El capítulo se titula "La niña vacía" y es parte de la serie mencionada anteriormente, la cual se centra en un grupo de amigos en una reunión que comienzan a contar historias de terror.

El capítulo trata sobre dos hermanas, Neli y Sabina, quienes se enfrentan a eventos sobrenaturales en un bosque tras haber ido a conseguir leña con don Tomás.

En el capítulo interpreté un personaje llamado "Señora Piedra", la cual es un ser que habita en el bosque. También interpreto a Lucy, quien es una de las chicas que se encuentra en la reunión contando historias de terror.

La grabación se llevó a cabo el día 18 de agosto de 2024, en el andador del Río Cuautla, en el municipio de Cuautla. La grabación de mis partes fue rápida, ya que mi personaje únicamente aparecía en una escena y tenía diálogos cortos, sin embargo, fueron necesarias varias tomas para poder capturar mejor los diálogos y mi interacción con el otro personaje

Las grabaciones implican un trabajo en equipo e involucran a varias personas, como el director, quien graba, un sonidista, y los actores. Normalmente deben realizarse varias tomas para obtener la mejor, y constantemente nos enfrentamos a desafíos como la interrupción provocada por sonidos provenientes del entorno, los cuales interfieren con el audio, y en ocasiones también a la interrupción por parte de otras personas, en especial cuando grabamos en espacios públicos; también hemos llegado a tener problemas como mala estabilidad en las tomas o errores cometidos por los actores.

Las grabaciones tienden a ser cansadas y durar varias horas, pero todos los involucrados ponemos un gran empeño y dedicación, impulsados por nuestra pasión por la actuación, el cine y otras manifestaciones artísticas. 

Los proyectos de Estudio Meztli, dirigidos por David Monfil, no serían posibles sin la colaboración de muchas personas y es un proyecto que constantemente busca el crecimiento y la mejora para cada vez ofrecer producciones de mejor calidad.

Al final de la película, los creadores dieron su experiencia al recrear Coraline, y mostraron una parte del proceso de los gestos, las máscaras, el uso de la edición para juntar la línea de las máscaras y mejorar el movimiento de los personajes, hablaron de la ropa y los efectos como, el movimiento del cabello. Un dato interesante fue, el cabello de Coraline. Que por edición al principio le habían puesto rayos azules al cabello negro, de esto surgió la idea del cabello azul, también como una muestra de rebeldía ante la adolescencia, por esto se muestra una foto dentro de la película en la que está Coraline con sus padres donde ella tiene el cabello castaño.

Entre estas actividades hubo una carrera de botargas que estuvo chistosa con ganas

-GUILLERMO VELÁZQUEZ AGULAR -

El taller se centró en la generación de movimiento a partir de imágenes, como que el cuerpo es una bolsa de lentejas y estas se trasladan con el movimiento y los cambios de peso, también se hizo una dinámica en la que un compañero dirigía completamente el movimiento de otro, y poco a poco la persona que había soltado su cuerpo recobraba el control de él; también una interacción entre compañeros por medio de movimientos corporales.

Finalmente, se movimentaron los pies, rodillas, cadera, torso y cabeza por medio de diferentes imágenes, como "pies tímidos", "pies salvajes", "rodillas borrachas", "torso de manteca" y "cabeza soñolienta"; y para cerrar, se hizo una exploración corporal incorporando todas las imágenes que se utilizaron a lo largo de la clase.

Fue un taller bastante interesante, aunque en sí las dinámicas no fueron del todo nuevas para mí, ya que tengo experiencia en la exploración y movimiento corporal por medio de imágenes, sin embargo, disfruté mucho el taller debido a que me fascina bailar, moverme, explorar nuevas formas de hacerlo e improvisar con las diferentes herramientas y estrategias que conozco.

El texto aborda la historia de amor de una pareja, explorando el enamoramiento, el inicio de la relación, el inicio de problemas entre la pareja, la ruptura de la relación y los conflictos y dilemas que suelen acontecer tras un hecho así, tales como el arrepentimiento, el resentimiento, el dolor, e incluso el amor que todavía se puede sentir hacia el otro individuo.

La historia no se narra de manera cronológica, ya que se van mostrando fragmentos y escenas, entre las cuales transcurre un tiempo incierto, pudieron ser días, meses o incluso años.

Utiliza un recurso muy interesante, el cual es el uso de ciertos verbos al inicio de las escenas que dan una pequeña introducción o preámbulo a lo que sucederá en ella.

La lectura fue muy evocadora, ya que los actores, a pesar de estar leyendo, lo hicieron con intención y lograron transmitir perfectamente las emociones y crear la atmósfera de la situación.

Tacita de té, que es el nombre original del show es un podcast que las famosas drag queens mexicanas Hugo Blanquet “La Draga Maravilla”, Checo Alazcuaga “La Coña” y Daniel Vives “La Supermana" comenzaron un 3 de diciembre del 2023. Desde entonces han publicado un total de 30 episodios tanto en YouTube como en Spotify. 

Ellas son pioneras en usar el arte drag para un espectáculo cómico en el que nos comparten vivencias personales, consejos y entre monólogo y monólogo compartían un momento musical al más puro estilo patrio.

La verdad el show estuvo increíble, aunque al inicio yo sentía que estaba un poco mal organizado en cuánto empezó yo olvidé todo y me la pase riendo y divirtiéndome, había ido con mi mamá y con mi abuelita y me preocupaba su reacción pero ella también se la pasó entre risas y sentimientos cada que cantaban una canción que a ella le gusta.

La obra está dividida por momentos, en los cuáles cada uno se centra en una parte diferente de estas situaciones; perpeturadores, víctimas, lo que sucede después del acontecimiento, y rápidos y furiosos que es una explicación de un operativo que provocó que muchas armas obtenidas sin regulación llegaran a México desencadenando actos de violencia y hasta un tiroteo en una escuela de México en la que seis personas quedaron heridas y murió una maestra de 50 años. Es una experiencia muy fuerte ya que utilizan el sonido, luces y visuales para crear esta atmósfera tensa y lúgubre mostrando los horrores que las personas vivieron durante estos hechos, al final teniendo un momento para mencionar los nombres de las víctimas dejando piedras alrededor del escenario para representar a cada una.

La forma en la cual abordan estas situaciones es muy fuerte, tratan de cuestionar no solo la percepción de los afectados sino de diferentes personas en el caso.

Esta celebración es una representación que combina la religión prehispánica y la católica. La representación del Reto al Tepozteco incluye:

La conversión de Tepoztécatl, el rey de Tepoztlán, al catolicismo por parte de los frailes dominicos.

El bautismo de Tepoztécatl en el manantial de Axitla, donde nace el río de Atongo.

El traslado de Tepoztécatl al centro de la población, donde los Señores de Cauhnáhuac, Oaxtepec, Yautepec y Tlayacapan le reclaman su renuncia a los dioses antiguos.

Explica el proceso de su debut como solista, el proceso de las canciones principales desde la grabación hasta el video musical y los récords.

El cantante expresa los pensamientos que surgen al hacer el álbum, y al hacer promociones. Habla de las reacciones que espera, lo que quiere y logra. Comparte la emoción, la energía, el trabajo, el entusiasmo y el esfuerzo que realiza. 

Se ve el proceso que pasa como artista, y los aspectos que descubrió al hacer su álbum.

Fue una obra de teatro muy bonita. El mensaje que se comparte es claro y supieron cómo moldearlo para hacerlo para un público general, incluyendo niños. La historia y la forma en que se cuenta es bonita, se entiende cada parte y te hace empatizar con el personaje de Júpiter. Me gustó el uso del lenguaje. Se usaron palabras que se usan mayormente en la actualidad. Cada personaje fue único. El uso de máscaras fue interesante. Una de las cosas que más me gustó fue el uso de títeres. La interacción entre el elenco y el público es un detalle importante, que nos hizo sentir parte de todo. 

La interpretación de cada actor fue impecable, logrando que el mensaje de la obra, sobre la importancia de cuidar el medio ambiente y las especies en peligro de extinción, llegara de manera clara y emotiva. Los títeres y el uso de materiales reciclados en el escenario ayudaron a reforzar el tema ambiental, haciéndolo tangible para todos. Al final, el dilema de la tripulación sobre si capturar o no al ave del paraíso me dejó pensando profundamente en nuestra relación con la naturaleza y cómo nuestras acciones pueden tener consecuencias irreversibles.

El mensaje de la obra fue claro: debemos cuidar nuestro entorno antes de que sea demasiado tarde. Fue una experiencia educativa y emocional tanto para los niños como para los adultos.

Debut como solista y creación de Golden

El documental muestra a Jungkook tomando las riendas de su carrera solista, desde la conceptualización hasta la ejecución de Golden, su primer álbum en solitario. Decidido a crear un sonido distintivo, Jungkook colaboró con productores internacionales para explorar géneros musicales que van desde el pop occidental hasta ritmos que desafían sus propios límites vocales. A lo largo de la película, se observan momentos clave de las sesiones de grabación, donde muestra su dedicación y perfeccionismo, grabando varias pistas en un solo día y experimentando con nuevas técnicas vocales y estilos.

Producción y grabación de música

Durante el proceso de producción, Jungkook enfrentó múltiples retos, incluidos problemas de salud vocal, lo que retrasó algunas grabaciones. Sin embargo, su perseverancia y amor por la música lo impulsaron a seguir adelante. En la película, se destacan los momentos en los que trabaja de cerca con su equipo de producción, buscando perfeccionar cada detalle de las canciones del álbum, como se ve especialmente en la grabación de Standing Next to You.

Ensayos de coreografías y grabación de videoclips

Jungkook no solo se centró en el aspecto musical, sino también en el visual. Los ensayos de coreografías y las grabaciones de los videos musicales forman una parte crucial del documental. Cada movimiento fue meticulosamente ensayado para asegurarse de que la presentación fuera tan impactante como la música misma. Las grabaciones de los videoclips, como el rodaje en Budapest para Standing Next to You, destacan su dedicación no solo a la música, sino también a la estética visual de su trabajo.

Presentaciones en vivo y concierto

Uno de los momentos más destacados de I Am Still es el concierto en vivo de Jungkook antes de su enlistamiento. Aunque fue transmitido a través de plataformas en línea, ver la energía y el compromiso del artista sobre el escenario, junto con las coreografías y la entrega vocal en canciones como Please Don’t Change y Somebody, demuestra su crecimiento como solista. Este concierto y las presentaciones en Times Square también subrayan el impacto global que ha alcanzado.

Logros y premios

A lo largo de la película, se destacan los logros de Jungkook, no solo con su álbum Golden, sino también con sus múltiples premios y reconocimientos. Desde su capacidad para superar desafíos personales hasta sus impresionantes logros musicales, Jungkook ha sido reconocido internacionalmente con varios premios, como su histórico debut en el Billboard Hot 100, donde sus sencillos alcanzaron los primeros lugares.

En resumen, I Am Still ofrece una mirada inspiradora y conmovedora sobre el trabajo arduo de Jungkook, su amor por la música y su incansable esfuerzo por perfeccionar su arte. La película es un testimonio de su evolución como artista y su capacidad para seguir sorprendiendo al mundo con su talento y dedicación.

Una roda de capoeira es la forma de manifestación más común de la capoeira, donde los capoeiristas se reúnen en un círculo, se tocan 3 berimbaus, dos panderos, un atabaque y un agogô (instrumentos tradicionales de la capoeira), mientras se cantan canciones y los demás asistentes acompañan la batería con palmas y respondiendo a los coros de las canciones; mientras dos capoeiristas pasan al centro a ejecutar un "jogo de capoeira" (juego de capoeira), que es una especie de combate.

Al final de la roda, se realizó una roda de samba tradicional, que es similar a la roda de capoeira, con la diferencia de que ahora se tocan toques de samba y se pasa a bailar samba en lugar de jogar capoeira.

La coreografía muestra el proceso de sembrar y crecimiento del maíz, además de que al final, la bailarina realizó un pequeño monólogo sobre la cuestión del maíz transgénico y el trabajo poco valorado de los agricultores y campesinos.

También alterna la reproducción de fragmentos de documentales que hablan sobre el maíz, así como el uso de mazorcas y palos para dar el ambiente de campo y tradición milenaria en torno al maíz.

de todos los bailes el mas popular y mas aplaudido fue el jarabe tapatio , su vestuario esta inspirado en los lugares tipicos de mexico, hechos a mano, al final de cada baile gritaban el grito de la independencia

¿El cosplay y la cultura friki son una mezcla de culturas, apropiación u homenaje? La Bamboo Fest siempre se hace estas preguntas y este año en específico se tomó la tarea de resaltar no sólo la convivencia alrededor de la cultura japonesa, coreana y estadounidense si no también de resaltar nuestra propia cultura con el concurso de catrinas y los diferentes puestos vendiendo productos 100% mexicanos con temática de anime y videojuegos.

El evento en general es muy grande y tiene varias áreas cómo la zona de videojuegos, zona medieval y el escenario principal. Me gustó mucho la mezcla que hicieron entre la celebración de día de muertos y los eventos usuales de una convención de anime.

Llamada D' espantos, aparecidos y ¡Buu!

En Yautepec Morelos

Mi experiencia en el museo fue muy cautivadora e interesante; comenzando por la arquitectura. Esta me asombró bastante, las escaleras y las paredes me parecieron imponentes, pero también reconfortantes, ese matiz de sensaciones me agradó mucho.

En la primera exposición que visitamos, en la sala de abajo, me pareció muy interesante y atractiva, ya que jamás había visitado un museo de arte contemporáneo. Me gustó mucho haber tenido la oportunidad de apreciar obras de artistas vivos, ya que las obras son un vivo reflejo de la actualidad que estamos viviendo y por eso las pude sentir muy cercanas a mí y a mi experiencia.

La sección “Entre los árboles” fue la que más me impresionó, principalmente las obras que representaban a las criaturas del bosque, como duendes, hadas, etcétera. Estas obras me atrajeron bastante debido a que eran obras muy coloridas y llamativas visualmente, además de que a mí me atrae mucho el tema de las criaturas mágicas. Hubo una obra en específico que fue la que más me gustó, era un cuadro donde estaban varios personajes de The King of Fighters, el cual es mi videojuego favorito y me trae muchos recuerdos de mi preadolescencia.

La sección dedicada al arte del feminismo también me atrajo mucho, esta sección me trasmitió cierto dolor, ya que aborda temas como la violencia y degradación que las mujeres han sufrido a lo largo de la historia, y que sigue siendo un tema vigente.

El video con la danza de Silvia me provocó una sensación de incomodidad debido a la calidad de sus movimientos, pero al mismo tiempo era algo hipnótico, considero que era un trabajo interesante desde la interpretación hasta los recursos sonoros y cinematográficos que se usaron para crear el video.

La exposición de la sala de arriba no me atrajo tanto como la primera, aunque también era interesante, las obras de esta sección no me provocaron las mismas sensaciones como las primeras, y no pude conectar mucho con ellas, en esta sala me sentí un tanto desconectada y desorientada.

El jardín me pareció muy agradable, a mí me dan mucha curiosidad los jardines que tienen caminos trazados como es el caso del jardín del museo, al caminar por el jardín sentí mucha paz y una sensación agradable y de comodidad. Observé las esculturas, sin embargo, estas no me provocaron sensación alguna, tuve un sentimiento de desconexión similar al que tuve en la sala de arriba. Aún así, el jardín me cautivó y por sí sólo me trajo recuerdos de mi infancia y adolescencia temprana.

El taller consistió en un espacio de aprendizaje de la técnica dancística que Mirna utiliza y ha desarrollado, la cual involucra mucha energía física y una postura corporal primitiva, característica de la danza africana.

Este taller fue algo muy nuevo para mí, ya que nunca había tenido una experiencia similar anteriormente y fue muy divertido, aunque complicado debido a la complejidad de los ritmos y los pasos.

Incluso a mi abuelita le gustó el musical, al tratar un tema muy fuerte tuvieron que balancear muy bien las escenas serias y dramáticas con las musicales para que no se tornara en una burla o parodia a la situación de las desapariciones forzadas. Al final hay un segmento donde muestran como sería si se hubieran ayudado Kore y otras dos chicas, que estaría bien y a salvo en su casa pero eso no es lo que le pasa a todas. Una experiencia que te mueve por completo y hasta hizo que derramara unas lágrimas.

La presentación se realizó en el foro de la fachada de la Casa Miguel Alemán, donde familias que visitaban el complejo se detuvieron a disfrutar del espectáculo de danza con distintos números artísticos de baile folklórico.

Portando lindos trajes tradicionales, con vestidos de distintos colores, Danza Klam brindó un espectacular mosaico dancístico con un cuadro de diferentes bailables y danzas típicas de nuestro país.

El grupo Danza Klam, originario del pueblo mágico de Tepoztlán, está dirigido por el maestro Eduardo Padilla Salazar. Y se caracteriza por ser una agrupación artística que comparte la riqueza cultural de México a través de manifestaciones de danza.Danza Klam cuenta con 12 años de trayectoria artística, formando generaciones de jóvenes en el arte de la danza folklórica, que aprecien sus raíces y cultura.

Durante su camino artístico, la agrupación ha participado en diversos eventos culturales y artísticos dentro y fuera de Morelos, representado el folklore mexicano a través de la danza.

Cabe destacar que la gestión para participar en el Complejo Cultural Los Pinos, se realiza a través de la Dirección General de Música y Festivales, que se ha encargado de buscar los espacios para llevar al talento morelense. Esta es la tercera ocasión que un grupo morelense ocupa este foro tan importante a nivel nacional, en el que en ocasiones anteriores ya participaron agrupaciones de los municipios de Xochitepec y Jojutla.

En este sentido, autoridades de dicha dependencia puntualizaron que el objetivo es que cada mes se presenten artistas de un municipio diferente, a fin de mostrar más allá de las fronteras estatales la riqueza cultural y la gran calidad y profesionalismo de los artistas que hay en la entidad

Leyendas es una obra de danza donde se cuenta. Historias y leyendas de México representadas a través de bailes de las distintas regiones de nuestro país.

El MMAC es el espacio de exhibición más grande del estado, distribuido en dos salas para exposiciones temporales: la Galería Principal y el Cubo, además de un Foro Abierto resuelto como un espacio multidisciplinario. También tiene una biblioteca, un jardín escultórico y área de talleres para programas públicos.

Esta obra nos habla acerca de los elementos del folklore mexicano propios del día de muertos y las características de esta celebración.

De entrada cabe mencionar que el trabajo actoral que llevaron acabo los compañeros se puede definir como una interpretación que muestra claridad al momento de desarrollar la historia, también pudimos apreciar diversos elementos escenograficos, desde objetos de utilería, vestuarios, maquillaje, iluminación y uso de un ciclorama de fondo.

Algo que se pudo apreciar bastante es como se nos propone una historia que ocurre en un mundo lleno de color, tal como lo es la celebración de día de muertos, conforme va avanzando la obra estos colores van cobrando vida, los elementos de utilería se logran destacar gracias al movimiento, logrando la construcción de un universo vivo, los personajes tienen un discurso claro, lo cual en conjunto nos regalan un espectáculo que nos hace vivir momentos agradables.

El expresionismo es una influencia notable en la obra de Tim Burton, se caracteriza por el uso de claroscuro, sombras y escenografías anormales para influir en las emociones del espectador, creándonos mundos retorcidos y oscuros pero profundamente interesantes.

Una de las muchas genialidades de este director es su gran capacidad para plantear convenciones y crear universos, las historias de Tim Burton se pueden clasificar dentro del género fantástico, nos muestra la construcción de escenarios fantásticos con un toque lúgubre y gótico y al mismo tiempo fascinante, estos universos se nos plantean haciendo uso de escenotecnias complejas y fascinantes que mediante el uso de elementos plásticos nos crean una atmósfera que nos traslada a dichos universos, pero no solo la construcción de estos mundos es fascinante sino también los seres que los habitan, los personajes que nos propone este artista también tienen una composición compleja y maravillosa, criaturas raras con ojos grandes y una historia digna de contarse, seres peculiares que nos enseñan que está bien ser raro o diferente.

Este concierto fue parte de un pequeño tour llamado The Symphonic Synergy, el cual únicamente tuvo lugar en Ámsterdam y en la Ciudad de México.

Epica tocó con una orquesta completa en vivo, además de un coro de niños.

Este concierto superó todas las expectativas, al ofrecer un espectáculo musical y visual increíble, sincronizando la música con las luces y los visuales proyectados en las pantallas.

También contó con la aparición de Charlotte Wessels y Marcela Bovio, otras dos cantantes reconocidas en la escena del metal sinfónico, durante la interpretación de "Sirens of Blood and Water".

Fue una experiencia involvidable y mágico, ya que la mezcla del metal con la música sinfónica es simplemente maravillosa.