Un courant humaniste naît. Alors que Dieu était au cœur de la pensée médiévale, la Renaissance place l'homme au centre de ses préoccupations.
On s’interroge sur le monde qui l’entoure. Les humanistes sont des penseurs, des écrivains ou des savants. Ils apprennent les langues pour traduire, avec exactitude, les textes anciens. Ils sont passionnés par l’antiquité et veulent changer la place de l’homme dans la société.
 
En Hollande, le penseur Érasme (vers 1467-1536) préconise l’éducation et la lecture des textes pour former l’esprit critique. 

Aujourd’hui, nous sommes toujours fiers de cet héritage artistique sans pareil. Vous pouvez admirer l’héritage laissé par les Primitifs flamands dans de nombreux musées disséminés aux quatre coins de la Flandre. Les plus importants sont le Musée royal des Beaux-Arts d’Anvers, les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles et le Musée Groeninge à Bruges. Citons par ailleurs le Musée des Beaux-Arts de Gand, le Musée M de Leuven , le Musée Mayer van den Bergh à Anvers et le Musée de l’Hôpital Saint-Jean à Bruges, qui possèdent eux aussi une série d’œuvres réalisées par les Primitifs flamands.

Le baroque, qui touche tous les domaines, se caractérise par l’exagération du mouvement, la surcharge décorative, les effets dramatiques, la tension, l’exubérance des formes, la grandeur parfois pompeuse et le contraste.

L’époque baroque a tenté de dire « un monde où tous les contraires seraient harmonieusement possibles ». 

À l'origine, le baroque était un terme péjoratif, relevant de la bizarrerie et de l'étrangeté. L’adjectif « baroque » apparaît au XVI^e siècle sous le nom de berrueco (en Espagne) et barroco (au Portugal) pour désigner, en joaillerie, une perle irrégulière. 

Le mot « baroque » pourrait aussi provenir d'un moyen mnémotechnique utilisé à la Renaissance pour retenir la façon de construire, en logique aristotélicienne, un des syllogismes de la deuxième figure, Baroco.

La bizarrerie qu'on attache depuis toujours au baroque serait née de cette manière futile et pédante de raisonner, pour finir, au XVIII^e siècle, par désigner « la forme la plus extrême du bizarre »². 

Il touche tous les domaines artistiques, sculpture, peinture, littérature, architecture, théâtre et musique et se répand rapidement dans la plupart des pays d’Europe. 

Des artistes, en marge de l’art officiel de la seconde moitié du XIXeme siècle, créent en 1863 le Salon des refusés, qui rassemblent les peintures qui ne sont pas admises au salon officiel. Principal vecteur entre les artistes et le public, le Salon officiel permettait la célébrité et l’accès au marché de l’art aux peintres qui respectaient les conventions académiques de l’époque.
 
En plus du Salon des refusés, le groupe qui deviendra bientôt connu sous le terme d’impressionniste (nom attribué de manière péjorative par un critique d’art regardant le tableau de Monet Impression, soleil levant) décide d’organiser des expositions indépendantes. L’académie crie au scandale et les critiques attaquent avec violence le style présenté par le groupe. Néanmoins les cercles cultivés et intellectuels adhèrent rapidement à cette peinture nouvelle, à sa texture brute et épaisse, à son rendu “non fini“ qui s’attache à traduire une impression plutôt qu’à rechercher la perfection réaliste du dessin. 
 
Si les impressionnistes sont en marge de l’art officiel et incarnent la révolte picturale de leur temps cela est totalement indépendant de leur volonté. Ils font une peinture qui s’adresse à la bourgeoisie. Leur univers est calme, joyeux, léger, insouciant. Ils peignent des scènes de la vie quotidienne avec le souci de créer une "vérité visuelle" qui tient compte de la lumière et de ses effets sur les motifs qu’ils intègrent à leurs compositions. Le sens philosophique de la scène, les sentiments ou l’introspection ne sont pas leur propos. 
 
C’est en fait une autre forme de réalisme que les premiers impressionnistes, Monet et Renoir en particulier, cherchent à mettre en place à la fin des années 1860, sans toutefois figer leurs innovations dans une quelconque théorie esthétique. 
   
Les impressionnistes reprennent aux réalistes l’idée de ne peindre que des sujets contemporains et ils y ajoutent leur volonté de les représenter tels qu’ils les perçoivent à l’endroit et à l’instant où ils les réalisent leur tableau. Cela est rendu possible par l’apparition récente du tube de peinture souple qui permet aux artistes de sortir pour aller peindre hors de l’atelier. 
L’invention de la photographie a également joué un rôle dans l’art du XIXeme siècle grâce la possibilité qu’elle offre pour imaginer de nouveaux cadrages mais surtout dans le fait que l’image fige le motif à un instant précis, gardant sur l’image les effets atmosphériques présents lors de la prise du cliché ; effets qui auraient été supprimés par la volonté d’idéalisation des peintres académiques. 

En France, l’Art nouveau a émergé au début des années 1890, et fut rapidement qualifié de « style nouille », en raison du privilège donné aux arabesques sur les lignes droites. Il touche principalement l’architecture et les objets de décoration d’intérieur, comme les meubles et les verreries. L’architecte Hector Guimard en est l’un de ses plus célèbres représentants. La promotion de l’Art nouveau fut assurée par le marchand Samuel Bing qui ouvrit un magasin à Paris en 1895. Les représentants du style (Louis Majorelle, Émile Gallé, René Lalique, Eugène Grasset…) s’illustrent particulièrement lors de l’exposition universelle de 1900.

Ses œuvres se caractérisent par des motifs et couleurs exubérants, principalement inspirés par la flore, le monde marin et le japonisme. Le but est la création de formes à la fois simples et harmonieuses.

En Allemagne, comme en France, l’émergence de ce nouveau style décoratif souhaite remettre au goût du jour les vertus de l’artisanat, face à l’émergence de la production industrielle. Là encore, il s’agit d’une esthétique fin de siècle, marquée par la volonté de créer un art total. En Autriche, la richesse de cette inspiration symboliste s’exprime au travers de la personnalité de Gustav Klimt et de l’organisation de Sécessions, des expositions internationales. Aux quatre coins de l’Europe, de nombreux bâtiments témoignent de l’influence de cette esthétique, comme les constructions d’Antoni Gaudí à Barcelone, le bâtiment de la Sécession à Vienne, certains hôtels particuliers de Bruxelles ou encore les bouches de métro parisiennes réalisées par Hector Guimard.

La Grande Guerre signe de la fin des inspirations libres et volubiles de l’Art nouveau. Il cédera la place au style Art déco qui, dans les années 1920, promeut un retour au classicisme.

  

APRÈS CÉZANNE 

 Cézanne remet en question la perception en perspective issue de la Renaissance Italienne. Il déforme les volumes et les plans, quitte à créer de « fausses perspectives ». Dans ses natures mortes, on peut observer simultanément différents points de vue et des décalages de plans. Par exemple, la table est montrée vue du dessus, alors que les fruits sont représentés vus de face. Il n’hésite pas à s’éloigner de la « justesse » du dessin, et à déformer les choses, si cela peut servir sa composition et mettre en valeur tel ou tel contraste qui l’intéresse, ou s’il veut mettre en avant une forme particulière. 

 Il aboutit aussi dans ses compositions à une grande simplification des formes et des surfaces colorées, de plus en plus géométriques, qui s’éloignent de la représentation réaliste de la peinture classique. 

  

REPRÉSENTER CE QUE L'ON SAIT 

 Suivant la voie ainsi ouverte Georges Braque et Pablo Picasso, les premiers, ont la volonté de représenter l’objet tel qu’il est, dans sa globalité, dans son intégralité, et non tel qu’on le voit de manière directe, c’est-à-dire du seul point de vue de notre oeil. Il y a donc une rupture radicale avec la représentation perspective à point de fuite de la Renaissance qui présente la scène de manière réaliste à partir d’un point de vue unique qui correspond à celui de notre regard. 

  

Les cubistes veulent montrer ce qui fait l’essence d’une chose, la montrer dans son intégralité. Ils veulent montrer tout ce qui peut caractériser une forme, même si dans la réalité, on ne peut pas le percevoir simultanément. Par exemple, ce qui caractérise une tasse, c’est l'anse que l’on voit quand on l’observe de face, l’ellipse qui se dessine quand on la regarde d’au-dessus, et la forme du récipient lui-même vu de profil. 

  

Le cubiste, va chercher à montrer l’essentiel de ce qu’est une tasse, en représentant ses différentes caractéristiques, ses différents plans, simultanément sur le plan de la toile, même si cela ne correspond pas à ce que l’on peut observer dans la réalité. Ce principe est appliqué aux objets comme aux personnages. 

 Cela fait penser aux représentations égyptiennes dans les hiéroglyphes, qui, pour signifier la chose en montrent les éléments caractéristiques et essentiels, même s’ils ne se situent pas nécessairement sur un même plan dans la réalité : pour montrer une vache, on va en montrer le profil, et simultanément, les cornes qui la caractérisent, vues de face. Il en va de même pour les personnages qui sont représentés avec le corps vu de face et le visage de profil. 

 On voit d’ailleurs à cette époque de nombreuses références à l’Afrique et à l’Egypte dans toute la culture, aussi bien littéraire, que théâtrale, au cinéma ou en musique. Le thème des momies est souvent emprunté ainsi que de nombreux thèmes orientaux et africains. C’est la mode de l’exotisme et de la fascination des autres continents que sont l’Asie, l’Inde et l’Afrique. 

 L’aspect géométrique des formes cubistes est aussi très inspiré des sculptures africaines. De nombreux artistes s’y intéressaient de très près. Certains portraits ressemblent en effet à s’y méprendre à des copies de masques africains. 

  

Inspiré par ces types de représentations, le cubisme cherche à traduire la vérité de l’objet en l’analysant de manière concrète dans chacune de ses parties et à rendre compte de ses différents points de vue sur une même image. Mais l’analyse des formes et est de plus en plus complexe et les formes deviennent de plus en plus morcelées, fractionnées. À force de complexité, les cubistes finissent par perdre la lisibilité de l’image. 

 Face à cette perte de l’image, les artistes ressentent alors le besoin d’introduire des éléments rapportés pour permettre à nouveau la reconnaissance de l’objet. Ils introduisent alors dans leurs tableaux des éléments issus du réel, pour donner des indices et permettre à nouveau la reconnaissance de l’objet : lettres, chiffres, fragments de matériaux divers, échantillons prélevés dans le monde réel. 

Le surréalisme a pour origine le mouvement Dada, né de la première guerre mondiale. André Breton en donne sa définition dans son manifeste du Surréalisme en 1924.

Ce mouvement utilise les théories (un ensemble d’idées) sur les rêves et sur l’inconscient (ce qui est en dehors la connaissance réelle de soi) de Sigmund Freud (médecin neurologue, inventeur de la psychanalyse, 1856-1939). 

Le surréalisme invente « un jeu qui consiste à faire composer une phrase, ou un dessin, par plusieurs personnes sans qu’aucune d’elles puissent tenir compte de la collaboration ou des collaborations précédentes » ; appelé Cadavre exquis.

Une œuvre surréaliste se compose généralement d’éléments inattendus, qui n’ont pas forcément de lien les uns avec les autres. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques, grâce au hasard. Ils utilisent différentes techniques comme le dessin automatique, le collage, le frottage… Les thèmes, que l’on retrouve souvent sont : le rêve, l’imagination, les phénomènes extraordinaires… 

Le mouvement grandit très vite pour s’épanouir en Allemagne, puis dans toute l’Europe. S’opposant à l’expressionnisme et à l’art abstrait, le mouvement, qui n’a pas vraiment de chef de file, intrigue et attire les foules. 

Au niveau esthétique, Dada est marqué par la spontanéité de la création : les artistes se plaisent à exécuter des performances devant public, explorant la part de hasard qu’amène l’art de performance. 

Le terme Dada est issu d’un jeu de hasard : les fondateurs se munissent d’un dictionnaire, y insèrent un coupe-papier et donnent à leur nouveau-né le premier mot sur lequel ils tombent. 

Dada, terme qui se prononce et se lit dans pratiquement toutes les langues, représente bien les désirs d’internationalité et de mixité que veulent aller chercher les fondateurs du groupe. 

En encourageant les artistes de tous milieux et en acceptant des propositions de toutes natures, Dada réunit les avant-gardes et se développe en de multiples branches, qui donneront naissance à plusieurs mouvements artistiques, dont le surréalisme d’André Breton. 

Les débuts de l’art abstrait sont difficiles à cerner. On constate en effet l’apparition simultanée de différents peintres aux styles variés, chacun apportant sa touche très personnelle à la définition de l’abstraction.

S’il devait être donné une date au début de l’art abstrait, 1910 fait (quasiment) l’unanimité.
Elle correspond à la Première aquarelle abstraite de Vassily Kandinsky.  Ainsi se définira l’art abstrait : un art qui, à l’opposé de l’art figuratif, ne représente pas la réalité, s’en abstrait. Cet art se concentre sur les couleurs et les formes. Il est libéré des habituels sujets ou objets du monde extérieur.

L’art abstrait est une mouvance riche, rapidement divisée en sous-catégories aux codes bien précis.

Kandinsky est le représentant de l’abstraction lyrique ; l’on trouve au coeur de ses préoccupations la puissance des émotions et l’impact de la couleur sur l’être humain.

Malevitch représente le suprématisme : un mouvement qui recherche la sensibilité picturale pure et où les formes et les couleurs sont travaillées pour elles-mêmes. 

Piet Mondrian, quant à lui, ouvre la voie vers l’abstraction géométrique, un art presque mathématique.

On note également le développement de l’orphisme. Il a été porté par les époux Delaunay. Ils usent de couleurs acidulées et formes arrondies recouvrant entièrement la toile. Ces différentes tendances sont quasiment concomitantes, et durent jusqu’aux années 30.

Abréviation anglaise de Popular Art, Art populaire, le pop art s’appuie sur une approche qui vise la déconstruction des images issues de la culture de masse. 

• Période. 
• Courant artistique. 
• Nom de l’artiste.
• Titre de l’œuvre.
    Description formelle. 
• Interprétation de l’oeuvre.
• Description technique (exemple : huile sur toile).
• Année de création (finalisation) de l’œuvre.  
• Lieu d’exposition (ville et musée).

Voici quelques astuces pour t'aider dans la réalisation de ton carnet. 

Tu peux utiliser un carnet existant ou réaliser ton carnet au départ des feuilles de dessin distribuées en classe. A toi de trouver la meilleur manière de relié l'ensemble ( Une toile de reliure, une ficelle .... ).

   2. Le contenu :

Chaque page doit présenter un artiste, son courant et les oeuvres présentées en classe sous la forme d'une petite fiche d'identité. L'idéal est évidemment de garder la même mise en page pour l'ensemble du carnet afin de faciliter la lecture de celui-ci.

   3. Les informations : 

                                                      
 | ° La période  | ° Interprétation de l'oeuvre
 | ° Le courant artistique  | ° Description technique ( ex : Huile sur toile )
 | ° Nom de l'artiste  | ° Année de création (finalisation de l'oeuvre)
 | ° Titre de l'oeuvre  | ° Lieu d'exposition. (Ville et musée).
 | ° Description formelle  | ° Petites anecdotes insolites

Dans les années 40-50 se développe une nouvelle mouvance de l’abstraction, instiguée par les peintres américains. Il s’agit de l’expressionnisme abstrait. 

Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, ce style nouveau envahit littéralement le paysage artistique. 

Des figures comme Jackson Pollock et Willem de Kooning marquent les esprits et comptent encore aujourd’hui parmi les plus prisés sur le marché.

Au sein de l’expressionnisme abstrait, plusieurs dénominations sont utilisées selon les artistes. Pollock, par exemple, est le représentant de l’action-painting. Elle est une peinture caractérisée par les gestes virulents du peintre, qui secoue son pinceau au-dessus de la toile. Cela crée des taches de couleur (« spotting ») qui forment peu à peu l’œuvre.

Ici, c’est l’acte physique du peintre qui est au centre du processus artistique, et non le sujet (par ailleurs inexistant) du tableau. Le colorfield-painting, grands aplats de couleurs vibrantes, est porté par des artistes comme Rothko ou Clyfford Still, et prône une autonomie de la couleur, libérée du sujet et de la toile.

Le street-art parsème l’univers visuel des grandes cités. On en retrouve sur les murs, les trottoirs, les rues, dans les parcs ou sur les monuments. Le terme est par ailleurs utilisé afin de différencier une forme artistique d’un mouvement territorial ponctué de vandalisme et d’illégalité. 

Le désir d’être subversif, de provoquer, de représenter ce que tout le monde pense tout bas serait à l’origine de ce courant, la rue étant la plateforme la plus large et la plus puissante dans un but de visibilité.

Artiste américain majeur du XXème siècle, Keith Haring a incontestablement marqué le monde du Pop art et l’univers du Street art. Artiste militant, il n’a cessé d’aborder des sujets parfois épineux, le tout en un trait reconnaissable et minimaliste.

L’univers de l’artiste fait d’ailleurs écho à la bande-dessinée et aux codes des dessins animés. Malgré l’absence de visage distinct, ces bonhommes colorés ne restent pas inexpressifs pour autant, c’est tout l’art de Keith Haring ! L’une des priorités de l’artiste est ainsi de rendre son art accessible au plus grand nombre.