carpets- donde predominaron el velvet, las muselinas y los tules. La paleta de colores para el invierno fueron el negro, borravino, azul, negro en diseños con peplums y bordado en hilo dorado en detalles.

Los accesorios para acompañar la colección fueron vinchas doradas con diferentes diseños, pulseras y brazaletes dorados, aros colgantes con piedras y anillos.

La colección de Alta Costura de Elie Saab inspirada en Game of Thrones y la Edad Media sería una fascinante combinación de arte, historia y moda.

Influencias medievales

La Edad Media fue un período de gran riqueza cultural y artística, y Elie Saab podría inspirarse en los siguientes elementos:

1. Arquitectura gótica: Los diseños podrían incluir detalles arquitectónicos góticos, como arcos apuntados, rosetones y pináculos, que se traducirían en formas y estructuras en los trajes.

2. Ornamentación: La ornamentación medieval, como los bordados, las aplicaciones de pedrería y los motivos florales, podría ser un elemento clave en la colección.

3. Simbolismo: Los símbolos medievales, como los dragones, los leones y las águilas, podrían ser utilizados en los diseños para representar poder, fuerza y nobleza.

Influencias de Game of Thrones

La serie Game of Thrones también se inspira en la Edad Media, y Elie Saab podría combinar estas influencias con las suyas propias para crear una colección única. Algunos elementos que podrían caracterizar esta colección son:

1. Trajes de corte: Los trajes de corte medievales, con sus corsés ajustados y faldas amplias, podrían ser reinterpretados por Elie Saab con un toque de modernidad y elegancia.

2. Armuras y detalles metálicos: Los detalles metálicos, como las armaduras y los broches, podrían ser utilizados para agregar un toque de fuerza y poder a los diseños.

3. Colores oscuros y ricos: La paleta de colores de la colección podría incluir tonos oscuros y ricos, como el negro, el rojo, el púrpura y el dorado, que evocan la opulencia y el poder de la Edad Media.

Los bizantinos se prestaron pantalones (como una clase de indumentaria) provenientes del Oriente.
Aquí parecían dos pantalones distintos, sujetos con cintas al cinturón. Los pantalones daban una longitud que oscilaba entre corto (hasta la rodilla) y largo (hasta los tobillos). Sin embargo, también existían las medias que se ajustaban a las piernas con un dedo completo.
En otras palabras, el atuendo bizantino de la Alta Edad Media simbolizaba una combinación de las costumbres del vestuario romano y oriental.
Bueno, y los datos acerca de la apariencia de la vestimenta bizantina, los extraemos de los mosaicos que sobrevivieron y la pintura de iconos de Bizancio. Por otro lado, también existe una tendencia para determinados rasgos faciales. Por lo tanto, un óvalo alargado, ojos de gran tamaño y una boca reducida se convierten en rasgos distintivos del "rostro bizantino". Respecto a la vestimenta femenina, se compone de diversas capas. La amplia túnica de mesa de un pie de longitud con mangas estrechas y ajustadas, adornada con un borde en la muñeca, se encuentra cubierta por la túnica superior con mangas desplegadas. Una capa sólida enriquece el atuendo y otorga a la figura una forma triangular estable. La capa se une a los hombros en el lado posterior, mientras que los extremos se intersectan en el lado delantero y se desplazan hacia atrás. La decoración es abundante en adornos y componentes decorativos, indicativos de diferenciación de clases.

Cuellos altos, mangas acampanadas que terminan recogidas en puños, elaborados corpiños bordados...son algunas de las características de estos nuevos diseños. En cuanto a los colores, además del negro, Elie Saab ha optado por tonos más cálidos como el color champán, gris oscuro, cielo azul y jade, además de dorados. La colección tuvo un broche de oro con un vestido de novia inspirado en antiguos bordados otomanos.

Hombres:

• Ropa: Usaban camisas de lino, chalecos de paño o lana, chaquetas de paño negro con remontas y faja roja, y en algunos casos, blusones.

• Complementos: Portaban pucho de lana, montera baja o sombrero de paja, y los días de fiesta, un paño de seda debajo de la montera.

• Calzado: Llevaban zuecos o tamancas, y en ocasiones, escarpines. 

Mujeres:

• Ropa: Vestían camisas de lino hasta las rodillas, corpiños o jústillos, mantones, mandilones, paños para la cabeza y toquillas. 

• Complementos: Usaban cofias o paños de lana o seda, y sombreros de paja si trabajaban al sol. 

• Calzado: Iban descalzas, salvo las trabajadoras de la lonja, que llevaban zuecos. 

Clases sociales:

• Clases altas:

  Las mujeres de clase alta podían usar enaguas, dengues y mandiles adornados con terciopelo y azabache, así como medias de seda y zapatos.

• Clases bajas:

  Las mujeres de clase baja usaban faldas de baeta (lana cubierta de pelo) y faldas de mejor hechura, con mandiles en algodón. 

Materiales:

• Los principales materiales eran el lino para camisas y prendas de vestir, y el paño (lana) para chalecos, chaquetas, fajas, y otros elementos. 

• También se utilizaban materiales como la seda para paños de fiesta, el terciopelo y el azabache para adornos, y la baeta para faldas. 

https://www.uv.es/uvweb/master-historia-formacion-mundo-occidental/es/blog/edad-media-medievo-1285960141137/GasetaRecerca.html?id=1285961648027#:~:text=La%20Edad%20Media%20o%20Medievo%20es%20el%20per%C3%ADodo%20hist%C3%B3rico%20de,que%20Col%C3%B3n%20lleg%C3%B3%20a%20Am%C3%A9rica.

https://humanidades.com/edad-media/

https://concepto.de/edad-media/#:~:text=Se%20caracteriz%C3%B3%20por%20el%20predominio,origen%20a%20la%20burgues%C3%ADa%20urbana.

https://recreacionhistoria.com/como-vestian-en-la-edad-media/

https://www.infobae.com/tendencias/estilos/2017/07/13/la-sorprendente-coleccion-de-alta-costura-inspirada-en-game-of-thrones/#:~:text=Elie%20Saab%20es%20uno%20de,la%20serie%20de%20fantas%C3%ADa%20medieval&text=La%20firma%20libanesa%20deslumbr%C3%B3%20una,colgantes%20con%20piedras%20y%20anillos.

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Durante este tiempo, las monarquías europeas consolidaron su poder sobre los señores feudales y expandieron sus territorios a través de exploraciones y conquistas. Esto llevó a la creación del régimen colonial en América, basado en la opresión y el trabajo esclavo.

La reforma Protestante cuestionó la autoridad papal, fragmentando la cristiandad europea. Los cambios políticos, sociales y económicos fomentaron nuevas formas de pensamiento y arte, centradas en el ser humano y su comprensión del mundo.

El Renacimiento y el Barroco dejaron huellas arquitectónicas notables en palacios, basílicas y catedrales, reflejando la grandeza de la época.

Estos artistas avanzarán hacia un arte que definirá, a grandes rasgos y con evidentes matices, las características generales del arte de la Edad Moderna, que reseñamos brevemente a continuación, a modo de resumen.

La moda masculina también experimentó cambios significativos, destacando prendas como la casaca francesa, la chupa y los calzones pitillos. El negro era el color predominante, especialmente en el siglo XIX. La moda masculina buscaba la rigidez y la cortesía, influenciada por el espíritu de la Contrarreforma. Con el tiempo, el pantalón reemplazó al calzón, marcando un cambio en la vestimenta masculina.

En general, la moda en la Edad Moderna era una construcción social que reflejaba la posición y el estatus de cada individuo, permitiendo diferenciar entre clases sociales a través de la calidad de los tejidos, adornos y diseño.

Algunos de los elementos clave de la colección fueron:

• La elegancia y sofisticación en la silueta y el estilo

• El exotismo y la aventura en los patrones y motivos

• La riqueza de texturas, desde la seda hasta el cuero

• La calidad y la artesanía en la confección de las prendas

• La pasarela y presentación innovadoras y lujosas

Algunos de los aspectos clave del Barroco incluyen:

• Una sensibilidad pesimista y desengañada

• Un enfoque en la apariencia y la espectacularidad

• El uso de elementos como el efectismo y la emocionalidad

• Una época de gran complejidad cultural, social y política

El término "Barroco" proviene del portugués antiguo, y originalmente se refería a una perla de forma irregular. Con el tiempo, el significado del término ha evolucionado para describir un período artístico y cultural único.

• Horror vacui: Un rechazo al vacío, con composiciones recargadas y abigarradas que buscan llenar todo el espacio.

• Dinamismo y tensión: Un sentido de movimiento y tensión que se logra a través de la interacción entre formas, sonidos y conceptos.

• Representación de pasiones y temperamentos interiores: Un enfoque en la expresión de las emociones y los sentimientos internos de los personajes.

• Búsqueda del contraste: Un gusto por el contraste, que se expresa a través del claroscuro en las artes plásticas y en la música, la literatura y la arquitectura.

• Sustitución de lo absoluto por lo relativo: Un enfoque en la relatividad y la percepción, más que en la búsqueda de verdades absolutas.

• Centros múltiples: Un rechazo a la idea de un solo centro de interés, en favor de composiciones con múltiples centros que generan un sentido de dinamismo y tensión.

• Efecto incompleto o inconexo: Un gusto por lo incompleto y lo inconexo, que expresa la inquietud por la infinitud y la trascendencia.

• Búsqueda del estremecimiento metafísico: Un enfoque en la promoción del estremecimiento y la emoción, más que en la búsqueda de la armonía y el equilibrio.

En cuanto a los temas del arte barroco, se pueden destacar:

• Temas religiosos: La Iglesia católica fijó la iconografía para prevenir la herejía, y se prefirieron temas como la Inmaculada Concepción, la Eucaristía y los santos.

• Temas mitológicos y históricos: Se siguieron cultivando los temas de historia y mitología, aunque se prefirieron las escenas de mayor dramatismo y conmoción.

• La fugacidad del tiempo y el desencanto del mundo: Un tema común en el arte barroco es la reflexión sobre la brevedad de la vida y la naturaleza efímera de las cosas.

En la literatura barroca, se pueden destacar:

• El uso excesivo de figuras literarias: Un rasgo característico de la literatura barroca es el uso abundante de figuras literarias como la metáfora, la antítesis y la perífrasis.

• La dramaturgia: La dramaturgia barroca se caracterizó por la creación de obras que desafiaban la estructura clásica de las tres unidades dramáticas.

• Corrientes literarias: Dos de las corrientes más importantes de la literatura barroca española son el culteranismo y el conceptismo, que se diferencian en su enfoque en la forma y el contenido.

Respuesta de Meta AI: El arte barroco se caracteriza por varios elementos clave: Horror vacui: Un rechazo al vacío, con composiciones recargadas y abigarradas que buscan llenar todo el espacio. Dinamismo y tensión: Un sentido de movimiento y tensión que se logra a través de la interacción entre formas, sonidos y conceptos. Representación de pasiones y temperamentos interiores: Un enfoque en la expresión de las emociones y los sentimientos internos de los personajes. Búsqueda del contraste: Un gusto por el contraste, que se expresa a través del claroscuro en las artes plásticas y en la música, la literatura y la arquitectura. Sustitución de lo absoluto por lo relativo: Un enfoque en la relatividad y la percepción, más que en la búsqueda de verdades absolutas. Centros múltiples: Un rechazo a la idea de un solo centro de interés, en favor de composiciones con múltiples centros que generan un sentido de dinamismo y tensión. Efecto incompleto o inconexo: Un gusto por lo incompleto y lo inconexo, que expresa la inquietud por la infinitud y la trascendencia. Búsqueda del estremecimiento metafísico: Un enfoque en la promoción del estremecimiento y la emoción, más que en la búsqueda de la armonía y el equilibrio. En cuanto a los temas del arte barroco, se pueden destacar: Temas religiosos: La Iglesia católica fijó la iconografía para prevenir la herejía, y se prefirieron temas como la Inmaculada Concepción, la Eucaristía y los santos. Temas mitológicos y históricos: Se siguieron cultivando los temas de historia y mitología, aunque se prefirieron las escenas de mayor dramatismo y conmoción. La fugacidad del tiempo y el desencanto del mundo: Un tema común en el arte barroco es la reflexión sobre la brevedad de la vida y la naturaleza efímera de las cosas. En la literatura barroca, se pueden destacar: El uso excesivo de figuras literarias: Un rasgo característico de la literatura barroca es el uso abundante de figuras literarias como la metáfora, la antítesis y la perífrasis. La dramaturgia: La dramaturgia barroca se caracterizó por la creación de obras que desafiaban la estructura clásica de las tres unidades dramáticas. Corrientes literarias: Dos de las corrientes más importantes de la literatura barroca española son el culteranismo y el conceptismo, que se diferencian en su enfoque en la forma y el contenido.

Se distingue por prendas que son muy amplias y muy ornamentadas, el uso de colores vivos brocados de seda y encajes. La ropa de las mujeres era más estilizada, en el área de la cadera la  prenda iba más ajustada y se levantaba ligeramente la falda con aros de  hierro, como parte de la vestimenta y de hecho una parte muy importante,  también estaba el cabello, se  recogía en distintas capas y se le daba forma con alambres mientras más alto y con más adornos era símbolo de mayor nivel social.

Luis XIV impone en su corte el traje a la francesa que se basa en un traje de 3 piezas: calzón, chaqueta y casaca. Es importante mencionarlo porque este conjunto marcó la vestimenta aristócrata en Europa durante un siglo.

La Revolución Francesa, produjo también un cambio importante en la moda  sobre todo en el material que utilizaban para crear las prendas, un  ejemplo, cambiaron la seda por el algodón.

El cruce con el estilo Rococó que surgió un tiempo después del barroco  hace que se cree un estilo lleno de lujos y de excentricismo  

“Creo que ella fue la primera que entendió el poder de la moda”, dijo Chiuri a Reuters en una entrevista, describiendo cómo la reina de Francia del siglo XVI había introducido los tacones de plataforma para elevar su pequeña estatura.

“Creo que ella fue la primera que entendió el poder de la moda”, dijo Chiuri a Reuters en una entrevista, describiendo cómo la reina de Francia del siglo XVI había introducido los tacones de plataforma para elevar su pequeña estatura.

La marca, propiedad de LVMH, marcó el segundo día de los desfiles de lista para usar de la Semana de la Moda de París, que se celebra hasta el 4 de octubre.

https://www.culturagenial.com/es/barroco/

https://enciclopediarte.com/arte-barroco/

https://lumlurita.wixsite.com/lukalubarroco/vestimenta

https://forbes.cl/life/2022-09-28/galeria-dior-lleva-el-tema-barroco-en-la-semana-de-la-moda-en-paris

https://humanidades.com/edad-moderna/

https://psicologiaymente.com/cultura/caracteristicas-arte-edad-moderna

https://www.modernalia.es/items/show/2489#:~:text=En%20la%20Edad%20Moderna%2C%20las,de%20estas%20prendas%2C%20usaban%20cors%C3%A9s.

https://blogs.smbosque.es/sociales/2015/04/20/moda-en-la-edad-moderna/

https://nowfashion.com/john-galliano-menswear-fall-winter-2011-paris-2/?srsltid=AfmBOoqy79zVaW23RdCktFotqp4LGMafWwoUCnIeeqkDrEV1UzsrT1FL

https://canvaslab.com/blogs/arte/como-entender-el-arte-rococo?srsltid=AfmBOopyvac3J_aprNBN4i4RFScl5t8Fxwr3Ohh77UlGqhDq7aYkAJ9m

https://psicologiaymente.com/cultura/rococo

https://www.lofficielmexico.com/fashion-week/coleccion-vivienne-westwood-otono-invierno-2021

https://concepto.de/revolucion-francesa/

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El estilo que llamamos Rococó es una creación francesa desarrollada durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Sus características más destacadas son la ligereza, la fragilidad y la gracia, frente a los profundos contenidos del Barroco. El motivo decorativo más sobresaliente es la rocaille, elemento asimétrico, medio vegetal medio mineral, que invade la arquitectura y todas las artes decorativas.

Este estilo es una respuesta a los factores históricos del s XVIII: el desarrollo de la ciencia y la tecnología, el auge de la burguesía y el nacimiento de unos géneros nuevos de pintura. En esta nueva sociedad la mujer adquiere un gran protagonismo.

Los rasgos más característicos del periodo son el ansia de libertad y la exaltación de la galantería, el amor, el gusto por lo exótico, el movimiento y el desequilibrio. El Rococó tendió a expresarse en interiores decorativos y sus manifestaciones más significativas se dan en mobiliario, cerámica, cristal y orfebrería, tapicería y pintura y escultura. Son frecuentes las temáticas domésticas y cotidianas.

El Rococó envuelve al hombre en un ambiente tranquilizador, artificial y terreno, peró sólo pudo ser contemplado por ambientes de élite, clases aristocráticas.

En la arquitectura rococó, al exterior las construcciones se distribuyen en dos pisos, se baja la altura de los tejados y se sustituye el ladrillo por la piedra, equilibrándose los órdenes y la composición de las fachadas.

En los interiores se cuida la iluminación, el color, la elegancia y los movimientos ondulantes.

En la decoración de interiores, el rococó se manifiesta en elementos como:

• Chinoiseries: habitaciones decoradas con motivos inspirados en China

• Panneaux: paneles de madera decorados

• Profusión de colores pastel y suaves

Los muebles también se diseñan con un enfoque en la comodidad y la funcionalidad, con piezas como:

• Secreteres: muebles pequeños para guardar objetos personales

• Mesitas para jugar a las cartas

• Divanes: sofás cómodos para relajarse

En el arte, el rococó se caracteriza por temas pastoriles, galantes y amorosos, con un enfoque en la delicadeza y la refinamiento. Un ejemplo destacado es la obra de Jean-Antoine Watteau, "El embarque a la isla de Citera", que representa una escena de hombres y mujeres elegantemente vestidos en un ambiente delicado y refinado.

El rococó también se asocia con el género pictórico de las "fiestas galantes" (fêtes galantes), que se caracteriza por escenas de la vida cotidiana y la naturaleza, con un enfoque en la belleza y la delicadeza.

La colección se divide en diferentes historias estilísticas y cápsulas, que combinan la sastrería británica clásica con elementos innovadores y sostenibles. Los materiales utilizados incluyen:

• Telas de lana tradicionales como el tartán y la espina de pescado

• Mezclilla reciclada

• Materiales de origen sostenible

• Sedas orgánicas

• Sistemas de impresión ecológicos

El objetivo de Westwood es crear prendas duraderas y atemporales que puedan ser combinadas fácilmente con otras prendas, reduciendo así la necesidad de compras impulsivas y promoviendo una moda más sostenible. La colección es un ejemplo de cómo la moda puede ser tanto elegante como responsable con el medio ambiente.

La revolución estuvo liderada por una coalición social diversa, incluyendo:

• La burguesía

• El campesinado

• Los artesanos

• Los profesionales de oficio

• Los trabajadores urbanos

• El bajo clero

Inspirados por los ideales de la Ilustración, los revolucionarios lucharon por la libertad, la igualdad y la fraternidad. Sus objetivos incluían:

• Derrocar a la monarquía y establecer un gobierno revolucionario

• Abolir los privilegios de la nobleza y el clero

• Defender la propiedad privada y la libertad empresarial

• Promover la unión de los ciudadanos por el bien común

Las consecuencias de la Revolución Francesa fueron profundas y duraderas, marcando el fin de la Edad Moderna y el inicio de la Edad Contemporánea. Muchos historiadores consideran este evento como un punto de inflexión en la historia de la humanidad.

Respuesta de Meta AI: La Revolución Francesa fue un proceso histórico que transformó la política, la sociedad y la economía de Francia entre 1789 y 1799. Fue la primera revolución liberal que derrocó a la monarquía y abolió los privilegios de la sociedad estamental del Antiguo Régimen. La revolución estuvo liderada por una coalición social diversa, incluyendo: La burguesía El campesinado Los artesanos Los profesionales de oficio Los trabajadores urbanos El bajo clero Inspirados por los ideales de la Ilustración, los revolucionarios lucharon por la libertad, la igualdad y la fraternidad. Sus objetivos incluían: Derrocar a la monarquía y establecer un gobierno revolucionario Abolir los privilegios de la nobleza y el clero Defender la propiedad privada y la libertad empresarial Promover la unión de los ciudadanos por el bien común Las consecuencias de la Revolución Francesa fueron profundas y duraderas, marcando el fin de la Edad Moderna y el inicio de la Edad Contemporánea. Muchos historiadores consideran este evento como un punto de inflexión en la historia de la humanidad.

• Libertad: defensa de los derechos individuales, incluyendo la abolición de la servidumbre, la libertad de expresión y la libertad empresarial.

• Igualdad: abolición de los privilegios y establecimiento de la igualdad jurídica para todos los ciudadanos, aunque inicialmente no se reconoció la igualdad para las mujeres.

• Fraternidad: cooperación y apoyo mutuo entre ciudadanos, con el objetivo de recuperar la soberanía popular y expandir los ideales de libertad e igualdad.

Además, la Revolución Francesa se basó en los conceptos de:

• Soberanía popular: el poder reside en el pueblo, y los ciudadanos tienen el derecho de participar en su gobierno.

• Representación: los ciudadanos eligen a sus representantes a través del sufragio para defender los intereses del conjunto social.

Estos principios y conceptos sentaron las bases para la creación de un nuevo orden político y social en Francia y más allá.

La actriz Victorial Abril abriendo el desfile de Andrés Sardá en MBFWM. / Foto: GTRES

Con un desfile inspirado en cuatro partes, Nuria Sardá que lleva al frente de la firma desde 2008, ha empezado su presentación con un discreto homenaje al pueblo. Partiendo con los diseños más sencillos de su propuesta, la diseñadora nos propone creaciones con materiales simples como el popelín (en camisas y pantalones), antes y rafia, que se combinan a la perfección con bustiers, mangas de tul, volantes y flocados. Conjuntos en tonos verdes, chocolates y borgoñas que representan formas muy sensuales pero perfectas para el día a día.

Andrés Sardá FW17 en MBFWM. / Foto: GTRES

A continuación, y sonando la canción ‘Run the world’ (Girls) de Beyoncé, Sardá ha sacado al escenario a un verdadero ejército de mujeres poderosas. Con diseños de una clara inspiración militar, la lencería se viste de azul y burdeos creando looks de una gran estética guerrera gracias a la fuerza de sus complementos: botas altas de piel blanca, imponentes sombreros e insignias militares de época. Y, lo más importante, una actitud seductora y firme que ha quedado muy patente sobre la pasarela. Dejándose llevar por el ritmo de la música, las maniquíes han sacado a pasear su lado más ‘hot’.

Andrés Sardá FW17 en MBFWM. / Foto: GTRES

Y tras la revolución, llega la elegancia burguesa. En un intento de despertar el espíritu de fiesta de la época y los aires de sofisticación de la nobleza, en la tercera parte del desfile la seducción ha sido la clave. Tomando los tonos pastel como protagonistas y punto de partida -en concreto vemos una fuerte predominación de tonos rosados y maquillajes-, destacan las transparencias y el evocador volumen de la organza de seda. Diseños en los que claramente se refleja la opulencia de la época a través de la calidad de los tejidos. Sedas de origen francés, estampados italianos y pequeñas aplicaciones de Swarosky ponen el punto de lujo al lado más íntimo de la moda.

Sin duda, la invención de la imprenta, por Gutenberg es el hecho que marca el paso de una edad a otra. La posibilidad de difundir un poco la cultura y los conocimientos mediante los libros hace que aparezca una nueva mentalidad.

Varios hechos históricos coinciden con el cambio. En España concretamente, fechamos el Descubrimiento de América en 1492, así como el final de la Reconquista con la rendición de Boabdil  de Granada ante los Reyes Católicos, produciéndose la reunificación territorial. De esta forma se termina con la mentalidad medieval y aparece El Humanismo, una nueva forma de pensar filosófica, artística e intelectual.

• Sociedad conflictiva: La alta nobleza tenía una posición dominante, mientras que los campesinos vivían en condiciones precarias, lo que llevó a revueltas antiseñoriales. Las relaciones entre cristianos, judíos y musulmanes se deterioraron progresivamente.

• Crisis política: La monarquía castellana estaba en una situación de anarquía, pero los Reyes Católicos lograron concentrar el poder y establecer una monarquía autoritaria, unificando los reinos peninsulares y culminando la Reconquista.

• Cultura: El re-descubrimiento de la antigüedad clásica a través de humanistas italianos como Dante, Petrarca y Boccaccio tuvo un gran impacto. Las cortes literarias se convirtieron en centros de difusión humanística.

• Mentalidad: El hombre del siglo XV tenía fe en sí mismo y era consciente de su individualidad, lo que se reflejó en la literatura. La mentalidad vitalista y materialista se desarrolló más adelante en el Renacimiento.

• Géneros literarios: El siglo XV fue un período de transición entre la Edad Media y el Renacimiento, con la desaparición de los cantares de gesta y el surgimiento del Romancero viejo. La literatura se dividió en prosa y poesía.

En general, el siglo XV fue un período de cambios significativos que sentaron las bases para el Renacimiento y la Edad Moderna.

Modelos con faldas anchas de aro en forma de campana, pantalones cortos de encaje y largos abrigos negros cubiertos de flores bordadas desfilaron por una elaborada estructura de gruta, tallada con capas de cartón.

Construida por la artista Eva Jospin, se encontraba en el centro de una estructura temporal instalada en los jardines de las Tullerías.

De Medici introdujo los bordados en la corte francesa, señaló Chiuri, que incluyó en la colección flores tridimensionales de rafia y delicada lencería de encaje, sin dejar de lado la modernidad, utilizando tejidos técnicos para las faldas de crinolina y dejando la cintura al descubierto en muchos de los looks.

La idea era crear una “fiesta barroca de forma contemporánea“, dijo Chiuri.

La multitud se reunió bajo las sombrillas para ver la llegada de los famosos, entre los que se encontraban la estrella del K-Pop Jisoo, Natalie Portman y Maggie Gyllenhaal.

Fueron 3 días de celebración en los que hubo dos grandes protagonistas: el renacimiento italiano y el virtuosismo técnico y artístico de la firma fundada en 1985

La primera de tres las grandes celebraciones tuvo lugar en el Nuovi Saloni Alta Gioielleria, en la Avenida Corso Venezia. Un espacio que la marca ha inaugurado para la exhibición de su línea de alta joyería, y cuyo interiorismo no puede ser más italiano. Exquisitos mármoles color rosa y verde agua se mezclan con un mobiliario barroco que convierte al espacio en un pequeño palacete. La velada además fue propicia para la presentación del libro Queens de Domenico Dolce, con el cual el diseñador vuelve a hacer gala de su afición por la fotografía con 110 retratos de sus clientas, vestidas desde luego con creaciones de Alta Moda. La mayoría quizás puedan resultar desconocidas para el gran público, provienen de países tan distintos como México, Rusia, China o Italia, pero forman parte de la élite internacional que ha acompañado a la marca por varias décadas. El libro fue editado por Assouline e incluye 40 imágenes de reinas reales que dialogan con las fotos de Domenico, cuyo trabajo termina por convertirse en una interpretación de la moda y la estética de la riqueza hecha desde el lente de su marca.

La colección se llama "El Renacimiento Milanés" porque rinde tributo a la época en la que Leonardo Da Vinci trabajó para Ludovico Il Moro, príncipe de Milano, y ejecutó La última cena. También porque la ciudad en la que estos dos italianos lograron todos sus sueños está viviendo un momento de esplendor creativo, económico y cultural. De hecho, con una visita exclusiva a la Sagrestia del Bramante, la Basilica delle Grazie y el Cenacolo Vinciano (en el que Da Vinci pintó la que se le considera una de las obras maestras de la pintura universal), culminó la lección de historia y Alta Moda con la que Stefano Gabbana y Domenico Dolce han querido cerrar este 2018, un año que los ha llevado a aferrarse a sus raíces y a la maestría de la etiqueta#MadeInItaly.

https://www.educa2.madrid.org/web/literatura/siglo-xv

https://media.vogue.mx/photos/5c1bca2b24cbe166054bf339/master/w_1600,c_limit/las_nuevas_creaciones_de_alta_moda_de_dolce_gabbana_365273709.jpg

https://www.elateliermag.com/el-renacimiento-inspira-la-coleccion-de-alta-moda-de-dolcegabbana/#:~:text=Los%20dise%C3%B1adores%20Domenico%20Dolce%20y,de%20su%20mecenas%2C%20Ludovico%20Sforza

El romanticismo se origina paralelamente en Alemania y el Reino Unido cuando un grupo de gentes variopintas deciden que ya están hartas de tanto racionalismo e ilustración. El mundo es más bien lo contrario… irracional. No es sereno ni intelectual. Más bien está lleno de sentimientos, de imperfecciones. Y ahí está la gracia.

Vuelve así ese barroco gusto por el drama, y si es con violencia, mejor que mejor. Guerras, locura, muerte… Además no está mal aderezarlo con un poco de erotismo.

La libertad individual es ahora lo importante, y cada uno tiene su propia forma de buscarla. Muy pronto esta idea se extiende por toda Europa (el primer movimiento cultural en hacerlo) y cada país tendrá su particular forma de romanticismo, que se proyecta a su vez en distintas disciplinas artísticas.

El subjetivismo es un rasgo intrínseco al movimiento. El yo es lo que importa y no esa científica universalidad de la ilustración. En este sentido se exalta la personalidad individual y por consiguiente la originalidad (cada persona debe mostrar lo que la hace única), se empiezan a valorar las tradiciones nacionales, con sus respectivas épocas pasadas de esplendor.
Si… Aquí empiezan los nacionalismos en Europa.

Es por eso que nace un culto a la edad media, o mejor aún: sus ruinas (esto incluye temáticas como el ciclo artúrico o sagas de la mitología nórdica). Se valora el folclore, pues la sabiduría popular es una fuente inagotable de inspiración, como también lo es la literatura.

Pero también lo es el exotismo (un romántico debe viajar) o la fantasía y los sueños (viajar con la mente). Los cuadros románticos pueden perfectamente estar poblados de fantasmas, brujas y monstruos.

Surge en esta época una idea interesante: el artista como genio, como creador, como Dios. No tiene mérito imitar la naturaleza. Si es necesario hay que crearla, y es por ello que en el romanticismo se valora la rebeldía. Romper las reglas era muy cool. Y eso incluía suicidarse de amor o de tristeza… o morir de tuberculosis. Un buen romántico debería morir joven.

Finalmente renace el gusto por la naturaleza, pero muy subjetiva. Es así que los paisajes son ahora un género mayor. No interesan descripciones topográficas, sino mostrar emociones humanas a través de dos vertientes principales: lo pintoresco y lo sublime.

1. Rechazo al Neoclasicismo y la Ilustración: Se opuso a la valorización de la lógica y la razón, buscando una expresión más libre y subjetiva.

2. Exaltación de los sentimientos y la subjetividad: El arte y la literatura se centraron en la expresión de los sentimientos y la individualidad.

3. Rebeldía ante las reglas: Los artistas rompieron con las reglas y convenciones establecidas, liberando al arte de la rigidez academicista.

4. Culto del yo y del individualismo: El artista se centró en su propia individualidad y creatividad, dejando atrás la dependencia de los mecenas.

5. Valoración de la originalidad: La originalidad se convirtió en un criterio fundamental para evaluar el arte, priorizando la innovación y la creatividad sobre la tradición.

   
   

La moda femenina que impone el Romanticismo dificulta la libertad de movimiento del cuerpo por el uso de amplios faldones, corsés, volantes y efectos acolchados que impiden una correcta articulación corporal. La imagen que se proyecta de las mujeres es la de sujetos pasivos, carentes de movimiento e incapacitados para el desarrollo de actividades físicas por el uso de una indumentaria artificial, voluminosa y cosificada que convierte el cuerpo femenino en un cuerpo inerte.

Alfombra roja, grandes eventos y rostros famosos son los que lucirán estos diseños cuidados hasta el mínimo detalle. Pasión por los estampados y por el encaje. Pasión por vestir a una mujer romántica y lujosa. Pasión por el siglo XVIII, época en la que la firma italiana busca la inspiración actual.

• Siluetas femeninas: Vestidos con corsés ajustados, faldas amplias y detalles en encaje y seda, reflejando la elegancia y feminidad de la época.

• Colores y patrones: Paleta de colores suaves y pastelados, con patrones florales y detalles en brocado, evocando la delicadeza y romanticismo del siglo XVIII.

• Influencias artísticas: Referencias al arte rococó y neoclásico, con detalles ornamentales y motivos naturales, como flores y hojas.

• Romanticismo y drama: La colección podría haber incluido elementos dramáticos, como mangas largas y voluminosas, y detalles en tul y organza, para crear un efecto teatral y romántico.

• Elegancia y sofisticación: La colección probablemente enfatizó la elegancia y sofisticación, con prendas diseñadas para hacer sentir a las mujeres como princesas de la época.

https://atiempo.tv/cultura/romanticismo-un-grito-de-libertad/

https://www.museosenfemenino.es/museo_traje/cuerpos-modelables/vestido-rom%C3%A1ntico-1830#:~:text=La%20indumentaria%20femenina%20b%C3%A1sica%20del,tiras%20de%20encaje%20o%20bordadas).

https://www.trendencias.com/alta-costura/valentino-alta-costura-primavera-verano-2012-el-romanticismo-del-siglo-xviii

El dadá contradijo no solamente las normas previas del arte, como sucedió con otras rebeliones artísticas, sino toda la lógica y el pensamiento cultural de Occidente. Además, sembró las semillas del cuestionamiento respecto a las nociones de arte, poesía y belleza. Si hoy nos preguntamos “¿es esto arte?”, es gracias a los rebeldes del Cabaret Voltaire.

Rechazaba la lógica y la razón del positivismo

Los artistas dadá se encontraron en Zurich siendo refugiados de la Primera Guerra Mundial. Esto es fundamental para entender su descontento con los valores racionalistas y el positivismo que habían dominado el pensamiento europeo durante todo el siglo, y que llevaron a Europa a una situación devastadora.

Era provocador, escandaloso y caótico

Los primeros escritos dadá eran cadenas de letras y palabras sin lógica aparente, cargadas de irracionalidad, sátira y absurdo, crítica política y social o reflexiones sobre la muerte. En otras manifestaciones, esta disposición tomó la forma de collages y uso de materiales inesperados.

Valoraba el juego

Como parte de su espíritu vital, el dadá otorgaba mucho valor a la expresión lúdica y espontánea, la improvisación y la experimentación. Todo esto tenía un lugar esencial en los procesos creativos de sus artistas, que buscaban formas cada vez más extravagantes de ser libres y de invitar a sus espectadores a serlo.

• Rechazo a las normas: Los dadaístas se opusieron a la moda establecida y buscaron romper con las reglas de la etiqueta y la apariencia.

• Experimentación: Se exploraron nuevas formas de vestir, utilizando materiales y combinaciones inesperadas.

• Ironía y subversión: La moda se utilizó para cuestionar la sociedad y las convenciones, a menudo de manera humorística y provocadora.

• Elementos cotidianos: Se incorporaron objetos y elementos cotidianos en la vestimenta, como bolsas y zapatos.

• Creatividad y originalidad: Se buscó la individualidad y la expresión personal en la forma de vestir.

Algunos ejemplos de vestimenta dadaísta incluyen:

• Sombreros con elementos inesperados

• Bolsas y accesorios con diseños inusuales

• Vestimenta con elementos cotidianos

• Creación de vestuario escénico con máscaras y formas geométricas

En resumen, la moda dadaísta fue una forma de arte que expresó las ideas y valores del movimiento, caracterizada por la experimentación, la subversión y la ironía.

Los diseñadores siguen los pasos del surrealismo de Elsa Schiaparelli para elevar lo corriente con el fin de disrumpir y, de paso, poner en la industria una nota de humor

Contra todas las leyes de la lógica, Marcel Duchamp se propuso destruir el sistema establecido. Con la idea de crear la composición de una rueda de bicicleta sobre un taburete en 1913, el artista comenzó un movimiento de obras de carácter irónico-satírico que culminaría dos años más tarde con La fuente. El famoso urinario de loza firmado por el francés provocó un escándalo sin precedentes en la historia del arte y dio comienzo al movimiento ready made o, lo que es lo mismo, tratar de sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. El dadaísmo contó con más detractores que adeptos pero su trabajo, lejos de ser desterrado a la isla de obras desechadas, tuvo una repercusión enorme. Y no solo en el arte, sino en muchísimos campos creativos. 

https://www.vogue.es/moda/articulos/elementos-cotidianos-convertidos-en-moda-tendencia-surrealista

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Se enfoca en diseños innovadores, materiales avanzados y técnicas de producción modernas para crear prendas y accesorios que reflejen los cambios tecnológicos y culturales en curso.

Los diseñadores que crean prendas de moda futuristas a menudo trabajan con tecnologías avanzadas.

Estos incluyen modelado 3D, impresión 3D, textiles inteligentes y realidad virtual para crear diseños únicos e innovadores que desafían las convenciones de la moda tradicional.

Además, la moda futurista a menudo refleja la influencia de la cultura pop, la ciencia ficción y los avances tecnológicos en otras áreas, como la robótica y la inteligencia artificial.

Como resultado, la moda futurista puede verse como una expresión de la imaginación y creatividad humana hacia el futuro de la moda y la tecnología.

La tecnología tiene un impacto significativo en la industria de la moda en términos de diseño, producción, distribución y marketing.

Los diseñadores de moda utilizan tecnologías avanzadas como el modelado 3D, la impresión 3D y la realidad virtual para crear ropa y accesorios innovadores.

Estas tecnologías permiten a los diseñadores experimentar más libremente y crear diseños complejos que serían difíciles o imposibles de producir a mano.

Además, la tecnología está cambiando la forma en que se producen y distribuyen las colecciones.

La fabricación digital, que implica producir ropa utilizando máquinas controladas por computadora, se está volviendo cada vez más común en la industria de la moda.

Esto permite a las marcas producir ropa más rápido y con menos desperdicio.

La tecnología también cambia la forma en que vendemos ropa. Vender ropa y accesorios en línea es cada vez más popular y muchas empresas de moda están invirtiendo en tecnologías de realidad aumentada para permitir que los clientes se prueben virtualmente la ropa antes de comprarla.

Un repaso de los diseños más punteros para darnos cuenta de que, en esencia, no hemos cambiado tanto

Además de fijar la vista en el pasado, la moda también mantiene la mirada puesta en el futuro. Entre tanta nostalgia e historicismo romántico de marcas como Erdem o Simone Rocha, otras se han caracterizado exactamente por lo contrario. Un diseño puntero, unos materiales diferentes, una forma de concebir la ropa adelantada a su tiempo. Es lo que definió, por ejemplo, a André Courrèges: “Las mujeres de hoy son arcaicas en su aspecto. Lo que quiero es ayudarles a que coincidan con su época”, declaraba en una entrevista para Life en mayo de 1965. Sus diseños formaron parte de lo que se conoció como la moda futurista de los años 60. Una visión avant-garde, pero no exclusiva: la historia del s. XX también es la de aquellos diseñadores que vieron en el futuro un terreno de posibilidades infinitas. La cuestión es, ¿hacia dónde apunta la vertiente, a priori más innovadora, de la industria?

En nuestra memoria escolar lo relacionamos con la literatura, e incluso con el arte. Pero también resulta intrínseco a la moda. ¿Qué otro movimiento publicó no uno, sino cinco manifiestos, en torno a cómo debía concebirse la ropa? Giacomo Balla fue uno de los encargados de traducir los ideales futuristas de Marinetti a la vestimenta, aunque fue Vincenzo Fanni, bajo el seudónimo de Volt, el que daría alas a la ropa futurista femenina en su manifiesto de 1920. Sorprende (y mucho) los paralelismos que pueden trazarse con la idea que tenemos de moda futurista cuando leemos sus preceptos: “La moda femenina nunca puede ser lo suficientemente extravagante. [...] Vestidos que provocan sorpresas y transformaciones, equipados con resortes, aguijones, lentes de cámara, corrientes eléctricas, reflectores, aerosoles perfumados, fuegos artificiales, preparaciones químicas y miles de artilugios [...] En la mujer podemos idealizar las conquistas más fascinantes de la vida moderna. Transformaremos a la dama elegante en un verdadero complejo tridimensional vivo”. Esto se escribió hace un siglo, y más allá de sus ideales, esa constante de innovación y de creación que defendían los futuristas sigue estando presente. Aunque tenemos los vestidos simultáneos de Sonia Delaunay y los monos TuTa de Thayaht, su visión utópica se restringiría a eso, una teoría. No sería hasta los años 60 cuando los diseñadores harían de la experimentación un punto de partida para definir otra utopía, la vida en el espacio, cuya fascinación en realidad no ha cambiado tanto con los años.

https://www.hola.com/fashion/tendencias/2023011774724/looks-inspiracion-futurista-prendas-metalizadas/

https://media.vogue.es/photos/601cf5b912f00571fcffa7e7/master/w_1600,c_limit/diciembre-18-txema-yeste.jpg

https://www.vogue.es/moda/articulos/moda-futurista-courreges-iris-van-herpen

Su estilo, especialmente en la primera década de 1900, fue notable por sus diseños extravagantes y colores brillantes, incluyendo túnicas de pantalla de lámpara y faldas de cojera. 

Sencillez y elegancia: Sus diseños eran conocidos por su sencillez y elegancia, y se alejaban de la complejidad y el ornamento excesivo de la época.

Liberación de la mujer: Poiret fue uno de los primeros diseñadores en liberar a la mujer de la corsetería y crear prendas más cómodas y prácticas.

https://elsiglo20.wordpress.com/1900/12/31/cultura-1900/

https://academic.oup.com/book/550/chapter-abstract/135292341?redirectedFrom=fulltext

https://www.elateliermag.com/wp-content/uploads/2018/01/paul-poiret.png

El acontecimiento que dominó el mundo en la década de 1930 fue la Gran Depresión. Cuando se estudia la década de 1930, es fácil centrarse en ese acontecimiento y en dos países en particular: Estados Unidos, donde comenzó la Depresión, y Alemania, donde sus efectos fueron peores.

Si bien hubo muchos eventos decisivos durante esta década, la Gran Depresión y el Dust Bowl fueron quizás los más destructivos. El desplome de la bolsa de 1929 provocó años de dificultades económicas para Estados Unidos y el mundo. La Gran Depresión se vio agravada por numerosos factores: pánico bancario, disminución de la producción industrial y aumento del desempleo. El Dust Bowl fue otro evento devastador. Una sequía y fuertes vientos azotaron el centro de Estados Unidos y obligaron a muchos agricultores a emigrar al oeste del país en busca de trabajo.

Pantalones de mujer: Los pantalones femeninos surgieron durante la Primera Guerra Mundial, cuando las mujeres asumieron roles en las fábricas. En los años 30, se diseñaron pantalones exclusivos para mujeres, y la falda pantalón se popularizó gracias a Elsa Schiaparelli.

Vestidos de los 30: Los vestidos de noche se volvieron más rectos y adheridos al cuerpo, conocidos como "vestidos esqueletos". Los vestidos de día o casuales más populares fueron los de punto.

Iconos de la moda: La sensualidad se expresaba a través de escotes pronunciados, espaldas descubiertas y sandalias finas. Los sombreros grandes y extravagantes, así como los cortes de pelo más largos, también fueron tendencia.

Moda masculina: Los trajes de hombre se caracterizaron por ser más sobrios, con hombreras y pantalones entallados para transmitir una silueta atlética. Las solapas anchas y los bolsillos cuadrados y grandes también fueron populares.

En general, la moda de los años 30 se centró en la elegancia, la sensualidad y la sofisticación, tanto para hombres como para mujeres.

Los festivales de música de esta primavera sirvieron de inspiración para la última colección de JW Anderson, y lo que seguramente sea el desfile más aclamado de la Semana de Moda masculina de Milán.

"Siempre he sido muy, muy fan de toda la publicidad de Guinness, incluso desde los años 20 y 30. Es la iconografía de mi infancia", explicaba Jonathan, que también jugó con la arquitectura de su juventud.
 
Presentó toda una serie de partes de arriba de punto y coletas que representaban casas, inspiradas en edificios de Gran Bretaña e Irlanda: una casa con terraza georgiana, una casa de campo o las típicas viviendas británicas de dos plantas, También vimos chaquetas acolchadas de forma globular, cada manga representando una gran gota. Algunas rematadas con lazos de 30 centímetros de ancho y tres metros de largo.
 
"Me gusta la idea del primitivismo en la ropa, que es lo que mejor sabemos hacer. Contar historias tejidas a mano. Y luego crear un look en el que la profundidad de campo sea difícil de comprender, en el que la proporción esté fuera de lugar", explicaba después del desfile.
 
Anderson dijo también que le preocupaba que su firma de ropa masculina se hubiera vuelto un poco demasiado informal y quería "enriquecerla de nuevo". Acudir a festivales le hizo darse cuenta de que la moda se había vuelto demasiado conservadora. "Veía a más gente vistiendo alta costura que lo que realmente está pasando en la moda. Parece un retroceso. Mucha gente busca algo que sea realmente provocador", explicaba, aunque él llevaba unos sencillos pantalones azules y una camisa vaquera.

En 1940, la Segunda Guerra Mundial estaba en marcha. En Europa, Alemania invadió Noruega, Dinamarca, Bélgica, Luxemburgo, Francia y los Países Bajos. La batalla de Francia, que terminó con la caída de Francia, también ocurrió en este año. 

En otros lugares del mundo, los japoneses atacaron la provincia china de Shanxi. La situación política en México también fue relevante, con Manuel Ávila Camacho asumiendo la presidencia el 1 de diciembre, según Wikipedia. 

Además, 1940 fue el año en que se cancelaron los Juegos Olímpicos de Verano de la XII Olimpiada, que debían celebrarse en Helsinki. 

El Cine en la Época de Guerra

La década de 1940 fue testigo de un auge en la producción cinematográfica, con películas de guerra, comedias musicales y películas noir que cautivaron al público. Algunas de las películas más icónicas de la época incluyen "Casablanca", "El ciudadano Kane" y "Lo que el viento se llevó". Estas películas no solo reflejaron la realidad de la guerra, sino que también ofrecieron una escapada para el público.

La Música en la Época de Guerra

La música también jugó un papel importante en la década de 1940, con el jazz, el swing y la música popular dominando la escena musical. Artistas como Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Glenn Miller se convirtieron en íconos de la época, con sus canciones que evocaban sentimientos de nostalgia y esperanza.

La Moda en la Época de Guerra

La moda de la década de 1940 estuvo marcada por la austeridad y la funcionalidad, lo que llevó a la creación de estilos más simples y prácticos. La moda femenina se caracterizó por faldas lápiz, hombros estructurados y peinados elegantes, mientras que la moda masculina incluyó trajes militares y sombreros fedora. La moda se convirtió en una forma de expresión y resistencia en medio de la guerra.

Avances Tecnológicos

La década de 1940 también fue testigo de importantes avances tecnológicos, como el desarrollo de la televisión, la invención de la bomba atómica y el inicio de la era de la computación. Estos avances tuvieron un impacto duradero en la cultura y la sociedad, sentando las bases para el mundo moderno que conocemos hoy en día.

En resumen, la década de 1940 fue una época de gran cambio y transformación, marcada por la guerra, la austeridad y los avances tecnológicos. La cultura y la sociedad se vieron profundamente afectadas por estos eventos, y su legado sigue siendo visible en la actualidad.

La Influencia del Cine en la Moda

El cine de Hollywood se convirtió en una fuente de inspiración para las mujeres de la época. Actrices como Ingrid Bergman, Lauren Bacall, Katharine Hepburn, Rita Hayworth y Ava Gardner se convirtieron en iconos de la moda, y su estilo y elegancia fueron emulados por muchas mujeres.

La Moda Femenina en la Época de Guerra

La falta de tejidos y recursos llevó a la creación de estilos más prácticos y modestos. Las faldas se volvieron más cortas y los patrones más ajustados. Sin embargo, las mujeres encontraron formas de agregar un toque de glamour a su vestimenta a través de complementos y maquillaje. El lápiz de labios se convirtió en un elemento esencial en la rutina de belleza de muchas mujeres.

La Creatividad y la Coquetería

A pesar de las dificultades económicas y políticas, las mujeres de la época encontraron formas de expresar su individualidad y estilo. La moda se convirtió en una forma de resistencia y de afirmación de la feminidad en un momento en que la austeridad y la escasez eran la norma.

En resumen, la moda de los años 40 se vio marcada por la realidad de la guerra y la austeridad, pero también por la creatividad y la coquetería de las mujeres que supieron encontrar formas de mantener su estilo y elegancia en un momento difícil.

El término 'New Look' introducido por Christian Dior en 1947 marcó un hito significativo en la evolución de la moda

¿Qué significó el término "New Look" y quién lo introdujo en la moda?

Volviendo al principio, el término New Look hace referencia a la silueta lanzada por Christian Dior en 1947 durante la presentación de su primera colección de Alta Costura.

¿Cuáles son las características distintivas de la silueta New Look?

La silueta New Look se caracteriza por faldas amplias, cuerpos ceñidos y cinturas de avispa. La “mujer-flor” –como él las denominaba–, de hombros delicados, cintura estrecha y faldas que caían en forma de corola, había nacido.

¿Cómo influyó el New Look en la moda y la vestimenta femenina?

Tras una época marcada por el pragmatismo y la escasez económica provocada por guerras y conflictos bélicos, el New Look devolvió a los armarios femeninos el gusto por el glamour, el lujo y la feminidad. El exceso de tela empleada en estos diseños puso contra Dior a los comerciantes británicos. No obstante, el francés contó con el apoyo del gobierno galo que vio como, gracias a esta nueva tendencia, los ojos de la industria volvían a estar puestos sobre París tras la Segunda Guerra Mundial.

¿Cómo se mantuvo la influencia de esta nueva silueta después de la muerte de Christian Dior?

La influencia de esta nueva silueta duró más de una década y sobrevivió a la muerte de Dior en 1957. No en vano, tanto John Galliano, al frente de la maison durante más de una década, como Gianfranco Ferré o Raf Simons han reinterpretado en la mayoría de sus colecciones uno de los códigos más emblemáticos y reconocibles de la casa de moda francesa.

HISTORIA

En 1957 comienzan a imponerse las líneas pegadas al cuerpo de Chanel y los vestidos saco de Balenciaga y Givenchy. Christian Dior muere a los 52 años de un ataque al corazón.

En 1956 Dior se convierte en la casa de Costura más rentable y poderosa de la industria francesa.

En 1954 Coco Chanel lanza una contrarréplica a la silueta dominante con “trajes pegados a la realidad”.

Acontecimientos clave:

• Política:

  Inicio de la Guerra de Corea, que dividiría a Corea en dos estados. 

• Sociedad y Cultura:

  Caza de brujas anticomunista en Estados Unidos, liderada por Joseph McCarthy.

• Ciencia y Tecnología:

  Se descubrió el berkelio, un nuevo elemento químico en la Universidad de California. 

• Economía:

  México entra en un periodo de despegue económico que duraría más de 30 años. 

La televisión se convirtió en una parte central de la vida estadounidense durante la década de 1950, con programas populares como "I Love Lucy" que influyeron en la dinámica familiar y las normas sociales.

La música rock 'n' roll ganó una gran popularidad y artistas como Elvis Presley se convirtieron en íconos culturales y desafiaron los géneros musicales tradicionales.

La década estuvo marcada por un fuerte énfasis en los valores familiares y la conformidad, ya que muchos estadounidenses buscaban estabilidad después de las incertidumbres de la Segunda Guerra Mundial.

El movimiento por los derechos civiles comenzó a tomar forma en esta época, con eventos como la decisión Brown v. Board of Education en 1954 que desafió la segregación racial en las escuelas.

Mujeres:

Faldas:

La moda femenina incluía faldas de corte A que realzaban la figura, faldas tubo ajustadas y chaquetas peplum a juego. 

Vestidos:

Los vestidos podían ser largos, ajustados al cuerpo o con un vuelo sobre las caderas. 

Accesorios:

Se le dio mucha importancia a los accesorios como los sombreros, las carteras, los tocados, los guantes y los collares y pendientes de perlas. 

Peinados:

El pelo se llevaba corto y bien cuidado, a menudo con ondas o peinados de la época. 

Colores:

Se usaban colores pastel, como el rosa, el turquesa y el amarillo, junto con matices más intensos como rojo, verde y negro. 

Hombres:

Trajes: Los trajes a medida eran el atuendo por excelencia de los años 50. 

Camisas y corbatas: Se usaban camisas con corbata, a menudo con patrones o estampados. 

Pantalones: Los pantalones se volvieron muy estrechos y se usaban hasta los tobillos. 

Subcultura Teddy Boys: En Gran Bretaña, los "Teddy Boys" o "Teds" vestían trajes y pantalones estrechos y llevaban el pelo engominado hacia atrás. 

Estilo James Dean: El actor James Dean influyó en la moda masculina con su estilo rockero, que incluía vaqueros con camisas blancas o negras ajustadas al cuerpo y chaquetas de cuero negro. 

Su legado trasciende generaciones, siendo inspiración tanto para diseñadores como para aquellos que buscan crear con excelencia.

Su nombre evoca lujo, perfección y un legado que sigue inspirando a quienes buscan innovar en la moda. Fue un visionario que definió una era y dejó enseñanzas invaluables para cualquier profesional creativo.

https://divainparfums.mx/blogs/blog-divain/moda-anos-30

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https://pe.fashionnetwork.com/news/-jw-anderson-presenta-la-iconografia-de-su-infancia-en-milan,1642436.html

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/10/1940s_decade_montage.pnghttps://www.retrowaste.com/1940s/#google_vignette

https://brainly.lat/tarea/74448047

https://www.divinity.es/moda/20221022/moda-anos-40-como-era-caracteristicas-be5m_18_07541445.html

https://www.vogue.es/articulos/new-look-christian-dior-historia-moda

https://cdn.slidesharecdn.com/ss_thumbnails/cocochanel-140424144718-phpapp01-thumbnail.jpg?width=560&fit=bounds

https://library.fiveable.me/key-terms/apush/american-culture-in-the-1950s

https://cdn.aarp.net/content/dam/aarpe/es/home/politica/historia/info-2016/sucesos-importantes-que-ocurrieron-en-1950-fotos/_jcr_content/root/container_main/container_body_main/list_container_body4/container_body_cf/body_four_cf_listicle_twenty/cfimage.coreimg.50.932.jpeg/content/dam/aarp/politics/events-and-history/2016/07/1140-events-1950s-west-side-story-stage-esp.jpg

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Acontecimientos clave de 1960:

• Independencia de naciones africanas: Un evento clave fue la independencia de 17 naciones africanas, lo que intensificó los sentimientos panafricanistas. 

• Elecciones presidenciales en Estados Unidos: El demócrata John F. Kennedy ganó las elecciones presidenciales. 

• Guerra Fría: El conflicto entre Estados Unidos y la Unión Soviética continuó, con la tensión política en su punto más alto. 

• Avances tecnológicos: Se produjo el primer vuelo del Concorde, el avión supersónico. 

• Cambios sociales: Se aprobó la píldora anticonceptiva por la FDA, lo que tuvo un impacto significativo en la sociedad. 

• Movimientos contraculturales: La contracultura comenzó a ganar fuerza, con la aparición de la generación hippie. 

• Desastres naturales: Un terremoto mortal golpeó Chile. 

• Acontecimientos en Ecuador: En Ecuador, se llevó a cabo un proceso electoral para elegir al presidente constitucional y vicepresidente, y el caudillo Velasco Ibarra triunfó en las elecciones. 

En resumen, 1960 fue un año de grandes cambios, tanto en el ámbito internacional como en el social y cultural, marcando el inicio de una década de transformaciones importantes, el año se conoció como "el año de África" debido a la independencia de varias naciones africanas. 

En otro rincón, había un grupo de diseñadores fascinados con la carrera espacial que confeccionaba vestidos futuristas aptos para ir elegante al cosmos. Y, en la contracultura, la paz y el amor eran primordiales, la moda hippie ayudó así a toda una generación a vestirse a la moda. Pero esto es sólo una pincelada de la moda de los 60.

El nacimiento de la minifalda

Nunca antes en la historia de la moda habíamos visto las rodillas; tal vez recuerdes que incluso las famosas flappers de los años veinte ocultaban sus rodillas. Después de que Christian Dior bajara los ruedos en 1947, las faldas no dejaron de subir durante la siguiente década y media. Aunque los historiadores de la moda señalan 1964 como el año de la minifalda, hubo precursores, como el vestido saco de Cristóbal Balenciaga de 1957.

Los diseños de Quant reflejaban un cambio en la moda, pasando de la moda tradicional a la juvenil como fuente de inspiración. Sus diseños más conocidos de la década de 1960 se asemejaban a los atuendos que usaban las niñas en sus clases de baile: faldas cortas plisadas, tobilleras blancas y zapatos negros de charol con tiras al tobillo. A principios de la década de 1970, Quant dejó de fabricar, pero continuó diseñando ropa , pieles, lencería, ropa de hogar y monturas de gafas . También continuó dirigiendo el negocio de cosméticos que había fundado en 1955 hasta su venta en el año 2000.

• Minifalda: Quant popularizó la minifalda, una prenda que se convirtió en un símbolo de la liberación y la emancipación femenina en la década de 1960.

• Moda juvenil: Quant se centró en la moda para jóvenes, creando prendas que eran divertidas, coloridas y accesibles.

• Vanguardismo: Quant fue una pionera en la moda vanguardista, experimentando con nuevos diseños, materiales y estilos que desafiaban las convenciones tradicionales.

• Influencia en la cultura popular: La moda de Quant reflejaba y influenciaba la cultura popular de la época, incluyendo la música, el arte y la política.

En general, Mary Quant es recordada por su contribución a la revolución de la moda femenina en los años 60 y su influencia en la cultura popular.

• Música disco: La música disco fue un fenómeno cultural que dominó la escena musical de la época.

• Tragedias y pérdidas: La muerte de grandes artistas como Jimi Hendrix y Elvis Presley conmocionó al mundo.

• Escándalos políticos: El escándalo del Watergate sacudió la política estadounidense.

• Dictaduras en América Latina: La región sufrió una ola de dictaduras militares, incluyendo regímenes en Chile, Argentina, Bolivia, Paraguay y Uruguay.

• Avances tecnológicos: La década vio importantes avances tecnológicos, incluyendo la misión Apollo 13, que regresó a la Tierra con éxito después de una avería grave.

En general, la década de 1970 fue una época de gran cambio y turbulencia, con eventos que tuvieron un impacto duradero en la historia y la cultura.

La Guerra Fría y la lucha contra el comunismo aún estaban en pleno apogeo durante la década de los setenta. En 1977, Christopher Boyce, de 23 años, fue arrestado por vender miles de documentos clasificados estadounidenses a agentes rusos, incluyendo planes para un sistema de satélites espía para comunicarse con agentes en zonas peligrosas. Su cómplice y amigo, Andrew Daulton Lee, fue arrestado en diciembre de 1976 frente a la embajada soviética y confesó ser un espía. El juez federal de distrito Robert J. Kelleher condenó a ambos hombres por espionaje en juicios separados, EE. UU. contra Boyce y EE. UU. contra Lee . Boyce fue sentenciado a cuarenta años de prisión y Lee a cadena perpetua. La historia de sus casos más tarde se plasmó en el libro y la película superventas The Falcon and the Snowman .

Detalles específicos de la moda de 1970:

• Pantalones acampanados:

  Una silueta icónica de la década, disponibles en una amplia gama de telas y colores. 

• Faldas midi:

  Con longitud hasta la mitad de la pantorrilla, eran una opción versátil para diversas ocasiones. 

• Blusas con estampados:

  Desde diseños étnicos hasta motivos psicodélicos, las blusas con estampados eran muy populares. 

• Camisas de manga larga con cuellos en punta:

  Una prenda común para hombres y mujeres, que podía ser usada tanto para eventos formales como informales. 

• Trajes de poliéster:

  Un material ligero y fácil de cuidar, que se convirtió en un básico de la moda de la época. 

• Zapatos de plataforma:

  Una opción elegante para complementar los atuendos de fiesta. 

• Colores vibrantes y naturales:

  El naranja, el verde aguacate, el amarillo mostaza y el marrón eran colores muy populares. 

• Acessorios:

  Bolsas, pañuelos y accesorios de cuero eran populares. 

• Estilo hippie:

  Ropa de algodón, estampados florales y prendas étnicas eran influencias de la cultura hippie. 

• Estilo disco:

  Lentejuelas, colores llamativos y zapatos de plataforma eran influencias del estilo disco. 

Alberta Ferretti ha presentado su colección para la temporada primavera-verano 2020 en la Fashion Week de Milán. Una propuesta que está inspirada en la década de los 70, donde la diseñadora ha querido hacer un recorrido a lo largo del día con looks que van desde la mañana a la noche.

El año 1980 fue un año bisiesto que comenzó un martes, según el calendario gregoriano. En este año, se desarrollaron los Juegos Olímpicos de Verano en Moscú, Unión Soviética, y se lanzó el videojuego Pac-Man, que se convirtió en uno de los más populares de la historia. También ocurrió la invasión de Irán por parte de Irak, lo que marcó el inicio de la Guerra Irán-Irak. 

En la década de 1980, se observaron varios cambios significativos en el mundo:

En la política: Se produjo una transición en la industrialización dirigida por el Estado, con la implementación de reformas de mercado y cambios en la gestión de la política económica. 

En la cultura: Surgió el movimiento "yuppie", una explosión de películas taquilleras, y el auge de canales de televisión por cable como CNN y MTV, que introdujeron el video musical y lanzaron la carrera de muchos artistas. 

En la ciencia: Se desarrolló la primera vacuna para combatir la hepatitis B. 

En resumen, el año 1980 fue un año de cambios y eventos importantes en diversos ámbitos, incluyendo la política, la cultura y la ciencia. 

Música y cine:

La música pop, con íconos como Michael Jackson y Madonna, dominó la escena musical. El cine también fue importante, con películas como "The Breakfast Club" y "Do the Right Thing" que dejaron huella. 

Tecnología:

La creación de MTV, la World Wide Web y los CD marcaron el avance tecnológico, influyendo en la cultura popular. 

Moda y estilo:

La moda de los 80, con hombreras, peinados grandes y trajes inspirados en la moda masculina, se volvió icónica. 

Videojuegos:

La aparición de videojuegos como Pac-Man marcó un punto de inflexión en la cultura popular. 

Cultura popular:

Los centros comerciales, el consumismo y la cultura del ocio fueron características destacadas de la década. 

Cambios sociales:

La vida familiar, la cultura alternativa y el avance de los derechos de las mujeres también marcaron esta época. 

En esta época, las minifaldas, las hombreras, los vestidos de brillo, los cinturones tamaño XL, los maillot, el denim o los tules –entre muchas otras prendas y tejidos– fueron tomando fuerza hasta el punto de convertirse en el código de vestimenta por excelencia en todo el mundo. Sin embargo, gran parte de esta revolución vino marcada por la influencia que tuvo este estilo entre múltiples artistas y/o celebridades de la época. Es por ello que si de iconos de estilo o referentes hablamos, hay varios nombres que no se deben pasar por alto: desde la primera etapa de Madonna al 'Physical' de Olivia Newton John pasando por Jane Fonda, Bianca Jagger o Cindy Lauper, los 80 fueron una década que, 40 años después, el estilo perdura abogando por esa libertad que definió la forma de ser y el estilo de infinidad de personas.

Hacemos un repaso de las que fueron auténticos iconos de estilo de los años 80 y recordamos dónde están hoy; iconos que gracias a su fuerza e influencia han generado un impacto tan positivo que con tan solo recordarlas hacen que nos traslademos a la década de los 80.

La nostalgia de los ‘eighties’ está más presente que nunca, por eso echamos la vista atrás para repasar el estilo inconfundible que configuró la esencia de toda una década hasta llegar a nuestros días. 

La época de los 80 es tan icónica como la propia expansión del consumismo, es decir, la clave del éxito residía en el «más es más». Dentro de este movimiento estético se aglutinaron las claves de lo que habían supuesto los últimos cuarenta años para la moda, lo que propició una eclosión sensorial de contrastes. Todo valía, pero debía ser a lo grande, desde las chaquetas oversize a los accesorios de colores vibrantes.  

Especialmente en Estados Unidos, la de los 80 fue la primera generación de universitarios y jóvenes trabajadores (hijos de los hippies y nietos de veteranos de guerra) que abrazó el consumo de moda y vestía para triunfar...

https://www.vogue.mx/articulo/moda-de-los-60

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https://www.aarp.org/espanol/politica/historia/info-2016/sucesos-importantes-que-ocurrieron-en-1970-fotos.html

https://www.cacd.uscourts.gov/newsworthy/historical-decades/1970s#:~:text=The%201970s%20was%20the%20decade,change%20continued%20to%20shape%20society.

https://cdn.aarp.net/content/dam/aarpe/es/home/politica/historia/info-2016/sucesos-importantes-que-ocurrieron-en-1970-fotos/_jcr_content/root/container_main/container_body_main/list_container_body5/container_body_cf/body_five_cf_listicle_twentyfive/cfimage.coreimg.50.932.jpeg/content/dam/aarp/politics/events-and-history/2016/11/1140-ss-1970s-walkman-subway-esp.jpg

https://www.harpersbazaar.com/es/famosas/el-estilo-de/g322387/que-fue-de-los-iconos-de-estilo-de-los-80/

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https://www.alfonsin.org/wp-content/uploads/2019/01/BIENAL-1989_2.jpg

https://es.vestiairecollective.com/journal/el-resurgir-del-vintage-los-poderosos-anos-80/

https://vanidad.es/como-los-anos-80-inspiran-las-colecciones-para-la-temporada-fw22/

Todos los que vivieron los 90, observaron cómo se desvanecía el pasado para dar paso a un mundo que sólo se había asomado en libros y películas de ciencia ficción. La modernización llegó para transformar el mundo y, a partir de este momento, no dejó de transformarse también a sí misma. Este proceso de cambios recuerda a las mariposas, no necesariamente por su belleza, sino por su cualidad irreversible. A partir de los años noventa, el mundo no volvería a ser lo que había sido.

En este contexto, Regina Romero vivió una etapa clave en su historia. Durante los años 90, la marca se consolidó como un ícono de la elegancia y sofisticación, expandiendo su presencia con la apertura de tiendas propias a lo largo del país. Este crecimiento fue impulsado por el auge de mujeres que, gracias a su independencia económica, ya contaban con su propio dinero para invertir en productos que reflejaran su estilo y buen gusto.

La moda de los años noventa reflejaba cierta nostalgia por el pasado perdido, equilibrándose con una necesidad de entender los cambios y dando paso a elegancia irrepetible que sellaba las propias características de la época.

A diferencia de los años 80, el minimalismo llenó los guardarropas para poder desaturarse de aquel universo en constante movimiento. Iconos como Lady Di resultaron ser una inspiración para las mujeres de aquel tiempo, que gozaban ya de independencia y autonomía. 

Hoy en día, Regina Romero sigue empoderando a mujeres a través de la elegancia y el estilo, continuando con un legado que nació en una década de grandes cambios y expansión

Los ideales de crecimiento de aquella década de metamorfosis continúan vigentes en nuestra marca y, por lo tanto, no dejamos de renovarnos. La eternidad de los años 90 se refleja en un espíritu que se renueva, que evoluciona, que se representa perfectamente por la elegancia de una mariposa. Y en Regina Romero, lo sabemos bien. 

Los inmortales 90

La década del minimalismo e individualidad tira los hilos del corazón de diseñadores y del público actual.

10.05.2024 por Piper McDonald y Tori Nergaard

El grunge, liderado por diseñadores como Marc Jacobs, se caracterizó por su actitud apática y antagónica hacia la desigualdad económica y social. Sin embargo, la tendencia se volvió hipócrita y eventualmente llegó a su fin debido a sus altos precios y la mercantilización de la estética.

Por otro lado, el minimalismo se convirtió en una tendencia duradera gracias a su enfoque en la simplicidad y la practicidad. Marcas como Calvin Klein, Prada y Jil Sander crearon diseños que atraían a un público más amplio en una era de consumo reducido. El minimalismo se asoció con la "chica elegante de la ciudad" y se convirtió en un símbolo de sofisticación.

En la actualidad, la moda de los años 90 está siendo reinterpretada por diseñadores que buscan crear piezas que trasciendan los ciclos de tendencias. La nostalgia por la simplicidad y la individualidad de la década de los 90 es palpable, y los diseñadores están apostando por estilos personales y sostenibles en lugar de tendencias fugaces.

La relación entre moda y celebridades también se ha visto influenciada por la década de los 90. Las supermodelos de la época, como Cindy Crawford y Naomi Campbell, trajeron personalidad a la industria de la moda y fomentaron la individualidad. Hoy en día, las celebridades siguen siendo una gran fuente de inspiración para la moda, pero se busca un look más auténtico y menos estilizado.

En resumen, la moda de los años 90 ha tenido un impacto duradero en la industria y sigue siendo una fuente de inspiración para diseñadores y consumidores actuales. Su enfoque en la simplicidad, la practicidad y la individualidad es especialmente relevante en una era de consumo excesivo y tendencias fugaces.

Cambios clave en la última década:

• Aumento de la presencia en línea: El número de personas que utilizan internet se duplicó entre 2010 y 2019, llegando a 4.100 millones. Las redes sociales como Instagram, Snapchat y TikTok se han vuelto fundamentales para compartir experiencias y generar conciencia sobre la igualdad de género.

• Movimiento #MeToo: En 2017, el movimiento #MeToo se convirtió en un punto de inflexión, permitiendo a millones de mujeres compartir sus historias de acoso y abuso sexual, y generando un impacto global que ha llevado a la caída de líderes y cambios en políticas.

• Conversaciones fuera de línea: Las mujeres están hablando más abiertamente sobre violencia de género, matrimonio infantil y otros temas que antes se consideraban tabú. Esto ha llevado a una mayor conciencia y búsqueda de soluciones.

Avances en salud y derechos reproductivos:

• Opciones anticonceptivas: Las parejas tienen acceso a una variedad de métodos anticonceptivos modernos y confiables, lo que ha cambiado las preferencias y aumentado el uso de anticonceptivos de largo plazo.

• Reducción del estigma: El estigma en torno a los anticonceptivos está disminuyendo, y más mujeres están buscando asesoramiento sobre planificación familiar y anticonceptivos.

• Mejora en la salud materna e infantil: Los programas de educación sobre planificación familiar están ayudando a reducir las tasas de mortalidad materna e infantil en lugares como Afganistán.

Roles de género menos rígidos:

• Aumento de la educación: La matriculación en la escuela secundaria ha aumentado en un 5% entre 2010 y 2018, y las mujeres están asumiendo roles que antes eran inaccesibles.

• Empoderamiento económico: Las mujeres están trabajando y ganando dinero para cubrir sus necesidades y ayudar a sus familias.

• Liderazgo y política: Las mujeres están postulándose para puestos electivos en índices más altos que nunca y están luchando por sus derechos y defendiendo sus creencias.

Compromiso con el cambio:

• Mayor conciencia y determinación: El mundo tiene una visión más clara de las consecuencias de la desigualdad de género y está más determinado a realizar esfuerzos para cambiarla.

• Cumbre de Nairobi: La Cumbre sobre la CIPD25 reunió a delegados de 170 países para asumir compromisos específicos para promover la igualdad de género y poner fin a la violencia de género.

• Inversión en cambio: Se han movilizado miles de millones de dólares para apoyar estos esfuerzos, y se espera que el próximo decenio sea de grandes logros para las mujeres y niñas.

Música y Entretenimiento

• La música electrónica y el pop dominaban las listas de éxitos.

• Artistas como Lady Gaga, Katy Perry y Justin Bieber eran populares en todo el mundo.

• El cine también experimentó un auge con películas como "Avatar" y "Inception".

Tecnología y Redes Sociales

• Las redes sociales como Facebook, Twitter y YouTube continuaron creciendo en popularidad.

• Los teléfonos inteligentes se volvieron más accesibles y comenzaron a cambiar la forma en que las personas se comunicaban y accedían a la información.

Tendencias Culturales

• La conciencia sobre la sostenibilidad y el medio ambiente comenzó a crecer.

• La moda se inclinaba hacia estilos más relajados y cómodos, con influencias de la moda hippie y bohemia.

Ecuador en el Contexto Global

• Aunque no tengo información específica sobre Ecuador en el 2010, el país ha sido siempre conocido por su rica diversidad cultural, con influencias indígenas, españolas y africanas.

• La cultura ecuatoriana se caracteriza por su música, arte y tradiciones únicas, como la fiesta de la Mama Negra en Latacunga y el festival de la Vendimia en Imbabura ¹.

Valentino es famoso por sus vestidos de noche icónicos, con detalles como lazos, plumas, organza y volantes. 

Accesorios:

Los accesorios de Valentino Garavani, como los bolsos y zapatos con tachuelas, se han convertido en objetos de deseo y han sido ampliamente adoptados en la moda de consumo. 

Rojo Valentino:

El uso audaz del color, especialmente el "Valentino Red", ha simbolizado la pasión y el poder, y se ha convertido en una marca distintiva de la casa de moda. 

Influencia en la década de 2010:

La influencia de Valentino en la moda de la década de 2010 se puede ver en la continuación del uso de lazos, plumas, volantes y el estilo elegante. 

Influencia a largo plazo:

Sus diseños continúan inspirando a la industria de la moda, estableciendo estándares de elegancia y lujo en la moda de lujo.