Mon triptyque explore la symbiose et la cohabitation naturelle à travers une esthétique inspirée des jardins japonais. Mon intention était de capturer l'essence des relations invisibles entre les éléments du vivant dans un habitat commun, en mettant en scène des compositions épurées qui invitent à une contemplation silencieuse.

Dans ce projet, j'avais envie de m'amuser avec le terme "nature morte", qui évoque habituellement des objets inanimés. J'ai choisi d'utiliser des éléments vivants et volatils, comme des plantes et des poissons, pour créer des compositions figées mais organiques où le cerveau associe un mouvement malgré l’image statique.

Le titre est un petit jeu de mots qui englobe plusieurs aspects du projet. Symbiose est mon thème et idée orignal et celui-ci indique clairement la direction du projet, mais l’ajout du mot réfléchi, qui lui à plusieurs sens, viens enrichir la lecture secondaire. Premièrement puisqu’une grande partie des compostions est centré sur la réflexion, les ombres et les lumières du bocal « l’habitat ». Il peut aussi être utilisé dans le sens : réfléchir = penser, ce qui fait référence au jardin zen qui crée des habitats symbiotiques pour plusieurs formes de vie, organisé de façon réfléchi et optimal. Cette deuxième lecture m’interpelle beaucoup puisque j’aimerais un jour concentrer mon design sur le développement d’espace Co habitable pour la nature et l’humain.

À travers ce triptyque, j’ai cherché à traduire visuellement cette idée de symbiose et de cohabitation naturelle, en utilisant des compositions simples qui évoquent la sérénité et l’équilibre des jardins japonais. Ces images reflètent ma propre réflexion sur la manière dont les formes de vie interagissent, souvent de manière subtile mais essentielle.

À premier abord, le ton sur ton évoque le camouflage. Chaque objet se fond à l’arrière-plan par sa couleur et sa texture, faisant référence à notre aptitude/désir de s’intégrer à notre entourage. 

Ensuite, la nature même des objets suggère notre malléabilité et notre capacité de métamorphose. L’oreiller est méconnaissable sous la tension des ficelles. Le bloc d’argile suggère une infinité de possibilités et de formes. Le papier est à mi-chemin entre une boule compacte et une page intacte. Chacun de ces objets est dans une forme temporaire et possède un potentiel d’évolution important. 

L'idée du titre est ressortie du sujet (l'argent),  du décor (sobre) et des objets choisis (théière, petits ramequins en verre travaillé, fourchettes -qui ont l'air- en argent).  L'emploi d'un miroir dans chacune des compositions donne le petit côté "décalé" qui est renforcé par la position des pièces de monnaie qui peut laisser supposer qu'elles pourraient être consommées, servies avec un certain décorum.

Les photos ont été obtenues à partir de la manipulation d'une banque de "sous" mise en contact avec différents objets de la maison qui se sont bien vite concentrés autour d'objets de cuisine en verre ou en métal.  Le fond noir a permis le revirement de certaines images, comme ce fut le cas pour l'image des fourchettes qui "supportent" les deux piles de dollars.

"Aliéné de soi" évoque le détachement patriarcal du propre corps de la femme. Le combat qu'une femme mène avec son corps est une lutte qui dure toute une vie. Dès un jeune âge, elle ressent un malaise face aux changements de son corps, que ce soit à cause des commentaires des autres ou des menstruations, souvent décrites comme

« Dégueu ». Toute cette pression sociale, nous la portons tout au long de notre vie, et il est difficile de s'en défaire.

Le triptyque a été créé sous forme de trois passages, avec trois fruits abîmés de différentes manières, pour illustrer le combat constant avec soi-même. La pomme, symbole de jeunesse, d’abondance et de beauté, est endommagée, mordue et croquée. Elle est posée dans une coupe, symbolisant les barrières patriarcales et l'emprisonnement.

La pomme grenade symbolise la fertilité et le sacrifice du corps pour un autre être. Cette fois-ci, le fruit est placé à côté de la coupe pour montrer un détachement des limites imposées au corps, mais sans pour autant atteindre un contrôle total

Pour finir, la poire, la plus abîmée des trois, représente la sagesse, la maturité et le pouvoir, car « le vieillissement est associé à une perte du pouvoir de séduction des femmes ». Ainsi, la photo représente une femme qui n'est plus perçue comme « désirable », mais qui possède tout le pouvoir. Elle est donc placée au sommet de la coupe.

le thème de la famille et des générations est bien représenté à travers la poupée russe. Initialement, la poupée russe représentait une seule fille empilée sur elle-même, mais dans cette version, les poupées russes symbolisent une famille d'origine arabe, ce qui a particulièrement attiré mon attention en tant que personne de couleur. Cela enrichit le thème de la transmission des enseignements culturels à travers les générations.

La bougie représente l'accumulation des biens et des connaissances qu'une personne amasse tout au long de sa vie. Dans ce cas, elle symbolise la richesse et le savoir, mais aussi le passage du temps.

L'enfant est représenté avec les bougies de ses deux parents : un mélange de son père (bougie bleue) et de sa mère (bougie rose). Cela incarne la richesse que ses parents lui ont transmise. On aperçoit également une bougie jaune unique, une allusion à son identité propre, distincte de celle de ses parents. Cette bougie symbolise son propre savoir, sa richesse et sa représentation. Elle est allumée à l'inverse des autres, pour représenter le début de sa vie et l'excitation de découvrir sa passion.

La première image, en particulier, dénonce le travail des enfants dans les mines du Congo. Ces enfants travaillent pour extraire les matériaux nécessaires à la fabrication des smartphones, permettant ainsi à ces grandes entreprises de s'enrichir sur leur dos. Beaucoup d'entre eux y laissent leur vie.

Les deuxième et troisième images se concentrent sur l'oppression des travailleurs sous-payés, mettant en lumière les injustices et les sacrifices qu'ils endurent pour permettre à d'autres de prospérer.

Ce n'est pas un hasard, mais bien le résultat d'un conditionnement sociétal. Dès le plus jeune âge, les filles sont habituées à prendre soin de leur environnement. En effet on l’apprend, entre autres, grâce poupées dont on devient "mères" dès cinq ans. Ce conditionnement se prolonge à l'âge adulte, où les on assume souvent le rôle de soutien domestique dans nos relations, prenant le relais des mères de nos partenaires. Cet investissement quotidien dans des tâches considérées banales est, en réalité, extrêmement énergivore.

L'entretien d'un foyer est un véritable travail à temps plein. Pourtant, les femmes ne sont plus limitées à cet emploi. Nous participont activement au monde du travail, côte-à-côte avec les hommes. Mais que devient la responsabilité domestique invisible encore en demande? Cette série est un commentaire social sur l'exigence impossible faite aux femmes de se consacrer pleinement à la vie domestique tout en faisant de même dans leur carrière professionnelle.

Dans ce triptyque, je mets de l’avant la banalité du quotidien en représentant des moments d’une journée comme l’épicerie, la préparation de repas et la vaisselle, en m'inspirant des thèmes récurrents de la nature morte contemporaine. Les inspirations principales ont été, Restaurant (2014) de Daniel Spoerri et les œuvres de Marcus Nilsson, par rapport à leur cadre, la lumière et leurs ombres.

J'explore l'accumulation des objets domestiques tout en maintenant un cadrage rapproché, symbolisant ainsi le sentiment d'obligation ressenti par les femmes face aux tâches domestiques. L'accumulation des tâches est constante, car nous vivons dans un monde d'imprévus qui affectent le déroulement de nos journées. C'est pourquoi, dans la deuxième image, j'ai inclus un verre cassé, représentant la rupture de l'équilibre dans le couple.

Enfin, dans la troisième image, j'ai voulu symboliser un équilibre entre la vie domestique et la vie professionnelle à travers une organisation particulière des objets. Hors, cet équilibre est rompu par l'absence du verre manquant, soulignant la difficulté, voire l'impossibilité, de maintenir un équilibre parfait entre ces deux mondes.

La polysémie se contextualise comme faisant référence à la pluralité des significations d’un mot. Autrement dit, le mot dont il est question ne change pas d’orthographe; cependant, il a la capacité d’évoquer divers sens.

Dé à coudre et dé à jouer

Dans le triptyque Polysémie, le propos est de représenter deux objets qui portent le même nom, qui possèdent des proportions similaires, mais qui sont diamétralement opposés dans leurs fonctions.

Les trois images de la série contiennent les mêmes objets et des compositions similaires afin d’accentuer l’idée d’un tout, mais qui varie dans la disposition des sujets photographiés. Dans cette suite d’images, il est aussi question de l’interprétation de l’équilibre. Les objets portant le même nom se posent l’un sur l’autre à l’image du mot sur lequel ceux-ci reposent.

Afin d’accentuer l’idée d’un tout à la fois similaire et différent, l’arrière-plan incolore et la lumière claire n’ont pour objectif que d’appuyer les objets présents figés en image.

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Polysémie se positionne comme une manifestation d’un ensemble homologue, mais distinct.

J'ai voulu créer des images aux compositions à la fois répugnantes et intrigantes en opposant des éléments de consommation et des objets liés au corps humain. Aussi, j'ai travaillé les images de sorte à avoir un effet presque collage pour évoquer un sentiment d'étrangeté dans le rapport entre les objets et le fond.

L'ambiguïté de l'attraction fait référence à cette contradiction de l'esprit qui nous pousse à être obnubilés par les choses qui nous dégoûtent profondément. Une sorte de curiosité morbide qui provoque une ambivalence et une satisfaction étrange.

La première photo, consacrée aux années 1950, présente des objets délicats, tels que des perles ambrées et des touches dorées, qui évoquent une époque révolue. La deuxième photo, centrée sur les années 1980, met en vedette des pièces plus sophistiquées, comme du verre noir et bleu, qui me rappellent la vaisselle de ma propre mère quand j’étais enfant. Enfin, la dernière photo, représentant l’année 2000, est dominée par des articles modernes et épurés, symbolisant la fraîcheur et l’innocence de cette période.

Ces artefacts racontent une histoire intime et universelle, reliant mes ancêtres, moi-même et mes descendantes grâce aux liens profonds qui unissent toutes les générations.