Son principal art est le gothique cependant il possède la formation Flandre ce qui ne lui permet pas de s'approprier l'esthétique parmi ses tableaux, de plus on ne trouve pas la qualité chromatique et le sens de la dramaturge. Ce peintre est capable d'agencer dimenses compositions telle que "Le Triptyque du buisson ardent" Parmi ce chef d'oeuvre l'auteur parvient à concilier le réalisme des maîtres flamands qui apparait au niveau des personnages mais aussi par la présence d'un arrière plan qui est inspiré des paysages de Toscane, afin de créer un espace pictural original. 
C'est une huile sur bois de mesure 410x305cm, la technique utilisée par Froment est celle du glacis . Le panneau centrale illustre un épisode de l'Ancien Testament représentant La Vierge et L'Enfant puis Moise au premier plan  à droite  gardant son troupeau ensuite, les panneaux latéraux sont consacrés aux commanditaires de l'oeuvre : a gauche, le roi René et a droite sa seconde épouse Jeanne de Laval qui ont une attitude pieuse.. Les retables n'étaient ouverts qu'a l'occasion des cérémonies. En position fermée, il était courant de représenter des niches imitant les sculptures par la technique des grisailles. L'épisode du buisson ardent appartient à la mythologie chrétienne et figure dans l'Ancien Testament. Moise recoit la revelation de l'existence d'un Dieu unique par un buisson qui brule mais ne se consume pas. Le Dieu serait, selon l'anecdote biblique, a l'interieur de ce buisson ardent. Le peintre a volontairement représenter l'Ancien et le Nouveau Testament. Tout ces éléments font preuve de renouveau dans la culture religieuse.  Pour conclure nous pouvons dire que ce tableau appartient au courant de la Renaissance car on peut a travers cette oeuvres les différentes techniques utilisées a cette epoques telles les jeux de lumière, il y a une place importante de la nature , et la tableau est centré sur l'homme, et l'auteur cherche a représenter les personnages, aussi grace aux perspectivex qui donne au tableau un effet de réaliste( chercher à faire une imitation de la réalité). De même,  les couleurs du tableau sont très réalistes. Le point de fuite se situe au centre du tableau.

Durant cette époque de transition entre le Moyen-Age et la Renaissance, le grand commerce prenait son essor en Europe. Cette époque a également vu la découverte de l’imprimerie, du nouveau monde ainsi que la Guerre de  Cent ans. Au cours de sa vie, il effectua un voyage en Italie qui changea sa conception artistique : il apprit la technique essentielle de la perspective. 
Les époux d'Arnolfini est un tableau qui a été peint en 1434. Il mesure  82 x 60 cm. Il est conservé au National Gallery à Londres. C'est une huile sur bois représentant le double portrait des époux Arnolfini. Giovanni Arnolfini était un riche marchand italien. Il tient la main de sa femme, en signe d'engagement marital. Ils sont dans la chambre nuptiale :  nous remarquons un grand lit, ainsi qu'un chien, signe de fidélité. Leur mains se touchent au croisement des diagonales du tableau, ce qui montre que l'auteur voulait porter l'accent sur ce geste symbolique. Les fruits présents représentent le pêché originel. On peut également voir une bougie allumée qui représente la présence de Dieu ainsi que la flamme nuptiale. 
Ce tableau appartient au courant de la Renaissance. En effet, le peintre utilise la perspective sur la scène principale et également dans le miroir au centre. Celui-ci renforce l'impression d'espaceTout autour de ce miroir, le peintre a illustré des scènes bibliques. C'est un autoportrait caché du peintre. La fenêtre placée à gauche du tableau apporte la lumière sur les deux personnages et créé des ombres dans l'entièreté du tableau. Cette mise en avant des personnages montre son intêret pour l'Homme, et un nouveau rapport de l'Homme à lui même. 

De son vrai nom Tommaso di Ser Giovanni di Mone Cassai. Il est né à Castel San Giovanni in Altura en 1401. Il est peintre italien. Sa famille s'installe à Florence en 1417, après le remariage de sa mère. . Il est issu d'un milieu aisé puisque son père, mort en 1406 était notaire, alors que Masaccio avait cinq ans , Du a son enfance difficile il sera appelé Masaccio, terme signifiant idiot. A cette époque il restera donc pauvre et incompris de tous  On ne sait rien de ses débuts avant 1422, date à laquelle il s'inscrivit à l'« Arte dei medici e speziali » de Florence. Masaccio s’inspire du sculpteur Donatello (1386-1466) et de l’architecte et peintre Brunelleschi (1377-1446)

 En 1422, Masaccio se voit confier la réalisation d'une fresque représentant la Consécration pour l'église Santa Maria del Carmine, mais cette fresque a été détruite par la suite.
 C'est à partir de 1424 que Masaccio collabore avec Masolino da Panicale

 

Sa meilleure œuvre est La Trinité, c’est une fresque mesurant 667 cm de haut sur 317 cm de large. Cette œuvre fut crée entre 1425 et 1428 dans l’église Santa Maria Novella en Florence.

Elle a été recouverte en 1570 par une grande toile et un autel de pierre, elle a été redécouverte en 1861 lorsqu'on les a retirés

Cette fresque représente la Sainte Trinité : Le Christ sur la croix est au milieu de la composition. Derrière lui se trouve Dieu le Père, ainsi qu’une colombe représentant l’Esprit Saint. En dessous, se trouvent Marie et Saint Jean. De part et d’autre de la scène, deux personnages sont agenouillés pour prier, sûrement les commanditaires de l’oeuvre. Au pied de la croix, un sarcophage dans lequel se trouve le squelette d’Adam. On peut y lire une inscription en latin: « j’étais ce que vous êtes ; vous serez ce que je suis »

Le décor, d’inspiration antique, est composé d’une voûte en berceau, divisée en caissons ornés de rosaces. Cette voûte appartient à un ensemble architectural plus large : une chapelle en arc de triomphe avec colonnes et chapiteaux.

 Cette fresque est considérée comme la première peinture réalisée avec les principes de perspective. La voûte est tracée en perspective, de sorte que le spectateur aie l’impression qu’elle s’enfonce dans le mur. La scène est très réaliste, de plus, les personnages sont représentés taille réelle, ce qui donne un effet de trompe l’œil surprenant pour l ‘époque. Le spectateur a l’impression de se trouver devant la réalité, et non devant une image. Cette œuvre s’inspire de l’Antiquité (Beau). Ce qui montre bien que c’est une œuvre de la Renaissance.

 

Qui est Pontormo ?

Jacopo Carrucci est né à Pontormo, dans le nord ouest de l’Italie, en 1494. Il est le fils du peintre Bartolomeo Carrucci, il a été l’élève d'Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli, Piero di Cosimo, et de Léonard de Vinci qui l’ont influencés même si Michel-Ange et Albrecht Durer l’ont fascinés encore plus, à l’inverse il a inspiré Agnolo Bronzino et GiovanniBattista Naldini (deux de ses élèves). Avec le temps, il est devenu l'un des principaux maniéristes (mouvement s’opposant à l’humanisme de la Renaissance après le sac de Rome en 1527). Il ne faut oublier qu’il a été formé sous la république Florentine (qui c’est achevé en 1512, officiellement en 1532, avec l’avènement des Médicis à Florence), mais qu’il a servi la famille des Médicis et notamment après l’élection du pape Léon X (qui était un Médicis). Pontormo meurt à Florence en 1557.
Qu’est-ce que la Déposition ?

(La Déposition, peinture à l’huile, de Pontormo, réalisé en 1528)

La Déposition est une œuvre commandé en 1525 par Cappella Capponi, pour décorer l’église Santa Felicità à Florence, ses dimensions sont de 313 cm sur 192 cm. Cet œuvre représente Jésus descendu de la croix après sa crucifixion par des sortes d’anges, en bas à gauche, pour donner le corps à Marie qui est au milieu à droite en train d’exprimer sa douleur.

Pourquoi la Déposition s’inscrit tel dans un mouvement Renaissance ?
Elle s’inscrit dans un mouvement Renaissance ( modernité), en effet elle s’inscrit dans un renouveau religieux avec ici une représentation biblique assez classique  même si la représentation des anges n’est pas classique pour la Renaissance du fait de la non représentation des auréoles et des ailes. Elle s’inscrit aussi dans un renouveau artistique de la Renaissance avec une représentation en perspective et corporelle assez fidèle à la réalité même si le corps du christ parait un peu sinueux
( maniérisme). Cet œuvre s’inscrit dans le mouvement Renaissance du fait même de la représentation des sentiments.

 Luis de Morales surnommé " El Divino" est né 1510? et est décédé le 9 Mai 1586 à Badajoz sa ville natale. C'est un peintre espagnol, il a fait un apprentissage à Séville.  Il utilise la technique flamande, l’art flamand souvent utilisé dans les peintures portugaises il est attaché à la religion c'est pourquoi elles sont  exclusivement religieuses. 

Il a voyagé en Italie et de la, s’est créé des affinités avec des italiens prenant modèle sur eux et est chargé de participer à la décoration de l'Escorial ( Monastère d'Espagne, à Madrid )  présenter sur l'image ci dessous :  Luis a un répertoire très peu étendu. 
Et a été "copiés", par beaucoup de disciples ou des imitateurs. Il a été une grande source d'inspiration pour d'autres auteurs

Biographie:
Aucun document ne rapporte sa date ou son lieu de naissance exacte, mais il est probablement né à Wurtzbourg, en Bavière entre 1475 et 1480. Il a surtout été connu pour ses retables comme «Rencontre de Saint Erasme et de Saint Maurice» (1520-25) ou bien «Crucifixion» (1523-24).
Matthias Grünewald est un peintre atypique pour le début du 16e siècle, époque où l'influence de la Renaissance italienne atteint l'Europe entière.
Certains artistes peintre notamment Otto Dix se sont inspirés des œuvres les plus connues de Matthias Grünewald comme «Crucifixion».

Ami de Luther, Grünewald  est mort avant les insurrections de la réforme de celui-ci en 1528 àHalle-sur-Saale (Saxe-Anhalt). 

                         

 OEUVRE REMARQUABLE: le retable d'Issenheim
Le retable d'Issenheim est une œuvre  inclassable. Elle fait partie de l'art gothique tardif, du maniérisme, de l'art fantastique, de l'art réaliste...
  Elle est l'œuvre de deux peintres du gothique tardif:
- Le peintre allemand Matthias Grünewald, dont il constitue le chef-d'œuvre, pour les panneaux peints
- Nicolas de Haguenau pour la partie sculptée (autour de 1500).
Ce monumental polyptyque se trouve aujourd'hui à Colmar, au musée d'Unterlinden. Il représente le christ lumineux crucifié avec, autour de lui, ses proches. Il a été commandé pour un hôpital.

Contexte de l'oeuvre :
Les religieux se consacraient à cette époque à une affection qui se répandait rapidement, l'empoisonnement par l'ergot de seigle. Cet empoisonnement par un champignon microscopique attaquant la céréale causait des douleurs terribles aux malades qui étaient affectés de ce que l'on appelait alors le « mal des ardents » (ergotisme gangreneux). Les religieux soignaient aussi les autres maladies : syphilis, tuberculose etc.
C'est pour l'hôpital que fut commandé et réalisé le retable.

 CRUCIFIXION ET LA RENAISSANCE :

Cette oeuvre fait bien partie de la renaissance étant donné que les personnages sont réalistes, que le décor donne une impression de profondeur et qu'il y a un sens du détail.

Il admirait énormément Michel-Ange, le considérant comme modèle.

DESCRIPTION DU TABLEAU :

Ce tableau représente le christ lavant les pieds de ses disciples. Cette huile sur toile a été peinte entre 1547 et 1549, il est exposé au Museo del Prado à Madrid. L’évangile dit que c’est au cours du repas que Jésus lave les pieds, ici il semble plutôt terminé, les apôtres sont affalés à terre et dans un coin sombre, Jésus lave les pieds de Pierre, Jésus s’abaisse, Pierre refuse mollement. Le fait de mettre la scène principale dans un coin, correspond bien à l’idée du service des frères, fait par amour dans la discrétion. 

Ce tableau de la Renaissance est caractérisé par les détails, les perspectives, le jeu de lumière et de couleur qui montre le réalisme. Nous pouvons apercevoir les sentiments et les expressions des personnages notament ceux de Pierre au premier plan à droite. A l'arrière plan, nous observons la nature entre les portes Antiques.  

COURTE BIOGRAPHIE :
Albrecht Altdorfer , est né vers 1480 , il est mort en 1538 à Ratisbonne. Il était d'origine  Allemande . Il est devenu dessinateur, peintre, graveur et architecte. Jusqu’à sa mort, il sera nommé architecte de la ville .Il acquit le droit de bourgeoisie à Ratisbonne  en 1505. A sa mort, il  était le propriétaire d'une fortune non-négligable .
Altdorfer appartient à la pléiade d'artistes qui firent du 16°siècle l'âge d'or de la peinture allemande . Ses tableaux se distinguent par des recherches d’éclairage créant une atmosphère surnaturelle. L’historien d’art Otto Benesch a fait remarquer que les peintures d’Altdorfer datant de cette période sont parmi les premières à représenter un univers convexe, héliocentrique, dans lequel la Terre n’est plus le centre du monde ; l’art dévoile ainsi, par ses moyens propres, la révolution scientifique à laquelle Copernic travaillait au même moment. 
 

 

Sur cette œuvre de Albrecht Altdorfer, nous pouvons observer une farandole de couleur chaude pour mettre en valeur le château et les personnages au premier plan. En arrière plan nous pouvons y remarquer des couleurs froides tel que le vert et le bleu qui permettent de distinguer le paysage aux  alentours du château. Le château y est représenté en perspective comme le paysage autour de celui-ci. L’œuvre comporte un jeu de lumières important comme par exemple la lumière apporté sur le château et les personnages mais aussi par les jeux de lumières plutôt obscur en arrière plan. 

 

Toute la description de cette œuvre nous permet de faire un rapprochement avec le courant artistique de la Renaissance qui se caractérise par le réalisme tel que  le jeu de couleur, la perspective , la lumière. Il se caractérise aussi par nature qui comporte une place importante dans cette œuvre de Albrecht Altdorfer 

 Paolo Caliari ou Cagliari a pris le nom Véronèse de sa ville natale, Vérone. Il est né en 1528 et est décédé le 19 avril 1588. Il a été un peintre célèbre de la Renaissance. La manière dont il utilise les couleurs le rendent  célèbre. Il a commencé à peindre à l'âge de 15 ans avec l'aide de son maître  Antonio Badile en effet il a été influencé par le goût de l'art de son père qui était tailleur de pierres. Aujourd'hui il est connu principalement pour ses scènes monumentales de banquets actuellement exposées au Louvre comme par exemple " Les noces de Cana " . L'art est une affaire de famille chez les Caliari en effet il a pu compter sur son frère  Benedetto Caliari  et ses fils Carlo et Gabriel.

Ce tableau a une superficie de 70 m² et est une représentation fidèle de l’Évangile de Jean . Véronèse a choisi de représenter le banquet des noces à la fin duquel Jésus transforme l’eau en vin. On peut voir que cette œuvre met en scène 132 personnages qui sont répartis sur le premier et le deuxième plan, ce qui représente un des points essentiels de l’art de la Renaissance qui est la place centrale de l’homme. Au premier plan les personnages représentés sont là pour divertir en jouant de la musique … ce qui laisse paraître le sentiment de joie et de bonheur. On peut observer également  au deuxième plan sur la droite et la gauche des colonnes qui s’étendent jusqu’au dernier plan du tableau ce qui donne une impression de perspective. Cette peinture est proportionnelle car les dimensions sont respectées. Ces éléments valide encore un point de l’art de la Renaissance qui est le réalisme. Au centre de ce tableau il y a le personnage principal qui est Jésus, il est mis en valeur par l’auréol de lumière. Les couleurs sont vives en effet les personnages sont vétus de vêtements rouge jaune oranges donc des couleurs chaudes.  On peut voir au dernier plan le ciel avec des nuages qui sont traversés par une tour ainsi que des oiseaux qui représentent la nature  ce qui valide également un autre point de l'art Renaissance. 
Pour finir ce tableau imite à la perfection la réalité, la nature ainsi que l'Antiquité car il est Beau et laisse paraitre des sentiments tel que la joie et le bonheur.

A partir de 1503 il part travailler en Toscane. De Sienne il rejoint Florence, ville à l'activité artistique légendaire. En 1506 il entre enfin à Rome où il pourra admirer la Pieta de Michel-Ange. En 1508, son rêve se réalise enfin : il est appelé à Rome par le pape Jules II pour travailler sur des fresques monumentales destinées à décorer les appartements pontificaux du Vatican En 1520, Raphaël, âgé de 37 ans, est emporté par une fièvre fulgurante. Les nombreux dessins et carnets de croquis qu'il a laissé témoignent des incessantes recherches qu'il effectuait pour trouver la perfection dans la position des corps et dans la composition des tableaux.

Style : Dès le début son style réaliste, expressif et emprunt d'une douceur particulière, remporte un vif succès. Durant son séjour à Rome, Raphaël rencontre Pérugin dont il reçoit une forte influence.Il voit également La Pieta de Michel-Ange qui va également l’influencer. Il va alors acquérir un style de l'art florentin. Il étudie également le travail de Léonard de Vinci dont il assimile la technique du sfumato (atténuation des contours grâce à des effets de dégradés d'ombres et de lumières). Cette découverte lui permettra de combiner des formes gracieuses à la lourdeur des corps (La mise au tombeau). Pendant qu'il étudie le travail des grands maîtres, il découvre l'art antique et en assimile progressivement le style qu'il intègre au sien.


Influence :  Son système  de travail "à plusieurs mains" (faisant travailler maître et élève sur une même œuvre) restera gravé dans la mémoire du jeune Raphaël qui en fera son mode de fonctionnement lorsqu'il se retrouvera, plus tard, responsable du plus important chantier artistique de son temps : la décoration des chambres du Vatican. C'est d'ailleurs cette organisation "à la Raphaël" qui donnera naissance dans les siècles suivants aux académies de peinture. 

 

La modernité qu'il apporta à la peinture mis fin à la première renaissance pour entrer dans l'âge classique.
 
 Après Raphaël et son entrée au sommet du panthéon des plus grands peintres, les artistes n'auront de cesse de chercher de nouvelles manières de représenter la nature et les hommes. Cela donnera naissance au dernier courant de la renaissance : le maniérisme.Influence :  Son système  de travail "à plusieurs mains" (faisant travailler maître et élève sur une même œuvre) restera gravé dans la mémoire du jeune Raphaël qui en fera son mode de fonctionnement lorsqu'il se retrouvera, plus tard, responsable du plus important chantier artistique de son temps : la décoration des chambres du Vatican. C'est d'ailleurs cette organisation "à la Raphaël" qui donnera naissance dans les siècles suivants aux académies de peinture. 

 La modernité qu'il apporta à la peinture mis fin à la première renaissance pour entrer dans l'âge classique.
 Après Raphaël et son entrée au sommet du panthéon des plus grands peintres, les artistes n'auront de cesse de chercher de nouvelles manières de représenter la nature et les hommes. Cela donnera naissance au dernier courant de la renaissance : le maniérisme.

Le jeune homme à la pomme (1503/1504)

 

Le jeune homme à la pomme est un des très nombreux tableaux de Raffaello Sanzio. Il représente au premier plan un jeune homme tenant une pomme dans la main droite. Il est vêtu d’une veste en fourrure et d’un couvre chef. A l’arrière plan nous pouvons observer un paysage. Ce portrait pourrait être le portrait de Francesco Maria della Rovere, duc d'Urbino. 

 

 

 

Cette œuvre est  une  parfaite  représentation du style  de  la renaissance  en effet  elle  possèdent quasiment  tout ses  caractéristique : 

 

Tout  d’abord c’est  un  portrait  d’homme, ce qui montre  le retour  a  l’antiquité, dans la façon dont l’art est centré sur l’homme. Un autre point fondamental de la renaissance est le réalisme, hors ce chef d’œuvre est totalement réaliste : on peut y observer des jeux de couleurs et de lumière. Il existe également dans ce tableau une perspective, en effet les dimensions de l’arrière plan sont respectées.

Dans Le jeune homme à la pomme, il y a aussi la présence de la nature avec le paysage et la pomme : autre point de la renaissance.