En la pintura podemos ver a un grupo de mujeres delgadas y con los pechos grandes pintadas en negro o rojo bailando alrededor de un hombre que es más pequeño que ellas y con el miembro a fuera, el cual podemos asociar a un ritual de fertilidad y lo podemos ver en las mujeres porqué a mi parecer tienen los senos como si estuvieran lactando. ( Ten cuidado con la puntuación y extensión que tienes de tus oraciones. No intentes abarcar muchas ideas en una sola oración. Es recomendado desarrollar una idea particular en cada oración ). Alrededor de las mujeres se encuentran diferentes animales como, venados, ciervos, un toro, u otros. Podemos ver que para el ritual necesitan la sangre animal, ya que debajo de ellas se encuentra plasmado a un animal muerto con una flecha incrustada en la espalda, pienso que usando sangre de animal hacia el ritual más efectivo. (Aquí vuelves a colocar muchas ideas dentro de una sola oración. Recuerda que los párrafos puedes desarrollar ideas conjuntas y ser extensos desde que su redacción este bien y no se vea cortada por problemas de puntuación).

Bibliografía: La Danza, un breve recorrido histórico | Sutori
Comentario de Historia del Arte | Historia | Wikiteka, apuntes, resúmenes, trabajos y exámenes de Secundaria, Bachiller, Universidad y Selectividad

Este tema llega a ser muy amplio y en diferentes culturas retratan a la mujer en un lienzo o una cueva, en diferentes contextos debido a que, en algunas épocas era para informar o retratar un suceso importante y en otras como una forma de arte y decoración.

Artista: Anónimo

Cultura: Antiguo Egipto

Fecha: 1250 a. C

Medio/técnica: Pintura sobre piedra

Lugar: Museo Británico, Londres

La obra se podría dividir en cuatro partes: Primero, en la parte superior se pueden distinguir distintos dioses como: Horus (tercero de izquierda a derecha), Isis (cuarta de izquierda a derecha), Osiris (segundo de derecha a izquierda), Ra (cuatro de derecha a izquierda), entre otros. Segundo, en el centro se puede ver a dos mujeres teniendo un juicio de Osiris liderado por Anubis. Tercero, al lado derecho se puede ver lo que parece ser Osiris con un papiro en sus manos acompañado de Ammyt, el devorador de los muertos (un ser de cabeza de cocodrilo, patas traseras y melena de hipopótamo, torso y patas delanteras de león), y por último a la izquierda se puede ver a dos mujeres vestidas de blanco observando el juicio de Osiris.

En la obra se puede ver a la mujer en un equilibrio de interpretación, ya que se ve reflejada en un papel de superioridad con las mujeres a la izquierda, debido a que su tamaño refleja esa idea, y de inferioridad con las mujeres que están siendo juzgadas por Osiris. Lo que me hace pensar que los egipcios consideraban a la mujer como un ser que podía igualar al hombre.

Bibliografía: 
https://www.mundodeportivo.com/uncomo/educacion/articulo/cuales-son-los-principales-dioses-egipcios-43558.html

Artista: Pintor de pan

Cultura: Grecia clásica

Fecha: 470-460 a.C

Medio/técnica: Cerámica

Lugar: Museo de Louvre 

Se ven a dos mujeres inclinadas lavando ropa en un recipiente grande, la mujer de la derecha tiene un vestido en tela y un gorro en la cabeza, la mujer de la izquierda tiene un vestido en tela y el pelo suelto y corto, las dos mujeres tienen los pies descalzos. La obra en si no tiene mucho detalle, es sencilla, pero a mi parecer el trasfondo de la obra si, ya que se puede ver el día a día de unas mujeres en Grecia, pero no son unas mujeres de la burguesía, son las sirvientas de una de las familias ricas de ese entonces. También pienso que la obra fue hecha para una sola persona o para un grupo reducido de personas.

Título: Venus del Pomo

Artista: Anónimo 

Cultura: Grecia helenística

Fecha: 150 a.C

Medio/técnica: Escultura en mármol 

Lugar: Museo del Prado, (Madrid, España) 

Se ve a una mujer sosteniendo con la mano derecha una jarra que esta inclinada y de soporte tiene una mini columna. La mujer esta vestida en las piernas con una tela que se pasa por la espalda y cae en su brazo izquierdo, la mujer tiene el pelo recogido y al frente se puede ver lo que parecen ser trenzas, la mujer tiene la cara mas inclinada que el cuerpo, y yo pienso que es por que esta viendo algo o tiene la mirada perdida en el piso. Se puede ver en toda la escultura que el artista fue cuidadoso y detallista, y se ve reflejado en como tuvo el cuidado en que la tela tuviera esos relieves y la mujer tuviera muchos detalles como se en los pies de ella, también se ve el cuidado que tuvo haciendo la jarra, lo que me dice que esta escultura fue para que la gente la viera y admirara, ya sea en un templo o en lugar muy concurrido.


En la cerámica se puede ver sencilla y con colores no muy llamativos y opacos. En la escultura se puede ver el tiempo que le llevo al artista hacerla, no digo que la cerámica no conllevara tiempo hacerla, pero comparada con la escultura le llevo mucho menos hacerla, ya que la escultura al estar hecha en mármol al artista le llevo mucho tiempo ponerle esos detalles que tiene. También se puede ver la diferencia de cuando una obra esta hecha para ser vista por todo el mundo y cuando no, siendo la cerámica hecha para una persona o un grupo reducido de persona y la escultura para que la vea y admiren muchas personas. Lo cual me hace ver que anqué sean de Grecia las dos obras depende mucho en que lugar y para que gente esta hecha la obra.

Autor: Eduardo Ramírez Villamizar

Cultura:

Fecha: 1950/ 1956

Medio/técnica: Óleo sobre lienzo/ Collage

Lugar:

Al ser dos obras tan diferentes y con interpretaciones contrarias, tienen en común que mediante diferentes formas se cree una obra, en el caso de El Domador puedo ver a un personaje en el centro que lo asoció con un demonio que castiga a los que no cumplen sus normas, lo que me hace pensar que es un demonio, son los colores con los cual fue pintado ya que son tonos muy oscuros, y Villamizar puso esos mismo colores al lugar en el cual el demonio manda a todas esas criaturas. Los colores empleados en las criaturas son fríos y cálidos, lo cual contrasta con el demonio. El fondo tiene tonos verdes y un poco de rosado en el centro y está pintado como un espiral siguiendo la forma del látigo, con lo cual uno puede suponer que el látigo esté en movimiento, dando la sensación de que el demonio les está pegando a las criaturas, y lo cual confirmó con las caras de las criaturas, ya que estas expresan miedo o les falta una parte de la cara. En el óleo se puede ver el color rojo en diferentes partes de este, se puede ver en la cara y brazos del demonio dándole un aura terrorífica, también en las criaturas, pero a diferencia del demonio, a ellos les da un aura dócil, y además se puede ver en lo que parece ser una plataforma, donde está el demonio. En el arlequín se ve una cara ligeramente inclinada, con una expresión decaída. En sí el Arlequín tiene varios colores y se puede ver que el color amarillo rodea la cara, lo cual me parece lógico ya que Villamizar me esta diciendo que en si la cara no expresa felicidad, pero la felicidad si rodea a la cara, y por eso la cara esta compuesta con negro y café, ya que su expresión es sombría y triste. Y mi conclusión es que los colores son lo fundamental del collage, ya que me complementan la obra y con ello puedo entenderla, porque la cara solo me expresa tristeza. Se puede ver claramente que los colores de las dos obras de Villamizar influyen en estas, y aunque sean diferentes en su composición y significado, todavía tienen un toque que identifica a Villamizar y es el uso de las formas para la creación de obras.

https://www.rtve.es/noticias/20100429/velo-islamico-signo-sumision-mujer-simbolo-rebeldia-frente-mundo-occidental/329424.shtml

Autor: Sandro Botticelli / Bernard van Orley 

Cultura: Renacimiento italiano / Renacimiento en el Norte de Europa (Países bajos) 

Fecha: 1482-1484 / 1518 

Medio/técnica: Lienzo

Lugar: Galería Uffizi / Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Al ser dos obras tan diferentes visualmente, pero iguales en que es un retrato de una mujer importante de la época o del pintor. Empezando con el retrato de Simonetta Vespucci, el amor platónico de Botticelli. El detalle con el que está hecha esta obra es impresionante, un gran ejemplo de esto es la cara y el pelo. En el pelo se puede apreciar el peinado, el cual está compuesto con trenzas y en ellas cuelgan perlas y cintas. La cara por otra parte es sencilla, pero con detalle, ya que se alcanza apreciar la pupila y pestañas del ojo. En el vestido se pueden ver unos ligeros pliegues y una blusa interior de un color rojo ligero, también rodeada de una trenza con perlas. Terminando con el retrato de Margarita de Austria, la cual fue parte de la realeza/burguesía de la época. El retrato es simple con un contraste entre el blanco y el negro, los cuales se aprecian en la ropa de ella. En el velo que lleva en la cabeza se puede ver un poco de transparencia, supongo que era de un material ligero el cual Orley pudo plasmar muy bien en la parte de la frente. La ropa casi no se puede ver, ya que al ser negra no se ve, pero respecto a la parte blanca se pueden ver pliegues en la parte del cuello y arrugas en la parte del velo. Las dos obras son muy diferentes ya que la primera fue un amor platónico del autor, por lo cual tiene varios detalles y objetos de los cuales uno puede apreciar, a diferencia de la segunda que fue un encargo de la realeza/ burguesía de la época para el pintor, por lo cual se puede ver que es muy sencilla, no hay distracciones u objetos en este retrato, lo que la hace sencilla y sin generarle a uno algo en especial. Pienso que estas diferencias se deben a que al ser Simonetta Vespucci el amor platónico de Botticelli, se ve el amor reflejado en esta obra y se podría llegar a la conclusión de uno prohibido, ya que ella está rodeada o peinada con trenzas, lo cual lo asocio a cadenas, además ella tiene la mirada en otro lado y no lo está viendo, y al ser el segundo retrato para la burguesía de la época tiene que ser muy ordenado y sin nada de libertad, ya que en la obra parece ser muy medida y controlada por un tercero para que el artista no pudiera hacer algo que ellos no quisieran. Concluyendo que respecto a qué persona es la pintura tu forma de expresión y dedicación cambian.

la obra se puede analizar en tres partes. La primera, es a una mujer vestida con los colores complementarios azul y naranja el cual predomina recibiendo un ramo de rosas de un señor que esta arrodillado diagonal a ella, la mujer mira al hombre con superioridad y como si tuviera ella tuviera poder sobre él. La segunda es a la Virgen María rodeada de niños sosteniendo a uno con el brazo derecho y con una corona de espinas con la mano derecha, los niños que rodean a la Virgen María están semidesnudos y cuatros de ellos la están mirando y el que está de pie junto a ella está mirando a los niños, lo cual supongo que el niño que no la está mirando debe de ser el niño Jesús y los demás son una simbología a que ella es la Madre de todos (¿Cuantos niños hay? ¿Sí son niños? ¿ Dónde están los niños de los que hablas? Es necesario mejorar la redacción). La última esta una mujer vestida con los colores complementarios rojo y verde y un poco de azul en la parte superior del vestido, por el peinado que lleva es de una familia prestigiosa y Agnesio esta arrodillado diagonal a ella proponiéndole matrimonio. En el fondo de la obra se puede ver un coliseo en ruinas rodeado de montañas y casas, al lado derecho se puede ver unas columnas, lo cual lo asocio a un templo de la religión cristiana donde iban a venerarlos y al otro lado un árbol, el cual asocio al de Adán y Eva en donde estaba el fruto prohibido.

La obra esta compuesta de distintos colores ¿CUÁLES? que se complementan y atraen al espectador a analizarla. Al dividirla en tres partes se puede ver que los costados son similares, ya que están conformados por una mujer y un hombre el cual esta arrodillado proponiéndole o regalándoles algo. En el centro se puede ver un escenario totalmente diferente, dado que se ve a la Virgen María rodeada de niños ¿SEGURA QUE SON NIÑOS? y se puede interpretar que el papel de la mujer en el siglo XVI solo era para procrear y cuidar, no para producir. ¿DE DÓNDE SALE ESTA INFORMACIÓN?

En el siglo XVI era muy común que los padres les buscaran pareja a sus hijas, y mediante esos compromisos podían conseguir distintos acuerdos o tierras para una mejor sostenibilidad, por lo tanto, a la mujer solo la miraban con un mecanismo de intercambio entre familias. (usualmente era entre la burguesía.)

Autora: Berthe Moriso

Cultura: Impresionismo

Fecha: 1872

Medio/ técnica: Óleo sobre tela 

Lugar: Museo de d'Orsay, París, Francia

Se puede ver a una mujer, la cual está mirando a su bebe mientras duerme. La postura de la mujer es muy relajada y de apreciación al momento, está vestida con un vestido de rayas grises y negras las cuales contrastan con el entorno.

El óleo no tiene mucho detalle, sin embargo se alcanza a apreciar la transparencia del velo, lo cual nos muestra al bebe en una postura relajada vestido de blanco, combinando con los colores de la cuna y contrastando con los de su madre.

El papel de la mujer en el óleo es el de madre, lo cual era un puesto muy usual de la mujer en el siglo XIX, debido a que las mujeres eran consideradas un objeto y no podían tomar sus propias decisiones debido a su débil carácter. Sin embargo, pienso que el óleo nos muestra también a la mujer del presente la cual puede ser madre sin la necesidad de tener a un hombre para lograrlo. 

Autor: Henri Matisse

Cultura: Expresionismo

Fecha: 1908

Medio/ técnica: Pintura al Óleo

Lugar: Museo Hermitage

En el óleo se pueden ver distintos colores, pero el que predomina es el rojo generando un contraste con el paisaje. La mujer parece ser una mucama, ya que su vestimenta me lo dice. El mantel tiene un diseño con flores en un color azul y negro, las frutas en la mesa son de distintos colores armonizando con el entorno.

El óleo no tiene mucho detalle, pero juega con el color de una manera no sofocante, aun cuando el color rojo es el protagonista en el óleo no opaca los otros elementos, sino todo lo contrario, ya que los resalta más. El paisaje en su mayoría es verde, pero las hojas de los árboles son de un tono gris-blanco con la técnica de puntillismo, haciendo que resalten más y contrastan con la habitación.   

El papel de las mujeres el oleos de mucama, debido a que las mujeres no tenían mucha oferta de trabajo y usualmente las que trabajaban en esto pertenecían a una familia con bajos recursos y casi siempre eran solteras. Pienso que el óleo podría representar a algunas mujeres actualmente, ya que las mujeres a veces trabajan como mucamas debido a que son madres solteras y no han tenido muchas oportunidades en la vida. Se puede ver en el pasado y en el ahora que este trabajo es solo de mujeres, en vista de que nunca se le ha visto a un hombre hacer esta labor.