As principais estátuas representavam a fertilidade da mulher, com seios e barriga fartas representando a gravides da mulher da pré história

DOLMENS- consistia em duas ou mais pedras grandes fincadas verticalmente no chão, como se fossem paredes, e uma grande pedra colocada na horizontal sobre elas, parecendo um teto.

Eles habitavam as terras férteis do vale dos rios Tigre e Eufrates, territórios que hoje pertencem a Turquia e ao Iraque. Os principais povos mesopotâmicos foram: os sumérios, os acádios, os assírios, os caldeus e os babilônicos.

As construções arquitetônicas foram marcadas pela grandiosidade nas quais incluíam arcos, pinturas murais, esculturas e decorações em baixo relevo, sobretudo nos templos e palácios.

Os principais materiais utilizados para erguer essas construções eram a argila e os tijolos queimados e cozidos ao sol. Com principal exemplo, podemos citar o “Zigurate de Ur”, uma espécie de templo em forma de piramidal criado pelos SUMÉRIOS para adoração dos deuses.

Os principais materiais utilizados para a produção da arte mesopotâmica eram a argila, o adobe, a terracota, a cerâmica, o cobre, o bronze, o basalto, o ouro, a prata, o estanho, o alabastro, o junco, o marfim e ainda, diversas pedras preciosas.

A Arte Egípcia nasceu há mais de 3000 anos a.C. e está ligada à religiosidade, visto que a maior parte das suas estátuas, pinturas, monumentos e obras arquitetônicas se manifesta em temas religiosos.

Assim, o interior dos templos, bem como as peças ou espaços relacionados com o culto dos mortos, eram artisticamente elaborados. Os túmulos são um dos aspectos mais representativos da arte egípcia.

Isso porque os egípcios acreditavam na imortalidade da alma e que ela poderia sofrer eternamente, caso o corpo fosse profanado.

Daí decorre a mumificação e o caráter monumental do local onde as múmias eram colocadas, cujo objetivo estava voltado para protegê-las pela eternidade.

Os olhos também são retratados de frente. Essa maneira de representação cria uma combinação visual lateral e frontal.

As pirâmides do deserto de Gizé são as obras arquitetônicas mais famosas da arquitetura egípcia. É também na região de Gizé que se localiza a esfinge mais famosa, a Grande Esfinge de Gizé.

Enquanto o mastaba era o túmulo dos egípcios, as pirâmides eras os túmulos dos seus faraós, que eram considerados os representantes de Deus na terra.

É importante referir que a base do triângulo representava o faraó e a sua ponta representava a sua ligação com Deus.

O povo grego foi na antiguidade um dos que exibiam manifestações culturais mais livres, rendendo-se pouco às ordens de reis e sacerdotes, pois acreditavam que o ser humano era a concepção mais incrível do universo.

A arte grega passou pelos períodos arcaico, clássico e helenístico, e cada uma dessas fases históricas, influenciou a elaboração das obras.

As pinturas e esculturas eram concebidas a fim de serem belas e assim perfeitas, de acordo com os princípios da filosofia grega. Esta, talvez, seja a principal característica da arte grega

Havia ainda a utilização das abóbodas, que podiam ser de dois estilos: as de berço e as de arestas.

As abóbodas de berço eram mais simplificadas, baseavam-se em uma estrutura em semicírculo chamada arco pleno. Por conta de algumas desvantagens nesse tipo de construção, como a pouca luminosidade e riscos de desabamento, foi criado um novo estilo, a abóboda de arestas.

Nela, duas abóbodas de berço eram apoiadas sobre pilares, em ângulos retos. Dessa forma, conseguiram criar ambientes melhor iluminados e mais seguros.

Era utilizada a técnica do afresco, em que a pintura era feita sobre uma parede úmida. Diversos murais, iluminuras e tapeçarias surgem com temas religiosos. Feitas em cores vivas e fortes, elas preenchiam as paredes dos templos religiosos.

Isso porque na Idade Média, poucos sabiam ler e escrever e, assim, essas pinturas serviam de “alfabetização religiosa” para os mais leigos.

Por isso, a grande temática girava em torno da religiosidade, visto que nesse período o teocentrismo (Deus como centro do mundo) foi uma forte característica.

Eram esculturas antinaturalistas e normalmente representadas por figuras entalhadas nas paredes das igrejas. Alguns relevos também enfeitavam as fachadas.

Denominada de arte das catedrais, ela era realizada nas cidades. Foi uma reação ao estilo românico e pretendeu rivalizar com os mosteiros e basílicas que eram construídas no campo.

Na época em que a Arte gótica surgiu, a economia da França estava em ascensão, por conta da evolução do comércio de mercoadorias, e a ascensão da igreja católica. Portanto, a Arte Gótica marca o triunfo das cidades, onde a Igreja percebe ter o apoio de uma grande parcela dos fiéis, para quem irá construir catedrais. Elas representavam símbolos do poder político da Igreja e econômico da burguesia.

Serão as catedrais a exaltarem a beleza do ideal divino, por meio de uma harmonia permeada pela religiosidade

Arcos: arcos de volta quebrada ou os arcos de ogiva eram os mais empregados nas construções góticas.

Arcadas: representam uma sequência de arcos sustentados por colunas, geralmente encontrados nos claustros.

Abóbodas: as mais utilizadas no estilo gótico foram as abóbadas de cruzaria. São estruturas côncavas utilizadas nos tetos.

Arcobotante: estrutura em forma de meio arco, as quais eram utilizadas para conferir maior sustentação às altas construções góticas.

Vitrais: pedaços de vidros coloridos e com temas religiosos marcam o estilo gótico. Os vitrais foram muito usados como ornamentos no interior das catedrais góticas pois permitiam maior entrada de luz nas construções.

Gárgulas: estrutura situada nas calhas dos telhados com o intuito de escoar água. Normalmente, eram adornadas com figuras animalescas e monstruosas. Há lendas de que essas criaturas eram guardiões das igrejas e durante a noite ganhavam vida

De toda forma, ela buscou transmitir o mesmo naturalismo e simbolismo religioso da escultura e da arquitetura.

Os vitrais, pedaços coloridos de vidro unidos por chumbo, tinham como objetivo emocionar o expectador e ensiná-lo sobre a religião católica.

De forma mais autônoma, a pintura irá se desenvolver nas iluminuras dos manuscritos, onde o volume irá se aproximar das formas escultóricas que adornam a catedral.

É muito comum, nessas pinturas, a substituição da luz por fundos dourados, bem como a figuração de personagens religiosos com pouco volume.

Podemos citar como grandes expoentes da pintura gótica o italiano Giotto di Bondone (1267-1337) e o holandês Jan Van Eyck (1390-1441).

A subcultura gótica é uma coisa totalmente diferente do movimento artístico gótico, a subcultura se baseia na oposição a tradição do padrão de beleza mundial, levando em conta também a política, sendo um movimento progressista que luta contra o alto consumismo. Tendo expressões como músicas, roupas, estilos de cabelo, e até maneiras de se viver, como por exemplo adotar a compra de roupas em brechós.

Já o movimento artístico gótico se baseia na crença da igreja católica.

Leonardo havia cometido alguns crimes na época, como, roubar corpos para o estudo da anatomia e sua suposta homossexualidade. Seu estudo de anatomia era excepcional e foi importante para o grande passo na medicina.

Nesse período, a Europa passava por diversas transformações políticas, econômicas e culturais, tal qual o Renascimento e a Contrarreforma.

Isso fez surgir uma nova estética que fugia dos moldes tradicionais e que se espalhou rapidamente por toda a Europa.

Estilização exagerada, oblíqua e assimétrica

Uso de Espirais, proporções, volumes e perspectivas intrigantes

Capricho nos detalhes (arte de labirintos)

Contrastes de sombra e luz

Figuras alongadas, deformadas e/ou distorcidas

Fortes combinações de cores

Composições ambíguas, tensas, dramáticas, bizarras, perturbadoras

Aproximação com o Barroco e o Realismo

Ruptura com modelos clássicos (Estilo anti-renascentista)

El Greco (1541-1614): pintor, escultor e arquiteto grego

Giorgio Vassari (1511 - 1574): pintor e arquiteto italiano

Giovan Battista di Jacopo “Rosso Fiorentino” (1494-1540): pintor italiano

Jacopo Carucci “Jacobo Pontormo” (1494-1557): pintor italiano

Benvenuto Cellini (1500-1571): escultor e escritor italiano

Jean Boulogne “Giovanni da Bologna” (1529-1608): escultor franco-italiano

Giulio Pippi “Giulio Romano” (1492-1546): arquiteto e pintor italiano

Andrea Palladio (1508-1580): arquiteto italiano

Girolamo Francesco Maria Mazzola “Parmigiano” (1503-1540): pintor italiano

Hans von Aachen (1552 - 1615): pintor alemão

Bartholomeus Spranger (1546-1611): pintor flamengo

Riqueza nos detalhes e formas;

Expressões dramáticas das personagens retratadas;

Preferência pelas curvas e contornos em detrimento das figuras geométricas;

Importância da iluminação e o jogo de luzes e sombras;

Uso de contrastes a fim de evidenciar a proximidade do divino com o humano

Aqui, esse estilo está fortemente relacionado ao catolicismo. Existem muitas igrejas barrocas, entretanto, também é possível encontrar outros projetos arquitetônicos com tais características, por exemplo, câmaras municipais, penitenciárias e residências de pessoas ilustres.

O ouro havia sido descoberto em Minas Gerais, o que propiciou que fossem feitas construções riquíssimas.

Na escultura e na arquitetura, também possuímos um grande acervo de obras barrocas. Damos especial destaque a obras como “Êxtase de Santa Teresa” (1645 – 1652), do escultor italiano Gian Lorenzo Bernini; a “Igreja de Santa Maria della Pace” (1656 – 1657), projetada por Pietro de Cortona; e “San Carlo alle Quattro Fontane”, do construtor italiano Francesco Borromini.

Na arquitetura, há preferência por linhas curvas e simplicidade. Na pintura, predominam as cores suaves e a temática bucólica. Na escultura, sobressai a delicadeza nas linhas. Artistas como Balthasar Neumann (arquiteto), Jean-Honoré Fragonard (pintor) e Ignaz Günther (escultor) foram destaques no período. No Brasil, o principal nome é Aleijadinho (Antônio Francisco Lisboa).

- aristocrático;

- hedonista;

- valorização da delicadeza;

- culto à beleza;

- temas leves;

- decorativo;

- preferência por linhas curvas;

- assimetria;

- presença de cores claras;

- frívolo;

- ornamental.

Minecraft é um jogo de construção e pvp, e dentro possuí quadros que muitas vezes são pinturas na vida real, e O caminhante sobre o mar de névoa é um deles.

Anos após a criação do movimento realista, a união Soviética criou seu próprio movimento tendo seus pensamentos e características parecidas com o realismo.

O realismo soviético era a representação da realidade do país socialista, onde representavam pinturas nacionalistas mostrando os governadores como Stalin e Lenin