Así como en la pintura, se pueden diferenciar distintos tipos de manifestaciones dentro de la escultura, como el informalismo matérico y el gestual. 
     Dentro del Informalismo matérico, la materia tiene predominio sobre cualquier otro elemento que constituya la escultura. Se incorpora todo tipo de material, llegando a convertirse en protagonistas autónomos de la obra y abriendo el camino a nuevas experiencias críticas sobre las condiciones sociales, sobre la naturaleza y los comportamientos. Se trabaja hasta llegar a los valores táctiles mediante intervenciones como agujeros, cortes, superposición de materia, entre otras.

     En el Informalismo gestual, existe una cierta evocación por constituir formas irregulares, las cuales presentan un gran dramatismo por la agresividad que pueden llegar a contener. La mayoría de las esculturas llegan a un estado en las que pareciera que aún no están terminadas. Esta modalidad del informalismo se caracterizó por el valor concedido al trazo, en ocasiones de tipo calcográfico, frente a cualquier otra forma de expresión y contenido abstracto.

     En la capital francesa entró en contacto con el cubismo de Picasso y Braque, y más tarde, con el grupo surrealista de André Breton, del que formó parte de 1930 a 1935. En la producción de este período, sumamente personal, se perciben aportaciones de surrealismo, como el simbolismo de los objetos. 

     El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyó la llegada del artista a su estilo más singular y característico, que se desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Surgieron entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden aparecer solas o en grupo.

     Entre 1930 y 1933 hizo 8 desnudos y 26 bustos. Su primera obra fue una combinación de formas clásicas con híbridos humano-animales y representó criaturas como la araña y la hidra. Su estilo se convirtió en menos figurativo después de la Segunda Guerra Mundial; las deformaciones corporales que ella favorecía como tema se vieron más acentuadas en un intento de transmitir un mayor sentido de la angustia. 

     La artista ganó varios premios, entre ellos la medalla de honor por Méditerranée en la exposición internacional en París en 1937, y su trabajo fue incluido en la Feria Mundial de Nueva York en 1939.
     La controversia mayor en torno a la obra de Richier se generó en 1949 cuando hizo un Cristo para la nueva Iglesia de Notre-Dame-de-Toute-Grâce en la meseta de Assy, que fue eliminada en 1951 cuando la población local desaprobó la modernidad de las formas de la obra. Este rechazo probablemente estaba relacionado con el hecho de que Richier era una mujer, lo que significa, según las órdenes religiosas, que no tenía acceso a la dimensión de lo sagrado. La escultura fue devuelta a su lugar público en 1971, después de lo cual se clasificó como monumento histórico. 

     En las obras de Pomodoro, que siempre prefirió las grandes áreas flotantes en bronce y los grandes bloques esculpidos en mármol o rígidamente cuadrados, suele haber espacios vacíos que permiten que la luz del sol se abra paso. El sol es un tema o símbolo recurrente en sus esculturas, incluso si no está representado explícitamente. 

     La progresión de su obra se caracteriza por los espacios huecos que introdujo dentro de las esculturas. La mayoría de estas adquieren un sentido voluble, en el que, a pesar de sus sencillas formas, el hueco que contiene se convierte en el pulmón de la escultura.
     La artista no trabajaba con esbozos previos, sino por la intuición que le transmitían los materiales; es por eso que el resultado siempre fueron obras lisas, redondeadas y pulidas por los materiales usados de la piedra y la madera. La técnica que empleaba se conoce como talla directa, por la cual el proceso de escultura está influenciado por las cualidades de las materia prima más que por un modelo preconcebido de la obra.

 

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