Técnica: Escultura tallada en piedra

Dimensiones: 16 cm de alto

Fecha: ~7000 a.C

Lugar: Encontrada en el sitio arqueológico de Lepenski Vir. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Serbia.

Nombre: Escena de luto

Técnica: Relieve de piedra caliza

Artista: Desconocido

Fecha: 1550 – 1229 a.C

Lugar: Museo Pushkin de Moscú

Nombre: Porción del mural de la batalla de Til-Tuba: Muerte de Tiuuman y su hijo

Técnica: Relieve en yeso

Artista: Desconocido

Dimensiones: Mural Completo: 204 cm de alto, 17.30 cm de grosor, 175 centímetros de ancho

Fecha: 660-650 a.C

Lugar: Museo Británico

Nombre: Vaso del suicidio de Áyax

Técnica: Cerámica de figuras negras

Artista: Exekias

Fecha: 530 – 510 a. C

Lugar: Château-musée, Bolonia sobre el Mar

Técnica: Escultura en Bronce

Dimensiones: 1.20 metros de altura

Artista: Desconocido

Fecha: 330 – 50 a. C 

Lugar: Palazzo Massimo Alle Terme, Roma

Nombre: El sacrificio de Iphigenia 

Técnica: Fresco

Dimensiones: 138 cm x 140 cm

Artista: Timanthes

Fecha: Siglo I d. C (Copia de obra del Siglo IV a. C)

Lugar: Museo de Nápoles

Referencia: Lydakēs, S. (2004). Ancient Greek painting and its echoes in later art. 319. https://books.google.com/books/about/Ancient_Greek_Painting_and_Its_Echoes_in.html?id=TQinGQAACAAJ

Técnica: Relieve en mármol proconnesio

Dimensiones: 153 cm x 273 cm

Artista: Desconocido

Fecha: 250 – 260 d. C

Lugar: Palazzo Alltemps, Museo Nacional de Roma

Referencia: Kleiner D. E. E. (1992). Roman sculpture. Yale University Press.

Los patrones curvos y alargados de la obra son una reminiscencia de los motivos de las obras de orfebrería y demás registros artísticos conservados de algunos pueblos indígenas que habitaron el territorio colombiano, como los Muiscas. Muchas de las obras de estos pueblos estaban elaboradas a partir del oro, el cual fue un material central en sus culturas al ser utilizado en contextos religiosos ¿solamente era en estos contextos?. En el contexto de la obra analizada, el material y color de esta es un puente con el estilo de las obras conservadas de estos pueblos indígenas ¿Por qué?.

En términos generales, este mural evoca una conexión entre un sentido estético contemporáneo basado en patrones sencillos y elementos artísticos heredados de las obras que se conservan de los pueblos indígenas que habitaron el territorio colombiano. La obra adorna un espacio propio de la cotidianidad contemporánea como el muro de un salón con un sentido de conexión con el contexto histórico propio de la geografía en la que se encuentra.

A pesar de estas similitudes, entre las obras encontramos algunas diferencias clave, donde una de las más evidentes es la paleta de color usada. La primera obra presenta colores más fríos, ya que en la parte superior tiene regiones de negro y azul oscuro, en la región central hay regiones con distintas tonalidades de café, y en la parte inferior tiene distintas tonalidades de gris. En la segunda obra, además de las predominantes regiones negras en la periferia de la obra, destacan figuras de colores cálidos y fuertes como el rojo, naranja y terracota. 

Otra diferencia clave son los puntos de convergencia de los trazos rectos que delimitan las regiones de color sólido. En la primera figura vemos que los vértices de las figuras no convergen exactamente en el mismo punto, dando la impresión de que las figuras se sobreponen de forma ínfima. Por otro lado, en la segunda obra, los vértices y bordes se encuentran mejor definidos, y hay unas líneas blancas gruesas que dividen los motivos geométricos en filas.

Ambas obras presentan características del hard-edge, el cual es un movimiento de pintura abstracta centrado en las transiciones abruptas entre las áreas de color que estuvo en furor durante la década de los 50s en Estados Unidos. Rodríguez Villamizar realizó la primera obra en el año de 1957 durante una residencia en Nueva York, mientras que la segunda obra fue realizada en el año de 1982, residiendo en Latinoamérica, después de viajar a lugares como Machu Pichu y Teotihuacán. 

Varios aspectos de la composición de ambas pinturas pueden ligarse al contexto vivencial en el que se produjeron. Los colores fríos de la primera obra referencian a las tonalidades de una ciudad como Nueva York, y su estilo geométrico es característico de la corriente hard-edge que tenía una fuerte influencia en el territorio y el año en el que fue concebida. Por otro lado, los motivos triangulares horizontales de la segunda obra recuerdan a los sistemas de cerros y cordilleras propios de la geografía de algunas regiones latinoamericanas, e incluso a algunas edificaciones como las pirámides de Teotihuacán. La paleta de colores también hace alusión a los colores de zonas desérticas, del sol, y de la tierra. A pesar de tener un estilo estético similar, estas obras son un reflejo de la experiencia vivencial del artista, e ilustran el contexto y las ideas de Rodríguez Villamizar en distintas épocas de su vida. 

Esta obra es una representación de la escena del sacrificio de Iphigenia, quien era la hija mayor del rey Agamenón. Según la mitología griega, en su camino a la guerra de Troya, Agamenón cazó a un venado sagrado para la diosa Artemisa, por lo que esta envió fuertes vientos para evitar el avance de las tropas griegas a Troya a menos de que Agamenón sacrificara a su hija mayor (Siegel, 1981). Existen varias versiones de la historia, por lo que en algunas de ellas Iphigenia muere de forma heroica asumiendo su destino, y en otras es salvada por Artemisa al reemplazarla al último momento por un venado (Siegel, 1981). En la pintura, Iphigenia es la figura femenina que está siendo alzada por Menelao y Odisea, a izquierda y derecha respectivamente, mientras que Calchas es el hombre que porta la daga al lado derecho y Agamenón la figura de manto que cubre su cara a la izquierda. En el cielo, a la derecha, se encuentra representa Artemisa, portando un arco siendo la diosa de la caza. El venado sujetado por la ninfa a su izquierda es una representación de la creatura por la que es sustituida Iphigenia a último momento.

En esta obra, la tristeza se ve reflejada principalmente en la figura de Agamenón. Su postura recogida, evitativa con respecto a presenciar el sacrificio, y su cara cubierta con la mano, son gestos que reflejan culpa y dolor. Particularmente, el hecho de que su rostro no pueda verse, y aún así el espectador pueda evidenciar su tristeza y sufrimiento, es un artefacto que enfatiza la capacidad de la obra de expresar una emoción aparentemente inexpresable. La tristeza también se evidencia en el rostro acongojado, casi suplicante, de Iphigenia. Por otro lado, si bien los otros hombres tienen una mirada cauta hacia los lados y el cielo, no hay una muestra clara de tristeza, lo cual habla de las dinámicas y prioridades de la sociedad representada en la obra con respecto a esta emoción, pues la tristeza y el dolor de Agamenón de perder a su hija se encuentra por debajo del ímpetu de guerra sus compañeros griegos. 

 

Referencias:

Herbert Siegel. (1981). Agamemnon in Euripides’ “Iphigenia at Aulis.” Hermes, 109(3), 257–265. http://www.jstor.org/stable/4476212

La estructura original de la catedral de Autun está conformada por muros de piedra continuos, dando una impresión de compacta solidez y fortificación. Además, cuenta con arcos semicirculares apoyados sobre pilares macizos, como aquel ubicado en su entrada principal. Por otro lado, la estructura de la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo, en lugar de consistir de muros continuos, está hecha a partir de un andamiaje de columnas con amplios espacios entre ellas cubiertos con vitrales. Estas columnas convergen en arcos en punta en lugar de semicirculares. Las esculturas que adornan la catedral de Autun, como la representación de la muerte de Judas, cuentan con rasgos simples en sus rostros y cuerpos casi esquemáticos. Por otra parte, las esculturas de la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo, como la representación del tránsito de la virgen, son mucho más detalladas, y representan de forma más cercana a la realidad la emotividad de los rostros y la anatomía de sus personajes. 

La estructura sólida y fortificada de la primera catedral es consecuente con el concepto de iglesia militante vinculada al estilo románico, donde la iglesia era vista como protectora frente a fuerzas oscuras. En contraste, el andamiaje pétreo con vitrales de la segunda catedral respalda la idea de iglesia triunfante, pues los espacios amplios e iluminados tienen un carácter casi celestial. La transición de arcos semicirculares a en punta reflejan la transición técnica del estilo románico al gótico. Análogamente, pasar de emplear ilustraciones básicas para simplemente narrar la biblia, a retomar una representación más fiel a la realidad para transmitir la emoción de estos relatos también refleja esta transición de estilos. Las estatuas comentadas abordan escenas vinculadas a la tristeza desde un ámbito religioso, y el cambio de la representación gráfica de la emotividad entre ambos estilos muestra como la sociedad del momento empezó a considerar la manifestación gráfica de esta emoción como una forma de conectar su espiritualidad.

Nombre: La mujer que llora

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Pablo Picasso

Fecha: 1937

Dimensiones: 61 cm x 50 cm

Lugar: Galería Tate Modern, Londres

Referencia: "The Weeping Woman, 1937 by Pablo Picasso". www.pablopicasso.org. Retrieved 2022-04-20

Nombre: La coronación de espinas 

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Caravaggio

Fecha: 1602/1604

Dimensiones: 127 cm x 165.5 cm

Lugar: Kunsthistorisches Museum, Viena

Referencia: "The Crowning with Thorns". Google Arts & Culture. Retrieved 1 November 2014.

Nombre: Melancolía I

Técnica: Grabado

Artista: Albrecht Dürer

Fecha: 1514

Dimensiones: 24,1 x 19,1 cm

Lugar: Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe - Alemania

Referencia: Melancolía I. Metmuseum.org. (n.d.). Retrieved October 20, 2022, from https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/336228

Otro elemento que destaca de la obra es la distribución de sus colores. La mayoría de la obra tiene colores vivos como el amarillo, rojo y verde, que contrastan con la tonalidad natural de la piel, mientras que la zona de la nariz y la boca, ubicada debajo de las lágrimas, maneja una paleta tonos azules y blanco. El color azul se asocia a emociones como la tristeza, y el blanco genera la impresión de que el rostro se ha tornado hueso. En conjunto, el uso de estos colores refleja que las lágrimas cubren el rostro de una tristeza que carcome la piel y llega tan profundo como los huesos.

Las figuras geométricas, la perspectiva múltiple y los colores contrastantes son características del estilo cubista de la obra tardía de Picasso, donde aborda temas como la tristeza y el dolor, propios del contexto histórico de la guerra civil española. Esta obra se relaciona con trabajos anteriores como el Guernica, inspirado en los bombardeos de la villa vasca, y el uso de la paleta de colores es una herencia de su “periodo azul”, marcada por eventos trágicos como el suicidio de un amigo cercano. Esta obra refleja la tristeza y el dolor producto de la guerra, y los elementos cubistas contribuyen a generalizar este dolor a cualquier persona y no a una mujer en particular.

Nombre: Iván el Terrible y su hijo el 16 de noviembre de 1581

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Ília Repin

Fecha: 1885

Dimensiones: 199.5 cm x 254 cm

Lugar: Tretyakov Gallery, Moscú

Referencia: Ivan the Terrible and his Son by Ilya Repin. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.thehistoryofart.org/ilya-repin/ivan-the-terrible-and-his-son/

Nombre: El Ajenjo (L'Absinthe)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Edgar Degas

Fecha: 1875 - 1876

Dimensiones: 92 cm x 68 cm

Lugar: Musée d'Orsay, Paris

Referencia: L’Absinthe by Edgar Degas. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.impressionists.org/labsinthe.jsp

Nombre: Ariadne en Naxos

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Evelyn De Morgan

Fecha: 1877

Dimensiones: 59.8 cm x 101.2 cm

Lugar: De Morgan Museum, Barnsley

Referencia: Ariadne in Naxos - The De Morgan Foundation. (n.d.). Retrieved November 4, 2022, from https://www.demorgan.org.uk/collection/ariadne-in-naxos/

Nombre: Monje frente al mar

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Caspar David Friedrich

Fecha: 1808 - 1810

Dimensiones: 110 cm x 171.5 cm

Lugar: Alte Nationalgalerie, Berlin

Referencia: Friedrich, Monk by the Sea (video) | Germany | Khan Academy. (n.d.). Retrieved November 4, 2022, from https://www.khanacademy.org/humanities/becoming-modern/romanticism/romanticism-in-germany/v/caspar-david-friedrich-monk-by-the-sea-1808-or-1810

Nombre: Traslado de Cristo

Técnica: Óleo sobre madera

Artista: Rafael Sanzio

Fecha: 1507

Dimensiones: 176 cm x 184 cm

Lugar: Galeria Borghese, Roma

Referencia: Deposition or the Entombment by Raphael | Borghese Gallery. (n.d.). Retrieved October 14, 2022, from https://borghese.gallery/collection/paintings/deposition-by-raphael.html

Nombre: Hombre joven sentado bajo un árbol

Técnica: Óleo sobre lienzo

Artista: Isaac Oliver

Fecha: 1590 - 1595

Dimensiones: 12.4 cm x 8.9 cm

Lugar: Royal Collection Trust, Londres

Referencia: Young Man Seated under a Tree - Isaac Oliver — Google Arts & Culture. (n.d.). Retrieved October 14, 2022, from

Por un lado, la disposición de los personajes da la impresión de que, a pesar de que están juntos en el café, cada uno se encuentra inmerso en su propio mundo, proyectando una sensación de soledad y melancolía. El rostro de la mujer genera una sensación de vacío y desolación. El hecho de que la figura del hombre esté parcialmente recortada y su mirada esté puesta hacia afuera del cuadro contribuye a la idea de que su mente está ausente del momento a pesar de que su cuerpo esté ahí.

La paleta de colores contribuye al tono melancólico de la obra, ya que el uso de colores crema pálidos y distintos matices de café proyectan ausencia de vida y un ambiente letárgico. Además, los trazos no definidos de la pintura se conjugan con el título de la obra para transmitir la percepción borrosa o nublada causada por la influencia del alcohol.  

La obra se sitúa en el Cafe de la Nouvelle-Athenes en París, donde Degas, Manet, Pissarro, Cezanne y otros impresionistas frecuentaban (L’Absinthe by Edgar Degas, n.d.). A pesar de participar en 7 de 8 exhibiciones impresionistas en Paris, la obra de Degas contrasta con la norma de este movimiento al no centrarse en paisajes. Se encontraba particularmente interesado en ilustrar la vida de mujeres de clase trabajadora. Esta obra refleja el aislamiento y la desolación característica de algunos sectores de la clase media europea a finales del siglo XIX.

Referencias:

L’Absinthe by Edgar Degas. (n.d.). Retrieved November 11, 2022, from https://www.impressionists.org/labsinthe.jsp

Ambas obras reflejan desolación y contemplación. En la obra de Friedrich, el contraste entre el minúsculo tamaño del monje y la inmensidad del paisaje que contempla invita a la reflexión sobre el carácter solitario del hombre y su ínfima relevancia con respecto a la inconmensurable naturaleza del mundo y la infinidad de la existencia. La postura de espaldas del monje, y el hecho de que no podamos leer la expresión de su rostro, nos incita a relacionarnos con sus emociones a través de contemplar el paisaje. Por otro lado, La obra de Morgan se basa en el relato de la mitología griega en el que Ariadne, la hija del Rey Minos, fue abandonada por Teseo, su amante, mientras que dormía en la isla de Naxos. En esta obra, la sensación de desolación se puede evidenciar en el rostro profundamente triste de la mujer y su postura tumbada sobre la arena, la cual se funde y arraiga en ella a través del elemento de la tela. Además, el color rojo penetrante de su vestido refleja su dolor.

La composición de la primera obra utiliza elementos propios del romanticismo para transmitir la desolación a través de instrumentos como la contemplación, y no aquello explícito en la obra. La segunda obra, a través de elementos propios del movimiento neoclásico como acudir a relatos de la antigua Grecia y el énfasis en retratar la figura humana de forma fidedigna, nos transmite una emoción similar. Estas obras muestran como distintas corrientes artísticas, a inicio y final del siglo XIX, buscaban expresar emociones persistentes a la condición humana como la desolación.

Nombre: My Bed

Medio: Arte Encontrado

Artista: Tracey Emin

Fecha: 1998

Referencia: "My Bed, 1998 by Tracy Amin". https://www.tate.org.uk/art/artworks/emin-my-bed-l03662. Retrieved 2022-11-25

Por un lado, esta obra transmite la sensación de abandono y dejadez asociada a episodios depresivos, reflejada en una falta de aseo por carencia de energía o sentido. Las botellas vacías, las colillas de cigarrillo y los condones usados son un registro de los vicios a los que se acude para tapar el vacío o dolor. La pila de pañuelos usados es una evidencia de un llanto pasado, y la pila de fotos evoca melancolía. La mezcla de objetos asociables a vicios o tristeza con objetos comunes es sugestiva con respecto a cómo la depresión se inmiscuye en la vida cotidiana. Sin embargo, hay un hecho evidente de toda la composición, y este es que la cama está vacía. No hay una persona en la cama. Las cobijas arrumadas a un lado son evidencia de que quién se postraba ahí, acumulando el desorden y regando licor sobre las sábanas, decidió levantarse, y que el episodio que dio origen a la composición tuvo un fin.

Esta obra es el resultado de un episodio depresivo en el que Emin estuvo 4 días en cama, sin consumir nada más que alcohol y cigarrillos. Dicho episodio fue el resultado de una ruptura amorosa, después de la cual, a pesar de ser activa sexualmente, se encontraba profundamente triste. Emin dice que cuando finalmente se levantó, fue por agua, y contempló la escena, vio arte en ella. Esta obra ilustra a través de la construcción de un espacio relacionable para muchos cómo se vive y se lidia con la tristeza en la sociedad contemporánea, sin dejar de transmitir implícitamente la idea de que dicha tristeza es finita.