Paso 3

apropiación: donde la obra citada es copiada, reconstruida o manipulada. Se les asigna un nuevo significado.

resemantizacion: cuando un artista utiliza una obra ya existente y propone un nuevo significado

deconstrucción: fragmentar o deconstruir una obra de arte

apropiación

resemantizacion

deconstruccion

Arte pop

Movimiento internacional

• Apareció a mediados de la década de 1950 en Inglaterra 

• Considerado como descendiente directo del dadaísmo

• se burla de:

• mundo silencioso del arte al apropiarse de los códigos de la cultura pop el consumo masivo

•  la publicidad

•  la industria de Hollywood 

•  los principales medios de comunicación.

 El arte pop ofrece una mirada nueva, accesible, divertida y, en ocasiones, crítica sobre los fallos de nuestra sociedad de consumo. Con obras coloridas y comprensibles, difumina así los límites y jerarquías entre las artes superiores e inferiores, entre las Bellas Artes y el arte popular.

5. ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?, Richard Hamilton

• Primera verdadera obra de arte pop . Realizada en 1956 por el artista inglés Richard Hamilton, collage ( solo 26x25cm ), hecho con imágenes de revistas americanas. El título de esta obra, está inspirado en un eslogan que se encuentra en una de estas revistas, haciendo que el revestimiento promueva el suelo y el diseño colorido.

4. Mira Mickey , Roy Lichtenstein

Inicios del arte pop estadounidense. Roy Lichtenstein, el artista que produjo esta obra en 1961, empezó  a través del expresionismo abstracto.

En 1961, uno de sus hijos lo provocó: mostrándole uno de sus cómics, le dijo " ¡Apuesto a que no puedes pintar tan bien!". Trabaja en la creación de una obra ( 122x175cm ) inspirada en una burbuja de cómic(Donald Duck Lost and Found ). Es la primera obra de arte real que se inspira abiertamente en el mundo del cómic , y esta es la primera obra donde el artista utiliza la técnica de los puntos Benday.

3. Bandera , Jasper Johns

Realizada por Jasper Johns en 1954 . Representa la bandera estadounidense con sus 48 estrellas correspondientes a los distintos estados confederados en ese momento, aún no incluye Hawai y Alaska. Jasper Johns tenía solo 24 años y acababa de ser liberado de sus obligaciones militares en el Ejército. 

La obra es ante todo revolucionaria por las sutilezas de su realización. Empleando diferentes técnicas como la encáustica , el collage de periódicos antiguos y la pintura al óleo , la obra se sitúa en la frontera entre el arte abstracto.

2. Díptico de Marilyn , Andy Warhol

Serigrafía ( 205x290cm ) realizada en 1962 , justo después de la muerte de Marilyn Monroe. Consta de 50 fotografías de la actriz , capturadas en 1953 durante la promoción de la película Niágara. En la mitad izquierda, las imágenes son a color, en la mitad derecha todas las están en blanco y negro. Esta elección representa la relación de Marilyn Monroe entre la vida y la muerte , y también simboliza los dos temas favoritos del artista estadounidense: la muerte y el culto a la celebridad .

1. Un chapoteo más grande , David Hockney

Realizada sobre este lienzo monumental, como sus compañeros ( 2,42 x 2,43 m ), posee un trampolín en primer plano, una piscina, luego una villa. Las proyecciones en la superficie del agua nos hacen comprender sutilmente que una persona acaba de bucear allí.

La lectura de Juan Jimenez ‘Teoría del arte”y de Victorino Zecchetto “El persistente impulso a remantizar” nos ofrecen perspectivas que están profundamente vinculadas con el posmodernismo, un movimiento que cuestiona las nociones tradicionales y universales del arte y la cultura. 

 El posmodernismo se caracteriza por su desconfianza hacia las metanarrativas y las definiciones fijas de esta manera da lugar a interpretaciones más amplias y la fragmentación de significados, haciendo que el arte pueda ser definido por lo que las personas y sociedades elijan llamar arte. Según Jimenez, el arte es un constructo social y cultural que puede cambiar según las percepciones y convenciones del momento. Este enfoque es similar a la visión postmodernista ya que esta rechaza la idea de un significado universal y señala la importancia del contexto y la interpretación individual. 

Por su lado, Zecchetto, analiza cómo los significados de las obras de artes y los símbolos culturales son constantemente reconfigurados conforme pasa el tiempo. Zecchetto destaca que la resemantización es un fenómeno continuo y esencial en la cultura contemporánea. Esta idea se alinea con la visión del postmodernismo promoviendo una noción sobre los significados de que estos son fluidos y sujetos a reinterpretaciones constantes. De esta manera se les da a las obras de arte la capacidad de adquirir nuevos significados y relevancia con el tiempo. 

En conjunto ambas lecturas demuestran como el postmodernismo ha influido en la comprensión del arte, llevándonos a cuestionar las definiciones tradicionales y resaltando la importancia de la interpretación y el contexto. Jimenez muestra la naturaleza construida del arte, mientras que Zecchetto resalta la dinámica continua de la interpretación. Ambas lecturas dándonos una perspectiva basada en la flexibilidad y la pluralidad en la concepción del arte, alineándose con la visión postmodernista.

El adocismo:la apropiación como método 

• Enfoque artístico que utiliza la apropiación como método de adaptación y recontectualización específica; este no sigue una metodología fija ya que se basa en la adaptación creativa de elementos culturales y estéticos existentes ajustándose a contextos y necesidades particulares. 

Eclecticismo e historicismo

• Eclecticismo: enfoque artístico que combina distintos elementos en cuanto a estilos y periodos para crear algo nuevo y original. 

• Historicismo: enfocado en la imitación y recreación precisa estilos de épocas pasadas, buscando recrear características específicas de esos periodos. 
  

Criticidad mediática

• Capacidad para analizar, evaluar y cuestionar los contenidos y prácticas de los medios de comunicación. Busca entender y desentrañar las agendas, sesgos y estrategias de los medios, promoviendo una comprensión más profunda y consciente de cómo estos afectan la opinión y la cultura.

El arte sin estilo

• Aproximación artística que evita el uso de un estilo o movimiento en específico, caracterizado por la falta de una forma, técnica o estética uniforme. El arte sin estilo se enfoca en la libertad creativa y la exploración de diversas formas y métodos, permitiendo a los artistas experimentar con múltiples influencias y técnicas sin quedar atados a un movimiento o estilo específico. 
  

Neo estilos

• Enfoques artísticos y arquitectónicos que reinterpretan y reviven estilos históricos antiguos, adaptándose a contextos contemporáneos. Los neoestilos fusionan elementos tradicionales con innovaciones modernas. 

Renacer de los medios tradicionales

• Resurgimiento y revitalización de las formas de comunicación y expresión establecidas, como lo son la prensa escrita, la radio, la televisión, entre otros. El renacer busca combinar la credibilidad y el valor histórico de los medios tradicionales con la innovación y el alcance de los canales modernos
  

Retorno a la morfología plástica

• Enfoque en el arte y el diseño que busca recuperar y resaltar la importancia de las cualidades formales y estructurales en las obras, en contraste con tendencias que pueden priorizar la representación bidimensional o la abstracción conceptual. 

Desacralización y Antiesteticismo

• Desacralización: proceso en el cual se despoja a algo de su carácter sagrado o reverenciado, convirtiéndo a este en algo mundano. 

• Antiesteticismo: postura que rechaza y critica los principios y normas tradicionales de la estética, es decir rechaza todo lo que es la valoración y apreciación de la belleza. Desafía la idea de que la belleza debe ser un objetivo principal en la creación artística, en su lugar promoviendo la experimentación. 

Contracultura

• Movimiento que se opone y desafía las normas y valores predeterminados en una sociedad. Surge como una reacción crítica a las convenciones establecidas y a las instituciones dominantes, promoviendo alternativas culturales, sociales y políticas.

La última cena es una de de las obras más emblemáticas de la historia del arte, creado por Leonardo Da Vinci en el siglo XV punto esta pintura mural representa el momento en el que sus anuncia que uno de sus discípulos lo traicionará, capturando una gama de emociones complejas entre los apóstoles. La obra es un célebre no solo por su composición y técnica sino también por su profundo significado religioso y simbólico.

Para reinterpretar la última cena con un enfoque más común se debe seguir las distintas etapas de este proceso:

1. investigación y análisis: comprender el contexto original y el significado de la obra es esencial. Esto incluye estudiar la composición los detalles iconográficos y la dinámica entre los personajes también considerar el enfoque en el que se le va a dar a los nuevos personas a utilizar en este caso los ternurines

2. Conceptualización: definir cómo se incorporará los ternurines sin desvirtuar el mensaje original. El objetivo es mantener la esencial ahora mientras se introduce una nueva visión.

3. Boceto y diseño: crear bocetos preliminares que reflejen la interpretación. Los bocetos deben mostrar distintas ideas de cómo se podrá solucionar este problema. 

4. Desarrollo digital: utilizar técnicas digitales para ejecutar la reinterpretación. Esto incluye utilizar procreate mayormente para poder recrear la obra desde cero aplicando colores texturas y detalles Esta técnica facilita la creación de la nueva pintura y permite experimentar con distintos enfoques y pinceles.

5. Revisión y refinamiento evaluar la reinterpretación para asegurarse de que se mantenga el equilibrio entre la hora original y la nueva obra también manteniendo el respeto por la original y su simbolismo . 

Hasta el momento, se ha utilizado la técnica digital para crear la obra esto permite trabajar colores, técnicas, trabajar con distintos pincele modificar bocetos de manera más sencilla agilizando el proceso.

Para esta nueva obra se inicia realizando un boceto el cual consiste en trazar la obra original para poder tener una idea de cómo están acomodados los personajes, cómo es el ambiente y la perspectiva. 

Una vez esté se realiza un boceto desde cero con el otro para poder comparar y se empiezan a acomodar las nuevas figuras es decir los ternurines, una vez este boceto realizado se limpia y se empieza a aplicar colores o tonos bases. Al ser en digital esto permite que los colores originales de la pintura puedan ser seleccionados para tener una aproximación más cercana en la nueva pintura continuo esto se siguen limpiando, se sigue añadiendo colores limpiando y añadiendo detalles etc etc. Al acabar todo el trabajo realizado simplemente se aplica un filtro para darle a la pintura un efecto de paso del tiempo.

Reinterpretar ¨La ultima cena¨ utilizando ternuruines para representar a los 12 apostoles y a Jesus. De esta manera ofreciendo una nueva y unica perspectiva. Reinterpretar ¨La ultima cena¨ con ternurines permite crear una pintura moderna en base a uno de los ultimos momentos compartidos entre Jesus y sus discípulos.

Para este trabajo se utilizara la resemantizacion como estrategia discursiva en la apropiacion de la imagen. Para esto se realizaran los siguientes pasos

1. Seleccion de imagen:  en este caso ¨La ultima cena¨

2. Analisis contextual: investigar los significados originales y el contexto cultural de la pintura

3. Interpretación Creativa: adaptar y modificar la imagen, alterando elementos visuales para introducir nuevos significados

El problema de diseño al reinterpretar ¨La última cena¨con ternurines radica en cómo se llega a transformar una obra profundamente significativa y cargada de simbolismo en una representación más mundana y hasta infantil. Por lo que esta interpretación requiere un enfoque cuidadoso para equilibrar la tradicional solemnidad del tema con una atmósfera más juguetona. 

El primer desafío de esta interpretación es mantener el respeto, ya que por el significado religioso y cultural de la obra original esta presenta ser de gran importancia para muchos. Al utilizar ternurines, un objeto actualmente seleccionado por los jóvenes podría dar a entender esta interpretación como una burla. Por lo que se debe procurar realizar modificaciones que no desvirtúen el contexto histórico o simbólico. 

Además se debe considerar como los ternurines al representar a Jesus y sus apóstoles puede llegar a alterar la dinámica entre estos. El acomodo de los personajes debe ser realizado de manera en la que resalta la cercanía, sin trivializar el momento crucial de la última cena. Por lo que es necesario investigar cómo las representaciones anteriores han abordado estas relaciones. 

Otro aspecto a considerar es la técnica y el estilo artístico, ya que se debe garantizar que el estilo no comprometa la integridad visual de la obra, manteniendo una coherencia con la narrativa y la estética general. Esto incluye seleccionar una técnica que permita trabajar la idea principal sin sacrificar la calidad artística ni el mensaje subyacente. 

La semiótica visual estudia como los signos y símbolos de las imágenes se comunican significados puntos sus fundamentos incluyen la relación entre el signo ( imagen) y su significado (concepto), así como la interpretación cultural y contextual del mismo. Para risemantizar la última cena con ternurines se aplicarán estos principios modificando signos visuales clave es decir cambiar los apóstoles por estas figuritas. Este cambio permitirán reinterpretar la obra transformando el significado emocional mientras se mantiene el respeto por su contexto original. La semiótica ayudará a asegurar que esta idea se pueda comunicar de manera efectiva.

La Última Cena se reinterpreta utilizando ternurines para representar a los 12 apóstoles y a Jesús. De esta manera se proporciona una perspectiva nueva y única. Reinterpretar la Última Cena con ternurines permite crear una pintura moderna basada en los momentos finales entre Jesús y sus discípulos. El problema del diseño al reinterpretar esta pintura es cómo transformar profundamente la obra ya que esta posee un gran valor significativo y está llena de simbolismo. Por lo tanto, esta interpretación requiere una forma cuidadosa de equilibrar la solemnidad tradicional del tema con una atmósfera más ¨infantil¨.​

El primer desafío con esta interpretación es ser respetuoso, ya que la obra original es muy importante para muchas personas debido a su significado religioso y cultural. El uso de ternurines, un objeto coleccionable actualmente por muchos, puede significar que esta interpretación sea vista como una burla. Por lo tanto, se deben hacer esfuerzos para realizar modificaciones que no distorsionen el contexto histórico o simbólico.​

Otro aspecto a considerar es la técnica y el estilo artístico, ya que es importante asegurar que el estilo no comprometa la integridad visual de la obra y mantenga coherencia con la narrativa y la estética general. Esto incluye elegir una técnica que le permita procesar la idea principal sin sacrificar la calidad artística o el mensaje subyacente.​

Apropiación

En el caso de los audífonos, esto puede verse en cómo los consumidores personalizan sus dispositivos: desde elegir colores y diseños específicos hasta modificar la funcionalidad (por ejemplo, usando audífonos para actividades deportivas o como una herramienta de trabajo en casa). Esto transforma un simple objeto tecnológico en una extensión de la identidad personal.

Resemantización

Los audífonos, tradicionalmente vistos como herramientas para escuchar música o comunicarse, pueden resemantizarse en el contexto de la salud mental. Por ejemplo, en tiempos recientes, se han utilizado como parte de prácticas de meditación o mindfulness, donde se emplean para escuchar sonidos de la naturaleza o meditaciones guiadas. De esta forma, los audífonos adquieren un nuevo valor y propósito que va más allá de su función original.

Deconstrucción

Al deconstruir los audífonos, podríamos analizar cómo su diseño y comercialización están influenciados por ideales de productividad y conexión social. Preguntarnos, por ejemplo, cómo el uso constante de audífonos puede afectar nuestras relaciones interpersonales o nuestra percepción del tiempo y el espacio. Esto nos permite cuestionar el impacto cultural y social de un objeto que parece cotidiano.

En resumen, los audífonos no solo son herramientas tecnológicas, sino que también reflejan y moldean identidades, significados y relaciones en nuestra vida diaria.

Aplicando el triángulo semiótico a los audífonos, el significante sería la palabra "audífonos", que representa la forma y el sonido del término. El significado abarca las asociaciones que tenemos con ellos, como la idea de escuchar música, comunicarse o disfrutar de un contenido audiovisual. El referente se refiere a los audífonos físicos en el mundo real, los dispositivos que usamos. Sin embargo, en diferentes contextos, como el fitness o la meditación, su significado puede expandirse, mostrando cómo el uso y la percepción de los audífonos varían según la cultura y las experiencias personales.

• Diseño cómodo: Suelen tener almohadillas acolchadas y una diadema ajustable que ofrecen comodidad durante largas sesiones de uso.

• Conectividad Bluetooth: Se conectan a dispositivos mediante tecnología Bluetooth, eliminando la necesidad de cables. 

• Calidad de sonido: Ofrecen un sonido envolvente con buenos graves, medios y agudos, ideal para música y películas.
  

• Aislamiento de ruido: Muchos modelos cuentan con cancelación activa de ruido, bloqueando sonidos externos para una experiencia auditiva más inmersiva.

• Batería recargable: Tienen una duración de batería que puede variar de varias horas a días, dependiendo del modelo

  
  

• Controles integrados: Incluyen botones para controlar el volumen, cambiar de canción y responder llamadas sin necesidad de tocar el dispositivo conectado.
  

• Portabilidad: Suelen ser plegables o tener un diseño compacto para facilitar su transporte.
  

• Compatibilidad: Se pueden emparejar con diversos dispositivos, como teléfonos, tabletas y computadoras.
  

Pregunta artística 

¿Cómo afecta el acto de recopilar sus pensamientos en un diario la percepción propia durante el tiempo?

Delimitación: 

Diario/ video diario

1. Autenticidad: capturar los sentimientos y pensamientos verdaderos puede ser difícil ya que muchas veces queremos presentar una versión curada o perfecta de lo que creemos ser.

2. Vulnerabilidad: trabajar con el formato de diario puede generar problemas ya que este formato es algo más personal y vulnerable.

3. Consistencia: mantener consistencia a la hora de grabar y tomar fotos puede generar un desafío.

4. Percepción: la percepción del autor puede chocar con la percepción del espectador, creando un choque.

La idea de utilizar diarios o videodiarios como autorretratos resuena con el arte contemporáneo de varias maneras: 

1. Introspección e identidad: Muchos artistas contemporáneos exploran temas de identidad y autoexploración, utilizando narrativas personales para desafiar las nociones convencionales de uno mismo. 

2. Expresión multimedia : Los diarios en video utilizan tecnología digital, alineándose con la adopción de diversos medios y formatos por parte del arte contemporáneo, fomentando una combinación de arte visual, performance y narración. 

3. Naturaleza efímera: Así como el arte contemporáneo a menudo se relaciona con experiencias transitorias, los diarios capturan pensamientos y momentos fugaces, reflejando la impermanencia de la memoria personal y colectiva. 

4. Participación del público: Compartir reflexiones personales invita a los espectadores a un espacio íntimo, reflejando la tendencia del arte contemporáneo hacia prácticas participativas y relacionales. 

5. Comentario social: Las narrativas personales pueden abordar cuestiones sociales más amplias, haciendo públicas las experiencias privadas y fomentando debates sobre cultura, política e identidad. En general, las prácticas diarias se conectan con la exploración del yo, los medios y el contexto social que hace el arte contemporáneo.

Nuevos Medios en el Arte

Se refieren a un conjunto de tecnologías y plataformas digitales que los artistas utilizan para crear, exhibir y distribuir obras artísticas. Incluyen la computación, la realidad virtual, la inteligencia artificial, las instalaciones interactivas y el arte generado a través de software. Los nuevos medios transforman las formas tradicionales del arte, ofreciendo nuevas maneras de interacción y participación del público, y desafían las convenciones estéticas y conceptuales. 

Video Instalación

Forma de arte contemporáneo que utiliza la proyección de videos, imágenes y sonido en un espacio tridimensional para crear una experiencia inmersiva. A diferencia del cine o la proyección tradicional de videos, las video instalaciones no se presentan en una pantalla fija, sino que el video forma parte de un entorno diseñado para interactuar con el espectador. 

Happening

Forma de arte en la que se combina el teatro, la performance, la música, la danza y otras disciplinas, a menudo sin un guión fijo o una estructura predeterminada. Surgido en la década de 1950, el happening busca la participación activa del público, rompiendo las barreras entre el arte y la vida cotidiana.

Video Arte

Forma de arte visual que utiliza el video como medio principal para crear obras artísticas. Emergió en la década de 1960 con el advenimiento de la tecnología de grabación en video accesible, y ha sido utilizado por los artistas para explorar la imagen en movimiento, el sonido y la temporalidad de manera experimental. A diferencia del cine convencional, el video arte no busca narrar historias de manera lineal o seguir una estructura tradicional de producción, sino que a menudo se centra en la exploración estética, la manipulación de la imagen y la reflexión sobre el medio mismo. El video arte puede implicar la proyección de imágenes grabadas, la edición digital, o incluso la intervención en tiempo real.

Interactividad Digital

Hace referencia a la participación activa del espectador en la obra mediante el uso de tecnologías digitales. A través de pantallas táctiles, sensores de movimiento, interfaces virtuales o plataformas en línea, los artistas permiten que el público interactúe con la obra, modificando su contenido, forma o narrativa en tiempo real. Este tipo de interacción puede ser física (como el movimiento del cuerpo frente a una instalación interactiva) o digital (como las respuestas generadas a través de un clic o acción en una pantalla). 

Pantallas

Son dispositivos de visualización que muestran imágenes, videos o contenido digital. Son una de las principales herramientas utilizadas en las instalaciones de arte contemporáneo y en los nuevos medios, ya que permiten a los artistas exhibir contenido multimedia, como videos, animaciones y gráficos interactivos. Las pantallas pueden variar en tamaño, desde pantallas pequeñas y portátiles hasta grandes proyecciones que cubren paredes enteras, y se utilizan para crear experiencias visuales e inmersivas.

Mediaciones

Hace referencia a los procesos y plataformas que facilitan la conexión entre la obra y el público, o entre el creador y el receptor. Las mediaciones incluyen el uso de tecnología, instituciones culturales, curaduría, medios de comunicación, y plataformas digitales para transmitir o presentar el arte. Estas mediaciones juegan un papel crucial en cómo el arte es percibido, entendido y experimentado por los espectadores, afectando su interpretación y la relación con el contenido artístico. 

Narrativa Transmedia

Enfoque de contar historias en el que el contenido se distribuye a través de múltiples plataformas o medios, cada uno contribuyendo a la expansión de la historia de manera única. A diferencia de las narrativas tradicionales que se desarrollan en un solo medio (como una película o un libro), la narrativa transmedia utiliza diferentes canales (como redes sociales, videojuegos, series de televisión, películas, sitios web, etc.) para ofrecer nuevas perspectivas, personajes y elementos de la trama que enriquecen la experiencia global de la historia. 

Storytelling

Arte de contar historias de manera creativa y estructurada. En el contexto del arte contemporáneo y los nuevos medios, el storytelling se ha expandido para incluir la creación de experiencias inmersivas y la utilización de plataformas digitales para involucrar al público en la narrativa. El storytelling en los medios digitales no solo incluye la narración tradicional, sino también el uso de herramientas interactivas, videos, juegos y redes sociales para desarrollar tramas, personajes y mundos. Este tipo de narrativa es fundamental en la construcción de experiencias emocionales y cognitivas que buscan conectar al espectador con los temas, personajes y situaciones presentadas.

Para vos ¿qué es la amistad?

¿Qué define este vínculo tan puro y único entre los seres humanos? ¿Qué lo hace algo tan único e importante? 

Para mi la amistad es uno de los sentimientos más lindos en el universo entero, es cuando estas hablando con tus amigos,  tu corazón de la nada se siente tan cálido y te das cuenta de lo mucho que los amas. Estas personas se vuelven pequeñas luces que iluminan tu camino en los momentos más oscuros y vacíos, volviéndose una razón para quedarse un día más.

Para mi la amistad son estas seis personas que salvaron mi vida. 

Y para vos, ¿qué es la amistad?