La música se usa como herramienta para descolonizar el saber y el arte, revalorizando las voces indígenas, campesinas y obreras. Los movimientos musicales son prácticas que buscan transformar la esfera pública y resignificar las identidades colectivas desde la base popular. Las letras y ritmos locales crean nuevas narrativas frente al discurso hegemónico occidental y neoliberal. La música une generaciones, recupera luchas históricas y promueve organización social a través de lo emocional y lo estético.

La recuperación de repertorios, lenguas y ritmos en comunidades indígenas no constituye únicamente un acto cultural, sino una práctica de resistencia decolonial que afirma la autonomía frente a la imposición de lenguas, estéticas y valores occidentales. La música, al formar parte de rituales y cosmologías, se convierte en una expresión ontológica que vincula comunidad y territorio, reforzando modos de vida que han sido históricamente amenazados por la colonialidad del poder y del saber (Quijano, 2000; Mignolo, 2011). En este sentido, la música no solo comunica, sino que defiende modos de existencia anclados en la relación con la tierra y en el cuidado comunitario.

Desde la perspectiva de la interculturalidad crítica (Dietz, 2018; Walsh, 2009), estas prácticas musicales visibilizan la necesidad de un diálogo horizontal entre saberes, donde las cosmovisiones indígenas no sean folclorizadas ni subordinadas, sino reconocidas como proyectos políticos y culturales alternativos. Así, los cantos rituales, las lenguas originarias y los vínculos musicales con el territorio se inscriben en un horizonte decolonial que busca no solo la preservación cultural, sino la autonomía comunitaria y la construcción de un futuro basado en la dignidad y la pluralidad de conocimientos.

Las músicas de la diáspora (samba, rumba, champeta, jazz, hip-hop, reggae, funk, etc.) han sido espacios para articulación de demandas anti-racistas y comunitarias, preservación de memoria y organización frente a exclusión socioeconómica. Estas prácticas musicales suelen emerger desde condiciones de marginalidad urbana y de diásporas forzadas o históricas y se traducen en códigos de resistencia comunitaria.

Géneros urbanos (rap, hip-hop, reggaetón/urbano, dembow, funk) surgidos en barrios marginados se han usado para denunciar desigualdad, violencia y racismo, y para articular identidades colectivas (género, raza, clase). Muchos artistas y colectivos usan estos géneros como plataforma política y de organización comunitaria.

• Mariachi y ballet folklórico en protestas por derechos de migrantes en Los Ángeles: músicos y bailarines han integrado la protesta institucional para visibilizar comunidades latinas y articular demandas frente a políticas migratorias. Esto muestra cómo prácticas culturales tradicionales se reapropian como acto político en contextos urbanos. The Washington Post

Los géneros musicales emergentes de comunidades afrodescendientes y de barrios populares —como el hip hop, reggae, funk o rap— constituyen prácticas sonoras que denuncian el racismo estructural, la desigualdad y la exclusión social. Estas expresiones no solo comunican protesta, sino que funcionan como espacios de memoria colectiva, donde el dolor histórico de la esclavitud y la discriminación se transforma en fuerza creativa y comunitaria. A través de la fusión e hibridación con otros ritmos, la música conecta con raíces africanas y diaspóricas, construyendo nuevas identidades y formas de resistencia cultural.

• Q-Pop y fusiones indígenas contemporáneas: proyectos como Lenin Tamayo (Q-Pop, que mezcla quechua y K-pop) muestran cómo juventudes indígenas diásporas o urbanas usan la música pop híbrida para expresar identidades y responder a crisis políticas locales (p. ej. protestas en Perú).

La música en sí misma, se define como la capacidad universal presente en todas las culturas, vinculada a su vez, con la emoción, el lenguaje, el cuerpo y la identidad. En palabras de Lave & Wenger (1991), la música se entiende como una práctica social que emerge en contextos comunitarios.

Para Recordar: "La música no es un lujo estético, sino una forma de existir en comunidad" - Adaptado de Small (1998).