Concebida para profesionales, en sus páginas sentó las bases de un nuevo sistema de composición, que abriría el camino para el diseño de la tipografía moderna, al mismo tiempo que relevaba y manifestaba su compromiso con el trabajo realizado por las vanguardias.

Editada en caja baja y con una preponderancia de minúsculas, la obra de Tschichold defiende el uso de la fuente sans serif por sobre la serif, además de hacer prevalecer los diagramas asimétricos frente a los simétricos, con el objetivo de generar ritmo y tensión en la estructuración de una página.

Por otro lado, identifica a la fotografía como un elemento complementario al texto, en lugar de solo ilustrativo, y valoriza los espacios en blanco, en comparación a la reducción de márgenes propuesta por el enfoque tradicional. A su vez, apunta al diseño no centralizado y establece el uso de diferentes tamaños y grosores tipográficos como recursos para transmitir información de manera simple y rápida."

https://www.experimenta.es/noticias/grafica-y-comunicacion/jan-tschichold-a-90-anos-de-la-publicacion-de-die-neue-typographie/

Con Penguin Books, rediseñó las portadas de sus libros, por lo que cada uno de los diseños fue particular. Tschichold creó cerca de 500 portadas para Penguin.

En 1952 publicó Meisterbuch der Schrift y en 1956 Der Proportionen der Bucher. Diseñó libros para numerosas editoriales suizas y alemanas, sin olvidar que también se convirtió en consultor de diseño de la compañía farmacéutica Hoffman-La Roche.

Años más tarde, la casa fundidora Linotype encomendó a Jan Tschichold la responsabilidad de crear un tipo de letra que pudiera utilizarse tanto en monotipia como en linotipia.

Fue así como surgió la letra Sabon, una de las tipografías más utilizadas de todos los tiempos."

https://fahrenheitmagazine.com/diseno/grafico/jan-tschichold-el-maestro-de-la-tipografia-moderna

entre los bloques liderados por las dos superpotencias mundiales EE.UU y la URSS se hacía cada

vez más tenso. Este conflicto fue la clave de las relaciones internacionales mundiales durante

casi medio siglo y se libró en los frentes políticos, económicos y propagandísticos, pero solo de

forma muy limitada en el frente militar, por

ello el nombre de guerra “fría.”

Los estadounidenses

temían que la penuria económica del viejo mundo fuera un buen motivo para el comunismo

avanzara sobre Occidente. El viejo continente había sido antes de la guerra el principal cliente

de los EEUU y sin un pronto restablecimiento europeo, la prosperidad de los EEUU, no estaría

asegurada.
 El plan Marshall fue el principal plan estadounidense para la reconstrucción de los

países aliados de Europa en los años posteriores a la 2° Guerra Mundial. Dicha reconstrucción

económica y la consecución de una cierta estabilidad social fueron elementos clave de la

"contención" del comunismo en Europa."

https://www.academia.edu/36909094/_El_dise%C3%B1o_europeo_de_posguerra_La_relevancia_de_la_experiencia_alemana_e_italania_EL_DISE%C3%91O_DE_LA_POSGUERRA_A_LA_POSMODERNIDAD_y_LA_EXPERIENCIA_ARGENTINA_A_PARTIR_DE_LA_POSGUERRA 

Haciendo valer la simplicidad del modernismo, con un buen uso de la tipografía, formas geométricas espacios en blanco, creó algunas de las identidades corporativas mas reconocibles y duraderas de los Estados Unidos:  IBM, UPS, Enron, Westinghouse, ABC… Su influencia es tal, que es considerado como el ha establecido las normas para la creación de logotipos corporativos."
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https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

Posteriormente continuó sus estudios en la  Parsons The New School for Design (1932–33), y en la Art Students League (1933–1934).

Su carrera comenzó realizando las tareas humildes, realizando un trabajo a tiempo parcial realizando stocks de imágenes libres de derechos para diversos periódicos y revistas. Entre sus trabajos de clase y su trabajo, Rand fue capaz de acumular un gran portafolio, en gran medida influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto), así como las obras de Gustav Jensen. Fue en ese momento que decidió camuflar y abreviar su identidad judía cambiando “Peretz Rosenbaum”, acortando su nombre a ‘Pablo’ y tomar ‘Rand’ de un tío para formar su nuevo apellido. Morris Wyszogrod, un amigo y asociado de Rand, señaló que «pensó que con cuatro letras, crearía un símbolo bonito”."
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https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

“Entre estos jóvenes estadounidenses parece ser que Paul Rand es uno de los mas capaces… Es un pintor, profesor, diseñador industrial, artista de la publicidad que dibuja que se basa su conocimiento y creatividad en los recursos de este país. Es un idealista y realista, utilizando al mismo tiempo el lenguaje del poeta y del hombre de negocios. Siempre piensa en términos de necesidad y función. Es capaz de analizar sus problemas, pero su fantasía no tiene límites.»

En 1941 consiguió quedar a cargo de la dirección artística de la agencia de publicidad William Weintraub. Rand modernizó el campo de la publicidad, encarando como problemas de diseño a la diagramación y buscándole soluciones inteligentes. A fines de los cuarenta, influido por Moholy-Nagy, empezó a empaparse de críticas de arte, lo cual le sirvió para sus propios escritos, así como su propia experiencia."
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https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

En 1972 fue incluido en el “New York Art Directors Club Hall of Fame” y en 1984, por sus contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía, le concedieron la medalla del “Type Director´s Club”.2
*https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

En 1946 Saul Bass cambió su residencia a Los Ángeles donde abrió su propio estudio de diseño en 1950, en el que se dedicaba principalmente a la publicidad convencional. Sin embargo, en 1954 una visita del director de cine Otto Preminger estaba a punto de cambiarlo todo.

Preminger le encargó el diseño del cartel de su película Carmen Jones y el exigente director quedó tan impresionado con el trabajo de Bass que le encargó también la secuencia de los títulos de crédito."
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https://www.laimprentacg.com/saul-bass-el-pensamiento-hecho-imagen/

Con Alfred Hitchcock colaboró en varias ocasiones y hasta participó en la famosa escena de la ducha de Psicosis, de la película que se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció.

Bass también dirigió varios cortos y el largometraje Phase IV, toda una rareza de 1974.

Además de su labor creativa como diseñador de títulos de crédito y carteles cinematográficos, Saul Bass es creador de algunos de los logos más conocidos internacionalmente (Kleenex, Warner Music, American Airlines, Minolta…), así como del logo de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984.

Sin duda, un creador de una gran influencia en numerosos ámbitos y cuyas obras siguen inspirando a los diseñadores de hoy en día."
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https://www.laimprentacg.com/saul-bass-el-pensamiento-hecho-imagen/

Estudió en la Cooper Union de Nueva York, y en 1954, tras graduarse fundó Push Pin Studios junto a otros amigos estudiantes. En esta peculiar agencia, trabajó para redefinir y expandir el papel del diseñador y el ilustrador en una cultura visual que cambiaría para siempre en las siguientes décadas."
*https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

El compromiso social junto al posicionamiento ético con respecto a la profesión y la vidda, son también facetas muy conocidas de Glaser. En esta línea, en 1968 el diseñador norteamericano codirigió Mickey Mouse en Vietnam. Un trabajo polémico, en el que el popuplar ratón de Disney acaba acribillado con una bala en la cabeza, como clara denuncia al conflicto bélico.

También encontramos ese elemento de denuncia en algunos de sus trabajos más recientes, como los carteles que diseñó en 2017 para luchar contra el narcisismo y el egoísmo del presidente Trump. Un trabajo que se pudo ver en las estaciones de metro de la ciudad de Nueva York."
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https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

En 1959 se mudó a San Francisco, graduándose en el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI), donde posteriormente impartió clases durante un periodo de cinco años.

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Para Moscoso, realizar aquellos innovadores carteles supuso dejar de lado su formación académica y aprender de lo que se estaba haciendo en la calle, mezclando nuevas tipografías, difíciles de leer, con colores estridentes que llamasen la atención.

Rock y comics
Además del diseño de carteles, Moscoso también ha elaborado carpetas para álbumes de músicos como Jerry Garcia, Bob Weir, Herbie Hancock, Jed Davis y David Grisman. ​En 1968 comenzó a realizar cómics underground, participando en publicaciones como Yellow Dog, Jiz Comics, Snatch Comics, El Perfecto Comics y Zap Comix, esta última revista, especialmente notable, y en la que colaboró en todos sus números desde 1968 hasta el número final publicado en 2014. ​

En 1977, Moscoso diseñó el logotipo de la estación de radio KMEL : un camello con auriculares. Moscoso también ha diseñado camisetas, vallas publicitarias y animaciones para estaciones de radio, por lo que recibió dos premios Clio. Además, recibió un premio Inkpot en 1979. ​ También recibió una medalla AIGA en 2018."

Algunas de sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Louvre en París, MOMA de Nueva York, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D. C. o el Victoria & Albert Museum de Londres. "
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https://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Moscoso​

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Estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956).

Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo «efímero de la vida moderna» siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.
A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar en obras como Fragmento de arte (1959, Tate Gallery, Londres) y Tengo novia (1960-1961, Galería de Arte Whitworth, Universidad de Mánchester).
En Autorretrato con chapas (1961, Tate Gallery, Londres) se retrató como coleccionista. Diseñó también, junto con su entonces esposa, la también artista pop Jann Haworth,  la portada del disco de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Desde la década de 1970 abandonó los motivos de la cultura popular para dedicarse a temas tradicionales del siglo XIX, como las hadas y otras figuras del mundo de la fantasía, sobre todo entre 1975 y 1979, época en la que vivió en Bath. Continuó trabajando en la misma línea durante las décadas de 1980 y 1990.
La exposición retrospectiva de su obra, Ahora ya tenemos 64, que organizó la National Gallery de Londres en 1996, puso de relieve el interés que su obra seguía despertando hacia finales del siglo.
La importante retrospectiva crealizada por la Tate Liverpool en 2007, con más de 100 de sus obras procedentes de varios países, fue presentada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao el año siguiente.​ Su obra Montgomery Clift was a Twin (1981-83) fue adquirida por el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 2002.​"
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https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Blake_(artista)

En el programa de la Bauhaus, encabezado por la catedral de cristal diseñada por Feininger, se afirmaban los siguientes presupuestos: unificar las artes bajo una nueva arquitectura, devolver el carácter artesanal a las actividades artísticas, construir la catedral del futuro, la obra de arte total, y disciplinar la enseñanza de la arquitectura."

Su historia tiene 3 fases.

https://masdearte.com/movimientos/bauhaus/

El edificio más importante de la Bauhaus de entonces es el de su sede, de planta geométrica, aunque carente de simetría.

Van der Rohe asume la dirección de la escuela hasta la llegada al poder de los nazis en Alemania, que supone su cierre y la constatación del divorcio entre las ideologías totalitarias y los proyectos de vanguardia.

Arquitecto innovador en Alemania durante la República de Weimar, fue el último director de la Bauhaus, una escuela de arte y arquitectura germana de la arquitectura moderna. Con el ascenso del nazismo al poder, que se oponía frontalmente a la modernidad que esta escuela representaba, se ordenó su cierre, y Mies emigró a Estados Unidos. Allí aceptó el puesto de director de la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago."

https://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_Mies_van_der_Rohe

Viaja a Túnez y Egipto sufre una epifanía:

También le afecta, como no, su paso como soldado en la sangrienta I Guerra Mundial.
Klee enseñó después color en la Bauhaus,pero los nazis tachan su obra de degenerada y se exilia de nuevo a Suiza donde acaba muriendo.

La herramienta de Klee era el color y llegó a manipularlo con una enorme precisión y pasión. Color, ritmo, naturaleza, construcción y movimiento. Esos serían sus 5 temas.

Como a Kandinsky, la influencia de la composición musical es evidente en su pintura (fue también un excelente violinista)

Sus cuadros aluden casi siempre a la poesía,la música y los sueños, incluyendo a veces palabras o notas musicales." 

Abrir Link:

https://historia-arte.com/artistas/paul-klee

Italia y su ricostruzione

tiene su enfoque en las respuestas económicas,

funcionales que dio el diseño bajo el nombre de

el cual se basaba en una concepción

racional del proceso mismo, con aspectos estéticos, formales y tecnológicos, que se dio en la

arquitectura, diseño industrial y diseño gráfico. Un gran ejemplo de esto es la motocicleta Vespa,

diseñada por Corradino D’ascanio con base en principios de aeronáutica, con la cual se buscó,

debido a su peso, dimensiones y facilidades, que hombres y mujeres pudieran utilizarla en

cualquier tipo de camino, teniendo en cuenta que Italia en esta etapa de posguerra se ve

devastada."
https://www.academia.edu/36909094/_El_dise%C3%B1o_europeo_de_posguerra_La_relevancia_de_la_experiencia_alemana_e_italania_EL_DISE%C3%91O_DE_LA_POSGUERRA_A_LA_POSMODERNIDAD_y_LA_EXPERIENCIA_ARGENTINA_A_PARTIR_DE_LA_POSGUERRA

través de sus diseños, como es el ejemplo de la máquina de escribir Lexicón 80 de 1948 cuyo

diseño logra

“no sólo combinar formas estructurales y elegantes con la más nueva tecnología,

sino influir en grandes compañías como la IBM de Estados Unidos, que se inspiraron en sus

 productos para desarrollar máquinas similares con la ayuda del diseñador Eliot Noyes.

”

Oscar

Salinas Flores en

El diseño industrial en la Posguerra

actitudes que se perfilaban entre los individuos que integraban estas nuevas sociedades de

consumo
hippismo

. Dentro de la gráfica, el cartel hippy propugnaba una

filosofía de “amor y paz”, proponiendo nuevas

experiencias a través de los sentidos, ya no se

trataban de mensajes claros y concisos