Da sempre, il cibo ha ricoperto un ruolo molto speciale nelle opere d’arte di tutte le epoche, ed ha il compito di: 

I due progenitori sono ritratti in una tavola ciascuno su sfondo scuro, appoggiati a figura intera su un suolo sassoso (in quello di Adamo vi si legge anche il monogramma). Eva è vicina all'Albero della Vita e il serpente le sta porgendo il frutto del Peccato originale, che essa afferra senza guardare. Nell'altra tavola Adamo tiene già in mano un ramo con il frutto e, con le foglie, si copre le parti intime per il sopraggiungere della vergogna. Essa ha un volto tondeggiante e i capelli lunghi, a differenza delle fisionomie tradizioni dell'arte tedesca; inoltre le sue gambe incrociate accennano a un dinamismo più marcato rispetto ad Adamo.

Rispetto all'analogo tema trattato da una celebre incisione del 1504, il dipinto del Prado mostra l'evoluzione del concetto di bellezza ideale per l'artista: la bellezza ideale dei soggetti non scaturisce dalla regola classica delle proporzioni di Vitruvio, ma da un approccio più empirico, che lo portò a creare figure più slanciate, aggraziate e dinamiche. La novità si vede bene confrontando l'opera con l'incisione del Peccato originale di qualche anno prima, in cui i progenitori erano irrigiditi da una geometrica solidità. La storia dell’uomo, secondo la Genesi, comincia con un atto alimentare che segna la disobbedienza a Dio, rivelando la fragilità dell’uomo e la necessità di Redenzione. Nel Giardino dell’Eden, Adamo ed Eva colgono il frutto proibito dall’albero “della conoscenza del bene e del male”, tentati dal serpente. Durer realizza una versione su due tavole separate dal fondo nero, i rami di melo nascondono le nudità.

Con la fine del XVI secolo la Natura Morta è pronta ad affermarsi nella pittura al pari degli altri generi; in questi anni gli alimenti raffigurati non saranno concepiti come comparse ma diventeranno i veri protagonisti dell’arte. Frutta e verdura vengono rappresentati nei loro minimi particolari, nella loro naturalezza, nella loro imperfezione, stando ad indicare la bellezza corrosa dal tempo, la precarietà della vita terrena e il ciclo della natura. 
Tanti sono i pittori protagonisti, con le loro opere, di questo periodo storico e artistico: Velasquez in Spagna, gli artisti fiamminghi come Jan Steen, Johannes Vermeer e Pieter Claesz, Arcimboldo e Caravaggio in Italia.

Un posto a parte merita Giuseppe Arcimboldo, l’eccentrico autore di composizioni illusioniste e surrealiste ante litteram, noto per le sue teste composte, nelle quali utilizza ortaggi, fiori, frutti, carni e pesci, oggetti di uso quotidiano. Manierista capace e competente, padroneggia perfettamente le tecniche pittoriche e figurative della migliore scuola lombarda del XVI° secolo. Sbalorditivo nel saper trovare nuove soluzioni utilizzando il solito stile. Fu molto imitato nei secoli successivi  talvolta usando le immagini per composizioni ambigue e di doppia lettura come nell’ Ortolano del 1590.

Principali fautori sono i pittori fiamminghi olandesi e in Italia è Caravaggio che sfida la pittura del suo tempo dipingendo la celebre Canestra di frutta, prima opera conosciuta nella quale il cibo non è accessorio, ma protagonista assoluto della tela.
La precisione fotografica con cui Caravaggio dipinge la canestra è a dir poco sorprendente, tanto che consigliamo di guardarlo da vicinissimo per coglierne al meglio i particolari; ogni frutto e ogni foglia diventa letteralmente un protagonista proprio come se fosse una rappresentazione sacra o mitologica. I frutti fragranti e succosi, diventano i protagonisti della rappresentazione, definitivamente separati da secondi significati religiosi o filosofici, e collocati sullo stesso piano della figura umana.

«Ho voluto, lavorando, far capire che questa povera gente, che alla luce di una lampada mangia patate servendosi dal piatto con le mani, ha zappato essa stessa la terra dove quelle patate sono cresciute; il quadro, dunque, evoca il lavoro manuale e lascia intendere che quei contadini hanno onestamente meritato di mangiare ciò che mangiano. Non vorrei assolutamente che tutti si limitassero a trovarlo bello o pregevole».