La composizione è caratterizzata da una complessa simbologia e da un misticismo ormai molto  lontano  dai razionali ideali neoplatonici.  Sopra   la capanna della Sacra Famiglia danza un cerchio di angeli, mentre in primo piano in basso tre angeli abbracciano altrettanti uomini; sul  tetto , altri tre angeli sorreggono il libro aperto, forse l’Apocalisse di San Giovanni, mentre ai lati della scena sacra, si vedono uomini e pastori coronati di ulivo; in primissimo piano, ai margini della tela, cinque minuscoli diavoli sprofondano nelle crepe del terreno o sono trafitti dai loro stessi  forconi.

L’evento della nascita di Cristo non sembra generare gioia, ma l’atmosfera è malinconica. Si tratta, di una visione profetica della liberazione dell’  umanità,  attesa con ansia: lo rivela esplicitamente  un’ iscrizione in greco sulla parte alta della tela, che contiene una citazione del libro dell’Apocalisse e allusioni alla grave crisi che stava percorrendo la penisola.

Dal punto di vista stilistico si assiste a una sorte di consapevole “regressione” formale: la prospettiva è sconvolta; le figure sono rigide, innaturali e proporzionate in modo non realistico, i colori sono violenti, mentre la linea, da fluida e sinuosa, si fa spezzata e nervosa. È un dipinto  difficile , fortemente simbolico e lontano non solo dalle celebri favole mitologiche del pittore, ma soprattutto dalla rapida evoluzione che in quegli anni aveva compiuto l’arte, quando a Firenze la grazia di Raffaello e il genio di Michelangelo ne avevano ormai completamente modificato il volto. 

Proprio per questo Botticelli morì solo, povero e dimenticato da tutti nel 1510.

E’ una lettura essenzialmente in chiave filosofica quella proposta per un’altra allegoria raffigurante Venere e Marte distesi su un prato e circondati da un gruppetto di satiri giocherelloni; la fonte di ispirazione di Botticelli sembra ragionevolmente essere il Symposium di Ficino in cui si sosteneva la superiorità della dea Venere, simbolo di amore e di concordia, sul dio Marte, simbolo di odio e discordia.

I satiri sembrano tormentare Marte disturbando il suo sonno, mentre ignorano del tutto Venere, vigile e cosciente; questa scena sarebbe la figurazione di un altro degli ideali cardine del pensiero neoplatonico, ossia l’armonia dei contrari, costituita dal dualismo Marte-Venere, anche se il critico Plunkett ha messo in evidenza come il dipinto riprenda puntualmente un passo dello scrittore greco Luciano di Samosata , in cui viene descritto un altro dipinto raffigurante le nozze di Alessandro e Rossane. L’opera potrebbe dunque essere stata realizzata per il matrimonio di un membro della famiglia Vespucci.

I Vespucci erano una famosa e potente famiglia la quale era probabilmente protettrice di Botticelli; nell'opera possiamo infatti notare anche un possibile riferimento ad essa nell'angolo in alto a destra, nel quale troviamo rappresentate delle vespe, simbolo della famiglia.

Marte, privato delle armi, e quindi, totalmente inerme, simboleggia la sua totale arresa davanti all’amore.
Seguendo questa chiave interpretativa, Venere allora rappresenterebbe l’Amore, che contrasta la Violenza, simboleggiata da Marte.

Si trattava della Chiesa gotica di San Francesco a Rimini che, con l’architetto Leon Battista Alberti, prese il nome di Tempio Malatestiano, ovvero un mausoleo commemorativo e privato della famiglia Malatesta.

Alla morte del committente, nel 1468, i lavori rimasero incompiuti; infatti il progetto albertiano prevedeva un ampio timpano semicircolare e una grandiosa cupola ispirata a quelle brunelleschiane.

Alberti decise di rispettare l’antica struttura gotica, che venne semplicemente rivestita con un involucro di pietra d’Istria, lasciando prevalentemente intatto l’interno.

Il tempio presenta una facciata bipartita, che richiama particolarmente l’Arco trionfale di Augusto, creando un parallelismo morale fra i due sovrani, e soddisfacendo pienamente la richiesta del signore di Rimini.

Il motivo dell’arco viene ripetuto tre volte, producendo un ritmo che scandisce la facciata: i tre fornici sono inquadrati da quattro semicolonne corinzie scanalate che reggono una trabeazione classica.

L’arco dell’ingresso, le semicolonne, il contrasto fra il colore della pietra e le ombreggiature vanno a creare un gioco di convessità e concavità, di luci ed ombre che conferisce un ritmo dinamico all’intera struttura, in modo che risulti un organismo plastico e definito.

Questa costruzione è la palese testimonianza dell’accettazione dei principi geometrici e proporzionali tipici dell’architettura brunelleschiana.

la scena potrebbe essere considerata come l’allegoria della ragione, di cui è simbolo la dea che vince sull’istintualità raffigurata dal centauro, creatura mitologica per metà uomo e per metà bestia. Altre strutture simboliche hanno parlato del contrasto tra castità e lussuria, umiltà e superbia, istinto e ragione.

 È stata però proposta anche un’altra lettura in chiave politica del dipinto, che rappresenterebbe sempre in modo simbolico l’azione diplomatica svolta da Lorenzo il Magnifico in quegli anni, impegnato a negoziare una pace separata con il Regno di Napoli per scongiurare la sua adesione alla lega antifiorentina promossa da Sisto IV; in questo caso, il centauro sarebbe Roma e la dea la personificazione di Firenze (va notato infatti che essa porta l’alabarda ed ha la veste decorata con l’insegna personale di Lorenzo), mentre sullo sfondo si dovrebbe riconoscere il Golfo di Napoli.

La Nascita di Venere è un dipinto a tempera su tela, databile al 1482-1485 circa. Realizzata per la villa medicea di Castello, l'opera d'arte è attualmente conservata nella Galleria degli Uffizi a Firenze. Opera assunta come simbolo della stessa Firenze e della sua arte insieme all'altro celebre quadro Primavera Rappresenta una delle creazioni più elevate dell'estetica del pittore fiorentino.

La Nascita di Venere è da sempre considerata l'idea perfetta di bellezza femminile nell'arte, così come il David è considerato il canone di bellezza maschile. Poiché entrambe le opere sono conservate a Firenze, i fiorentini si vantano di possedere i canoni della bellezza artistica all'interno delle mura cittadine.
La fonte del mito fu quasi sicuramente una delle Stanze del Poliziano. Contrariamente al titolo con cui l'opera è nota, essa non raffigura la nascita della dea, ma il suo approdo sull'isola di Cipro.
Venere avanza leggera fluttuando su una conchiglia lungo la superficie del mare increspata dalle onde, in tutta la sua grazia e ineguagliabile bellezza. Viene sospinta e riscaldata dal soffio di Zefiro, il vento fecondatore, abbracciato a un personaggio femminile con cui simboleggia l'atto d'amore, che muove Venere col vento della passione. Forse la figura femminile è la ninfa Clori, forse il vento Aura o Bora.
Sulla riva una fanciulla, una delle Ore che presiede al mutare delle stagioni, in particolare la Primavera, porge alla dea un magnifico manto rosa ricamato di fiori per proteggerla (mirti e rose). Essa rappresenta la casta ancella di Venere ed ha un vestito setoso riccamente decorato con fiori e ghirlande di rose.
La posa della dea deriva dal modello classico della Venus pudica (cioè che si copre con le braccia il seno e il basso ventre) e Anadiomene (cioè nascente dalla spuma marina), di cui i Medici possedevano una statua classica fin dal 1375 citata da Benvenuto Rambaldi. Il volto pare che si ispirasse alle fattezze di Simonetta Vespucci, la donna dalla breve esistenza (morì a soli 23 anni) e dalla bellezza "senza paragoni" cantata da artisti e da poeti fiorentini.