Solo he dirigido tres obras de teatro y dos de ellas fueron de mi propia autoría, por lo que el proceso de dirección fue más bien “orgánico”, ya que, considero, la creación y el análisis se entrelazaron. Son de estos dos casos de los que a continuación hablaré, pues el tercero fue una simple lectura teatralizada de unos monólogos breves, cuya puesta en escena acabó siendo un tanto improvisada y mi papel se redujo a dar unas mínimas indicaciones a los actores para la puesta en escena del texto.

Así pues, recuerdo el caso de Luciérnagas (2016), el montaje que realicé con el grupo Bombay Teatro (Sevilla, 2016-2018), basado en una obra centrada en la esquizofrenia infantil y en la representación de los mundos oníricos y fantásticos propios de la infancia. En este proyecto, el análisis del texto no se limitó al plano estructural, sino que se extendió al plano simbólico y emocional, ya que busqué establecer una coherencia entre la construcción literaria y la propuesta escénica. El trabajo con el elenco se caracterizó, a este respecto, por un acercamiento progresivo al texto mediante lecturas colectivas y ejercicios exploratorios varios.

Cabe decir que, aunque la obra funcionaba como basamento dramático, propicié que los actores pudieran intervenir parcialmente en el texto, adaptando o reformulando ciertos fragmentos con tal de favorecer su apropiación y la autenticidad interpretativa. Considero que esta flexibilidad constituyó una forma de análisis “en acción”, puesto que permitió descubrir nuevas resignificaciones de la obra desde la práctica escénica.

Respecto a la partitura escénica, opté por no fijar inicialmente las acciones físicas ni los desplazamientos de los actores —más allá de lo recogido en las acotaciones—, dejando que estos emergieran durante los ensayos a partir de la interacción entre intérpretes, espacio y texto. Mi función como director se centró en orientar —y ajustar esas propuestas—, garantizando la coherencia dramática y rítmica del conjunto. Sí elaboré, sin embargo, distintas indicaciones lumínicas y sonoras, con tal de que el equipo técnico contara con unas pautas ordenadas para desarrollar su trabajo de manera eficaz y en consonancia con el tono poético de la obra.

Otro aspecto central de mi método de análisis residió en el estudio de los personajes. O lo que es igual: procuré que los actores comprendiesen la historia personal, las motivaciones y las contradicciones de cada uno de los personajes dramáticos. Fomenté, en resumidas cuentas, la empatía actoral, en pos de la autenticidad escénica.

En el caso de Luciérnagas, realizamos distintos ejercicios de carácter infantil —relacionados con el juego, la imaginación y la pérdida del límite entre realidad y fantasía— que ayudaron a que los actores conectasen con la dimensión psicológica y simbólica del texto.

En síntesis, mi método de análisis de texto parte de una lectura integral que combina el estudio literario con la exploración práctica en el ensayo. Entiendo el texto como una estructura abierta, susceptible de ser transformada por la experiencia colectiva, y el análisis como un proceso dinámico que continúa evolucionando durante el montaje. De este modo, la dirección se convierte en un espacio de investigación donde la teoría y la práctica dialogan para dar lugar a una partitura escénica viva y en constante construcción.

Cuando creas tus propias obras va dentro de ellas una parte de sensibilidad que no se puede conseguir de otra forma y eso es lo que hará especial a esa obra. Podremos ver muchas obras pero cuando no esta involucrado el o la creadora, es mas compleja expresar aquella idea con la que fue concebida.

Analizo el texto y busco interpretar lo que el autor quiere expresar, en ocasiones también me gusta experimentar y adaptarlas a la temática que quiero abordar.

Realmente me centro en el mensaje.

Ya que al trabajar con niños me permite experimentar y como lo mencione con anterioridad me gusta trabajar con elementos musicales y experimentales.

También busco que los niños compartan un mensaje o que aprendan al realizar y ejecutar una obre teatral. invitándolos a crear y a usar su imaginación.

Por otra parte también me gusta crear historias con la ayuda de ellos, ya que para mi es muy importante que compartan sus experiencias y sentimientos. Así que en ocasiones les doy pautas para crear lanzando preguntas y partir de allí, para crear textos u adaptar los ya existentes, realizamos obras colectivas con ideas de ellos.

Para mi es importante tener una conexión con el texto ya que al trabajarlo se incluye de forma natural u orgánica que me permite sumergirme en la idea del autor.

En cuanto a los elementos dramatúrgicos básicos para la puesta en escena, considero que son el esqueleto de cualquier propuesta escénica. Son la guía que permite ordenar la historia, darle coherencia y encontrar el tono adecuado. Sin una dramaturgia clara, la puesta en escena pierde dirección y fuerza comunicativa.

El texto o partitura escénica y su análisis son, desde mi perspectiva, una especie de brújula creativa. Analizar un texto no es solo leerlo: es descubrir sus capas, entender sus tensiones, sus silencios y sus posibles lecturas. Es ahí donde el director y el elenco encuentran las claves para construir un trabajo auténtico y con intención.

Sobre el diseño de producción, creo que es uno de los procesos más estratégicos y enriquecedores. Elegir a los creadores, creativos y ejecutantes adecuados no solo garantiza calidad técnica, sino también coherencia estética y emocional. Cada integrante aporta una sensibilidad particular que puede elevar o transformar por completo el proyecto.

Finalmente, la escenografía, la música, la iluminación y el vestuario son, para mí, los elementos que le dan textura al universo escénico. Son los detalles que envuelven al espectador y permiten que la narrativa se vuelva tangible. Cuando estos componentes dialogan entre sí, la obra adquiere profundidad, identidad y una atmósfera que permanece incluso después de que cae el telón.

al final una puesta en escena/ensayo general ayuda a remirar lo trabajado, para hacer un proceso reflexivo. un ensayo con público y desmontaje también apoya a ver si la línea de texto que se trabajo, realmente llega al público y que sugerencias o nuevos caminos se abren después de esto

Yo los acomodaría de la siguiente manera:

1.- Tratar de responder a la pregunta: ¿Que queremos contar? Desde el principio es importante ver cuáles son las cosas y situaciones que nos causan intereses y ver si dentro del equipo de trabajo hay algo en común o escuchar las propuestas de los demás.

2.- Búsqueda del autor: una vez que tengamos una idea de algún tema que queramos tocar, ahora sería buscar que ya existe algún autor que trate temas de nuestro interés. Tratamos de tener varias opciones, de preferencia uno por miembros creativo.

3.- Investigación, una vez seleccionado al o los autores, nos daremos el tiempo para investigar más de su contexto social, histórico, individual. Estoy nos ayuda a entender la cosmovisión del autor.

4.- realización del texto, si es necesario acomodar los textos para formar un nuevo texto se hace, tomando en cuenta que se debe de plantear todo en la escaleta

5.- Una vez que se tenga el texto, se inicia con el montaje escenico y búsqueda de elementos creativos, al tener un gran interés por el teatro físico, sería buscar la secuencia de moviendo adecuado para cada escena.

6.- Trabajo de mesa constante, esto nos ayuda a ir investigando más del texto y hacerlo nuestro, por así decirlo, ver qué partes son claras y cuáles no

7.- Todo el trabajo de producción, esto ya sea vestuario, escenografía, utilería, música, papelería, etc.

8.- Por último sería ya el trabajo de ensayos y presentación. Siempre tratando de estar en armonía con todo para que no tengamos pendientes el día de la función.

Posteriormente hacer otra lectura con los actores (que previamente ya leyeron la obra) platicar como es que ellos imaginan o construyeron la historia y como eso puede ir ayudando a mi idea o ver algo que no había considerado, todo es lectura y más lectura incluso cuando se escoje la música o las luces.

PD:

Me gusta mucho leer como es su proceso de creación compañeros.

Saludos !

También analizo el lenguaje que utiliza, y si tiene algún significado particular, me gusta hacer pequeñas anotaciones mientras leo el texto, de puntos que considero importantes para comprender mejor las historias.

Para así finalizar con una pequeña conclusión personal acerca de toda la historia.

• Escuchar el tema y la posición o posiciones que sobre él se tienen.

• Documentarme del tema.

• Encuadrarlo dentro de un contexto

• Visualizar su relevancia.

• Definir un punto al que quiero dirigirlo y determinar un sentido.

• Ordenar recursos.

• Poner manos en acción.

• Dirigir y controlar constantemente.

• Resolver situaciones.

• Obtener un resultado y ajustar detalles.

pero me gustaria destacar la busqueda de una conexión con el tema a tratar y con la vida personal de uno para no solo contar una historia si no poner un pedacito de nosotros en el escenario.

He usado estas herramientas tanto para actuación como para dirección.

Este paso se centra en el "qué" de la obra: la acción y la forma.

• Tema Central y Tesis:

  • ¿Cuál es la idea principal que el autor quiere explorar (amor, poder, soledad, etc.)?

  • ¿Cuál es el punto de vista o la "moraleja" que el autor parece defender o criticar?

• Trama y Conflicto:

  • Identifica el detonante (el evento que inicia la acción dramática).

  • Define el conflicto principal (¿quién quiere qué, y qué se opone?).

  • Traza la curva dramática (ascenso, clímax, caída, desenlace).

  • ¿Cómo se resuelve el conflicto, o se deja abierto?

• Estructura:

  • ¿Es una obra de uno, dos, tres o más actos?

  • ¿El tiempo es lineal o hay saltos temporales (flashbacks/flashforwards)?

  • ¿Dónde y cuándo se desarrolla la acción? ¿Qué implica esto para la escenografía?

2. Análisis de Personajes y Relaciones

Este paso se enfoca en el "quién": la psicología y la dinámica entre los actores.

• Elenco de Personajes:

  • Crea una ficha para cada personaje:

    • Objetivo (Super-Objetivo): ¿Qué quiere el personaje por encima de todo?

    • Obstáculo: ¿Qué o quién se lo impide?

    • Acciones/Tácticas: ¿Qué hace para conseguir su objetivo?

    • Relaciones: ¿Cuál es su dinámica con los demás personajes (aliado, enemigo, mentor, etc.)?

• Diálogo y Subtexto:

  • Analiza el lenguaje: ¿Es formal, poético, vulgar, realista? Esto informa la dicción y el movimiento.

  • Busca el subtexto: ¿Qué está sintiendo o pensando el personaje que NO está diciendo? Esto es esencial para la actuación.

• Función Dramática:

  • ¿Cuál es el rol de cada personaje en la estructura (protagonista, antagonista, confidente, deus ex machina?)

3. Análisis de Estilo, Tono y Puesta en Escena

Este paso te lleva al "cómo": las decisiones de dirección.

• Estilo Teatral:

  • ¿A qué género pertenece la obra? (Tragedia, comedia, farsa, drama, teatro del absurdo, etc.).

  • ¿El texto sugiere un enfoque realista (imitación de la vida) o antirrealista (simbolismo, estilización)?

• Atmósfera y Tono:

  • ¿Cuál es el ambiente emocional que debe prevalecer? (Tensión, ligereza, melancolía, misterio).

  • ¿Cómo se traduce esto en la iluminación y la música/sonido?

• Necesidades de la Puesta:

  • Escenografía: ¿Qué requiere el texto? (Múltiples localizaciones, una sola, elementos simbólicos).

  • Vestuario y Utilería: ¿Hay referencias específicas a épocas o elementos clave (ej. una carta, una pistola) que son cruciales para la acción?

  • Ritmo y Movimiento (Puesta en Escena): ¿Dónde se requiere movimiento rápido o lento? ¿Qué patrones de bloqueo (movimiento en el escenario) sugiere la intensidad de las escenas?

Por el momento, yo realizo diversas lecturas del texto. Primero doy una lectura general para tener una primera impresión del contenido. Después comienzo a desglosar el texto, el espacio, el tiempo, personajes, acciones y requerimientos especiales que se requieren para la realización. Ya después de ello, comienzo a profundizar en cada uno de mis apartados. Si tengo tiempo, ejecuto el proceso de reposo del texto, este tiempo que lo dejó descansar (no trabajo el texto durante un tiempo), permite que mis ideas se remastiquen inconscientemente, para que cuando vuelva a trabajarlo, pueda visualizar desde otro ángulo, permitiendo ver cosas que no había visto al inicio.

Siempre habrá algo nuevo a implementar a favor del texto cuanto mayor es una obra puesta en escena.

La cereza del pastel siempre puede ser mejor para lucir, innovar, dar mayor crecimiento a los personajes quienes con su talento muestran virtudes que atraen la sensibilidad de los espectadores.

Hacerlos vibrar de emoción, pánico o terror es parte del resultado de aplausos que nutren a los actores.

Actualmente, como alguien que se formó en talleres a principios del siglo XX, mi educación en el arte escénico fue clásica en cuanto al texo, es decir, primero el Director nos daba el texto y había que analizarlo. No había opiniones de si nos gustaba o no, él era el director y, pensábamos, sabía lo que hacía.

Hoy, es verdad, que sigue habiendo preguntas sobre POR QUÉ QUIERO montar tal o cual obra, muchas veces es por moda, otras porque se sabe que esos temas nos darán contratos y funciones pagadas (todo es válido).

Para mí: primero debo leerlo (textos o incluso libros) y debo descubrir el potencial que tienen para mi realidad: mis espacios, mi presupuesto, mi alcance con el que puedo llegar con esa obra.

Una vez concluidas estas respuesta empieza el proceso de lectura y aprendizaje (para ver si todo va bien) y después la "memorización" , así es, me enfoco mucho en memorizar tal cual lo que voy a decir, solo es hasta llevar varias funciones y cuando ya me siento a gusto con el texto que puedo empezar la improvisación y alimentación del propio texto.

Por supuesto que también implica un todo: ver uqé luces tendré, qué vestuario, utilería, mobiliario etc., pero como dije tengo que saber que lo que leo pueda ser útil a los recursos que poseo.

Comienzo con la primera impresión, que aunque no nos lo da todo, si es importante ver de que primeros elementos podemos identificar.

Siempre la comprensión inmediata es de la situación en si y la trama de la historia.

De ahí si tomo todos los elementos que justo acabamos de ver en la clase.

Pero al ser impregnado por la psicología si me interesa mucho el material individual de los personajes y de esto me voy a los acontecimientos que surgen de la interacción de estos con su medio.

También me parece importante ahondar en el significado para lograr lo simbólico. Aunque el texto no arroje a primera instancia lo simbólico siempre trato de encontrarlo para llegar a ese extracotidiano que la escena tanto exige.

En primera instancia hago una lectura dramatizada a primera intención en voz alta, que conocemos como teatro de atril, después una segunda lectura en donde hago anotaciones puntuales de historia, desarrollo, conflicto, clímax, desenlace y personajes. 

En una tercera lectura me centro en los diálogos, texto y subtexto, así como análisis de personaje en profundidad. Haciendo notas sobre detalles de ambiente, escenas, escenarios, tiempo, clima, horario, y elementos de utilería y escenografía. 

Como nota debo comentar que decir segunda o tercera lectura, quiero dejar en claro que no es literal, ya que en ocasiones leo una y otra vez un mismo diálogo, párrafo o escena hasta comprender lo que dice el texto y cómo se acomoda a mis ideas.  

En una cuarta lectura nuevamente en voz alta ya pensando en la construcción de personajes e intenciones o inflexiones vocales, posibles en la puesta en escena (sin dejar de lado que en su momento el talento artístico hará su propuesta). Así como hacer anotaciones de posible trazo. 

Aquí les muestro un breve ejemplo de lo hago para analizar un texto, pero, la obra, la leo las veces que sean necesarias hasta entender lo que quiere expresar quien escribe y lo que yo quiero representar y de qué forma.