Dans cette cathédrale qui possède un plan en croix latine, on y trouve trois nefs ainsi qu’un transept perpendiculaire à la nef centrale. 
Sa construction a nécessité une très longue période de construction (80 ans), deux architectes, plusieurs artistes, ainsi q’une réflexion de plusieurs décennies pour la mise en place de la coupole (l’idee est venue de Brunelleschi).
Cette cathédrale a aussi été le témoin d’un massacre en 1458 lorsque Laurent et Julien de Médicis qui détiennent alors le pouvoir Florentin ont été attaqués.
Il y a aussi une immense fresque qui a été réalisée au XVIe par Vasari. Le sujet de cette immense fresque est le jugement dernier.
Je trouve personnellement qu’autant du point de vue architectural(absolument extraordinaire) que du point de vue artistique (très recherché), cette cathédrale est un des plus beaux monuments de la ville de Florence.

Axel Salahud 2nde B

Nous pouvons voir le sacrifice d’Isaac par son père Abraham qui, pour prouver sa foi envers Dieu devait sacrifier son unique fils.
Ces deux œuvres sont réalisées par Ghiberti ( à droite) et Brunelleschi  ( à gauche) 
Les portes du paradis font face au baptistaire et sont ornées des scènes de l’ancien Testament.
Ghiberti gagne ce concours. 
L’oeuvre de Brunelleschi est jugée plus virtuose mais elle fut réalisée avec différentes parties regroupées à la fin même si elle est jugée plus violenteL’Eglise jugea son œuvre plus lourde en termes des poids et les portes seront alors plus chères à réaliser,  donc le vainqueur fut Ghiberti 
Ils ont tous les deux utilisés la fonte du bronze à la cire perdue, une technique perdue depuis l’Antiquité.
Pour ma part, je trouve celle de Brunelleschi plus virtuoses et plus profonde. Son œuvre est plus détaillée tandis que celle de Ghiberti est plus lourde dans le sens des traits des personnages.

A ses pieds, nous retrouvons Marie qui est pensive et Saint Dominique, intellectuel, plongé dans un ouvrage.

Finalement, il évite l’Ordalie et se fait pendre puis brûler.

Je trouve cette œuvre très intéressante et importante car ayant eu la chance de m’être rendue sur la place de nos jours, je peux nettement considérer l’évolution du lieu et son histoire.

Au centre, nous trouvons un vase de fleurs  de lys et l’ange tient dans sa main une branche d’olivier. Au dessus sont rassemblés des petits anges autour d’une colombe, symbole de la paix. 

Ce tableau est annonciateur  de la Renaissance en humanisant les personnages grâce à l’usage des expressions faciales. Nous pouvons remarquer l’expression dégoûtée de la vierge et la retenue de l’ange.

À gauche, nous apercevons le représentant de Florence et à droite, une saint martyre.

J’ai aimé cette œuvre car je trouve que l’omniprésence de l’or la fait rayonner, la lumière qu’elle émet rempli l’espace. Mais aussi, le début du « Ave Maria » peint minutieusement par l’artiste avec un certain relief est très original: la Grammaire se mélange à l’Art.

Cette oeuvre est conservée au musée des Offices.

Cette représentation va respecter les convenances avec les portraits de grandeur nature et le fait de ne pas représenter l’œil borgne du duc. Pour cela, les positions traditionnelles de l’homme et de la femme vont s’inverser.

Au verso, nous trouvons leur triomphe et celui de leurs valeurs (intériorité des personnages): leur amour est au delà du physique. Y sont représentées les 4 vertus cardinales : la justice, la force, la tempérance et la prudence et les 3 vertus théologales : foi, espérance et charité.

Ce diptyque se résume à l’éloge d’un homme aimant profondément sa femme et donc à une commémoration. C’est cette vision idéalisée de l’amour qui me marque. Je trouve cela tellement poétique et tellement pur. Qui ne rêverait pas d’une idylle éternelle ?!

On peut voir que Lorenzeti reprend la pensée d’Aristote : deux types de justices, la justice commutative c’est à dire par exemple le même prix pour tous (peu importe les classes sociales) puis la justice distributive qui est par exemple les allocations. L’homme en grand est le bien commun, au dessus de lui se trouvent la foi, l’espérance et la charité qui sont les vertus théologales. Aux côtés du bien commun se trouvent les vertus Cardinals : la force, la tempérance, la justice, prudence avec en plus la paix et la magnanimité. Le bien commun est habillé comme un pape, et en plus ses vêtements sont aux couleurs de Sienne (blanc et noir). En dessous de lui on peut voir la louve et Romulus et Remus, qui sont les symboles de Sienne. 

Cette œuvre est à la fois moderne et à la fois du temps du moyen âge. Moderne car c’est la première représentation du profane, l’homme est au centre de tout et car il y a des références à l’Antiquité (par exemple l’allégorie de la sécurité) l’œuvre est à la fois médiéval car il mélange le religieux au profane, les personnages sont grands ou petits par rapport à leur importance.  

Dans la partie de la frise que j’ai choisi, il est question de la conception du travail qui rend libre l’homme et permet à chacun de s’intégrer dans la société. Nous distinguons à gauche, « les Effets du BonGouvernement dans la ville » et à droite, « les Effets du Bon Gouvernement à la campagne ».

Cette fresque est présentée entre deux frises: celle du dessus représente les saisons et celle du bas, les art libéraux qui rendent libre (le quadrivium et le trivium).

Nous observons sur la partie traitant la ville, l’activité et le commerce de cette dernière et concernant la campagne et les champs, un mixte des temporalités avec la semence et la récolte. C’est d’ailleurs le premier paysage de la peinture occidentale.

C’est aussi la première représentation profane d’une frise de l’histoire de l’art, du quotidien: des gens heureux au travail.

Elle est typiquement médiévale grâce au mélange du religieux et du profane ainsi que le temporel et le spirituel et la variation des personnages en fonction de leur importance. Mais exprime aussi une modernité due à l’importance donnée au paysage, la scène de la vie quotidienne et l’homme placé au cœur de l’œuvre.

Je me suis arrêtée sur cette œuvre car elle a une vraie signification : elle regroupe tous les idéaux et les espérances de l’époque tout en prenant un parti. Elle est très grande et le lien entre la ville et la campagne est remarquable. L’œuvre semble animée tout en étant calme. Le spectateur contemple l’oeuvre d’un regard lointain et peut l’analyser avec un regard extérieur. Néanmoins, je pense que contempler l’œuvre sans informations complémentaires ne lui rendrait pas justice.

Pour éviter que le prêtre professe des hérésies, les lions mangent les hérésies: ils sont gardiens de la maison de Dieu. 

En hauteur, nous retrouvons des tableaux reprenant la vie de Jésus. Cette chaire est faite de marbre de Carrare et est inspirée de l’Antiquité.
À travers cette chaire, Pisano nous transmet sa connaissance solide des étapes de la vie du Christ.
Les expressions « être assis dans la chaire de mensonge » et « être titulaire d’une chaire » signifient professer des hérésies et être responsable d’un département d’une matière spécifique (commun en Angleterre et aux USA).

J’ai aimé cette œuvre parce que sa structure a quelque chose de romantique et de merveilleux. Le marbre est extrêmement bien taillé et proportionné: tout est dans la finesse. De plus, l’utilisation de lions comme stylophores apportent de l’exotisme à cette œuvre antique.

 | 14h30 | Visite du Palazzo Pubblico - Museo Civico
Réservation - Confirmation OK. Franca Muzzi - 
| 15h30 |
Visite de la Cathédrale de Sienne Il Duomo Santa Maria della Scala : Réservation confirmée n°2704108 A payer sur place à la caisse directement
| 17h00  | Temps libre dans Sienne
 | 18h00  | Retour à Florence
 | 19h00  | Dîner au restaurant
 | 20h00 | Retour à la Maison des Oblates
21h00 | Interrogation p  8, 78, 79, 80, 81, 82, 83, 84, 85
| 22h00  | Extinction des feux 

 | JEUDI 24 JANVIER 2019
| 14h00 | Visite de la Galerie de l’Académie, Académie des Beaux Arts qui renferme des œuvres de Michel-Ange et une collection de peintures du Moyen Age et de la Renaissance)/ entrée gratuite pour groupes scolaires (-18 ans) / horaires : 8h30-18h50 (fermé lundi) NUMERO DE RESERVATION : 7443812
|
| Musée des instruments de musique - Piano de Cristofori billet inclus avec la galerie de l’Académie
| 15h30 | Visite de la Piazza della Santissima Annunziata à deux pas de San Marco. Très jolie place dessinée par Brunelleschi, bordée par le Spedale degli Innocenti (hôpital des Innocents) de Brunelleschi.
 | 16h00 |
Jeu de piste Niveau 2
|
17h30 |
Temps libre
18h30  | Dîner au restaurant

 20h00  | Retour à la Maison des Oblates

 21h00 |
Interrogation p. 68, 69, 70, 71, 72, 73, 74, 75, 76, 77, 65, 66, 67 + Jeu de piste Niveau 2

22h00 | 
Extinction des feux 

On remarque que sur le sarcophage se trouve deux personnes, un homme et une femme tout deux nus. La femme représente l’aurore, on la reconnaît car elle semble se réveiller, de plus elle s’étire. Puis, l’homme représente le crépuscule car il semble très fatigué, comme s’il avait passé une longue journée. 

Dans cette salles se trouvent en tout quatre allégories, elles représentent le temps, l’immortalité de l’âme et de l’art. 

Le regard de Laurent le Magnifique est tourné vers une statue de la Vierge Marie portant son enfant (la Vierge à enfant). 

Nous pouvons observer ce mécanisme sur la vidéo ci jointe.

Le clavecin est considéré comme « l’ancêtre du piano »; il est, en effet le prédécesseur de l’instrument que l’on connaît bien aujourd’hui. Maintenant nous n’utilisons plus que le piano car celui-ci permet différents contrastes d’intensité que le clavecin ne peut pas faire.

Ma préférée est l’allégorie de la nuit, une femme caractérisée par un diadème au croissant lunaire, un masque grimacant, un hibou, des coquelicots et un marbre plus lumineux parce que j’apprécie le choix de ses symboles et elle interpelle, étant plus lumineuse que les autres.

Elle est très grande et très décorée à l’intérieur. 
Nous sommes allés au premier étage, là où les femmes s’asseyaient. En effet, j’ai pu remarquer qu’une synagogue n’est pas organisée comme une église, les bancs entourent l’autel et seuls les hommes sont acteurs de la cérémonie car les femmes sont considérées comme étant très proches de Dieu. Pendant la prière, les hommes sont séparés des femmes. Nous trouvons les sept bougies, symboles des sept jours de la création et l’étoile de David. On nous a même montré un rouleau de la Torah (livre le plus saint et le plus révéré du judaisme) qu’aucune main de ne peut toucher.

Cette visite était très courte mais très enrichissante.

Le David de Michel-Ange est représenté nu, la déformation des pieds et des mains, accentue l’intériorité du personnage, sa force et sa supériorité. Dans l’antiquité le personnage de David est décrit comme quelqu’un à la beauté incroyable et inégalable, ce qu’à bien été respectée par Michel-Ange. De plus il est représenté avec un sex au repos car cela montre son intelligence qui montre qu’il domine son corps (le symbole du peuple contre la tyrannie.

Contrairement à l’androgyne de Donatello, ce David est un nu viril, un jeune athlète au corps imposant. Alors que les deux précédents exhibaient le glaive avec lequel ils venaient de trancher la tête de Goliath, ce David est représenté avant le combat, et se tient prêt à défier le géant. Son contrapposto est donc nerveux et trahit l’appréhension du héros. Il a le regard distant, presque fuyant : il fait face à son destin et remet sa vie entre les mains de Dieu.

Jean Baptiste tient dans sa main gauche un rouleau où l'on peut lire Ecce Agnus, ce qui signifie « Voici l'Agneau » en latin.
J'aime beaucoup les couleurs de cette toile et les aureole au dessus des têtes des personnages.

Cette horloge qui se trouve sur la façade intérieure du principal accès du Duomo, présente la particularité d’être « antihoraire », c’est-à-dire que son unique aiguille tourne dans le sens inverse des aiguilles d’une montre!

Datant du 15eme siècle, cette horloge possède un mécanisme très complexe qui marche encore aujourd’hui. Son but est de définir la durée en fonction du moment ou la nuit tombe: elle compte le nombre d’heures qui passent à partir de la tombée de la nuit. À cette fin, elle fait l’objet d’un réglage hebdomadaire.

L’indication des heures figure sur vingt-quatre cases disposés en cercle.

Cette horloge a été installée à l’intérieur de la cathédrale en 1443 et sa décoration est l’œuvre du peintre florentin Paolo Ucello.

Le non finito est une technique consistant à laissé une oeuvre inachevé pour lui donner une posture figé donnant l'impression de se débattre de leur bloc de marbre.

On peut voir cette technique sous un autre œil, en effet cette inachèvement de la statut permet de voir la structure, l'évolution de la sculpture dans la vision de l'artiste

Ces œuvres devait à la base être dans un mausolée  au Vatican qui aurait dû  accueillir la dépouille de Jules  II le pape. Ces esquisse des Prisonniers après la mort de Michel-Ange ont été donné à Cosme I de Médicis qui les mit dans sa grotte du Buontalenti  

Cette chair a été réalisée par Nicola Pisano fut commandée 1265 et est achevée 3 ans plus tard est sans doute la plus grande réussite de Nicole Pisano.

La chair de la cathédrale de sienne possède une forme orthogonale, avec des colonnes corinthiennes.

Les colonnes sont des stylophores car ce sont des animaux qui portent les colonnes.

Lorsque le prêtre monte en chair, les lions des colonnes s’assurent que le prêtre ne fasse pas d’hérésies.

Au centre nous pouvons admirer les arts libéraux : 

Le trivium : grammaire, dialectique, rhétorique

Le quadrivium : arithmétique, astronomie, géométrie et musique.

Cet ensemble d’enseignement est commun dans tout l’Europe médiévale.

La cathédrale de  « Santa Maria del fiore », aussi  appelé le « Duomo » a été édifiée au 13eme siècle. 

Le mot « cathédrale » vient du nom « cathédre » qui signifie «fauteuil de l’évêque» en effet, dans une cathédrale vit un évêque, au contraire des basiliques, qui sont en l’honneur d’un Saint.

Le Duomo est de style gothique, comme en atteste ses arcs brisés qui permettent sa hauteur importante. La cathédrale est bâtit sur un plan en croix latine. 

Les différents marbres utilisés sont le marbre blanc de Carrare et le marbre vert et rose de Prato.

Pendant 80 ans, la cathédrale n’a pas eu de dôme car sa construction était trop longue et que son architecte était mort.

Puisqu’on se demandait comment un dôme aussi grand pouvais être réalisé(environ 45,5 m), un concours fut mis en place. C’est Brunelleschi qui le remporta : après avoir perdu le concours des portes du paradis du Baptistaire contre Ghiberti, il était parti à Rome et avait découvert le panthéon, dont il s’inspira pour le dôme de la cathédrale.

La cathédrale est inscrite au patrimoine de l’UNESCO depuis 1982.

Le Bon et le Mauvais Gouvernement furent commandées à Ambrogio Lorenzetti par le Gouvernement des Neufs, qui gouverna Sienne de la fin du 13eme siècle au milieu du 14eme, à un moment où cette ville connaît l’apogée de sa puissance et de sa richesse en étant l’une des quinze villes les plus importantes d’Europe.

En associant dans ces fresque des allégories, des références à l’Antiquité ainsi qu’un souci du réel, le peintre montre une culture littéraire, visuelle et technique supérieure à celle d’un simple peintre. La richesse des références de cet artiste, puisant dans les recherches initiées par ses prédécesseurs (Duccio, Cimabue, Giotto), montre que Sienne est l’un des foyers artistiques majeurs de la période de transition entre le Moyen age et la Renaissance.

                     

L’artiste s’adresse à la population de Sienne,il lui montre pourquoi il devrait être favorable au gouvernement des Neufs, c’est une forme de propagande.

 

Les fresques des Effets du bon et du mauvais gouvernement se trouve à l’intérieur de la Salle des Neuf du Palazzo Pubblico de Sienne, elles constituent un vaste ensemble occupant trois murs de la salle. Chaque mur peint est divisé en trois sections horizontales – de haut en bas : une suite de médaillons, une scène dans un paysage et un lambris peint.

En tournant notre regard sur la paroi de droite, nous n’avons pas pu rester insensibles aux images reproduisant les effets du Bon gouvernement. Ambrogio Lorenzetti a peint dans de merveilleux détails ses caractéristiques et ses conséquences. La douceur de vivre et la beauté de cette ville, que l’on reconnait comme étant Sienne, sont accompagnées de la croissance économique. Tout le monde s’affaire et travaille à chaque coin de rue ; les paysans et les  citadins échangent leurs produits et leurs paroles. Les enfants jouent. Les jeunes filles dansent, une femme en rouge va se marier et fonder une nouvelle famille dans un cadre de bonheur et de paix. Les hommes sont le centre de tout.

 

Nous trouvons, à côté des effets du bon gouvernement sur la ville, les effets du bon gouvernement sur la campagne, nous y trouvons une campagne riche, une terre fertile et propice au commerce et à l’exportation , en effet nous voyons un certain nombre de travailleurs dans les champs biens cultivés ainsi que de marchands. Aussi,le vas et vient incessant des hommes et des animaux représente le commerce important.Encore,nous pouvons observer des hommes à cheval qui sont entrain de se rendre à la campagne, nous voyons qu’ils sortent d’une ville, ils ont l’air d’appartenir à une classe sociale aisée, ce qui montre bien la richesse de cette campagne, il s’agit d’une compagnie à cheval qui part pour la chasse, et qui s'arrête auprès d'un aveugle qui demande la charité. Les deux thèmes majeurs de cette partie de la fresque sont la solidarité et la richesse.

 

 

En résumé, cette fresque de propagande pour le gouvernement des Neufs annonce la modernité:

Cette œuvre est d’un style gothique.

En bas de l’œuvre nous pouvons voir des prédelles qui servaient à mettre des reliques de saint.

Nous observons des pilastres également sur les côtés.

L’œuvre possède différentes temporalités : les différentes parties du voyage des mages pour se rendre auprès du Christ.

Au premier plan nous voyons que le plus vieux des rois mages s’incline de Jésus, ce gens de nous fait nous rendre compte de l’importance de l’évènement.

Les rois mages symbolisent les trois parties du globe car l’Amérique n’a pas encore été découvert à l’époque.

Ces trois rois mages apportent tous les présents les plus précieux de leur contrée :

De l’or

De l’encens

De la myr

L’exotisme est présent avec le singe derrière les mages.

La scène est très vivante, par exemple : l’homme qui remet les éperons.

J'aime beaucoup cette œuvre car j'apprécie la présence des différentes temporalités. L'exotisme et le vivant de la scène apporte plus de détails à la scène.

Le 4ème jour de notre voyage, nous avons bravé le froid et la pluie pour nous rendre à l’institut français de Florence afin de découvrir un metier d’art: la sculpture! 

Nous avons alors reproduit, avec de l’argile, le symbole de Côme 1er de Médicis qui est une tortue munie d’une voile, car celui ci se “hâtait lentement”.

La technique que nous avons utilisée et celle du bas relief.Nous avons passé un très bon moment!

Ci-joint ce trouve mon travail.

Cette technique consiste à mélanger des pigments avec de l’œuf émulsionné ou de la colle animale .

La présence de la couleur bleu symbolise la royauté et le rouge le sacrifice de Jésus (Marie sait déjà que son bébé vas se sacrifier).

Un retable est la partie postérieure et décorée d’un autel. La technique utilisée est celle du tempéra sur bois. La perspective inversée est faite de manière à ce qu’elle se dirige vers nous et nous insiste à prier.

Dans les conditions d’un bon gouvernement, Lorenzetti reprend la pensée d’aristote: d’après ce dernier, il existerait deux types de justices: la justice commutative ( tout est au même prix pour tout le monde) et la justice distributive (aides peuvent être fournies à ceux qui en ont le plus besoin).

Sur la fresque, la justice est représentée par un ange qui tient une balance, d’un côté se trouve la justice commutative(à droite) et de l’autre la justice distributive (à gauche).

Cette référence a aristote, et donc à l’antiquité montre que Lorenzetti était un homme cultivé.

Le dernier jour, nous avons visité la plus ancienne synagogue d’Europe. Nous y avons vu de nombreuses chose, comme un rouleau de la Torah ainsi que le balcon des femmes, qui ne peuvent pas se trouver avec les hommes dans la partie principale de la synagogue car elles sont considérées plus proche de dieu, puisqu’elles peuvent donner vie à un être humain.

Ce qui m’a le plus plus dans la synagogue sont les dessins muraux (dessins floraux et étoiles de David)