Me gusta cómo Goya juega con la luz y las diagonales para dirigir nuestra atención hacia el rostro de la joven, que es el centro emocional del cuadro. La sombrilla verde no solo aporta color, sino que también ayuda a crear sombras y matices que enriquecen la escena. La expresión alegre y la actitud seductora de los personajes transmiten una sensación de optimismo y despreocupación, aunque también dejan entrever un posible flirteo entre ellos.

El uso de formas geométricas como el triángulo y la forma ovalada en el rostro aporta estabilidad y armonía a la composición, mientras que el paisaje vaporoso en el fondo añade profundidad sin restarle protagonismo a la pareja. La pincelada suelta y la atención al detalle en elementos como el perrito negro con lazo rojo muestran la maestría de Goya en captar momentos cotidianos con un toque de alegría.

En el contexto de su carrera, esta obra pertenece a su primera etapa, cuando aún predominaba un tono optimista y alegre, influenciado por el rococó y el neoclasicismo. Es fascinante cómo, a medida que avanzaba su vida y enfrentaba dificultades como la sordera, su estilo se tornó más crítico y expresivo, pero en esta obra todavía se respira esa luz y esperanza que caracterizan sus primeros trabajos.

En definitiva, "El quitasol" es una obra que combina técnica, color y expresión para ofrecer una visión encantadora de la vida cotidiana en la época, con un toque de alegría que todavía nos invita a sonreír.

Lo que más destaca es cómo Goya logra captar la psicología de los personajes: la reina con su aire vanidoso y la figura del rey, más apagada y ausente, reflejan sus personalidades reales. La riqueza en detalles, como las joyas y los trajes, junto con el uso del color y la luz, realzan la importancia de cada figura y crean un efecto de volumen y realismo. La iluminación desde la izquierda y las sombras contribuyen a dar profundidad y a resaltar los rostros y las texturas.

Además, el cuadro no solo es un retrato, sino también una especie de comentario social y psicológico, donde Goya muestra a personajes que parecen más humanos y menos idealizados, casi como personas comunes en un entorno de fiesta o celebración. La obra refleja también el contexto histórico de la época, marcada por cambios políticos y sociales que influían en la percepción de la monarquía y en la propia visión artística de Goya.

En definitiva, es una obra que combina técnica, simbolismo y una profunda comprensión de la psicología humana, consolidando a Goya como uno de los grandes genios de la pintura, precursor de movimientos posteriores como el romanticismo y el expresionismo.

Goya recoge en una sola imagen tres fases de la muerte de los prisioneros: la preparación, el momento del fusilamiento y el cadáver del ajusticiado. En el lateral derecho de la imagen ha representado los cañones de los fusiles de los soldados, aunque no a éstos. Tanto aquí como en el caso del pelotón que está en el fondo cuyos rostros permanecen ocultos, resulta imposible identificar al verdugo.

Con la técnica del aguafuerte el pintor aragonés ha trazado líneas horizontales breves y muy próximas entre sí para recrear el cielo y la tierra, así como los postes en que son atados los presos. La luz se concentra en las vestiduras inmaculadas de los reos, alusivas a su inocencia. En ellas Goya ha dejado casi toda la superficie sin trabajar, únicamente ha realizados algunos trazos para construir las mangas, la parte baja de los pantalones y los zapatos. Asimismo, también ilumina al pelotón de soldados del fondo con la intención de que no perdamos de vista lo que está sucediendo en esta parte de la escena.

Este grabado ha de ser relacionado con el anterior, el nº 14, Duro es el paso puesto que ambas estampas constituyen dos variantes de un mismo tema, la pena de muerte. Sin embargo en Y no hai remedio no son los españoles quienes ajustician a los franceses sino estos últimos quienes hacen lo propio con los españoles, así Goya ha equilibrado la balanza del horror. El pintor se siente absolutamente incapaz de justificar este hecho, tanto en un caso como en otro, y crea una analogía entre dos imágenes similar a la que emplea en los grabados nº 2, Con razón o sin ella y nº 3, Lo mismo.

La obra representa a una mujer, que como se ha dicho antes, solía llevarle la leche a Goya. Está sentada, con expresión tranquila, con cierta melancolía. Su tez es pálida, iluminada. Va vestida de un especie de vestido-túnica, de color gris-verdoso, el color varía según la iluminación. Encima del vestido tiene una especie de pequeño manto, de color marrón-beis claro. En la cabeza lleva el pelo recogido con un pañuelo de tonalidades blancas, con un tratamiento pictórico similar a la vestimenta. En general, la mujer aparece muy sencilla, sin elementos llamativos, transmite serenidad y poco dinamismo. El fondo es claro, con matices azulados en la esquina superior derecha. A su lado encontramos un cántaro de leche.

Los tonos grises y verdosos dominan armónicamente conjuntados, la pincelada es corta y aparece la yuxtaposición de toques de color, tal y como bastantes años después harían los impresionistas, de cuyos hallazgos es una clara anticipación.

La pincelada es suelta y libre, la mancha de color como trazo característico, los colores muy empastados y los tonos grises y verdosos dominan armónicamente conjuntados. Pero hay dos aspectos muy significativos en este cuadro: por una parte la aplicación de color en grandes manchas se realiza de tal manera que los tonos se superponen unos a otros (yuxtaposición de toques de color), de modo que en vez de mezclarse sobre el lienzo se mezclan en nuestra propia retina; y en segundo lugar, que ciertas tonalidades cambian de color o lo intensifican cuando se trata de crear sombras o una mayor luminosidad, tal y como bastantes años después harían los impresionistas.

La luz parece artificial, pero no se nota demasiado. Hay solamente un foco que ilumina levemente todo el cuadro, lo que se dice que la luz se reparte de forma uniforme, sin crear contrastes ni claroscuros. Goya busca dar un efecto de sencillez.

Viendo toda la obra de Goya, se deduce que es un pintor totalmente moderno, que toma todas las influencias de los distintos estilos (Neoclasicismo, Romanticismo e incluso el Barroco) y esta obra en concreto se anticipa en mucho tiempo a un montón de estilos que aparecerán más adelante. Queda claro que Goya se adelanta al Romanticismo, al Expresionismo, al Impresionismo, etc. sentando bases para nuevos movimientos artísticos.