L'énergie du rouge! Scène le liesse ou scène de révolte?

Scène populaire: foule composée de femmes, d'hommes et d'enfants munis de lampions et de lanternes qui suivent une fanfare au soir de la fête nationale du 14 Juillet.

Format panoramique de l'oeuvre + composition horizontale qui partage le tableau en 2: partie supérieure/ lampions, guirlandes et lanternes; partie inférieure/ foule dense et bruyante.

Energie de la foule: mouvement de progression inexorable vers la gauche du tableau, la densité des personnes assemblées en une masse compacte, les lampions= larges points de couleurs et sons que l'on imagine sortir des instruments de musique et des bouches ouvertes (cris/ chants?). La lumière rouge des lampions envahit toute la scène.

Tension dans les visages graves et déterminés des personnages issus du peuples (beaucoup d'ouvriers reconnaissables à leurs vêtements).

Rouge du tableau : couleur de révolte, de révolution, couleur de violence, de puissance. Le peuple français, représenté par cette masse, est en pleine effervescence, en plein bouillonnement ! Fête nationale prend naissance dans la commémoration d'un événement historique où le peuple est devenu acteur de son histoire par la violence. [Révolution = les opprimés qui se révoltent contre les puissants et renversent les règles].

Ici, il réalise un véritable vitrail contemporain à partir d'un assemblage de boîtes de pizzas, de cartons de bières, et autres déchets issus de nos sociétés de consommation, comme des fragments de notre réalité piégés dans un emballage en résine.

Contournant l’usage décoratif des œuvres d’art, Neil Beloufa orne cette série de fleurs (tulipes) accumulées dans un collage coloré. La vivacité des couleurs, leurs contrastes, l'accumulation esthétique des formes et le rétro-éclairage de l'oeuvre créent une œuvre polychrome qui évoque l’art du vitrail.

Les couleurs produisent des sensations différentes et peuvent accentuer ou adoucir un effet.

Les couleurs chaudes (rouges, oranges, ocres, jaunes) dynamisent et « passent en avant » tandis que les couleurs froides apaisent et « passent en arrière » (bleus, verts, gris, violets).

Certains peintres ont recours à des contrastes forts pour rendre une scène de bataille plus tonique et mouvementée, ou des tonalités plus adoucies pour inviter à la rêverie ou à la réflexion.

Sur cette peinture monumentale, on peut observer le bonheur d’une famille réunie au pied d’un arbre : on s’embrasse, on danse, on se câline dans la chaleur de l’été. Toutes les générations sont représentées. Ce panneau évoque l’un des thèmes fondamentaux de Prouvé, artiste de l'Ecole de Nancy : l’homme serait plus heureux s’il renouait avec un mode de vie simple en une communion joyeuse avec la nature. Cette toile aborde les thèmes de la famille, du bonheur, du travail et des âges de la vie. Au centre de la composition, un enfant réalise ses premiers pas en direction de sa mère sous le regard bienveillant des grands-parents. Un couple sur la gauche partage aussi un instant de tendre bonheur avec ses enfants. Enfin, à l’arrière-plan, tandis que des paysans rentrent de leur labeur, une farandole de femmes et d’enfants, exprime la joie d’une vie comblée. Les branches d’un arbre baigné de lumière surplombent les groupes les reliant ainsi à la nature.

Apport des couleurs à ce tableau? Couleurs contrastées à dominante chaudes, dans une gamme chromatique de rouge-orange-rose. La douceur des teintes pastel participe pleinement à l'ambiance sereine et idéalisée de la scène (comme un songe).

Scène rurale: dans une lumière diaphane et rosée, des bouilleurs de cru au travail dès l'aube s'activent autour d'alambics qui laissent échapper des petites fumées blanches. Se découpant sur la masse de la ferme à l'arrière-plan, un arbre emplit l'espace du tableau.

La scène est faite de couleurs acidulées et arbitraires qui ne prétendent pas au réalisme mais proposent au contraire une légèreté et une douceur qui répondent au geste du peintre.

La couleur construit le paysage à partir de points qui forment lignes, surfaces, rythmes. Les contrastes sont comme dissous par la lumière

Mélange optique

Le peintre ne mélange les couleurs ni sur la palette ni sur la toile, c’est le regardeur qui fait la couleur (mélange optique). Le semis de points jaunes et de points bleus qu’il dépose sur sa toile est perçu comme du vert par l’observateur. Les interrelations entre les couleurs sont perçues par l’oeil puis par le cerveau. Le mélange est dit optique. Le vert n’existe pas sur la toile, mais il est ressenti. Les couleurs sont lumineuses car le peintre appose des couleurs pures, et non mélangées (idem pixels sur ordinateur)

« A l’origine de la vie, il y a la couleur, à l’origine de ma vie, il y a la couleur. » (F. Malaprade)

Au-delà des peintures abstraites géométriques, certains artistes s'engagent dans un travail autour de la puissance de couleurs seules.

C'est le cas de Françoise Malaprade dont l'inventivité s’exprime dans un univers de formes volontairement restreint : elle remet en question le métier de peintre, le sujet, le format, la technique… pour ne garder que la seule recherche picturale.

Elle garde toujours le même type de support dont elle se sert pour valoriser davantage le travail de la couleur( film polyester mat ou brillant qui est mince, léger, transparent et neutre) et utilise toujours le même type de peinture acrylique. Les couleurs, appliquées par juxtaposition sur le support, se complètent ainsi tout en conservant leur nature et leur valeur propre (comme un nuancier). La technique crée un effet d’échange entre les couleurs.

Dispositif =carrés qui s’emboîtent ou se juxtaposent et permettent l’analyse du comportement des couleurs : la peintre observe leurs réactions entre elles, celles qui dominent les autres, celles qui s’effacent... Car pour elle, une couleur n’est jamais la même, elle varie en fonction de son étendue, de son intensité et de son environnement.

Françoise Malaprade a ainsi créé au fil du temps un langage propre autour de la couleur, sa lumière, son rythme, sa texture.

Une scène d'enterrement dans un format imposant qui magnifie le sujet. A l’arrière-plan, un paysage de cimetière (sans doute le cimetière de Préville à Nancy), au 1er plan, un groupe de personnages: à droite, le trou de la tombe suggéré par les monticules de terre. Au pied de ce trou, deux femmes retiennent une troisième plus âgée agenouillée et comme sur le point sur le point de tomber dans ce trou béant. La femme au centre, dont le voile et la coiffe légèrement défaits révèlent un visage éploré, a été identifiée comme une mère ayant perdu son enfant. Derrière elles, trois autres femmes voilées laissent libre cours à leur chagrin. Derrière ces masses noires formant le groupe de femmes, se tiennent les hommes, graves et solennels mais plus sobres dans leurs émotions. Le cadrage serré de la composition a pour résultat de présenter ces femmes en gros plan. Associé au point de vue en contre-plongée et à la palette noire, l’effet n’en est que plus fort visuellement.

Ligne de construction: diagonale qui suit le groupe de personnages depuis l’arrière-plan et nous mène tout droit vers le trou béant de la fosse au premier plan. Le mouvement de l’arrière vers l’avant crée par cette ligne de construction est renforcée par la position des trois femmes qui donnent l’impression de basculer vers l’avant.

Couleur noire omniprésente dans le tableau! Vêtements des hommes et encore plus des femmes qui sont couvertes de noir de la tête aux pieds (seul contraste le visage pâle et ravagé de la mère) + ombre du sapin qui obscurcit la partie droite du tableau + noir de la fosse qui s'ouvre au bord du tableau. L'artiste décline un camaïeu de noirs en jouant sur les contrastes et les valeurs.

C’est toujours la société et l’époque qui donne aux couleurs leurs significations! Dans nos sociétés occidentales depuis le Moyen Age, le noir est associé au monde souterrain, au diable, au péché, à la mort, à la douleur. Le noir vêtement de deuil commence à se répandre au XVIIe siècle, mais c’est véritablement au XIXe siècle qu’il devient une pratique sociale établie (avant, on portrait du gris, du bleu foncé ou du violet pour les funérailles. En Asie aujourd'hui encore la couleur du deuil est le blanc).