Laiane n 16

Kauany n°35

Julia n°37

Vivian n°38

Rosana Paulino é uma artista visual brasileira, educadora e curadora. É doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo e especialista em gravura pelo London Print Studio.

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, de 8 de dezembro de 2018 até 4 de março de 2019, a exposição Rosana Paulino: a costura da memória, que ocupa três salas do 1º andar da Pina Luz. Com curadoria de Valéria Piccoli e Pedro Nery, curadores do museu, trata-se da maior exposição individual da artista em uma grande instituição no país. Reconhecida pelo enfrentamento de questões sociais que despontam da posição da mulher negra na sociedade contemporânea, a artista apresenta mais de 140 obras produzidas ao longo de vinte e cinco anos. A mostra encerra o ano dedicado às artistas mulheres na Pinacoteca.

Bom quando olhamos a obra pensamos ‘nossa algo para representar a raça negra’, foi o que eu pensei assim que vi a obra musa paradisíaca, porém não, não é algo tão “raso” e sim sobre como o Brasil é um país tropical, quem exportar muita banana, então em tese a mulher na obra não é o central e sim a banana, e acaba sendo uma crítica do tipo um país não pode viver somente de exportação de banana e soja, precisa de educação e tecnologia, isso é o engraçado das obras, sempre vermos só uma parte dela, e esquecemos de um detalhe, é aquele detalhe conta toda a história que a autora quis passar, na obra em questão e como nossa país tende a avançar porém sempre acaba retrocedendo, como a própria disse “ uma república bananeira “.

Aluna: Vivian Pinheiro. N: 38

A proposta da "Obliteration Room" é simples e poderosa: Kusama cria uma sala inteiramente branca, com móveis, paredes e objetos pintados de branco, e dá aos visitantes adesivos em formato de bolinhas coloridas. Eles são convidados a colar os adesivos livremente pelo espaço, cobrindo todos os elementos da sala. Com o passar do tempo e o acúmulo das bolinhas, a sala branca vai desaparecendo, sendo "obliterada" pela explosão de cores.

Essa obra é uma crítica social e cultural que reflete temas como a perda da individualidade em meio à massificação e a capacidade de expressão coletiva. Ao permitir que o público participe ativamente da criação, Kusama questiona os limites entre o artista e o espectador, entre o individual e o coletivo. Cada adesivo representa uma marca deixada por um indivíduo, mas que, ao se misturar a tantos outros, perde sua singularidade. Kusama, que enfrentou desafios pessoais com problemas de saúde mental, também usa a repetição obsessiva das bolinhas como uma forma de externalizar suas próprias experiências e transformar o espaço em uma manifestação visual de sua percepção do mundo.

Aluno: FELIPE MIGUEL JUSINSKAS SAVANO N:9

2ºB

Mutu frequentemente trabalha com mitos, espiritualidade e metamorfose, abordando a dualidade entre o humano e o não humano, e entre o natural e o artificial. Suas colagens e esculturas costumam apresentar figuras híbridas que desafiam definições de raça e gênero. Em suas instalações, ela também utiliza materiais orgânicos, como barro, raízes e pedras, para explorar as conexões com a Terra e denunciar questões ambientais.

A obra ataca as noções conservadoras de casamento, sugerindo uma união que foge completamente das expectativas normativas. A noiva não se casa com um ser humano, mas com uma "cabeça de camelo" — um símbolo absurdo que pode ser interpretado como crítica ao caráter artificial e ritualístico de certos costumes sociais.

“The Bride Who Married a Camel's Head" é uma obra que desafia a compreensão tradicional do corpo, da identidade e das normas culturais, provocando uma reflexão crítica sobre como a sociedade lida com mudanças tecnológicas e culturais. Stelarc nos obriga a repensar o que significa ser humano e como as convenções culturais podem limitar nossa capacidade de abraçar o novo e o diferente .

Uma das suas obras mais conhecidas é "Ruína Brasilis", uma instalação que chama a atenção pela sua estética e pela profundidade de suas mensagens. Composta por azulejos que remetem ao estilo barroco, a obra evoca as ruínas de construções históricas do Brasil, simbolizando a mistura de culturas e as marcas deixadas pelo colonialismo. Ao usar azulejos, um material típico da arquitetura colonial brasileira, Varejão conecta o passado ao presente, ressaltando a continuidade das narrativas coloniais na formação da identidade nacional.

A proposta artística de "Ruína Brasilis" vai além da estética; ela traz uma crítica social e cultural poderosa. A obra convida o espectador a refletir sobre a história do Brasil e as tensões entre diferentes culturas que coexistem no país. Ao representar a ruína, Varejão sugere que o passado não está completamente desaparecido; ele continua a influenciar o presente e a moldar nossas percepções sobre identidade e cultura.

Além disso, "Ruína Brasilis" provoca uma reflexão sobre como as narrativas históricas são construídas e quem tem voz na nossa história. A artista questiona as versões oficiais da história brasileira, que muitas vezes ignoram ou minimizam as experiências dos povos indígenas e africanos. Assim, sua obra se torna um espaço para repensar essas histórias silenciadas e reconhecer a pluralidade da identidade brasileira.

Em suma, Adriana Varejão, através de "Ruína Brasilis", oferece uma crítica profunda das relações sociais e culturais no Brasil. Ela nos provoca a olhar para nossas raízes históricas e considerar como elas ainda reverberam nas questões contemporâneas. Sua arte não apenas embeleza espaços; ela também instiga diálogos importantes sobre quem somos como sociedade e como podemos construir um futuro mais inclusivo e consciente das nossas diversidades.

A obra "Girl with Balloon" é uma de suas mais icônicas e representa uma menina estendendo a mão em direção a um balão vermelho em formato de coração, que parece escapar de seu alcance. A imagem pode simbolizar esperança, amor ou perda, dependendo da interpretação do espectador. O balão, como algo precioso que está se afastando, remete à fragilidade dos sonhos e dos sentimentos. Com essa obra, Banksy convida o público a refletir sobre a efemeridade das coisas que valorizamos e a importância da esperança, mesmo em tempos de incerteza.

No meu ver, a obra me remeteu algo mais como um abandono, como se aquele balão representase algo ou alguém preciso para ela e que a esta deixando sozinha, como a imagem traz uma criança acredito que traga a fragilidade e a dependência, assim como a necessidade extrema de cuidado e acolhimento. Não passava pela minha cabeça o cenário de guerra e morte, a perda nesse sentido, que era o que eu acredito ser o intuito do artista.

Aluna: Kauany Maciel

n⁰35

Sinceramente falando eu realmente não via muito sentido, a única coisa que eu entendi seria que ele seria um fã, ou queria demonstrar a luta das pessoas negras e o quão longe elas conseguiram chegar, levando em consideração o quão preconceituoso é os Estados Unidos ao longo de sua história até os tempos atuais.

Aluna: Kauany; n⁰35.

Do meu ponto de vista, a obra "Hope" de Shepard Fairey é um pouco exagerada em sua idealização. Embora tenha se tornado um símbolo icônico da campanha de Obama, a imagem parece simplificar demais a complexidade da política, como se apenas a figura do candidato pudesse representar toda a esperança de um país. O uso das cores patrióticas e a palavra "Hope" são poderosos, mas, ao mesmo tempo, podem dar a impressão de ser uma mensagem superficial, sem realmente refletir as dificuldades e desafios reais que viriam. Em resumo, acho que a obra funcionou bem como marketing, mas não necessariamente capturou a profundidade do momento político.

Felipe miguel j. Savano

N9

2ºB

A escolha das cores é muito impo͏rtante para ver o efeito da obra. Fairey usa az͏uis e vermelhos, que lembram as cores de a bandeira dos EUA!

Em vez de ser uma representação realista, o retrato estilizado lembra o design de pôsteres de propaganda, especialmente os de movimentos revolucionários e progressistas, o que já traz uma conotação política forte de transformação e esperança.

Do ponto de vista político, o pôster teve um impacto significativo. Não foi um material oficial da campanha, mas acabou por ser amplamente adotado por apoiadores e pela mídia, tornando-se um marco visual associado à candidatura de Obama. Ele ajudou a construir um senso de unidade e engajamento entre os eleitores, especialmente entre os jovens. Essa imagem transcendeu as barreiras da política tradicional, criando um ícone atemporal de esperança e inspiração para mudanças.

01) como vc colaborou com as práticas artistas

R: eu colaborei na foto nas pesquisas e no fazer da colagem sobre a violência colocando frases de impacto e formas de denúncia.

02) oque vc aprendeu sobre a arte contemporânea?

R: eu entendi que a arte contemporânea é o tipo de arte mais usada para expressar os sentimentos reprimidos.

03) qual a sua percepção com relação ao uso da cor e da forma, como meio para expressividade

R: o uso das formas e das cores é usado para atrair e causar impacto trazendo sentimentos e emoções fortes, em nosso trabalho o uso de formas separadas é para representar uma família q aos olhares da sociedade é uma família perfeita, mas por traz dos panos é uma família emocionalmente destruída pela violência domestica, e o uso das cores vermelho e azul são para trazer esse olhar de emergência é para chamar a atenção, e tbm fazendo uma referência as cores das luzes usada nos carros de polícia.

Felipe miguel jusinskas Savano N9

Vívian Pinheiro. N: 38