12,000–9,000 AC

Mexico, Mesoamerica

Tlatilco

Ceramica

Altura 4-1/2 in. (11.5 cm)

Escultura en Ceramica

Regalo de Caroline Mailhot, 1996

1996.454.7

The Metropolitan Museum of Art

Ceramic Mother and Child Figure | Tlatilco | The Metropolitan Museum of Art. (n.d.). The Metropolitan Museum of Art. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/317817

2600 - 2350 AC

Periodo Sumerio del Dinástico Temprano III

Escena nacimiento Mesopotamia

Foto cortesía del Instituto Oriental de la Universidad de Chicago

Analisis:

La obra que se muestra es un cilindro tallado que cuidadosamente revela figuras de unas mujeres en selectos momentos de su cotidianidad. Lo interesante de esta obra es que a diferencia de lo común en la época, estas figuras no representan una diosa o figura de fertilidad, sino que muestra a las mujeres de la rutinidad del artista. Esto da importancia al día a día de la mujer y a los milagros que estas hacen.

En la parte inferior del cilindro se muestra un trabajo de parto donde hay dos mujeres detrás de la cabeza de la mujer pariendo y una mujer recibiendo al bebe en el lado de las piernas. Este posicionamiento muestra que están acompañando a la mamá en este momento especial. En la parte de arriba del cilindro podemos ver dos mujeres en un tipo de pelea contra animales, puede que estén casando o protegiéndose de ellos. Estando en la parte superior del cilindro se podría interpretar que están afuera guerreando para traer comida, ropa, o evitar que entren a su hogar, que se encuentra en la parte inferior, protegido del mundo externo.

Es curioso que esta obra sea exclusivamente de mujeres. Muestra a estas en 6 diferentes posiciones, posiciones que requieren gran carácter y fuerza. Esto podría dar un indicativo de que en este momento, en esta cultura no eran los hombres los que hacían las actividades violentas sino que las mujeres abarcaban con todo. Por lo que se puede inferir que no habían actividades características para cada género a diferencia de décadas a futuro. Para trascender su arte es probable que este cilindro perfectamente tallado hubiese sido rodado a través de superficies blandas dejando su impresión como firma o autenticación en cuevas o lugares explorados por el artista. 

Cascone, S. (2022, November 11). An astonishing exhibition shows how ancient Mesopotamians not only worshiped, but respected, women. Artnet News. https://news.artnet.com/art-world/enheduanna-first-author-mesopotamian-women-morgan-library-2208775

Período Tardío 722-332 AC

Loza Amarilla, Fayenza (cerámica vidriada)

5.1 x 2.1 x 1 cm

Antiguo Egipto, Imperio Nuevo

Adquirido a colección privada española, SVS 1980

Antiguo Egipto, Imperio Nuevo - loza - Amuleto Dios Bes - 5,1 x 2,1 x 1 cm. Calidad del museo. - Amuleto. (n.d.). Catawiki. https://www.catawiki.com/es/l/78602533-antiguo-egipto-imperio-nuevo-loza-amuleto-dios-bes-5-1-x-2-1-x-1-cm-calidad-del-museo-amuleto

Figura de arcilla fragmentada

2000 - 1600 AC

5cm

Museo Arqueologico de Agios Nikolaos, Creta

Museo Arqueológico de Agios Nikolaos | Agios Nikolaos Crete. (n.d.). Agios Nikolaos Crete. https://www.agiosnikolaoscrete.com/es/experiences/culture/museums-sights/archaeological-museum-of-agios-nikolaos/

Periodo clasico

Cultura Griega

Finales del siglo V, AC

Mármol, Isla

26.7 x 21.7

Escultura de piedra

Línea de crédito: Fondo Fletcher, 1924

Número de acceso: 24.97.92

Marble votive relief fragment of goddesses, mother, nurse, and infant | Greek | Classical | The Metropolitan Museum of Art. (n.d.). The Metropolitan Museum of Art. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/251519

muestra madre con bebe sobre la rodilla 

Museo Arqueológico Nacional

Foto: Giannis Patrikianos

Cocción mixta

A torno

Ministerio Helenistíco de cultura y deportes

Organización helenistíca para el Desarrollo de Recursos Culturales

Atenas 1250

Museo Arqueolgico Nacional - Resultados de la busqueda. (n.d.). https://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?Museo=MAN&txtSimpleSearch=Lebes&simpleSearch=0&hipertextSearch=1&search=simple&MuseumsSearch=MAN%7C&MuseumsRolSearch=9&listaMuseos=[Museo%20Arqueol%F3gico%20Nacional]

Lado oriental, Ara Pacis

Dedicado a la diosa romana Pax

Diosa de la tierra

2178 x 1404

130ac - 90ac

Marmol de Carrara

File:AraPacisReliefTellusMater.JPG - Wikimedia Commons. (2007, November 9). https://commons.wikimedia.org/wiki/File:AraPacisReliefTellusMater.JPG

200 A.C - 200 D.C

Imperio Romano

Museo de Ciencia

Figura de terracota

Welcome Library, Londres

A634991

Wikipedia contributors. (n.d.). File:Votive pregnant female, Roman, 200 BCE-200 CE Wellcome L0058442.jpg - Wikipedia. https://en.m.wikipedia.org/wiki/File:Votive_pregnant_female,_Roman,_200_BCE-200_CE_Wellcome_L0058442.jpg

El arte de la Grecia Clásica se caracteriza por la búsqueda de la perfección y la belleza idealizada. Esto se refleja en esta obra a través de la presencia de la diosa griega en el parto de este bebe quien parece estar presente para el mejoramiento de la madre y la buena vida del recién nacido. Se puede ver como en este momento de vulnerabilidad de la madre, hay un acompañamiento por ambos lados, delante y detrás, junto con las miradas que se dirigen a ella. Centrándose en la proporción, como era común en el arte Griega Clásica, una de las razones por la que sabemos que la mujer de la izquierda es una diosa es por su tamaño grande y por lo pequeña que se ve la madre sentada sabemos que es más vulnerable. 

En cambio, el arte del Imperio Romano tendía hacia la monumentalidad y la grandiosidad, esto se refleja en la terracota del embarazo siendo una pieza más grande y sin detalles muy pequeños sino que dobleces representativos. En vez de divinidades y representación de ideologías, los romanos se enfocaban en retratar la realidad, en este caso un cuerpo femeninco en embarazo con alguna prenda de ropa cubriéndolo. Al igual que en la otra obra las dos madres estan sentadas, generalizando un sentido de cansancio durante estos procesos de maternidad. 

Catacumba de Santa Priscila

Siglo II

Roma

Modelo de Maria Lactans

Catecismo de la Iglesia Católica

Centro del cristializmo

Pintura, pincel cristiano

Estuco de polvo de marmol

Virgen sentada con el Niño en su regazo mamando mientras el profeta Balaam señala una estrella en el cielo.

Maria Lactans

Warleta, I. (n.d.). ARTE PALEOCRISTIANO: PINTURA (desde el s. I al s. V .): PINTURA Y MOSAICO. https://arteinternacional.blogspot.com/2009/06/arte-paleocristiano-pintura-desde-el-s.html

Mosaico ábside de la virgen Maria bendecida con Jesucristo en sus piernas

Estanbul

Siglo IX dc

13 pies de altura

Semi-domo, detras del altar

Descubierto en 867 por Photius el patriarca

Mosaico más antiguo de Hagia Sophia

Analisis visual:

Hagia Sophia es una de las estructuras más emblemáticas del mundo, con una rica historia contada a través del arte bizantino y otomana. El mosaico ábside de la virgen Maria con Jesucristo sobre sus piernas, es el más antiguo de todos los mosaicos dentro de Hagia Sophia. Se encuentra detrás del altar en el semi-domo, decorando el ábside. La imagen de la virgen en un trono con su bebé está situada frente a un fondo dorado, lo que crea un fuerte contraste entre su ropa oscura y el centro dorado representado por Jesucristo. Este mosaico fue descubierto en el año 867 por Photius el patriarca quien fue un líder religioso importante para la iglesia Ortodoxa Bizantina durante el siglo IX. Desde este punto, incluso tras la conquista de Mehmed II, el mosaico no volvió a ser velado mostrando su importancia. 

Dentro de la obra, se puede identificar que la virgen posee en la mano izquierda un pañuelo el cual descansa sobre Jesucristo. Este pañuelo denominado “sudarium” o “velo de la Verónica” tiene un significado simbólico en la iconografía cristiana ya que hace referencia a un episodio tradicionalmente asociado con el camino de la crucifixión de Jesucristo. Según la tradición cristiana, Veronica enjuga el rostro de Jesús mientras lleva la cruz hacia el Calvario como un acto de compasión y misericordia hacia su sufrimiento. Cuando la Virgen Maria sostiene o recuesta este pañuelo sobre Jesucristo en esta representación artística, se interpreta como un gesto de consuelo y cercanía maternal, simbolizando la conexión íntima entre la Virgen Maria y su hijo Jesucristo como anticipación a su sufrimiento durante la crucifixión. 

En este caso Jesucristo es representado con una tez clara lo que podría indicar una influencia cultural. La cúpula de Hagia Sophia se encuentra en Estambul, una ciudad que históricamente converge Europa y Asia por lo que la tez clara podría predominar en su arte. La representación de Jesucristo con un claro tono de piel y ropa dorada puede hacer referencia a una iconografía tradicional de Estambul y sus alrededores donde esos rasgos y colores se consideraban idealizados ya que transmiten una sensación de pureza, divinidad y cercanía espiritual.

Añadiendo al analisis, se puede denotar que alrededor de los mosaicos hay una inscripción que dice “Las imágenes que impostores derribaron aquí, emperadores piadosos las han vuelto a levantar”. Esta inscripción proviene del periodo iconoclasta en el imperio Bizantino en el cual se rechazaba el uso y la veneración de las imágenes religiosas, incluyendo los mosaicos. Siendo muchas de estas representaciones destruidas, la inscripción conmemora la restauración de los mosaicos que fueron destruidos por los emperadores Basil I y Michael II en Hagia Sophia. Esta restauración dio un mensaje de resiliencia y restauración de la ortodoxia cristiana en el imperio, reflejando la lucha entre la ortodoxia religiosa y el iconoclasta en el Imperio Bizantinomostrando así como la fe.

Esta obra se relaciona a la temática del embarazo y el parto a través de la idea de maternidad, cuidado y encarnación. Jesucristo representa el momento en el que Dios se hizo humano, el momento cuando un personaje ideológico se convierte en un personaje físico como cuando un niño idealizado nace y se convierte en un bebé. Por otro lado, la obra representa una relación maternal tanto física como espiritual entre Jesucristo y Maria. La relación materna se puede ver claramente a partir de la pose maternal de Maria, quien carga a Jesucristo. Sus manos agarrando el hombro y la pierna de Jesucristo simbolizan la protección y cuidado de la madre evocada como “Theotokos”. Finalmente, se puede identificar una relación a la iglesia como madre de todos que da luz a los creyentes y los cuida.

Hagia Sophia - The Virgin and Child in the Apse - Hagia Sophia History -. (n.d.). https://www.pallasweb.com/deesis/virgin-and-child-hagia-sophia.html

Hagiasophiatr. (2018, September 13). The Virgin and Child Mosaic » Hagia Sophia. Hagia Sophia. https://hagiasophiaturkey.com/virgin-child-mosaic/#:~:text=The%20Virgin%20and%20Child%20mosaic%20is%20located%20in%20the%20apse,Christ%20has%20a%20fair%20complexion

Don Silvestro de' Gherarducci (Italiano, Florencia 1339–1399)

1375 dc

Florencia, Italia

Tempera, tinta, plegamiento de oro

29.2 x 29.8 cm tapete 55.9 x 40.6 cm

Manuscritos e Iluminaciones

Linea de credito Fondo Rogers, 1921

Numero de Acceso: 21.168

500 - 550 dc

Longitud: 217mm; Ancho: 123mm; Profundidad: 15mm

Marfil de elefante

Técnica: tallado

Tesalia, Grecia

Natividad; adoración de los magos

Fideicomisarios del Museo Británico

Inscripción en griego

Ivory plaque with the Adoration of the Magi - Google Arts & Culture. (n.d.). Google Arts & Culture. https://artsandculture.google.com/asset/ivory-plaque-with-the-adoration-of-the-magi/YAGZrToBgTjEfg

The British Museum. (n.d.). Retrieved March 31, 2024, from https://www.britishmuseum.org/collection/object/H_1904-0702-1

1923

Käthe Kollwitz

Xilografía

Tinta, Papel

Altura: 34 cm; ancho: 27,3 cm

Expresionismo

Pintura

Museo de arte Ateneum

Galería nacional finlandesa

Donación de Michael Brooks

Klipsten 169 (III, von IV); Knesebeck 182 IV 6 (von VI) República de Weimar, Xilografía, Kollwitz, Impresión de noticias

Ateneum Art Museum. (2024, February 12). Gothic Modern | Ateneum Art Museum. https://ateneum.fi/en/exhibitions/gothic-modern/

La obra del arte románico es una placa de marfil de elefante que muestra la adoración de los Reyes Magos hacia la virgen Maria y Jesucristo el recién nacido, fue tallada en el siglo V en Tesalia, Grecia. Por otro lado, la obra de arte gótico llamada ‘Hambre’ de la artista Käthe Kollwitz es mucho más reciente, del año 1923, esta usa tinta y papel creando una xilografía que muestra una madre desesperada que no puede alimentar a su bebé. Esta obra es un grito de ayuda frente a la crisis financiera que deriva del desempleo, la inflación y el pago de compensaciones de guerra a las naciones aliadas a principios de la década de 1920 en Alemania. De manera contrastante, la primera obra muestra al niño Jesús envuelto en túnicas, cuidado por su madre, un ángel quien sostiene una cruz y los tres reyes magos quienes traen ofrendas sagradas con las manos veladas. En el panel inferior de esta placa de marfil el niño Jesús aparece envuelto en pañales en un pesebre de mampostería rodeado por los símbolos tradicionales del buey, el asno y la estrella de Belén.

Aunque proceden de contextos diferentes, ambas obras se caracterizan por el amor al hijo y el sentido de maternidad que proviene tanto de la virgen Maria, mostrada con los ojos abiertos y de mayor escala que las otras figuras como símbolo de protección e importancia prevalente para su bebé, como de la madre desesperada quien derrama en llanto por no poder dar comida a su bebé que se muestra en esqueletos, un fuerte carácter apelativo.

Raffaello Sanzio Da Urbino

66 x 52 cm

siglo XVI - 1505-1507

Pintura al óleo, sobre tabla de roble, panel

Retrato

Palacio Pitti

Florencia, Italia

Lienzo Leonardo (satinado)

Impresión sobre lienzos de algodón

Analisis:

‘La Donna Gravida’ o ‘La Mujer Embarazada’ es una pintura al óleo sobre tabla de roble realizada por el artista renacentista italiano Raffaelo Sanzio alrededor de 1505-1507. Se muestra una mujer joven, sentada en un estado avanzado de embarazo. Esta mujer ocupa el centro de la composición destacándose como el punto focal al contrastarse con el fondo neutro y oscuro. Los colores de su ropa como el café, rosa y dorado crean una sensación de calidez y serenidad la cual se suele asociar al embarazo, este enfatizado por el posicionamiento de las manos alrededor de su vientre. Esta sensación de tranquilidad también se alimenta por la postura de la modelo, quien se encuentra sentada cargando el peso de su cuerpo sobre las piernas. 

En respuesta a la época de renacimiento cuando fue creada ‘La Donna Gravida’ Raffaello Sanzio busca la perfección, el equilibrio y la simetría en forma de expresión del racionalismo científico de la época. Presenta un estilo naturalista y detallado que acentúa la modelación volumétrica del cuerpo embarazado de la mujer. Para esto Sanzio juega con el componente de luz y sombra, añadiendo profundidad y volumen a los contornos de los detalles anatómicos de la modelo, dando tridimensionalidad a su obra. 

A diferencia de las otras obras de mi línea del tiempo hasta el momento, La Donna Gravida es una representación realista y humanista del embarazo, siendo una de las más importantes en la historia del arte occidental. La obra exalta la belleza y la dignidad de la maternidad, alejándose de los estereotipos tradicionales que retrataban a la mujer embarazada de manera peyorativa o moralizante. De cierta manera esta obra anticipa el surgimiento del retrato moderno.

USEUM. (n.d.). La donna gravida by Raphael | USEUM. https://useum.org/artwork/La-donna-gravida-Raphael-1505

Jan van Eyck - activo 1422; murió 1441

Países Bajos

1434

Óleo sobre roble

82,2 × 60 cm

Pintura al óleo

Parece estar embarazada, ilusión optica, no embarazada

Eyck, J. van. (1970, January 1). Jan van Eyck, the arnolfini portrait. Jan van Eyck | The Arnolfini Portrait | NG186 | National Gallery, London. https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/jan-van-eyck-the-arnolfini-portrait

Marx Reichlich

Primera mitad del siglo XVI

Alte Pinakothek, Múnich, Alemania

Cuadro, pintura

Museo de Historia del Arte de Viena

Estilo artístico del Renacimiento - detalle y perspectiva

Realismo

Encuentro entre María y su prima Isabel, embarazadas de Jesús y Juan el Bautista como se indica en sus vientres.

Reunión de María e Isabel. KUADROS. (2024). https://kuadros.com/es-co/products/reunion-de-maria-e-isabel-marx-reichlich

Francisco de Zurbarán

1638-1639

Estilo: Barroco

Material: Óleo y lienzo

Tecnica: Óleo sobre lienzo, aceite

Pintura

Dimensiones: 217 x 316 cm

Museo de Grenoble

Restaurado en 1987

El Arcángel Gabriel le comunica a María que de su vientre nacería el Mesías

López, J. E., Marcano Torres, M., López Salazar, J. E., López Salazar, Y., & Fasanella, H. (n.d.). El arte barroco. Las formas en el barroco. Gaceta Médica de Caracas. http://ve.scielo.org/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0367-47622004000400005

El rapto de las sabinas

Jacques Louis David 

Louvre, París (Francia)

1799

Neoclasicismo

Óleo sobre lienzo

386 x 520 cm

Equipo de Desarrollo de la Dirección de Sistemas | Secretaría de Gobierno de Cultura. (n.d.). El rapto de las sabinas. Museo Nacional de Bellas Artes. https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/8630/

Parto armado de Artaiz

Igelsia de San Martín de Artáiz

Navarra, España

Meridonial

Mujer casada dando a luz

XIX

Epístola de Santiago: "Cada cual es tentado por su propia concupiscencia, que le atrae y seduce. Después la concupiscencia concibiendo, pare pecado, y el pecado, llegado a término, engendra muerte".

Artaiz - San Martín- Romanico en Navarra-A.Garcia Omedes. (n.d.). http://www.arquivoltas.com/6-navarra/Artaiz04.htm

“Las Sabinas” de Jacques-Louis David representa una escena legendaria que sigue el rapto de las sabinas por la generación fundadora de Roma. David crea esta obra de arte siguiendo la Antigüedad clásica con un estilo neoclásico idealizado. A través de su técnica de óleo sobre lienzo transmite como el amor y la protección de los niños prevalecen sobre el conflicto. Aunque la escena es violenta, hay un trasfondo relacionado con la procreación y la continuidad de la nueva nación romana a través de las futuras uniones y embarazos de las sabinas raptadas al igual de la protección maternal y paternal sobre los niños que se encuentran en el medio. Mientras que en la obra de David el tema del parto y la procreación es un telón de implícito en el mito fundacional de Roma, en “La Anunciación” de Francisco de Zurbarán ese mismo tema es el núcleo central de la iconografía mariana, un dogma que exalta la maternidad divina de María. El arcángel San Gabriel, de túnica rosada lila, trae el mensaje a la Virgen del Misterio de la Anunciación embarazada, vestida de ropaje rojo pálido y manto azul  pizarroso, que concebirá y dará a luz al hijo de Dios por medio del Espíritu Santo. A través del dramático juego de luces y sombras para resaltar la importancia espiritual del momento, con figuras que parecen casi surgir de la oscuridad genera una sensación de asombro y reverencia, representando un evento divino de gran importancia teológica.

Honoré Daumier (Frances, Marsella 1808–1879 Valmondois)

1864

Óleo sobre lienzo

65.4 x 90.2 cm

Pintura

Realismo Francés del siglo XIX

Museo Metropolitano de Nueva York

Met Quinta Avenida en la Galería 802

Colección H. O. Havemeyer, Legado de la Sra. H. O. Havemeyer, 1929

French, H. D. (1864, January 1). Honoré Daumier: The third-class carriage. The Metropolitan Museum of Art. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/436095

La cuna

Berthe Morisot (1841 - 1895), Francesa

1872

460 x 560 cm

Musée d'Orsay, París

Óleo sobre lienzo

How impressionist Berthe Morisot painted women’s lives - JSTOR DAILY. (n.d.). https://daily.jstor.org/how-impressionist-berthe-morisot-painted-womens-lives/

Analisis:

La obra “Le Berceau” de la artista francesa Berthe Morisot es una pintura al óleo sobre lienzo realizada alrededor de 1872. Muestra una escena doméstica intimista en el interior de una alcoba; una madre sentada junto a la cuna de su hija recién nacida. Como hilo conductor el artista Morisot sigue la idea de maternidad a través de sus obras presentando objetos como la cuna y utilizando técnicas como ángulos, luz y relaciones de madres e hijos. La composición del cuadro se basa en la diagonal formada por la mirada de la madre hacia su hija dormida que se cruza con el velo que rodea la cuna. El artista crea un espejismo entre madre e hija representado por su posición de los brazos; los brazos izquierdos de las dos doblados en la misma posición, y ambas rodeadas de tela blanca, la bebe por el velo y la madre por la cortina. La intimidad de esta obra se acentúa con estas telas blancas que encarcelan a la madre e hija en un lugar seguro y de paz, separando a los espectadores de su intimidad con el velo blanco que cubre al bebé. La pintura sigue el juego de luces y sombras característico del impresionismo esto acentuado al envolver al recién nacido en un drapeado diáfano. Siguiendo con esta idea, resalta el traje oscuro y cuello blanco de la madre frente a los colores de gama clara que denotan la tranquilidad y pureza del ambiente. Presenta una buena armonía presentando a Edma y a su bebé en el centro de la obra, llevando a un protagonismo y a una buena composición de la obra. Se pueden identificar pinceladas sueltas y fluidas transmitiendo la espontaneidad y los momentos fugaces que ella como impresionista se esforzaba en capturar en su obra. 

La maternidad era un tema común en el arte del siglo XIX. Morisot aborda este tema de una manera fresca y moderna, alejándose de la idealización tradicional de la maternidad y enfocándose en la intimidad y la naturalidad del momento.

Abril, 1958

Corto cinematográfico

Agnès Varda

16 minutos

Pieza en blanco y negro

Ciné Tamaris

Albores de la nouvelle vague francesa

Foetus gótico

Screening the past. Screening the Past. (1958). http://www.screeningthepast.com/issue-34-first-release/ten-fingers-and-nine-toes-embodied-representations-of-pregnancy-in-avant-garde-cinema/