El arte prehistórico es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud temporal suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más extenso que el fenómeno rupestre cuaternario, principalmente circunscrito a Europa occidental, y comprende además las manifestaciones del llamado arte paleolítico.

Aunque cronológicamente, Europa debería ocupar el primer lugar, y a pesar de que muchas de las expresiones artísticas prehistóricas son relativamente recientes en algunas zonas del globo, donde han sobrevivido pueblos primitivos, la exposición se realizará siguiendo el orden alfabético. Aunque ello derive en un problema adicional: ¿es lícito comparar manifestaciones tan lejanas en el espacio y en el tiempo? En este sentido, la confrontación de equivalencias culturales, obviando los particularismos empíricos, permite obtener generalizaciones.

Con base en ello, se puede apreciar que, en las artes plásticas y visuales de los pueblos primitivos, el realismo es algo excepcional, frente al simbolismo, la abstracción, la estilización y el esquematismo, que parecen una constante mundial.

Otra posible generalización es que casi todo el arte rupestre holoceno se desarrolla en el exterior, a lo sumo, en abrigos rocosos, desfiladeros y covachas poco profundas.

En tercer lugar, el megalitismo y la construcción de túmulos, en relación al culto a los muertos, o la necesidad de desarrollar una arquitectura defensiva, a menudo con construcciones ciclópeas (cuya motivación, excede, con mucho, a las necesidades militares), también son constantes del arte prehistórico mundial.

Por último, está el hecho de que, a pesar del innegable significado religioso del arte prehistórico, este no solo se asocia al mundo funerario o mitológico, sino que los temas abarcan todas las facetas de la vida social de los humanos (caza, guerra, trabajos, ceremonias, jerarquías, sexo, familia, incluso, diversión...) y, sobre todo, a medida que las sociedades humanas evolucionan, la glorificación del poder y de los poderosos.

(más específicamente en la Edad de los Metales), se conservan grandes monumentos megalíticos, entre ellos:

Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras de arte y no simples trabajos de artesanía.

Gracias al seco clima de Egipto y a quedar cubiertas por las arenas del desierto (o enterradas por sus propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en aceptable estado de conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de la utilización de los monumentos como canteras, las guerras o los innumerables saqueos de tumbas y templos.
Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se clasifican en las siguientes etapas: Periodo Neolítico (5300-4000 a. C.), periodo Badariense (4400-4000 a. C.), Nagada I - Amratiense (4000-3500 a. C.), Nagada II - Gerzeense (3500-3200 a. C.) y Nagada III (3200-3000 a. C.)

En estos periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o simbólica (en tumbas) y pequeños objetos de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las "mazas" y "paletas" votivas, como la de Narmer.
Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte egipcio, con un estilo único y característico que surgió durante las primeras dinastías y permanece "casi" inalterado en cuatro milenios de la nueva cultura.

Rafael (1483-1520) Otro de los grandes maestros italianos del Renacimiento. A pesar de morir sin llegar a cumplir los 30 años, Rafael se convirtió en uno de los grandes pintores de la Historia. Con los frescos de las estancias vaticanas, entre los que destaca "La escuela de Atenas", se consagra como uno de los grandes maestros de su época. En la Galeria de los Uffizzi en Florencia (Italia) se conserva un autorretrato suyo pintado en torno a 1506  a la edad de 23 años, en él cual ya podemos admirar la habilidad y garra del joven artista. La película "El tormento y el éxtasis" cuenta con una breve aparición del artista, interpretado por Tomas Milian.
Miguel Ángel (1474-1564) El genial artista italiano, que destacó en arquitectura, pintura y escultura. Se convirtió en uno de los tres grandes pilares del Renacimiento italiano, junto con Leonardo y Rafael. Sus esculturas como "La piedad" del Vaticano, o las pinturas de la Capilla Sixtina son por sí solas suficientes para darle fama universal. El rostro de Miguel Ángel pintado por Marcello Venusti en torno a 1535, muestra la fiereza de carácter del irreductible artista. En "El tormento y el éxtasis" (1965) se plasma la difícil relación entre el Papa Julio II y el irascible pintor, magistralmente interpretado por Charlton Heston.
Brueghel (1525-1569) Pieter Brueghel el viejo comienza una saga de pintores de los Países Bajos, que dominará el panorama artístico de su país con una pintura muy particular. Detallista hasta la exageración, sus primeros cuadros están llenos de vida y animación, reflejando como nadie las costumbres y usos de una época. Su obra "El pintor y el aficionado" viene considerándose el único autorretrato del artista. Datado en torno a 1565, el dibujo se puede contemplar en La Albertina de Viena (Austria). "El molino y la cruz"(2011) extraña película con un cuadro de Brueghel como protagonista, concretamente el titulado "Camino del Calvario", tiene a Rutger Hauer en el papel del pintor.
Cellini (1500-1571) Benvenuto Cellini magnífico escultor y orfebre italiano es otro de los grandes nombres del arte renacentista. La vida de Cellini fue tan agitada como su carácter, líos de faldas, pendencias, asesinatos, pero también heroísmo, pues participó en la defensa de Roma, y mató de un arcabuzazo al Condestable de Borbón. Su "Perseo" se cuenta entre las mejores esculturas de la historia. El Ponte Vecchio de Florencia luce un busto en homenaje al artista, realizado en 1901 por R. Romanelli.  La película "El magnífico aventurero"(1963) relata lo más azaroso de su vida, y en ella el actor Brett Halsey es un desbocado Cellini.
Caravaggio (1571-1610) El pintor italiano es considerado el primer gran exponente de un nuevo arte: El Barroco. Para muchos es el maestro del claroscuro. Sus cuadros reflejan su inquieto espíritu, luces y sombras se combinan creando unas escenas donde la vida y la muerte se dan la mano. De Michelangelo Merisi da Caravaggio se ha dicho que era un alma atormentada. Su truculenta vida, le llevó al exilio, y a sufrir varios intentos de asesinato. Una de sus "simpáticas ideas" era realizarse autorretratos como decapitado, así la cabeza de Goliat que sujeta David, del cuadro de 1599 del Museo del Prado (Madrid), se supone que es el pintor.  En la serie "Caravaggio"(2007), Alessio Boni es el pintor.
El Greco (1541-1614) Doménikos Theotokópoulos, conocido por haber nacido en la isla griega de Creta como El Greco, se afincó en Toledo con 36 años, y renovó por completo la pintura española, creando un original estilo que hace las obras de este pintor totalmente únicas."El caballero de la mano en el pecho" o "El entierro del conde de Orgaz", son dos de sus pinturas universalmente reconocidas. Su tendencia a alargar las figuras ha generado diversas hipótesis en torno a la razón para ello, pero en cualquier caso no parece que fuera un problema de la vista como algunos llegaron a afirmar. El retrato de un caballero anciano de 1604 exhibido en el Metropolitano de Nueva York, se viene considerando un autorretrato del pintor. En el 2007 se filmo una biografía parcial del artista griego "El Greco" con Nick Ashdon en el papel protagonista.
Velazquez (1599-1660) Diego Velázquez es el gran pintor español del Barroco, y uno de los más grandes pinceles de la historia del arte. "Las Meninas" La venus del espejo", y tantos otros cuadros lo convierten en una figura irrepetible. Es en "Las Meninas" donde podemos ver su autorretrato. Pintado en 1656 este original retrato de la familia de Felipe IV con el pintor colándose por un lateral, se conserva en el Museo del Prado. A pesar de la importancia del personaje, el cine apenas nos ha ofrecido una visión del pintor. La divertida serie "El Ministerio del Tiempo"(2015), tiene entre sus personajes recurrentes un Velázquez desenfadado interpretado por Julián Villagrán.
Rembrandt (1606-1669) El pintor holandés representa como nadie la edad de oro del arte en su país. Sus cotizadas pinturas no impidieron que el pintor, que vivía siempre por encima de sus posibilidades, se enfrentara en ocasiones con la miseria y la bancarrota. La pintura barroca de Rembrandt dejó para el arte, obras tan admiradas como "La ronda de noche". El magnífico autorretrato de 1659 se encuentra en la National Gallery of Art de Washington. El cine sí ha dedicado films al pintor y grabador de Holanda, pero sin duda en la memoria queda la interpretación de Charles Laughton  en "Rembrandt" (1936).
Vermeer ( 1632-1675) El pintor holandés formó parte junto con Rembrandt de esa edad de oro en la pintura barroca de los Países Bajos. Artista que trabajaba por encargo, se conservan relativamente pocos cuadros de él, casi todos de temática histórico y costumbristas, siendo estos últimos los más valorados. El único autorretrato que se exhibe del pintor es de 1665, y se encuentra en la Galería de Arte de Dresde (Alemania), aunque no está confirmado que sea realmente el artista.  Colin Firth es el pintor obsesionado por su modelo en "La joven de la perla"(2003), y está bastante más serio que en el cuadro.
Hogarth (1697-1764) William Hogarth fue un pintor e ilustrador británico, que cosechó grandes éxitos con sus pinturas satíricas con un estilo que será el antecedente de los cómics. La historia y la política son sus temas favoritas, pero no se corta a la hora de parodiar incluso a otros artistas y sus cuadros. Su autorretrato con perrito, considerado modelo del estilo Rococó, es de 1745, y se puede admirar en la Tate Gallery de Londres. La interesante película "A Harlot´s Progress"(2006), que analiza la relación del pintor con la prostituta que sirvió de inspiración para una serie de cuadros, tiene a Toby Jones como Hogarth.
Gainsborough (1727-1788) Paisajista y retratista inglés, que con su trazo amable y sencillo, inicía toda una escuela en Inglaterra. En sus exposiciones seleccionaba cuadros de clientes conocidos como reclamo para llamar la atención, y conseguir nuevos encargos. Su autorretrato de 1759 se encuentra en la Galería Nacional de Retratos de Londres.  La comedia "La bribona" (1945) tiene a Cecil Kellaway como el pintor.

Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en el siglo XVI.

No obstante, existen tres criterios que se usan para determinar el momento a partir del cual podemos denominar como contemporáneas las expresiones artísticas de nuestra época que son arte y edad contemporánea; arte contemporáneo y vanguardismo, y arte contemporáneo y posmodernidad.

Nacido en 1932 en Dresden, Alemania, Gerhard Richter es uno de los artistas contemporáneos más cotizados del mundo. En 2012, una de sus obras fue vendida por 34,2 millones de dólares, un récord que batió el año siguiente con un precio superior a los 37 millones de dólares.

El pintor alemán es reconocido en el mundo de la pintura desde los años 80. Su estilo bastante abstracto, a veces deja espacio para temas figurativos. Aprendió a pintar en la Academia de Bellas Artes de Dresde, donde desarrolló este talento para el arte abstracto antes de comenzar las exposiciones. Más tarde enseñó arte en varias escuelas de todo el mundo. 

Nacido en 1960 en Shanghái, Yan Pei-Ming es un pintor chino, proveniente de clase trabajadora. A la edad de 20 años, dejó China en medio de la Revolución Cultural para establecerse en Francia. Toma clases en la Escuela de Bellas Artes de Dijon y luego en el Instituto de Estudios Avanzados en Artes Visuales de París.

Hoy nacionalizado francés, Yan Pei-Ming vive entre Dijon y París. En un momento de su vida, tuvo el honor de residir en la Villa Médici de Roma para desarrollar su estilo artístico.

Hoy en día, el artista es conocido por trabajar en grandes lienzos para representar retratos. Pintó a Barack Obama, una de sus obras más famosas. Muchos de sus temas están relacionados con la actualidad, y especialmente con la guerra.

Yue Minjun nació en 1962 en China. Estudió pintura en la Universidad de Hebei antes de comenzar a dibujar retratos de sus compañeros de trabajo a principios de la década de los 80.

Actualmente, Yue Minjun vive en Beijing, pinta lienzos que son reconocidos internacionalmente y forma parte del movimiento del «realismo cínico». Sus pinturas son reconocibles gracias a las sonrisas inquietantes que a veces reproduce. La risa es el tema principal de sus obras, que denuncian la estandarización de la sociedad china. Gran pintor contemporáneo, también es uno de los artistas más jóvenes y reconocidos.

Nacido en los Alpes Marítimos (Francia) en 1936, Martial Raysse trabaja hoy en Dordoña, también en Francia. Sus pinturas lo han convertido en uno de los pintores más famosos de la era contemporánea. Después de una exposición con Jean Cocteau en 1958, viaja a los Estados Unidos donde se acerca al movimiento del pop art. A principios de la década de los 60, se unió momentáneamente al nuevo realismo, del que se separará poco después. 

Martial Raysse, también escultor, utiliza los objetos plásticos de la vida cotidiana para hacer una especie de balance de la nueva sociedad de consumo.

En 2014, se le dedicó una exposición en el Centro Pompidou que coloca al artista en el centro del arte contemporáneo de las últimas décadas.

Nacido en Alemania en 1945, Anselm Kiefer no pudo escapar del ambiente de posguerra que ahora se refleja en sus pinturas. Instalado hoy en Francia, el pintor comienza a estudiar derecho y literatura en Alemania antes de formarse en arte en diferentes academias alemanas.

Anselm Kiefer se hace famoso al fotografiarse en diferentes ciudades de Europa en posición de saludo nazi. Su objetivo es sobre todo criticar el nazismo que todavía está presente en Europa. En un clima tenso, quiere desbloquear los tabúes de la época.

Hechas con tierra, ceniza, hollín o arena, sus pinturas con frecuencia recuerdan el caos de la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. El artista se declara parte del movimiento de pintura posromántica.

Nacido en Francia en 1945, Philippe Garel comenzó a estudiar arte en la Escuela de Bellas Artes de Quimper, luego en Rennes y finalmente en París. De 1962 a 1968, el joven artista aprendió los conceptos básicos de la pintura y el arte en general hasta exponer en la Bienal de París de 1967.

El artista francés se da a conocer rápidamente y realiza exposiciones en todo el mundo: París, Madrid, Múnich, Nueva York, Bruselas, Bolonia, Milán, Roma, Turín, Huston, Ginebra, Ámsterdam… Las grandes ciudades le abren las puertas dándole renombre en el mundo de la pintura.

Más tarde enseñó arte a los más jóvenes en la Escuela Regional de Bellas Artes de Rouen durante 25 años y fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes en 2015.

Gran representante de la pintura francesa contemporánea, Gérard Garouste, nació en 1946 en París. Pintor, pero también grabador y escultor, el artista comparte su vida entre la capital francesa y la región de Normandía.

La mayoría de sus pinturas tratan sobre la herencia, los mitos y la cultura. La transmisión de generación en generación y el origen de las cosas forman parte de su obsesión. Inspirado en la Biblia, los textos literarios y las historias populares, Gerard Garouste no duda en llenar sus pinturas con animales y personajes fantásticos.

Nacido en 1957 en Mallorca, Miquel Barceló es un reconocido pintor del mundo contemporáneo. También dibujante, grabador y escultor, forma parte del movimiento neoexpresionista. Ampliamente conocido por sus esculturas, Miquel Barceló es sobre todo un pintor.

Se dio a conocer en los años 80 con una primera exposición importante en la nueva Galería de Axe Art Actuel en Toulouse. Comienza a codearse con grandes artistas como Jean-Michel Basquiat y a hacerse un hueco en el mundo del arte. Se le suele asociar con la corriente de los «jóvenes salvajes)

Nacido en 1935 en Belgrado, Yugoslavia, Vladimir Veličković comenzó sus estudios de arquitectura en 1960, antes de dedicarse a la pintura y realizar su primera exposición en 1963. El éxito no tardó en llegar, ya que ganó el premio de la Bienal de París en 1965. En 1967, se dio a conocer y ocupó un lugar importante en la historia de la pintura contemporánea. Sus obras se ajustan a lo que se llama «figuración narrativa».

El artista intenta reproducir las atrocidades que conoció durante la guerra. Estas pinturas representan el cuerpo humano y escenas violentas de guerra. Su estilo atormentado gustó y Vladimir Veličković pudo exponer en todo el mundo. Enseñó en la École Nationale Superieure des Beaux-Arts de París durante unos años.

Nacido en 1938 en Alemania, el pintor Georg Baselitz es conocido por sus lienzos invertidos. El artista creció en la zona ocupada por la Unión Soviética antes de irse a estudiar a Alemania Occidental, donde despegó su carrera. Gran pintor del neoexpresionismo alemán, sus pinturas están pintadas al revés y son un gran éxito. El artista ahora enseña en la Universidad de las Artes de Berlín.

Gran representante de la pintura contemporánea, Pierre Soulages nació en Francia en 1919 y pintó más de 1500 pinturas a lo largo de su carrera. Su talento es particularmente apreciado en el campo del arte abstracto y el artista es conocido por su «luz negra». De hecho, sus pinturas están casi todas pintadas con largas marcas negras.

Pierre Soulages, importante miembro de los pintores contemporáneos, ahora disfruta de grandes exposiciones dedicadas a él en todo

Nacida en Ciudad del Cabo en 1953, Marlene Dumas viajó a los Países Bajos en 1976 para estudiar arte en los Ateliers ’63 en Haarlem. Luego abandona la práctica artística durante unos años para estudiar psicología. Finalmente, expuso sus pinturas en París en 1979 y se dio a conocer en el ambiente parisino.

Inspirada por los eventos racistas de Sudáfrica, pero también por la literatura o la sexualidad, la pintora se ubica en un movimiento bastante expresionista. Para reproducir los temas que más le gustan, Marlene Dumas usa el cuerpo humano, un tema que usa ampliamente en todas sus pinturas.