Jeudi 25 septembre 2025 – 20h

Salle Métropole, Lausanne

Direction: David Reiland

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Il écrit au sujet de sa partition:

Deux petites sources jaillissent à l’ombre de la forêt, l’une chaude et agile, l’autre froide et endormie. Elles s’unissent. Leurs prestes vaguelettes clapotent entre les cailloux et vibrent au soleil. Dans sa course hâtive, le torrent devient une petite rivière, la Vltava, qui se met en route à travers le pays tchèque dans un bruissement toujours plus ample. Elle traverse les fraîches prairies où le peuple chante et danse au son des notes campagnardes. Au clair de lune, les fées des eaux, les roussalkas, y rondent et s’y ébattent sur le flot argenté, dans lequel plus loin se mirent les châteaux revêches, contemporains de la vieille gloire et des vertus guerrières. Dans les défilés de Saint-Jean, elle écume en cascade, se faufile à travers les rochers et fend les vagues contre les rochers épars. Puis s’étalant dans son lit élargi, elle roule majestueusement vers Prague, où l’accueille Vysehrad, antique et solennel. Ici, en pleine force et gloire, le Vysehrad se perd aux yeux du poète dans les lointains infinis.

Source: edmu.fr

Source: site web de Billaudot, maison d'édition de partitions à Paris.

Voici les paroles:

La petite rivière, elle est toujours couchée toujours couchée
La petite rivière, elle peut pas se lever pas se lever
Mais elle chante mais elle chante
Toujours elle sourit toujours contente
Elle passe en riant les heures lentes
Tachant de faire sans bouger
Mais rien qu'í force de rêver
Des tourbillons, des friselis
Qui mettent les rayons du soleil dans son lit

Ses parents sont des saules
Qui se penchent vers son courant
Ils ont sur les épaules un bout de ciel trop grand

Ils campent sur ses plages
En rêvant qu'elle soit torrent
Cascade ou pluie d'orage
Ou fille du vent

La petite rivière, elle est toujours couchée toujours couchée
La petite rivière, elle peut pas se lever, pas se lever
Mais elle chante, mais elle chante
Toujours elle sourit toujours contente
Elle accorde la vie í tant de plantes
Et tant d'oiseaux viennent chercher
Près d'elle de quoi s'envoler
Ses tourbillons, ses friselis
Font tomber les rayons du soleil dans son lit

Il est d'autres rivières

D'autres ruisseaux, d'autres enfants
Qui leur vie toute entière vivent différemment
Mais cette différence, il ne faut pas en avoir peur
Car tous ils sautent et dansent avec le cœur

La petite rivière elle est toujours couchée, toujours couchée
La petite rivière, elle peut pas se lever, pas se lever
Mais elle chante, mais elle chante
Toujours elle sourit toujours contente
Elle ne se plaint jamais et quand il vente
C'est elle qui vient rassurer
Ceux qui vivent í ses côtés
Ses tourbillons, ses friselis
Enferment les rayons du soleil dans son lit

Mais elle chante, mais elle chante
Toujours elle sourit, toujours contente
Elle ne se plaint jamais et quand il vente
C'est elle qui vient rassurer
Ceux qui vivent à ses côtés
Ses tourbillons, ses friselis
Enferment les rayons du soleil dans son lit

Jeudi 25 septembre 2025 – de 19h à 19h30

Salle Métropole (balcon), Lausanne

Narration: Amélie Vidon

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En voici une version en pdf.

Et une autre version en vidéo.

Mais on peut aussi ajouter des instruments atypiques qui évoqueront des caractéristiques aquatiques!

Par exemple, le koshi et son tintement irrégulier fait penser au clapotis de l'eau et nous fait voyager en Asie, à écouter ici.

On peut aussi penser au waterphone, sorte de carillon qui se joue avec un archet et qui rappelle le chant des baleine ou des sirènes en plus terrifiant, à écouter ici.

Sans oublier le bâton de pluie, instrument de percussion qui reproduit le son des gouttes d'eau qui s'abattent sur le paysage, à écouter ici.

Enfin, le tambour océan imite incroyablement bien le bruit des vagues par temps venteux, à écouter ici.

Le sultan Schahriar, persuadé de la fausseté et de l'infidélité des femmes, avait juré de n'épouser que des vierges, coucher avec elles, et leur donner la mort au matin. Mais la sultane Schéhérazade sauva sa vie en l'intéressant aux contes qu'elle lui raconta pendant la durée de 1001 nuits. Pressé par la curiosité, le sultan remettait d'un jour à l'autre le supplice de sa femme, et finit par renoncer complètement à sa résolution sanguinaire.
Bien des merveilles furent racontées à Schahriar par la sultane Schéhérazade. Pour ses récits, la sultane empruntait, aux poètes — leurs vers, aux chansons populaires — leurs paroles, et elle intercalait les récits et les aventures les uns dans les autres.

Source: Wikipedia

Rimski-Korsakov emprunte quant à lui aux Mille et une nuits leur structure de thèmes et de paroles enchassés les uns dans les autres, et leur univers esthétique, en cherchant à donner une sonorité orientale à ses mélodies et son orchestration. La partition évoque toute une galerie de personnages, de lieux et de sentiments qui se rapportent à l'histoire et aux histoires de la sultane Shéhérazade.

Mais lesquels exactement? Le compositeur prétend qu'il ne faut pas lire dans son œuvre une histoire en particulier: la structure musicale au sein des mouvements n'est pas régie par quelque trame narrative que ce soit, et ne retrace pas l'évolution de personnages identifiés.

Et pourtant, les titres qu'il avait donnés à ses mouvements – avant de le retirer pour empêcher les auditeur·rice·x·s de les considérer comme une pure transcription musicale des contes plutôt qu'une création originale et autonome – sont connus et couramment restitués par les éditeurs et rédacteurs de programme de salle:

1. La mer et le vaisseau de Sinbad (Largo e maestoso — Allegro non troppo)

2. Le récit du prince Kalender (Lento — Andantino — Allegro molto — Con moto)

3. Le jeune prince et la jeune princesse (Andantino quasi allegretto — Pochissimo più mosso — Come prima — Pochissimo più animato)

4. Fête à Bagdad — La Mer — Le Vaisseau se brise sur un rocher surmonté d'un guerrier d'airain (Allegro molto — Vivo — Allegro non troppo maestoso)

Ces précieuses indications, même assez vagues, nous permettent de supposer quels les récits et personnages ont inspiré Rimski-Korsakov.

Exercice en classe: on peut écouter Shéhérazade et proposer aux élèves de choisir parmi cette sélection les images que leur inspire la musique dans les différents mouvements et passages de l’œuvre.

Pour un aperçu des contes des Milles et Une Nuits en rapport avec Shéhérazade de Rimski-Korsakov, on peut lire ou raconter les extraits suivants, tirés de la version d'Antoine Galland.

À lire: Préambule

En résumé

L'empereur Schariar trahi, cocu, convaincu de la perfidie et la culpabilité de l'ensemble des femmes sur terre, épouse chaque nuit une jeune vierge et l'assassine au petit matin; le grand vizir, peinant à trouver de nouvelles victimes, craint de lui faire épouser sa fille Shéhérazade, mais celle-ci y consent car elle sait comment mettre fin au rituel sanguinaire du sultan. Après leurs noces, elle commence à lui raconter une histoire qu'elle ne termine pas au petit matin. Désireux d'en connaître la suite, Schariar consent à la laisser vivre un jour de plus, et ainsi de suite.

Et dans la partition?

Les premières notes jouées par les cuivres énoncent le thème du sultan, colérique et menaçant. Les accords mélancoliques des bois qui lui suivent commentent la tragique destinée de Shéhérazade, avant que celle-ci, incarnée par le violon solo, ne prenne la parole pour conter une histoire.

Cette histoire est d'abord celle du marin Sinbad. Dans les Mille et une Nuits, Sinbad raconte les sept voyages en mer qu’il a faits. C’est lui-même qui raconte, car Sinbad est d’abord un personnage secondaire du conte de Shéhérazade, amené à conter sa propre histoire. Les Mille et une Nuits sont des récits enchassés les uns dans les autres, ou un personnage en rencontre un autre qui lui raconte une histoire, dans laquelle les personnages se verront aussi raconter des histoires, et ainsi de suite. C’est cette idée d’imbrication des récits que Rimski-Korsakov a voulu infuser à sa musique, en imbriquant les couches et les thèmes musicaux les uns dans les autres.

Écoutons d’abord la mer et les vagues qui gonflent et qui s’agitent de plus en plus: on ne sait pas quels voyages de Sinbad le marin nous sont racontés dans ce premier mouvement, mais on peut supposer qu’il y en a trois, ou que leur récit dure trois nuits, car trois fois, la mer après s'être agitée s'apaise, et Shéhérazade prend la parole, en dialogue avec la clarinette. Nous ne sommes plus sur le vaisseau de Sinbad, nous sommes de retour au palais du sultan. Peut-être qu’il commence à faire jour: Shéhérazade doit interrompre son récit, mais le sultan, curieux d’entendre la suite, consent à ce qu’elle vive afin qu’elle puisse conter la suite la nuit suivante. Alors tout s’agite à nouveau, et nous repartons en haute mer…

Après trois grandes vagues musicales, un dernier apaisement marque la fin du premier mouvement. Avez-vous remarqué que la douce mélodie jouée par les cordes tout au long du mouvement est en réalité la même que le thème du sultan, qui résonnait avec férocité au début du mouvement? Peut-être s'est-il adouci, hypnotisé par Shéhérazade?

Lorsque Shéhérazade reprend son histoire au début du deuxième mouvement, la mélodie du violon accompagnée de la harpe se prolonge par un écho torturé, suppliant, appuyé par l’usage de doubles cordes. On la devine en mauvaise posture face au sultan.

Mais elle tient bon. Le thème joué par le basson solo qui répond au violon pourrait être la voix d’un nouveau personnage qui commence à raconter sa propre histoire à son tour: le prince Kalender. D’accord, mais lequel? Dans les Mille et une Nuits, il y a trois princes Calender. Si le sous-titre du deuxième mouvement est équivoque, celui du quatrième mouvement l'est beaucoup moins: "le vaisseau se brise sur un rocher surmonté d'un guerrier d'airain" est une référence directe à l'histoire rocambolesque du troisième Calender, enfin identifié. (Les calenders étaient des religieux musulmans appartenant à la confrérie soufie des Qalandariyya, ainsi appelés à partir du surnom que reçut leur fondateur, et qui signifie or pur; ils devaient marcher pieds nus, ne vivre que d'aumônes, se livrer aux pratiques les plus austères et rivaliser de vertu avec les derviches…)

Le thème du basson sera joué et décliné par de nombreux instruments de l’orchestre, dans une couleur différente à chaque fois. Puis la tension monte chez les cuivres qui semblent sonner l’alerte sur un tapis de cordes en trémolo, mais elle débouche sur une tonalité joyeuse, avec la trompette qui fanfaronne et les bois qui semblent ricaner. Des passages tendus puis joyeux s'alternent avec d'autres très agités puis doux.

Contrairement au premier mouvement, le récit du prince Kalender ne se termine pas de manière apaisée. Alors qu’on pensait le laisser dans un état de mélancolie tranquille et résignée, le soupir final du violoncelle, au lieu de s’essoufler, se transforme en un nouvel élan, entraînant tout l’orchestre dans sa chute – ou dans sa gloire, c’est selon.

Le troisième mouvement, intitulé « Le jeune prince et la jeune princesse », s'ouvre comme une langoureuse parenthèse dans cette histoire sanglante. Il est fait mention de nombreux princes et de nombreuses princesses dans les Mille et une Nuits. Supposons qu’il s’agit de Camaralzaman et de Badoure.

On entend d'abord le thème de l’amour, qui sera répété et décliné avec plus d’amplitude et de rêverie... jusqu'à l'entrée de la caisse claire qui précède une malicieuse clarinette, imitée bientôt par les autres bois qui commentent sournoisement les expressions sentimentales des cordes, aidés des cuivres et de la percussion.

Ce n’est que plus tard que nous entendons à nouveau Shéhérazade, qui tricote habilement son histoire: le violon solo termine sa phrase en ricochets. Une nuit a passé, l’histoire peut reprendre jusqu'à atteindre son climax, avant de se terminer avec une certaine légèreté.

Les premières notes du quatrième mouvement nous renvoient à l’agitation du deuxième mouvement, avant que nous écoutions encore Shéhérazade qui implore, et qui finit par vaincre la barbarie. Après mille et une nuits à écouter ses histoires, le sultan, charmé, reconnaît le talent et la bonté de sa femme, ainsi que son innocence: il renonce à l’assassiner. Il le lui fait savoir, ainsi qu'à son père le grand visir; la nouvelle se répand et est célébrée dans tout l'empire.

Un vent nouveau, une rumeur folle semble s’emparer petit à petit des rues de Bagdad: c'est le thème rapide et pointé qui monte et qui descend qui s'emballe et se répand dans les différents pupitres de l'orchestre.

Ce vent porte cependant des airs que nous connaissons déjà: la mélodie du prince Kalender fait son retour. Plus tard, la romance du jeune prince et de la jeune princesse se rappelle à notre souvenir avec une certaine nostalgie, mais aussi une grande joie qui se propage avec empressement – comme pour qualifier l'amour naissant du sultan Schariar envers Shéhérazade?

La nouvelle semble traverser les mers: c’est ce que laisse entendre le compositeur en reprenant le thème du premier mouvement, qui évoque le vaisseau de Sinbad fendant les vagues, mais aussi le thème du sultan.

Rimski-Korsakov avait donné un triple sous-titre à son mouvement final, dont la partition ne se prête pourtant pas à un tel découpage, la structure musicale étant plus complexe qu'un simple triptyque. "Fête à Bagdad" évoque la réussite de Shéhérazade à la fin des Milles et Une Nuits, à moins que ce soit la conclusion des amours heureuses du jeune prince et de la jeune princesse dans le troisième mouvement; "La Mer" appartient à l'histoire et au thème de Sinbad dans le premier mouvement, mais "Le Vaisseau se brise sur un rocher surmonté d'un guerrier d'airain" ne se réfère pas à à l'histoire de Sinbad, mais à celle du troisième Kalender, le deuxième mouvement.

Mais ce qui se brise véritablement, c’est le projet sanguinaire du sultan Schariar qui a enfin retrouvé la paix et la raison. Car il semble en effet que ce naufrage soit victorieux, à entendre les accords majeurs et majestueux de l'orchestre à la fin de la tempête. Après cela, le violon solo s’exprimera encore une fois avant de céder la place aux accords apaisés joués par les bois, de la même manière que tout avait commencé.

On comprend mieux que ce n’est pas qu’une fête que Nikolaï Rimski-Korsakov a composée pour clore sa suite symphonique: c’est une rétrospective, un hommage aux histoires de Shéhérazade et à sa manière de les tisser; un hommage à ses propres thèmes musicaux également, qu'il avait introduits dans les mouvements précédents, et qu’il convoque, imbrique et réarrange les uns dans les autres dans son finale d'anthologie.

Jeudi 30 octobre 2025 – 20h

Salle Métropole, Lausanne

Direction: Lucie Leguay

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Source: Bru Zane Mediabase, ressources numériques autour de la musique romantique française

Investie dans des festivals annuels qui soudent la communauté galloise après de brillantes études, Owen entra comme barde au sein de la Société Gorsedd of the Bards, une assemblée qui se réunit pour célébrer tous les artistes faisant honneur à la culture du pays. Elle y compose des mélodies et des chœurs entrés au répertoire national, mais se livre aussi à des activités ethno-musicologiques. Son décès prématuré d'une appendicite mal traitée mettra hélas un terme à une carrière prometteuse.

Source: France Musique, émission du 8 février 2021

Rarement, une symphonie aura semblé aussi germanique, aussi revendicatrice d’une terre de l’Allemagne du Nord, bien qu’elle fasse usage de rythmes esquissés de danses tziganes. Ils ne semblent insérés dans l’œuvre que pour mieux capter l’attention de l’auditeur sur la densité du message. Cette luxuriance sonore n’en dissimule pas moins une grande complexité d’écriture. Pourtant, dans les dernières années de sa vie, Brahms exprima une certaine lassitude à l’égard de cette Symphonie en fa majeur, comme si elle avait porté ombrage aux trois autres opus symphoniques. L’œuvre fut créée à Vienne, le 2 décembre 1883, sous la baguette de Hans Richter.

Source: Radio classique

Ce mouvement en ut mineur est davantage un intermezzo qu’un scherzo. La valse presque langoureuse est exposée au violoncelle avant de passer des cordes aux vents. Le trio central a l’allure d’une danse lente. Le mouvement se clôt dans le climat chaleureux d’une coda libre.

Textes: Stéphane Friédérich

Jeudi 30 octobre 2025 – de 19h à 19h30

Salle Métropole (balcon), Lausanne

Narration: Amélie Vidon

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Et pour rester dans le thème de la nuit, douce et envoûtante, quoi de mieux qu'un beau clair de lune suivi du rêve d'une adorable tortue?

Oui, la nuit est douce en ce jeudi 30 octobre, mais la prochaine s'annonce terrifiante: à Halloween, les fées deviennent des sorcières, le château de princesse est remplacé par le manoir de la famille Addams – en musique quand même, s'il vous plaît – et même chez Disney, les squelettes se mettent à danser... Pour embarquer dans la danse, c'est par ici!

Jeudi 29 janvier 2026 – 20h

Salle Paderewski, Lausanne

Lecture du poème: Edmond Vullioud, comédien

Soliste: Marina Viotti, mezzo-soprano

Chansigne: Marie Demas-Castella

Direction: David Reiland

« Deux personnes vont dans la forêt, chauve et froide.
La lune les accompagne, ils regardent en soi.
La lune passe aux dessus des hauts chênes,
Pas un nuage ne trouble la lumière céleste
Vers laquelle les fagots noirs s'étendent;
La voix d'une femme parle.

"Je porte un enfant et pas de toi,
Je vais à côté de toi dans le péché;
Je me suis gravement compromise,
Je ne croyais plus au bonheur
Et j' avais pourtant un lourd désir
D'une raison de vie, de bonheur maternel

Et de devoir, puis je me suis affranchie.
J'ai alors toute frémissante
Laisser posséder mon sexe par un étranger,
Et pour cela je me suis encore bénite.
Maintenant la vie s'est vengée,
Maintenant je t'ai rencontré, toi, ô toi."

Elle va d'un pas incertain.
Elle relève le regard, la lune la suit.
Son regard sombre se noie dans la lumière.
La voix d'un homme parle.

"Que cet enfant qui est conçu
Ne soit pas une charge pour ton âme.
O regarde comme l'univers brille clairement !
Il y a un lustre de toute part.
Tu chasses avec moi sur la mer glaciale,
Mais une propre chaleur rayonne
De toi en moi, de moi en toi.

Elle va transfigurer l'enfant étranger.
Tu vas l'enfanter pour moi, de moi,
Tu as apporté un éclat de lumière en moi,
Tu m'as moi-même refait enfant."
Il embrasse sa forte taille,
Leur souffle se mêle dans les airs.
Deux personnes vont dans la nuit haute et claire. »

— Guy Rillaers

Source: Wikipedia

1. Villanelle

Quand viendra la saison nouvelle,
Quand auront disparu les froids,
Tous les deux nous irons, ma belle,
Pour cueillir le muguet aux bois.
Sous nos pieds égrenant les perles,
Que l’on voit au matin trembler,
Nous irons écouter les merles
Siffler.

Le printemps est venu, ma belle,
C’est le mois des amants béni;
Et l’oiseau, satinant son aile,
Dit des vers au rebord du nid.
Oh! viens donc, sur ce banc de mousse
Pour parler de nos beaux amours,
Et dis-moi de ta voix si douce:
“Toujours!”

Loin, bien loin, égarant nos courses,
Faisant fuir le lapin caché,
Et le daim au miroir des sources
Admirant son grand bois penché,
Puis chez nous, tout heureux, tout aises,
En panier enlaçant nos doigts,
Revenons, rapportant des fraises
Des bois.

2. Le spectre de la rose

Soulève ta paupière close
Qu’effleure un songe virginal.
Je suis le spectre d’une rose
Que tu portais hier au bal.
Tu me pris encor emperlée
Des pleurs d’argent de l’arrosoir,
Et parmi la fête étoilée
Tu me promenas tout le soir.

Ô toi, qui de ma mort fut cause,
Sans que tu puisses le chasser,
Toutes les nuits mon spectre rose
A ton chevet viendra danser.
Mais ne crains rien, je ne réclame
Ni messe ni De Profundis,
Ce léger parfum est mon âme
Et j’arrive du Paradis.

Mon destin fut digne d’envie,
Et pour avoir un sort si beau
Plus d’un aurait donné sa vie.
Car sur ton sein j’ai mon tombeau,
Et sur l’albâtre où je repose
Un poète avec un baiser
Écrivit : “Ci-gît une rose
Que tous les rois vont jalouser”.

3. Sur les lagunes – Lamento

Ma belle amie est morte,
Je pleurerai toujours;
Sous la tombe elle emporte
Mon âme et mes amours.
Dans le ciel, sans m’attendre
Elle s’en retourna;
L’ange qui l’emmena
Ne voulut pas me prendre.
Que mon sort est amer!
Ah ! sans amour s’en aller sur la mer!

La blanche créature
Est couchée au cercueil.
Comme dans la nature
Tout me paraît en deuil!
La colombe oubliée
Pleure et songe à l’absent;
Mon âme pleure et sent
Qu’elle est dépareillée.
Que mon sort est amer!
Ah ! sans amour s’en aller sur la mer!

Sur moi la nuit immense
S’étend comme un linceul.
Je chante ma romance
Que le ciel entend seul.
Ah ! comme elle était belle,
Et comme je l’aimais!
Je n’aimerai jamais
Une femme autant qu’elle.
Que mon sort est amer!
Ah ! sans amour s’en aller sur la mer!

4. Absence

Reviens, reviens, ma bien-aimée!
Comme une fleur loin du soleil
La fleur de ma vie est fermée
Loin de ton sourire vermeil.

Entre nos cœurs quelle distance!
Tant d’espace entre nos baisers!
Ô sort amer! Ô dure absence!
Ô grands désirs inapaisés!

Reviens, reviens, ma bien-aimée, etc.

D’ici là-bas, que de campagnes,
Que de villes et de hameaux,
Que de vallons et de montagnes,
A lasser le pied des chevaux!

Reviens, reviens, ma bien-aimée, etc.

5. Au cimetière – Clair de lune

Connaissez-vous la blanche tombe
Où flotte avec un son plaintif
L’ombre d’un if?
Sur l’if, une pâle colombe,
Triste et seule, au soleil couchant,
Chante son chant:

Un air maladivement tendre,
A la fois charmant et fatal
Qui vous fait mal
Et qu’on voudrait toujours entendre;
Un air, comme en soupire aux cieux
L’ange amoureux.

On dirait que l’âme éveillée
Pleure sous terre à l’unisson
De la chanson,
Et du malheur d’être oubliée
Se plaint dans un roucoulement
Bien doucement.

Sur les ailes de la musique
On sent lentement revenir
Un souvenir.
Une ombre, une forme angélique
Passe dans un rayon tremblant
En voile blanc.

Les belles de nuit, demi-closes
Jettent leur parfum faible et doux
Autour de vous,
Et le fantôme aux molles poses
Murmure en vous tendant les bras:
“Tu reviendras!”

Oh jamais plus, près de la tombe
Je n’irai, quand descend le soir
Au manteau noir,
Écouter la pâle colombe
Chanter sur la pointe de l’if
Son chant plaintif!

6. L'île inconnue

Dites, la jeune belle,
Où voulez-vous aller?
La voile enfle son aile,
La brise va souffler.

L’aviron est d’ivoire,
Le pavillon de moire,
Le gouvernail d’or fin.
J’ai pour lest une orange,
Pour voile une aile d’ange,
Pour mousse un séraphin.

Dites, la jeune belle,
Où voulez-vous aller?
La voile enfle son aile,
La brise va souffler.

Est-ce dans la Baltique?
Dans la mer Pacifique?
Dans l’île de Java?
Ou bien est-ce en Norvège,
Cueillir la fleur de neige,
Ou la fleur d’Angsoka?

Dites, la jeune belle,
Où voulez-vous aller?

Menez-moi, dit la belle,
A la rive fidèle
Où l’on aime toujours!
Cette rive, ma chère,
On ne la connaît guère
Au pays des amours.

Où voulez-vous aller?
La brise va souffler.

Source: The Hector Berlioz Website

Avant le concert, une rencontre en bord de scène autour de l'art du chansigne et son approche dans la musique classique est proposée aux personnes intéressées, quelle que soit leur situation auditive.

Jeudi 29 janvier à 19h15

Salle Paderewski (avant-scène), Lausanne

Chansigne: Marie Demas-Castella

Interprète LSF: Clarisse Trichard

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Jeudi 2 avril 2026 – 20h

Salle Paderewski, Lausanne

Direction: Sophie Dervaux

Solistes: Sophie Dervaux et Miguel Ángel Pérez Diego, bassons

Envoi des lettres jusqu'au 20 mars 2026

Lecture jeudi 2 avril en ouverture de concert (20h)

II – Andante grazioso (7')

III – Finale: Allegro (4')

II – Adagio (10')

III – Scherzo: Allegro vivace (6')

IV – Finale: Allegro ma non troppo (6')

Une bonne trentaine de concertos écrits pour les instruments les plus divers, dont certains rarement servis comme l’alto, la contrebasse ou le basson : la production concertante de Vanhal est en fait assez mal connue, et peut-être est-ce regrettable car certaines de ces œuvres, comme le concerto pour alto en ut majeur ou, à un moindre degré, les concertos pour flûte en la majeur et en si♭ majeur, s’élèvent au-dessus de la production courante de l’époque.

Source: Michel Rusquet sur musicologie.org

Dans l'épisode 4, sur la musique du premier mouvement de la Symphonie n°4, Luz découvre les sonidos jaunes de la famille des percussions. Elle rentre à l’intérieur d’une timbale, c’est une arène de cirque où les sonidos font de folles acrobaties. Elle hésite, puis les accompagne. La voici reine du trapèze au-dessus de l’orchestre.

Les trois mouvements suivants (une belle rêverie, un scherzo bondissant, un mouvement perpétuel) ne brisent aucun des schémas classiques, mais sont d'une réjouissante fraîcheur d'inspiration.

Le premier thème de l'Adagio (II) a quelque chose de limpide et d'allant, soutenu par une pulsation discrète mais insistante des seconds violons.

Les motifs passent avec naturel d'un pupitre à l'autre jusqu'à un sursaut marqué fortissimo après quoi la clarinette citera le thème initial dans un soupir. Il y a là comme une euphorie douce, que poursuivra la jubilation nerveuse du Scherzo (III), avec son enchaînement nerveux des tonalités et son traitement capricieux des timbres ; rarement Beethoven a atteint cet humour fantasque, cette fantaisie débridée.

On a pu rapprocher le Finale (IV) de celui de la Trente-neuvième Symphonie de Mozart. On y entendra plutôt un moment d'ivresse maîtrisé, moins dansant que le Finale de la Septième Symphonie, mais virevoltant comme le sont assez peu de mouvements de Beethoven.

Source: Radio France

Elle fut composée rapidement, pendant l'été et l'automne 1806, et créée à titre privé au palais Lobkowitz de Vienne (la première audition publique eut lieu le 15 novembre de la même année, toujours à Vienne, mais au Hoftheater).

Source: Radio France

Concert enregistré et diffusé par la RTS Espace 2.

Jeudi 28 mai 2026 – 20h

Salle Métropole, Lausanne

Direction: David Reiland

Soliste: Felix Froschammer, violon

Jeudi 28 mai 2026 – de 19h à 19h30

Salle Métropole (balcon), Lausanne

Narration: Amélie Vidon

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II – Andante (6')

III – Deciso (10')

Compositeur, violoniste et chef d’orchestre, Ernest Bloch naît en 1880 à Genève. Il y étudie la théorie musicale auprès d’Émile Jaques-Dalcroze, avant de quitter la Suisse pour se perfectionner au violon avec Eugène Ysaÿe en Belgique, puis en composition auprès d’Iwan Knorr en Allemagne. En 1916, il s’installe aux États-Unis, où il passera l’essentiel de sa vie.

Son Concerto pour violon porte l’empreinte à la fois de ce pays d’adoption et de ses racines juives. S’y mêlent chants traditionnels du Nouveau-Mexique et mélodies hébraïques, dans un jeu de leitmotivs et d’évocations profond et exaltant.

Le premier mouvement s’ouvre sur une fanfare éclatante qui réapparaît à de nombreuses reprises tout au long de l’œuvre. Elle cède la place à un vaste récitatif du violon (0’23’’) semblant évoquer l’immensité des paysages américains. S’installe ensuite une rythmique à trois temps (2’03’’), pesante et mystérieuse, bientôt entraînée vers un allegro héroïque (3’49’’/4’21’’) où se heurtent les motifs de fanfare et le lyrisme passionné du soliste. Le discours se transforme encore, glissant vers une mélancolie plus sombre (5’15’’/5’39’’/6’04’’), avant de s’embraser en de nouveaux éclats (8’19’’) et de culminer dans une impressionnante cadence de violon. Le mouvement s’achève enfin dans un final fulgurant.

Dans le deuxième mouvement, le temps semble se suspendre dans une archaïque et mystique incantation. Une profonde quiétude s’y mêle à des accents de regret, d’où surgissent çà et là des mélodies inspirées par la liturgie juive.

Le troisième mouvement est traversé dès ses premières mesures par de multiples réminiscences du premier, alternant avec de nouveaux thèmes luxuriants et lumineux. Le violon s’y abandonne et semble se mettre à danser, porté par une sérénité triomphante et une joie rayonnante.

Texte: Kevin Juillerat, président de la commission artistique

Tableau II : Chez Pétrouchka

Tableau III : Chez le Maure

Tableau IV : La Foire de la Semaine grasse, la nuit

Écrit une année après «L’Oiseau de feu» et deux ans avant «Le Sacre du Printemps», «Petrouchka» est le deuxième ballet d’Igor Stravinsky. Commandé par les Ballets Russes de Serge de Diaghilev, il est créé au Théâtre du Châtelet à Paris en 1911. Il conte les aventures à la fois burlesques et tragiques de trois pantins qui prennent vie pendant la fête de Mardi gras : une ballerine, un Maure et Pétrouchka, héros amoureux et rêveur.

La musique annonce déjà le scandale du « Sacre » par sa modernité et son énergie rythmique inouïe. Ici, les idées musicales ne se succèdent pas organiquement comme chez Ernest Bloch, mais s’alternent de manière abrupte et quasi mécanique. Elles deviennent de véritables blocs sonores qui s’entrechoquent, s’interrompent ou se superposent, dans des procédés qui font beaucoup penser à un montage cinématographique.

Stravinsky joue, d’un côté, avec les clichés et la caricature (valse, danses diverses ou airs aux allures de chansonnettes) ; de l’autre, il invente une musique nouvelle, volontiers absurde et répétitive, parfois presque bruitiste. Il explore les limites de l’orchestre classique, en poussant à l’extrême les registres instrumentaux, les timbres et les contrastes d’orchestration – de la plus étouffante densité à la plus déroutante épure.

À l’instar de son argument, il se dégage de cette musique de ballet une dimension surnaturelle et un profond malaise. «Petrouchka» apparaît ainsi, derrière l’éclat et la satire, comme le miroir d’un tournant historique, où l’écriture novatrice d’Igor Stravinski entre en résonance avec une époque de mécanisation et de profondes transformations.

Texte: Kevin Juillerat, président de la commission artistique

Il aura fallu attendre qu'un médecin mélomane, français de surcroît, se penche sur ce destin oublié, pour qu'enfin Ernest Bloch renaisse à sa ville natale. C'est en effet l'éditeur genevois Slatkine qui publie cette somme formidablement documentée.

«Les années de galère»: difficile d'imaginer meilleur sous-titre pour le premier tome d'une biographie d'Ernest Bloch. Sur près de 800 pages, le Dr Joseph Lewinski décrit les affres du jeune Bloch jusqu'à son émigration, avec force extraits de lettres et de témoignages d'époque. Juif isolé dans la Cité de Calvin, personnalité torturée, contradictoire, extrême parfois, mais au génie musical incontestable, Ernest Bloch provoque la jalousie et la discorde au sein du frileux et provincial milieu musical genevois. Il s'attire des haines tenaces, mais aussi des amitiés solides et des admirateurs sincères, comme l'écrivain Romain Rolland, le poète genevois Edmond Fleg et le chef d'orchestre Ernest Ansermet.

Évincé par Ansermet

Ce dernier sera un temps l'élève de Bloch, avant de lui souffler, en juin 1915, la place de chef d'orchestre des concerts d'abonnement genevois, ancêtres des soirées de l'Orchestre de la Suisse romande. C'est cet incident qui cause le départ de Bloch pour les Etats-Unis. Avec le recul, les événements respectent une certaine logique. Ansermet deviendra l'immense chef que l'on sait, Bloch abandonnera ses ambitions dans le domaine de la direction d'orchestre, et s'affirmera très vite comme compositeur.

Il n'empêche que le climat tendu, l'hostilité des milieux bien-pensants de la Genève d'alors pèsent lourdement sur le moral de Bloch. «Ce n'est pas la solitude qui est terrible, ce sont les désertions et les lâchetés», écrit-il à Romain Rolland. Sa décision d'émigrer restera toute sa vie comme une blessure secrète.

Après des études à Bruxelles, Francfort et Munich, Bloch naît musicalement avec la Symphonie en do dièse mineur (1903), sa première partition d'envergure, non dénuée de longueurs, mais au souffle puissant. Une orchestration capiteuse trahit encore l'influence de Richard Strauss. Deux mouvements donnés à la Fête des musiciens suisses à Bâle provoquent la réaction indignée des critiques suisses alémaniques. C'est la première d'une longue série de déceptions pour le compositeur. Le 30 novembre 1910, à Paris, l'Opéra-Comique présente le seul et unique opéra de Bloch: Macbeth, sur un livret d'Edmond Fleg d'après Shakespeare. Succès public, échec critique, ce croisement original et parfaitement abouti entre la subtilité du Pelléas et Mélisande de Debussy, et la rudesse du Boris Godounov de Moussorgski tombe après treize représentations, victime des cabales parisiennes.

Quelques voix s'élèvent pour défendre le génie de Bloch, comme celle du Parisien Pierre Lalo, critique musical au journal Le Temps, qui conclut son article du 31 décembre 1910 par cette formule prémonitoire: «Bloch est quelqu'un.» La vie à Genève ne s'améliore pas. La musique ne suffisant pas à le nourrir, Bloch se voit contraint de multiplier les conférences et les heures d'enseignement et travaille dans le magasin familial de souvenirs de la rue du Rhône.

Gloires américaines

Il commence avec les Trois Psaumes ce qui deviendra le «cycle juif», cinq œuvres inspirées par la culture hébraïque, composées à Genève entre 1912 et 1917. «C'est la première fois dans l'histoire de la musique qu'un compositeur juif déclare écrire de la musique juive», note le Dr Lewinski. Créé au Carnegie Hall de New York en 1917, peu après l'émigration du Genevois, le cycle juif aura un retentissement considérable: en quelques années, Bloch devient un compositeur respecté, prend la citoyenneté américaine (1924), enseigne aux Conservatoires de New York, Cleveland, et San Francisco. Ses œuvres sont interprétées par les meilleurs musiciens de l'époque: les chefs Leopold Stokowski, Serge Koussevitzky, Charles Münch, le violoncelliste Emmanuel Feuermann, le violoniste Joseph Szigeti et son jeune confrère Yehudi Menuhin…

Dans les années 30, Bloch envisage de revenir en Europe, où sa musique triomphe partout: une Société Ernest-Bloch voit le jour à Londres, Macbeth est repris avec un succès extraordinaire au Teatro San Carlo de Naples. La montée de l'antisémitisme puis la guerre interrompent brutalement cette période faste. Bloch rentre aux Etats-Unis, dans l'Oregon. Sobres et dépouillées, ses dernières compositions, des suites pour violon, alto ou violoncelle solo, témoignent de son amour indéfectible pour Bach. Victime d'un cancer, Bloch s'éteint le 15 juillet 1959.

Complètement oublié

Après sa mort, Ansermet et quelques autres tentent de raviver l'intérêt pour la musique de Bloch en Suisse. Dès les années 30, leur brouille s'étant dissipée, le fondateur de l'OSR dirige plusieurs œuvres de son ancien mentor. En vain: Bloch reste l'«Américain» ignoré par son pays natal. Macbeth a attendu cinquante-huit ans sa création suisse, au Grand-Théâtre de Genève (1968). Et plus personne ici ne semble se souvenir de ce petit homme râblé, au tempérament volcanique, que lord Menuhin décrit ainsi dans son avant-propos au livre du Dr Lewinski: «Bloch est capable, si j'ose dire, de se laisser aller à grimper au Mur des Lamentations: il peste contre la destinée, il secoue les fondements de la condition humaine, il en veut à Dieu de ne pas avoir créé un monde meilleur...»

Source: Luca Sabbatini, Le Temps, 1998

Le 1er mouvement du concerto pour violon de Bloch, avec ses gammes modales, sa marche lente à la timbale et ses appels de cavalerie cuivrée nous transporte dans les plaines des États-Unis au temps des indiens d'Amérique libres. Le moment pour nous de nous souvenir de ces peuples qui ont été déplacés, parqués, voire massacrés durant les XVIIIe et XIXe siècles, et qui n'ont obtenu la pleine citoyenneté américaine qu'en 1924, plus de cinquante ans après les personnes noires (1868). Considérés comme non-Blancs, ils ont continué à subir par la suite la ségrégation raciale jusque dans les années 1960.

Attention: le personnage du Maure est une caricature raciste très problématique tant dans son écriture (le seul personnage de couleur est "bête et méchant") que dans sa représentation (un danseur blanc avec un black face). Ne pas montrer ces images à de jeunes élèves sans un effort de contextualisation critique.