Seus estudos artísticos se iniciam em 1947, no Rio de Janeiro, onde estuda com Burle Marx, três anos depois se muda para França e passa a estudar com Fernand Léger. É no seu retorno ao Brasil que Lygia passa integrar o Grupo Frente e se torna uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto. Nos anos 1970 a artista retorna à França onde leciona na Sorbonne, e passa sua última década de vida, nos anos 1980, no Brasil se voltando ao estudo da relação arte/terapia.

As roupas externamente parecem iguais, mas cada uma corresponde à um gênero determinado, as instruções da artista é que a mulher use o macacão ‘homem’ e o homem o macacão ‘mulher’, e ao trabalhar a dualidade dos sexos, uma das proposições da obra  é gerar no homem sensações femininas assim como na mulher sensações masculinas.

Existe uma entrega à mútua exploração, em certo ponto se entende que não eles não tocam apenas tecidos, eles tocam alteridades rumo a constituição de um corpo coletivo, é o relacionamento de dois seres com o todo um do outro.

É entrando cada vez mais na pele do outro que se entende a própria pele, é descobrindo o outro que descobre a si mesmo, eles param de tocar corpos e passam a tocar alteridades e por aquele instante o ser pode parecer inteiro, por aqueles instantes o ser é o Eu e o Tu.

O trabalho de Letícia Parente em vídeo performance é pensado enquanto poética intrínseca ao vídeo, numa relação em que as ações do corpo são captadas em tempo real, enquanto esse conhece o seu lugar de frente a câmera, promovendo o confronto e diálogo entre ambos.

Marca Registrada pode ser entendido por diversos ângulos, visto que sua simbologia parte de um contexto ditatorial da década de 1970, um movimento que colocava o corpo como objeto de estudo, a lógica mercadológica internacional e o questionamento sobre o feminino.
Partindo de uma análise que se detém sobre este último aspecto, Marca Registrada trabalha o corpo em um estado que poderia ser considerado cotidiano, um espaço doméstico com uma ocupação feminina, um mulher bordando, o que vai de encontro ao esperado em uma sociedade patriarcal, mas causa estranhamento na colocação do corpo como sujeito e objeto da ação. Ao bordar a sola do pé, a artista ao mesmo tempo afirma e rejeita a experiência da identidade feminina.  
Leticia Parente também faz uso da noção de coisificação da pessoa e da figura feminina ao bordar "made in brasil”, ao mesmo tempo em que questiona o artista enquanto bem de exportação para o mercado de arte internacional. Neste sentido, o detalhe do S rompe com o emblema em inglês e reivindica a palavra para a língua portuguesa, destacando o Brasil onde, segundo Pedrosa, germinava a vida e permitia brotar uma nova perspectiva sobre corpo e arte.

É neste sentido processual que percebe-se a tensão como estado do que ameaça romper-se. Marca Registrada (1975) da artista Letícia Parente está situado em um contexto de uma ditadura militar instaurada dez anos antes da obra ser concebida, em um período regido pela censura, perseguição e tortura. O medo e controle acarreta nos temas da produção cultural, aumentando uma tensão já instaurada na sociedade, com obras que desafiavam o momento político do país, buscando a retoma de controle de seus próprios corpos. Fazendo com que a artista busque romper com a objetificação do corpo por meio da autonomia da obra com o autor, criando uma vertente pioneira na exploração entre corpo e vídeo. 

Seguindo com essa prática da arte contemporânea brasileira para a videoperformance, que é baseada no ato de gravar em tempo real uma ação especial criada para o próprio meio, produzindo um diálogo entre corpo e vídeo. Lia Chaia em Desenho - Corpo (2001), encontra-se dentro de um outro contexto político, onde as temáticas a serem exploradas se voltam para si. Trazendo o que é privado, a sua própria intimidade, o corpo nu, para uma esfera pública, seguindo a mesma prática de não objetificação, porém indo um passo além e rompendo com a simbologia do que é esperado do corpo feminino, já que o mesmo é érotico por si próprio. 

Em Marca Registrada e Desenho Corpo, percebe-se um corpo visceral, que se mostra de dentro para fora, através do ângulo da câmera. Essa ação de trazer o interior para o exterior vem através das artistas retomando para si o controle sob seus próprios corpos, o qual por ser feminino é sujeito das intervenções do Estado desde a Idade Média, quando torna-se território político, como situa a autora Silvia Federici. Neste ponto de vista, Parente cria um estranhamento quando retoma para si o controle de modificar sua pele por meio do bordado em uma ação que não corresponde a um processo cirúrgico, logo sem uma funcionalidade social aparente. Chaia, por outro lado, traça linhas vermelhas infinitas por toda sua pele, causando um estranhamento através do processo em que desobjetifica a si, logo ao corpo feminino, retomando o controle a partir da imagem visceral. As duas obras se interligam e expandem o universo de pesquisa e exploração sobre os limites do corpo, vídeo e estranhamento. 

Corpo é a centralidade da produção da Lygia Clark, é para onde seus objetos caminham até se libertar completamente de uma possível arte objetual-representacional e passa a propor experiências artísticas centradas na vivência do corpo.

Para a realização dessa experiência é preciso pensar no agenciamento do sujeito-espectador que será desprogramado da sua atuação convencional de sujeito e situá-lo num ato de participação e ativação da proposta artística que não se baseia mais na dicotomia sujeito-objeto “A obra [de arte] deve exigir uma participação imediata do espectador e ele, espectador, deve ser jogado dentro dela” (L. Clark, em L. Clark, op. cit., p.8.), ou seja, o agenciamento acontece centrando o corpo do sujeito em ações abertas que transcendem experiências cotidianas, à medida que o artista passa ser um propositor de experiências, o espectador passa a constituir a obra como agente ativo de sua criação.

Alteridade compõe essa obra tanto por evidenciar a subjetividade do sujeito, quanto através de uma exaltação do sensorial cujo público é submetido, deslocando-o assim do lugar comum. Não apenas obra e sujeito viram um, a experiência é coletiva, é de quem veste e quem assiste; a experiência de alteridade é percebida do sujeito com o próprio objeto e do sujeito-objeto com o Outro. É uma obra que possibilita o encontro consigo mesmo através de outros tantos encontros, é o se encontrar no outro.

É pensando em todas essas camadas de experiência que não é possível conceber essa obra sem a possibilidade de vive-la.


Foi quando eles entraram na sala / Ela pelo lado direito / Ele pelo lado esquerdo / Pararam no centro da sala e colocaram seus trajes / Era como um macacão que cobria todo o corpo / Inclusive um capacete que cobria os olhos / Eram como dois mergulhadores dos anos 1950 / Vestidos formalizados a se tocar / E se entregaram a mútua exploração / Ele jurava que o tecido era de borracha / Ela tinha certeza que era algum tipo de plástico

…

No fim eles não estavam tocando tecidos, eles estavam tocando alteridades / Era a constituição do corpo coletivo / Enquanto ele passava a mão por sua cintura encontrou um zíper e ao abrir havia água / Ao passo que ela tocava sua cabeça quando encontrou um zíper e ao abrir havia espuma / E então o tempo se suspendeu / Eles entravam cada vez mais na pele do outro para entender a própria pele / Era descobrindo o outro que se descobria / E por aquele instante o ser era inteiro / O ser era o Eu e o Tu

Existe em comum na obra de Alex Flemming e de Claudia Bakker a ideia de apelo sensorial aos sentidos. Valendo-se do livre jogo de símbolos que evocam noções de erotismo e palpabilidade, os artistas trazem à tona a materialidade de seus suportes como recurso de relação íntima com o observador. A potência simbólica do corpo masculino e da maçã dialogam com a tradição cristã que os artistas possuem como pano de fundo formativo, onde o corpo opera tanto com a mácula de culpa da herança religiosa quanto da libertação destes mesmos pressupostos. A relação evocada por ambos os artistas evidencia um conjunto de contradições presentes nos corpos-território representados nas obras, trazendo à tona sua perecebilidade, na obra de Bakker, e o projeto ideológico nele encampado, como na obra de Flemming. 

Ao apresentar o corpo masculino anabolizado como monumento, Alex Flemming discute um certo tipo de auto-imagem incutida na identidade norte-americana (simulacro). Sobre o abdômen esculpido e uma paleta neon, o artista imprime mapas de conflitos operados pelo mesmo país ao redor do mundo. Orgulhos nacionalistas, orgulhos individuais – qual valor tem em tempos de guerra? Ou ainda, a pretensa soberba pode ser a causa desse conflito e dos outros demonstrados por Flemming? Os bodybuilders de Flemming apresentam reconfigurações virtuais estéticas – cores não-humanas na pele – que implicam sua existência não apenas, então, como jovens enviados à guerra, mas como máquinas – disciplinadas – prontas a entrarem em combate. Vida e morte, guerra e repressão acontecem no corpo.

Em "O jardim do Éden e o sangue da Górgona", 900 maças são colocadas numa fonte. Bakker utiliza somente materiais perecíveis em diversas das suas obras brincando com a transitoriedade do orgânico, da matéria, versus a permanência das obras de arte. A instalação de Claudia Bakker é uma experimentação que explora a matéria a partir de qualificações temporais, em mudança constante, em vez de qualificações meramente visuais e fixas. A artista explora o poder de sedução de sua obra por meio da materialidade da maçã e de sua carga simbólica. Em outras palavras: do real e da imagem do real. É, portanto, a partir da materialidade e imagem da instalação que a artista chama a sensorialidade do corpo do expectador para compor a obra. 

As temáticas contemporâneas na arte brasileira são marcadas por experimentações com o corpo e com o espaço, as duas obras que compõem esse eixo evidenciam ambos os tipos de experimentações sob a ótica da sensorialidade que as potências da materialidade e da imagem proporcionam.

O vídeo enquanto ferramenta conceitual na produção artística tem como elemento principal o tempo, sendo a imprevisibilidade da construção o fator central do formato videográfico, especialmente o analógico, como abordado por Lia Chaia e Letícia Parente em seus respectivos trabalhos Desenho Corpo (2001) e Marca Registrada (1975). O tempo não programado traz a visceralidade para a obra, tirando-a do comum, transformando-a por meio do estranhamento, provocando no diálogo uma noção de mudança da perspectiva, sendo assim o processo é o aspecto mais contundente das produções. Fica claro nas estratégias estéticas das artistas um caráter intimista e singular do corpo, mapeando os mesmo em uma investigação individual e coletiva, provocando a ordem e a desordem no eu e no outro, onde a normalidade do dia a dia se conecta com as proposições peculiares artísticas, que causam um certo desconforto por quebrar a ordem esperada da ação.

A superação do objeto de arte por um fazer artístico ancorado na experiência é uma marca da produção brasileira contemporânea, grandes nomes como Lygia Clark e Hélio Oiticica centraram suas produções no corpo para subverter as estruturas da arte objetual.  A noção de corpo se desdobra em dois elementos essenciais, o agenciamento e a alteridade como contido em O Eu e o tu (1967)  que incorpora efetivamente o espectador à obra, condicionando- a à essa ativação, assim como também existe um regaste da subjetividade contido na ação que se baseia no conceito de alteridade, a qual os dois agente se conectam com o que são pelo processo de entender a condição do que é ser o outro. Em produções como esta a arte passa a interpelar o mundo, a vida e o corpo. 

Experimentações com o corpo são marcantes na produção brasileira contemporânea, mas com instalações como a de Claudia Bakker percebemos também experimentações com a materialidade do espaço, fazendo das artes visuais artes de presença, provocando o corpo do expectador a fazer parte da obra. O poder de sedução das obras é explorado a partir da materialidade e potência simbólica da maça, assim como Flemming explora a materialidade de seus suportes para gerar um apelo sensorial aos sentidos.

Corpo e sensorialidade são os eixos que permeiam as temáticas contemporâneas brasileiras e essa exposição. Outros aspectos se sobressaem, como o vídeo e o estranhamento nas obras de Leticia Parente e Lia Chaia ou agenciamento e alteridade nas obras de Helio Oiticica e Lygia Clark ou, ainda, matéria e imagem nas obras de Claudia Bakker e Alex Flemming. Mas todos estão marcados pelo corpo e pela sensorialidade, seja da própria obra e artista ou do expectador.