*Espaço total –Espaço livre, sem divisão fixa entre palco e plateia onde cada montagem determina onde ficam os espectadores e os actores, que até podem ficar misturados.

Na Grécia Antiga, as arenas não se destinavam apenas a representações teatrais, mas acolhiam outras formas de diversão social, como os jogos de gladiadores.

Tais teatros, além de serem conhecidos por sua importância histórica, possuem um formato bastante específico e vale a pena conhecê-lo um pouco mais, já que ele propõe um determinado tipo de encenação que se diferencia do Palco Italiano em variados aspectos. Para quem não sabe o que é um Palco Italiano, aqui vai uma explicação brevíssima: é o teatro no qual o palco fica de um lado e a plateia do outro, sendo que a abertura do palco fica em apenas um dos lados, o que faz com que ator e espectador fiquem frente a frente.

O que mais me interessa no formato do Teatro de Arena é exatamente a relação que ele propicia entre a encenação e a plateia, já que esta fica em volta de toda a cena — ou praticamente toda —,

O fato de ter plateia em diferentes direções, propõe para a cena uma elaboração que inclui todo o corpo do ator, além de um possível diálogo com os espectadores, mesmo que seja apenas pelo olhar.

A concepção da cena deve levar em conta esta característica e a movimentação dos atores precisa ter em mente a diversidade de pontos de vista, mesmo quando a arena não é de 360 graus.

 Teatro de arena “Eugênio Kusnet”

Ao pensarmos no trabalho com alunos, neste formato de cena, com toda certeza rompemos com a ideia de que o que importa é a frente do corpo ou a fala. A cena na arena precisa incorporar o todo do ator, sua presença total, o que a torna um ótimo instrumento para explorar a importância de estar com o corpo todo enquanto atuamos.

Elementos essenciais do teatro 

AdvertisementEle é um artista presente no espaço do palco, cuja missão é atuar e falar em um universo ficcional que ele constrói ou contribui para construir (Ubersfeld, 2004).

Deve haver pelo menos um e eles não necessariamente têm que ser pessoas porque bonecos ou marionetes também podem ser usados.

Como Ricard Salvat diz "O ator é, de todos os elementos da lista de teatro, aquele que é essencial. Na hora de deixar de lado alguns componentes do complexo teatral, acabando sempre por reduzir o ator "(Salvat, 1983, p. 29).

AdvertisementO ator ou atores são aqueles que dão vida aos personagens, através de suas ações, suas palavras e seus trajes.

São eles que recitam diálogos imprimindo tons vocais, dicção, emoções e energia que reforçam a credibilidade da performance e influenciam o envolvimento dos espectadores na história.

Dito de outra forma, o corpo do ator é apresentado como uma vida, integrada, capaz de encarnar o personagem com toda a ficção corporal e exigências físicas necessárias (Trancón, 2006, p. 148).

Advertisement  Esta é a escritura que levanta a história a ser desenvolvido e tem uma história similar (início, meio e fim) estrutura, que no caso em teatro é conhecido como um começo, meio e clímax e desenlace.

As peças são sempre escritas em diálogo primeira pessoa e faz uso de parênteses quando você especificar a ação que ocorre enquanto pronuncia o fragmento (isto é conhecido como linguagem acotacional). Quando a peça literária for levada para o palco ou para o cinema, ela é chamada de "roteiro".

Essa carta não é dividido em capítulos (como normalmente faria em um romance ou outra prosa), mas em atos, que por sua vez podem ser divididos em fragmentos ainda menores conhecidos como quadros.

O texto é o espírito e a gênese do teatro; sem ele não é possível falar de teatro. Seu grau de necessidade é tal que "o senso comum pode ser observado e podemos ver que não conhecemos nenhum teatro sem texto, então partimos da hipótese de que teatro é <> (Trancón, 2006, página 152) ".

3- Audição
Qualquer pessoa que assiste a uma peça ou participa de um programa é considerada um espectador. Aparentemente, o público não interfere no desenvolvimento da peça, no entanto, o objetivo deste é entreter o público. Espectadores são a razão do teatro.

Ao longo de uma peça, um relacionamento é construído entre o público e os atores; Graças a eles, não só o ciclo de criação-comunicação é completado, mas também é recebido feedback imediato dos atores, já que não há audiência passiva, mas todos são observadores críticos (Trancón, 2006, p. 83) que desenvolvem uma percepção positiva ou negativo da arte visual que eles contemplaram.

É o traje usado pelos atores. Através deles e sem necessidade de enunciar palavras, o público pode identificar o gênero, a idade, a ocupação, o status social e as características dos personagens, bem como o tempo em que a história se desenrola.

Hoje há uma pessoa dedicada exclusivamente a este aspecto e trabalha de mãos dadas com o diretor e com os maquiadores para criar harmonia na construção da aparência do personagem.

2- maquiagem
É usado para corrigir as distorções causadas pela iluminação (como perda de cor ou excesso de brilho facial).

Além disso, a aplicação de produtos cosméticos serve para consolidar o caráter através de sua caracterização externa, destacando ou disfarçando características dos atores ou adicionando efeitos aos personagens: rejuvenescer, envelhecer, fazer moles, cicatrizar ou simular feridas, entre outros.

Corresponde ao conjunto de conjuntos usado para aclimatar a representação dramática. Isso significa que é o espaço em que os atores interagem, decorado de tal forma que mostra o espaço geográfico, temporal, histórico e social em que a história se desdobra.
A maioria dos elementos é estática e para produzir um efeito mais poderoso, eles dependem da iluminação. Um exemplo simples pode ser o cenário "dia" e "noite" proposto.

Os utensílios ou ferramentas utilizados pelos atores durante a performance são chamados ouobjetos prop.

Tal como acontece com o design do palco, a iluminação engloba objetos como a ação de gerenciar luzes. Ou seja, a iluminação é o conjunto de luzes usadas durante a performance artística, assim como a criação e execução delas para ajudar a transmitir emoções, destacar e esconder atores e dar mais assertividade ao cenário, maquiagem e figurinos.

5- Som
Constituído pela música e todo o efeito auditivo para melhorar os aspectos acústicos da peça aos atores e ao público.

Por exemplo, os microfones para que os diálogos dos atores possam ser ouvidos pelo público, reforçam a transmissão de uma emoção ou de uma ação como o som da chuva ou o repentino freio de um carro.

6 Diretor
Ele é o artista criativo encarregado da coordenação de todos os elementos que intervêm na performance, desde a cenografia até a interpretação. Ele é responsável pela organização material do espetáculo (Ubersfeld, 2004, página 39).A figura do diretor é praticamente nova em relação a toda a trajetória histórica do teatro: o trabalho do diretor raramente existia antes de 1900 como uma função artística separada e antes do teatro de 1750, muito raramente (Balme, 2008).

O precedente é provado pelo fato de que no teatro grego, no teatro romano, medieval e renascentista, essa figura não existia no sentido estrito da palavra. Essa pessoa não está presente no palco, ao contrário dos atores.

https://pt.thpanorama.com/blog/arte/los-9-elementos-del-teatro-principales.html

Os palcos proscênios são ideais para atuação e estilos de produção realistas. As área das coxias, ao lado esquerdo e direito do palco, assim como a do urdimento – o espaço em cima do palco – são camufladas pela parede do proscênio. Em muitas produções, cenários inteiros são escondidos nessas áreas, de modo que os assistentes de palco possam mudar completamente o cenário do palco entre as cenas, criando a ilusão realística de um local diferente para a próxima cena.

Já o palco elisabetano, também chamado de palco isabelino, é aquele que tem o proscênio prolongado, com um segundo plano (muitas vezes coberto) onde existem algumas aberturas, tais como janelas. É um espaço fechado em que o público o circunda por três lados. A estrutura do teatro elisabetano, em geral, é circular, hexagonal ou octogonal e caracteriza-se por um edifício em um grande pátio, com o palco localizado ao fundo.

O mais utilizado, entretanto, é o palco italiano. Surge durante o Renascimento, na virada do século XV para o XVI, quando o homem passa a ocupar o centro do universo. Surge nessa época a noção de perspectiva que dá o tom à pintura. Dos quadros para os palcos, muda-se o espaço cênico, até então o usado pelos gregos. Dessa forma, criou-se um espaço em que foi possível propiciar à plateia a noção de profundidade e perspectiva.

Em torno do ano de 1630, é inaugurado em Veneza o primeiro teatro público de ópera, observando os novos moldes impostos pela pintura renascentista: a boca de cena arredondada, cortina, luzes na ribalta, telões pintados que permitem a perspectiva e profundidade do cenário, além de máquinas para efeitos especiais.

Tendo como sua maior característica a disposição frontal de palco e plateia, é ainda hoje o mais utilizado no teatro ocidental. Além dessa formação (palco/plateia), outras características determinam o paco italiano: palco delimitado pela boca de cena, consequentemente, a quarta parede, a caixa cênica com urdimento e coxias.

O grupo se apresenta em local demarcado por ele próprio, e a plateia se posiciona ao seu redor. Utiliza de cenários e adereços de fácil locomoção por conta da localização incerta.
Palco Elisabetano ou Isabelino:

Guarda características de palco misto.  O espaço tradicionalmente associado à William Shakespeare é retangular e conta com ampliação no proscênio. A plateia se posiciona à frente e lados esquerdo e direito do palco.

O tipo de palco mais tradicional para o teatro é o proscênio, em que o público senta-se em fileiras de frente para o palco. O próprio proscênio é a parede que separa o palco do auditório – onde o público senta – e parece uma moldura ao redor da área de atuação. Alguns palcos desse tipo são "inclinados", o que significa que a superfície é inclinada em um ângulo que proporciona uma melhor visão da área "traseira" do palco – aquela bem distante do público.

Os palcos proscênios são ideais para atuação e estilos de produção realistas. As área das coxias, ao lado esquerdo e direito do palco, assim como a do urdimento – o espaço em cima do palco – são camufladas pela parede do proscênio. Em muitas produções, cenários inteiros são escondidos nessas áreas, de modo que os assistentes de palco possam mudar completamente o cenário do palco entre as cenas, criando a ilusão realística de um local diferente para a próxima cena.