Cherchez des solutions aux défis suivants et prenez une photo annotée à chaque fois à publier sur VOTRE Padlet:

Comment éclaircir le gris clair ?

Comment éteindre le jaune ?

Comment rendre le rouge froid ?

Comment camoufler une couleur ?

Comment créer un sentiment d’excitation visuelle ?

Comment associer 3 couleurs entre elles ?

Comment créer une harmonie avec 4 couleurs ?

Choisissez 2 expériences qui vous ont permis de découvrir un contraste de couleurs,

et mettez en pratique ce que vous avez appris avec le travail suivant :

Sur 1 support du format de votre choix, (

mais pas plus petit que 1 carré de 20 x 20 cm et pas plus grand qu’un format A3)

tracez les contours des ombres d’objets libres (corps, végétaux, objets).

Créez une composition dynamique

Appliquez 1 ou plusieurs contrastes de couleurs que vous avez appris pour colorer votre image.

Evaluation :

- utilisation comprise d’un ou plusieurs contrastes /3

- utilisation pertinente du médium /1

mise en scène attractive /2

maîtrise plastique /2

qualités plastiques /2

Décidez du choix d’un médium : graphisme ou photographie

en réalisant une série de 3 images, montées ensemble

soit produisent de l’harmonie

soit produisent de la dissonance

Publication : Padlet

Evaluation :

- utilisation comprise d’un ou plusieurs contrastes /3

- utilisation pertinente du médium /1

mise en scène attractive /2

maîtrise plastique /2

qualités plastiques /2

Un travail a été fait sur le son pour immerger le spectateur donc écouter avec un casque !

L’écran devient noir à un moment pour que le son prennent le dessus et représenter l’immatérialité de l’objet du début, il n’existe plus donc on ne le montre plus.

Voilà toute la démarche de mon projet. (J’ai vraiment passer du temps dessus surtout à l’écriture…)

Ce corps suspendu est relié à l’autre par un long tube, comme une perfusion inversée. Il ne nourrit pas, il vide : l’un puise sans fin l’énergie vitale de l’autre, son sang, son essence.

Au sol, la figure allongée est affaiblie, mais encore lucide. Dans un dernier geste, elle tient une allumette, et fait fondre la cire de l’autre. Ce geste est ambigu : est-ce un acte de rébellion, d’autodestruction, ou de libération ? Le feu éclaire la scène, comme une prise de conscience tardive.

Aussi, les matériaux – fil de fer, cire, bois, allumette – traduisent la fragilité de ce lien, la tension entre emprise et résistance, entre fusion et disparition.

Mise en scène d’un requin qui a arracher le bras de la jeune fille. Qui elle se trouvais dans l’océan là où personne ne peux la voir et qu’elle n’arrivera pas à avoir de l’aide ce qui peux aussi avoir plusieurs signification selon les personne par exemple la représentation que les personne ne peuvent rien faire la ou il sont peut-être qu’il aurais perdu un membre dans un accident ou maladie et ne pourront plus survivre ou survivre avec cette parti du corps en moin et ne pas pouvoir le régler ou alors une autre signification par exemple un harcèlement scolaire le faite que le ’requin sois l’harceleur et que il en viens à répéter ses actes sans arrêter qui peux amener à ce que certain se suicide car il n’en peuvent plus et ne peuvent rien faire car il se sente seul au milieu de l’océan là où les personne ne peuvent pas les voir et leur venir en aide.

Ce masque peint symbolise une douleur intérieure silencieuses universelle. Les yeux fermés évoquent une volonté de repli, une fermeture. Le contraste entre les teintes chaudes du visage et le bleu froid de la larme illustre le conflit entre ce qui brûle à l’intérieur et ce qui se manifeste à l’extérieur.

pleurer devient ici un acte de communication, une façon d’exister et de dire ce qui ne peut être dit autrement.

Au début, les roses sont belles, pleines de vie et bien colorées. Je les place comme si elles venaient juste d’être cueillies, encore fraîches. Puis, au fil du temps, les pétales commencent à tomber un à un. En tombant, les pétales se déchirent et laissent des traces de couleur. On dirait que la fleur se vide peu à peu de leurs étincelles. À travers ce projet, je montre le passage du temps et des sentiments, « Toutes les bonnes choses ont une fin ».

Pour faire le coulis orange j'ai pris un pilon kalou pour écraser les pétales jusqu'à avoir un colorant orange puis j'ai jeté le colorant pour éclabouser la toile et je l'ai fait couler puis j'ai étalé et écrasé des pétales rouges et orange sur ma toile.

J’ai choisi des roses oranges parce que cette couleur représente un amour fort et vivant. Elles attirent l’œil, elles sont pleines d’énergie. Mais au fil du temps, elles changent et fanent , comme les sentiments.

2 - 3 heures de réalisation, 2 heures de peinture. Il s'agit d'un travail personnel sur la fragmentation de personnalité ou d'identité. Il ne s'agit pas de la première idée effectivement j'ai d'abord voulu faire le désespoir puis le sujet de l'obsession mais je me suis rapidement arrêté car c'est vraiment trop personnel et je ne sais pas si je pouvais en parler mais aussi j'ai réalisé qu'il faudrait une expérience plus avancée et que je n'avais pas les compétences pour faire quelque chose de si gros alors que je ne savais pas manier la pâte auto durcissant. Alors j'ai réfléchi sur un autre sujet personnel et j'ai donc choisi la personnalité divisée : Je suis 2 ( et même beaucoup plus) personnages à la fois. J'ai un côté lisse, axes sur les études (arrière-plan feuille de travail) je me retiens à dire ou faire des choses qui sont plus impulsives, entre peur et potentiel syndrome de l'imposteur , le masque porté a fini par se casser (choix des mots sur la feuille blanche en arrière-plan), offrant une vision plus éclectique de moi-même ; Bâclée, colorée, insolite et déconcertante. On m'a donné et je me suis imposé un second rôle, un rôle plus impulsif et joyeux , un rôle plus aléatoire que beaucoup d'adultes apprécient moins.

Malheureusement, un masque reste un masque surtout créé par une débutante et il se trouve être extrêmement fragile, donc je ne peux pas l'amener. Mon plus grand regret face à ce projet est lorsque je voulais réaliser la 3 personnalité remplie de non-dit, un petit peu la zone de trauma, lorsque j'ai retourné le masque ce dernier s'est fissuré ( ce qui explique que je n'ai pas repris une meilleure photo mais ça a deux côtés plus naturels donc je relativise ) .

Il ne s'agit pas du résultat de projet que je préfère car je ne suis pas sûr de vraiment apprécier le rendu, mais je me suis vraiment amusé et ça m'a carrément poussé à m'intéresser à l'artisanat des masques.

Pour ce travail j'ai voulu représenter la sensation de stress qui est pour moi le plus souvent relié au manque de temps que je ressens quotidiennement.

J'ai donc utilisé des aiguilles et un ventilateur pour montrer le temps, de la mousse et de la peinture noire pour la sensation de pourrir de l'intérieur en ne sachant pas quoi faire, des rochers pour la sensation d'une charge pourtant sur les pensées et des files étiré qui représente le mal de tête dû à ce sentiment.

DEBARGUE

(Ambre)

Mon projet est sur processus action. Je voulais representrer la beauté qui fait que j'aime l'océan.J'ai sélectionné les verbes : empater, percer et éclabousser.

Empater pour les vagues au dessus de la structure en bois. Les vagues sont fixe ce qui est l'inverse de ce que je représente ici (comme un moment fixe qui ne bouge pas dans le temps), elles ne sont pas a l'intérieur mais a l'extérieur pour pouvoir s'étendre et prendre de l'ampleur ( d'où la grande vague). J'ai aussi fait un requin marteau en patte durcissante pour rappeller la phone et ce qui compose la mer (+ coquillage sable que j'ai récupérer la ba)

Percer pour pouvoir voir l'intérieur, faire bouger le spectateur, regarder sous différent angles et rendre le projet intéressant. Les trous sont placer a différents endroits pour rappeler des bulles où l'ont peut regarder a travers.

Éclabousser pour représenter l'écume des vagues, de le mouvement, les boîtes de la mer. J'ai aussi utiliser un son de vague pour plonger le spectateur dans mon projet (immersion)

Ce projet qui vient de moi, représente un rêve. Un rêve c’est quoi, c’est toute les choses qui se passe dans notre tête, notre imagination qui nous projette nos envies et nos plaisirs. Mais un rêve, ça n’a jamais vraiment de sens la plupart du temps, et oui c’est un monde onirique rempli de mystère créatures artificielles.

Mon projet est constitué d’une géante baleine bleue volante au dessus des nuages et des étoiles pour aller s’amuser avec la lune, elle est innocente et souhaite juste se divertir. Pourquoi cette représentation, je ne sais pas, oh, si je sais, ce n’est qu’un rêve. Le fait qu’il n’y est pas de rêve est le but, un rêve n’a pas de règle ni d’objectif à moins qu’il ne soit dissimulé ou juste incompréhensible. Un rêve sert à s’évader du monde réel pour rejoindre un monde imaginaire. Une baleine qui vole est plus que surréaliste et le fait qu’elle joue avec la lune est pour le moins impossible, MAIS JUSTEMEN. J’ai voulu montrer ce côté avec ma structure et faire ressentir cette aspect d’évasion.

J’ai utilisé pour ce projet de l’argile pour ma baleine et la lune, du carton pour le fond et du coton pour les nuages. J’ai utilisé de la peinture bleue et noire pour la baleine et le fond sur carton.

Voilà, c’est tout ce que j’avais à dire j’espère que vous allez aussi vous plonger dans ma vision et aimer mon travail !

Je représente donc les émotions fortes, un humain de physique masculin, ses bras enterré, pour signifier que l'on ne peux que subir les émotions. Les piques eux représentent directement les émotions, entrant dans le corps et nous poignardant.

J'ai ensuite installé la sculpture dehors en cueillant quelques fleurs pour organiser un peu le paysage sans le dénaturer avant de le prendre en photo.

J'ai donc utilisé les notions de camouflage, de rendre artistique un matériau non artistique avec les fleurs séchées puis aussi le fait de faire ressentir quelque chose au spectateur avec le pas de danse léger de la femme.

Pour finir, je trouve que cette sculpture peut avoir plusieurs sens, mais il y a généralement une certaine dualité entre la femme et les mains squelettique. La femme représenterai la nature, la pureté, la créativité des artistes, la gente féminine tandis que les mains représenterai, en dualité dans l'ordre, la pollution, le pervers, les IA et les injustices contre les femmes. Bien sûr, cette interprétation est subjective mais c'est ce que cela m'évoque.

Pour le projet final, je me suis inspiré de l’artiste Luis Valdés, avec une oeuvre entièrement constitué de carton. Il fabrique une maison entière seulement constitué de cartons afin de parodier la réalité sociale des personnes en difficulté ayant peu de moyens financiers et des espaces minuscules pour vivre. J’ai donc décidé de reprendre son idée en faisant une petite pièce en carton représentant une salle à manger. J’ai fait des meubles très simples afin de montrer le peu de moyen pour s’offrir des meubles chers et jolies. J’ai notamment utilisé du papier blanc que j’ai collé sur le carton et ajouté un peu de peinture bleu. J’ai choisi ces couleurs froides pour designer la tristesse, le regret et la mélancolie de la personne vivant dans cet environnement. J’ai aussi ajouté une bouteille d’alcool (aussi en carton) car une grande partie de la population a tendance à boire pour oublier ses problèmes. Cette personne n’a pas de sous pour s’acheter des meubles convenables ou une belle deco, mais arrive à s’acheter de l’alcool afin de surmonter ses problèmes. J’ai pris les photos dans un décor sombre afin d’accentuer ce sentiment de tristesse.Le but était donc de représenter la froideur de la vie à travers ces couleurs et ce matériel.

Bourse faite en vieux tissus, contenant différents types de monnaie (écu, fait avec de la pâte durcissante, francs et centimes). Ici, la monnaie peut signifier non seulement la richesse, mais aussi le temps qui passe, les régimes politiques qui changent. Chaque monnaie représente une époque révolue ou non (par exemple avec les centimes/euros qui sont encore la monnaie actuelle), car l'argent est la base du commerce, et le commerce est la base de toute société.

La bourse, pouvant être comparée à un porte-monnaie, plus utilisé de nos jours, nous ramène aux temps anciens. Le porte-monnaie et la bourse sont tous deux des objets utilisés pour transporter de l'argent, mais aujourd’hui, le porte-monnaie sert aussi à transporter des biens personnels, tels qu’une carte d’identité ou autre. Cela revient à transporter un fragment de vie, ou même un fragment de sa propre histoire, nous rappelons encore une fois, du temps qui passe.

Je voulais que le mannequin ait l’air habillé sans tissu, juste avec des couleurs projetées.

Pour réaliser ce travail, j'ai choisi de représenter un message, immergé dans une pièce noire et étroite, immaculé d'une douce lumière bleue. Ce message adressé à ma mère symbolise pour moi l'espoir et la tranquillité et plus précisément cette quête universelle et assez subjective de "réussir dans la vie" qui rythme la vie de nombreuses personnes dont moi-même. Cela explique mon choix de la lumière bleue. J'ai voulu représenter ce message dans un environnement sombre afin que la lumière soit bien diffuse et afin de représenter le passage de l'ombre à la lumière c'est à dire "partir d'en bas pour finir tout en haut". J'ai piqué plusieurs trous sur du carton peint en noir pour former le texte, ce qui le rend difficile à lire sans lumière derrière. Cette phrase est d'ailleurs tirée d'un célèbre rappeur américain lorsqu'il s'adressait à sa mère. J'ai également voulu que l'œuvre donne l'impression que qu'elle est immergée sous l'eau car cela fait penser à l'expression "sortir la tête de l'eau".

de partir sur des émotions, donc quelque chose d’immatériel et d’essayer de la rendre matériel.

Au départ je voulais prendre la colère ou encore la joie, mais je me suis rendu compte que ce n’était pas des émotions qui me représenter moi.

Alors j’ai cherché, et je me suis dit que l’émotion qui me représente le plus, et rendrai vraiment mon travail personnel, c’était le DOUTE.

Pourquoi parce que je pense que c’est l’émotion qui m’habite le plus, car je doute tout le temps à chaque instant, et c’est ce qui rend vraiment mon travail personnel.

J’ai décidé de partir sur des mots que je me répète moi-même, tout le temps mais en fait ces mots je n’y crois et c’est pour ça que j’ai fini par tous les barrés.

Et à force de les écrire et de les répéter dans ma tête et bien il n’avait plus aucun sens.

C’est pour ça que mon écriture devient de moins en moins lisible.

Ensuite pour ce qui concerne de la question en toutes lettres en gros en rouge, je pense que c’est vraiment le point final de ma production, car tous ces mots même si ils sont en majorité dans ma production, ils n’ont aucune vraie valeur et tout ce qui reste est bien c’est vraiment cette question.

Elle est en rouge en gros parce que elle reste ancré en moi comme le rouge à lèvres sur ma feuille qui lui ne partira pas.

Voilà Madame pour mon dernier projet de l’année et pour mon dernier projet d’Art je pense personnellement que c’est celui dans lequel je me suis le plus impliqué personnellement et où j’ai vraiment mis mes émotions et une part de moi dedans en espérant qu’il vous plaise.

Janice

(Photo mal prise car difficile à synchroniser les les et s'allumant que quelques secondes)

Ce projet permet de rendre matériel quelque chose d’immatériel: les fleurs ne fanent pas donc elles représentent un souvenir ou une émotion qu’on garde dans le temps. Et pour les reflets rosés j’ai voulu rendre des choses qu’on ne peut pas toucher (immatériel) comme un moment, une sensation ou un rêve en quelque chose de matériel car ils deviennent visibles et réels grâce à la lumière.

https://michaelbach.de/ot/sze-reverspective/

(Nb :

La perspective dite inversée est connue dans l'art depuis les icônes de l'époque byzantine : au lieu que les objets s'éloignent du regard du spectateur, ils s'agrandissent). L'artiste contemporain David Hockney a repris ce principe dans certaines de ses peintures ; il inverse ainsi un principe de représentation connu depuis la Renaissance >> au lieu que l'œuvre donne l'impression d'être faite pour le regard du spectateur, c'est au spectateur d'aller vers l'œuvre.

https://youtu.be/I-OuPNZmX-0?si=6tuiG38JfdkfeGMn

>> travail de Patrick Hughes, inventeur du terme "Reverse Perspective "

0525 9786

joinmyquiz.com

En fonction de votre choix de moyens pour le grand projet final,

c’est-à-dire,

- soit d’utiliser des moyens graphiques

- soit de créer une vidéo,

- soit de créer une installation qui mêle dessin et projection vidéo,

Choisissez 2 oeuvres qui traitent de la même thématique

- soit 2 romans graphiques,

- soit 2 films,

- soit 2 oeuvres plastiques venant des Arts plastiques,

et faites-en une comparaison sous une forme libre dans votre carnet d’Arts plastiques.

Votre comparaison doit :

- occuper 2 pages entières du carnet

- mentionner les données de chaque oeuvre : nom des auteurs, titres, année de diffusion

- montrer des images commentées par vous, et extraites des 2 oeuvres

- démontrer la comparaison avec des croquis, annotations : tout ce qui vous semble pertinent

présenter une mise en page qui a du SENS par rapport au choix thématique

> donc choisissez une oeuvre, dont vous allez lire et regarder les 2 versions : graphique et cinématographique

> rédigez votre rapport sous la forme d’une critique artistique : texte synthétique d’une page dactylographiée maximum dans lequel vous donnez votre point de vue argumenté sur la question suivante : qu’est-ce que l’adaptation au cinéma apporte à l’oeuvre originale ?

Le but ici est de découvrir et expérimenter de nouveaux styles et déterminer en quoi le style crée du sens.

Comment ?

1. Choisir au moins 2 romans graphiques dont les styles vous semblent radicalement innovants ou intrigants.

Si possible, photographiez, imprimez et collez des extraits de ces 2 RG dans votre carnet.

2. Sinon, et pour tout le monde :

reproduisez un extrait de chaque roman graphique qui vous semble fort

3. Annotez votre travail pour expliquer en quoi les choix faits par les auteurs du RG ont du SENS (par exemple, Brecht Evens utilise la transparence de l’aquarelle pour superposer les images et évoquer des sensations contradictoires que l’on peut ressentir)

4. Montrez des recherches libresde style de personnages ou d'objets ou de paysages avec ces styles

Comme démarche j’ai dessinée mon point de vue sur des post-it une à deux fois par jours, des fois 3, à différent endroits puis je les ai réunis ensemble pour montrer l’évolution de mes dessins mais aussi de ma vie et les différences possible. Puis j’ai mis les post-it sur une feuille que j’ai mis en auteurs pour que tout le monde puisse tourner autours et observer.

Comme référence artistique, il y a comme artiste Paul Heaston sur les réseau sociaux qui dessine son point de vue pratiquement tout les jours que ce soit dehors, chez lui, en cours d’art, pratiquement partout et tout les jours. Il y a aussi le "inktober" qui est une inspiration que j’ai eu car c’est pendant ce mois, en octobre, que les artistes dessinent tout les jours avec un thème à chaque fois, souvent horrifique car c’est en octobre mais ce n’est pas obligé (le 1er=Chapeau, 2eme=Zombie, etc). Je trouve la méthode très utile pour s’améliorer et se forcer à dessiner un peu tout les jours pour ne pas perdre la passion.

Une réflexion que je peux faire sur mon projet est surtout l’observation. C’est très intéressant de dessiner ce que je voix car on remarque des petites choses que habituellement on ne verrais pas ou ignorerait, de plus que cela peut aider pour la perspective. Mais c’est aussi plutôt compliquer d’observer sans devenir impatient et de commencer à "inventer" ce qu’on voit. Comme critique que je peux faire c’est sûrement mon impatience parce que, justement, me forcer à dessiner tout les jours à des endroits différent ma souvent démotivée et donc j’observais moins et/ou j’essayais d’aller vite, ce qu’on peut voire sur certaine de mes mains qui sont trop fine, trop petite, avec des formes bizarre ou beaucoup moins travailler.

En général, le projet était très intéressant pour l’observation et la perspective, un très bonne exercices pour ne pas me décourager de l’art et m’améliorer même si des fois j’étais très décourager et essayer d’aller plus vite. Ce projet pourrait être une sorte "d’histoire" de ma vie et tout simplement rentrer dans mon monde/dans mes yeux.

-Intention: J'ai choisie de produire ce projet pour démontrer que nous avons tous une double face même si elle est cachée, qu'elle soit effrayante ou mignonne en personnifiant des fruits(pomme,poire,myrtille)car les fruits au première abord on l'air innocents.

-Référence artistique: J'ai eu l'inspiration de faire ce trompe l'oeil grâce à l'œuvre de Markus Raetz qui se nomme Miroir-lièvre (Hasenspiegel) qui montre un lapin qui se regarde dans un miroir et son reflet montre un homme ,il y a eu aussi l'inspiration de faire c'est fruits à double face car sur google et pinterest j'ai vue une pomme où la forme du trognon révèle des visage.

-Réfléxion : J'ai trouvé ce projet très intéressant à faire et le résultat à la fin est celui que j'espérais donc je suis très contente du résultat. Je trouve que je n'ai pas eu tant de difficulté que ça appart pour les dents en argile qui étaient plutôt technique et délicat.

https://www.artic.edu/collection

https://histoiredesarts.culture.gouv.fr/Fiches-reperes/Peintur

https://photo.grandpalaisrmn.fr/collections/fonds-photographiques

https://images.bnf.fr/#/home/

https://www.rijksmuseum.nl/en/collection

https://www.wga.hu/index1.html

Mon intention était de jouer avec la perception visuelle et de montrer comment un dessin plat peut sembler en relief. J’ai donc utilisé un quadrillage en noir et blanc et j’e l’ai déformer au centre pour créer un effet de volume. J’ai ajouté des traits oranges et bleus pour créer un effet flou et de la profondeur. Je me suis inspiré de l’artiste Vasarely. Je trouve que c’est réussi même si certaines lignes aurait pu être plus précise.

Mon projet est un projet libre. J’ai fait un cimetière avec un double fond, en haut on voit de la terre avec des pierres tombales. Dessous on voit des objets liée à des passions que l’on voit grâce a des led. Mon but est de montrer la mort ou l’oublie d’une passion, plusieurs passions dans ce cas là.

J’ai donc utilisé un tuperware transparent dans lequel j’ai fait un double fond. Pour le bas j’ai mis une feuille beige, pour le tour j’ai mis une feuille noir. J’ai créé le double fond grâce a un morceau de carton, j’ai fait tenir les pierres tombales ainsi que les passions (fait en carton et peint) grâce a des curs dents et du scotch. Pour finir j’ai rajouté des leds afin de pouvoir voir les passions dans le double fond.

Je me suis inspiré de personne en particulier, j’ai pris beaucoup de chose que j’avais pu voir sur internet ou dans des séries (stranger things par exemple pour le double fond avec les leds) mais aussi les conseil de la professeur.

Le projet final que j’ai rendu n’est pas celui que je devais rendre, ce n’était pas une de mes idée. Effectivement mon idée principale étais de faire comme une maquette dans laquelle un bras (de poupée) tenais une palette de peinture. Cette maquette devais être accrocher à un mur pour faire croire qu’il y avais un trou. Malheureusement mon idée est tombé à l’eau puisque faire tenir la main aurais été impossible. J’ai donc décidé de partir sur une idée toujours en lien avec la passion mais cette fois si l’oublie ou la mort de celle si, contre la naissance d’une passion dans le projet original ( 2eme idée en réalité). J’ai donc du changé plusieurs fois d’idée pour trouvé le compromis parfait. J’en retiens donc qu’il faut que je sois sur à 100% d’avoir tout le matériel avant de penser à des idée de projet, et de vérifier la possibilité de celle si.

La haut de mon projet représente un fond noir, avec des étoiles et du texte écrit en violet foncé sur du lilah. Il est écrit les mots "Nyght","Luna",et "Moon", tout ces mots font référence au ciel, ce qui peut être interprété comme l'idéal,la perfection de mon point de vue, ou avoir "la tête dans les nuages" mais encore plus loin, comme quand une personne est perdu dans ses pensées.

Le fond est de couleur violet foncé et lilah alternée avec un fond gris et noir, les cases ne sont pas droite, et l'alternance de couleur attire l'oeil sur le centre de mon projet.

J'ai également utilisé des couleurs plus vives tel que le bleu et le rouge qui ressortent bien plus que le reste, le chat montre la douceur mais aussi la feignantise, Le petit "ange" montre la gentillesse, la bienveillance, et le petit "demon" représente le pire des Hommes.

Il y a également des yeux, qui regarde le spectateur et qui le fixe, plus on regarde, plus on voit qu'il y a des yeux partout, montrant le jugement des autres, mais également de soi.

De plus, les yeux sont présents sur le mot "Moon", sur un papillon, une fleur...

Il y a également des fragments avec des yeux, dans ces fragments on peut voir des scènes horrible : l'isolation, l'harcèlement, et le suicide. Le centre est entrain d'envahir le reste d'oeil et les créatures essaient de s'en échapper.

Aux premières abords, mon projet n'a pas de sens mise a part attirer l'attention, mais plus on y réfléchit, plus on comprend que l'on peut s'y référer, ou même s'y voir, chaque personne ayant (je pense) ressenti des sentiments/émotions/sensations similaires, que ce soit le jugement,le dégoût, le regard des autres. Et ces sensations déteint sur les "bonnes choses" (ici représenter par le Papillon, la fleur)

Et donc parfois, quand c'est trop, on veut laisser sortir toute ces émotions (souvent négative) représente par les fissures sur les côtés, montrant l'instabilité des émotions.

Mes inspirations pour mon projet sont : •Le regard des autres Jean Claude Apert

• Le jardin des délices Jerôme Bosch (peu utilisé)

Sur mon croquis de projet, la taille et les couleurs étaient différentes mais le thème était le même, les défis principaux ici étaient que certains de mes feutres m'ont lâché au milieu de réalisation et également le temps, c'est également pour ça que la taille a été réduit presque de moitié. A l'avenir, je réfléchirai plus au temps de réalisation et si c'est possible dans le temps disponible, également de varier les moyens de réalisation (Je n'ai utilisé que des feutres alors que j'aurais pu utiliser de l'aquarelle, ou des pastels gras pour éviter le soucis de "plus d'encre" .

Pour le créer, j’ai mélangé collage, aquarelle et acrylique. Le collage m’a permis d’insérer des anges précis sans avoir à les dessiner. Avec l’aquarelle j’ai fais le ciel bleu et pour former les nuages j’ai pris de l’acrylique, j’ai essayé de donner un effet de profondeur. Enfin j’ai ajouté des paillettes sur le soleil pour qu’il brille et attire vraiment le regard.

Pour mes inspirations je me suis inspirée de Borromini, avec cette idée de perspective présente dans la galerie du palais Spada à Rome. Mais aussi d’Andréa Pozzo (l’apothéose de Saint-Ignace) et de Paul Baudry (plafond peint à chantilly ) qui reprennent les anges et c’est effet d’illusion

Avec du recul maintenant que les projet est terminé, je vois bien qu’il y a un écart entre mon intention et le résultat. L’idée du monde des anges est là mais la profondeur que j’imaginais est moins marquée. Harmoniser le collage avec la peinture  n’a pas été simple, j’ai malgré tout essayé en faisant des petites entaille et en glissant les anges dedans, je ne sais donc pas si on peut parler de collage. J’ai aussi eu un problème de dimension, par manque de temps mon idée de combler le vide par un « cadre » n’a pas pu être réaliser.

Ce premier projet a été difficile à réaliser car les idées sont là, mais la réalisation elle, était compliquée à mettre en place car je ne savais pas par où commencer. Je suis plutôt contente, même si j’avais imaginé mieux, à mon prochain projet j’essaierai d’organiser mieux mon temps.

Grâce à cette ouverture, on découvre un ciel étoilé peint en noir, avec des constellations et une grande Lune réalisée séparément. Le contraste entre le blanc du plafond et le noir du ciel met en valeur l’effet de surprise, on a l’impression que la pièce s’ouvre directement sur l’espace.

Pour avoir un regard critique sur mon propre projet je dirais que tout d’abord il faudrait que je gère mieux mon temps et que j’y mette peut-être plus d’implication car mon projet ne rend pas comme je l’avais imaginée. M’entraîner à l’argile car c’est dure à travailler. Et réfléchir plus longuement à comment faire passer mon message.

Pour rendre l’illusion crédible, j’ai choisi d’utiliser de la pâte durcissante pour modeler un pied réaliste, et des outils précis pour sculpter les détails (orteils, reliefs, ongles). J’ai ensuite travaillé le positionnement pour que le pied semble véritablement dans le murs

Mais aussi regarder beaucoup, beaucoup de vidéos qui expliquent comment faire un pied.

Il y à plusieurs artistes qui jouent avec l’illusion / sculpture réaliste ;

George Segal, pour ses figures blanches intégrées dans des espaces réels.

Des œuvres de trompe-l’œil urbain ( De tout genre)

Des vidéos création corps humain qui mon aidé a modéliser (pieds) ex : https://youtu.be/5tBwBj_D8I8?si=KwWcHl3LEBwbafZN

En comparant mon intention à ma réalisation, je constate que l’illusion fonctionne, même si certains détails ont été difficiles à rendre parfaitement réalistes (notamment les proportions et la couleur). Le principal défi a été de découvrir la pâte dursisente et la sculpture en général. 👌 Mais cela me conviendrait de refaire d'autre sculpture dans le futurs. J'aime bien

J'ai réaliser cette maquette en voulant montrer qu'il y a parfois des gens malhonnête et hypocrite dans notre entourage sans qu'on le sache forcément.

Maëla RAKOTOSON

• J’ai voulu montrer la malchance animale à travers un objet en 3D, qui représente un cirque avec plusieurs portes, la porte fermée représente ce que les spectateur voix, et la porte ouverte représente ce qu’il se passe dans les coulisses.

• j’ai utilisé le principe d’une porte pour montrer que ce qu’on voit, et ce qui est la réalité n’est pas du tout la même chose, devons-nous se trouve un spectacle merveilleux, mais quand on ouvre la porte on découvre l’horreur

• J’ai eu des problèmes avec l’assemblage des portes sur la maquette certaines portes ne tenait pas ou ne s’ouvrait pas correctement, le projet final ressemble à ce que j’avais imaginé

2ème: projet reverse perspective "mon musée "

3ème: projet en cours d'animation

4ème: projet typographie en percpective "Freaky" mon préféré

Projet Perspective 3d

Projet personnel : https://youtu.be/LuzSZeY7Cp8?si=Pd33saqi_A8efNo6

En espérant qu'il plaise

-Samantha

J’ai décidé de réaliser ce roman graphique sous la forme d’un jeu de 32 cartes, en référence à la Reine de Cœur, qui possède une armée de soldats-cartes. J’ai choisi ce format car il est ludique : j’ai imaginé que l’on pourrait jouer de différentes manières, par exemple en créant l’histoire à sa façon ou en essayant de reconstituer l’histoire dans le bon ordre. Initialement, je voulais que le jeu fonctionne un peu comme un jeu de cartes avec un dé, mais suite à une erreur de calcul, j’ai dû abandonner cette idée. J’ai choisi de représenter toute l’histoire afin que le projet ait du sens, et non seulement un passage du film.

Pour réaliser ce projet, j’ai commencé par sélectionner 30 cartes correspondant à 30 scènes intéressantes du film (30 et non 32, car j’ai retiré les jokers). Ensuite, je les ai regroupées par famille, donc par catégorie. Chaque famille possède une couleur différente au dos des cartes afin de pouvoir jouer avec un dé de couleur : les ♣️représentent les cartes chance(orange), les ♠️ les cartes malchance (noir), les ♥️ les cartes douces (rouge) et les♦️ les cartes aventure (violet).

J’ai ensuite tracé les contours d’une carte Uno sur des feuilles de couleur pour réaliser le dos des cartes, puis sur des feuilles blanches pour pouvoir dessiner les scènes. J’ai choisi un style de dessin simple, sans trop de détails, afin de rappeler des dessins d’enfants, en référence à la petite Alice au début du film. J’ai ensuite encré mes dessins avec des feutres à alcool. Pour finir, j’ai découpé puis collé les cartes de couleur au dos des cartes dessinées.

C’est en comptant les cartes à la fin que je me suis rendu compte de mon erreur : il manquait deux éléments pour compléter deux familles, ce qui fait un total de 27 cartes au lieu de 30. Comme je m’en suis rendu compte à la toute fin du projet, je n’ai pas pu combler ce manque à cause du temps limité.

Pour le personnage d’Alice, je me suis inspirée du style graphique de Adventure Time ainsi que d’une poupée. Je suis globalement satisfaite de ce projet, même s’il est loin d’être parfait. Les finitions ne sont pas totalement réalisées : on voit encore la démarcation entre la carte de couleur et la feuille blanche. En écrivant ce texte, je me rends compte que j’aurais simplement pu coller les deux feuilles avant de les découper.

Enfin, j’aurais aimé réaliser une boîte pour ranger les cartes ainsi qu’une feuille de consignes et plastifié les cartes pour les protéger, mais je me suis peut-être mal organisée et je n’ai malheureusement pas eu le temps de le faire.

(sur les photos les cartes ne sont pas dans l’ordre)

Oizel Celia

Ps: je n’ai pas eu le temps de faire plus…😢(j’aurais vraiment voulu faire plus)

Juliette.G

Mais la prof m’a fait la remarque que j’étais trop pointilleuse donc je suis partie sur des personnes beaucoup plus simplifiée avec juste les élément pour qu’on reconnaisse que ce soit des avatars ( couleur yeux et oreilles ) . Ensuite j’ai mis tous ça en page . J’ai décider de sortir de ma zone de confort et d’utiliser des crayon de couleur car je trouve que ça irai mieux pour l’univers d’avatar . Je voulais au début laisser sans couleurs mais pour moi c’était essentiel .

Je suis assez fière de mon projet car je l’ai fait en peu de temps ce qui aurait pu être amélioré pour moi c’est de vraiment faire une vrai converture de livre mais faute de temps je ne l’ai pas fait .

Notre projet fait partie des projets libre c'est un court métrage visant a sensibiliser contre la solitude. La démarche est que nous avons fait plusieurs scènes de quelqu'un remarquant qu'il ne faisait pas réellement partie de son groupe d'ami un jour il croisa c'est amis sortir sans lui et a force d'accumulation il se senti rejeté et commis l'irréparable. Nos références sont quelques vidéos tiktok et nous même. Notre recul est que nous aurions pu faire mieux si on avait utilisé le temps a notre avantage mais nous nous y sommes pris au dernier moment à ne plus refaire

Nous avons repris ça de plusieurs films et série de suspense et de thriller.

Nous aurions pu ajouter davantage de photos pour améliorer le projet et plus de détails pour mieux comprendre l’histoire.

J'ai fait un chapitre du film "La plateforme" en Roman grafique dans un style plus simple/street. La seul couleur que j'ai utilisé est le rouge que j'ai mis à des endroits présis et stratégique.

Le noir et blanc créé une ambiance plus sombre. Surtout sur les case ou le fond est entièrement recouverte de noir.

Les agrandissement sur les personnages servent a créer un isolement entres les deux personnes, montrent une diffente façon de penser. Créent une incompréhension de façon de penser de l'un et l'autre.

Seul les yeux sont expressif car mon intention était de créer un malaise vis-à-vis des émotions en créant des personnes qu'à moitié expressif (intension qui est assez ratée je trouve)

J'ai choisi se coloris car c'est celui qui me met le plus alaise a pratiquer.

J'ai choisi se film car j'ai énormément apprécié l'esthétique bizarre et déranger des deux films mais le première reste mon préféré.

Pour permettre la réalisation de ce projet, je me suis renseigné sur le cinéma à travers de nombreuses vidéos YouTube et j’ai utilisé certaines de leurs astuces (ex : https://youtu.be/iYwR4CNuUyc?si=-7sOntAcYocRHfrm).

L’idée sortir du confort (comme vous dite Doberman) est la suivante ; j’ai l’habitude de faire du montage, mais il y a deux points que je n’avais jamais travaillés auparavant et qui m’ont permis de sortir de ma zone de confort :
le son et l’image.
Je n’avais jamais réalisé le son indépendamment de l’image (voix off, bruitages, etc.), ni tourné mes propres vidéos dans la vrai vie (pas de jeux vidéo).
Cela m’a permis de créer quelque chose qui me correspond davantage, plus immersif, notamment grâce à l’effet noir et blanc et à d’autres choix visuels.

Je suis satisfait des images, du script et, de manière générale, de l’équipe qui m’a permis de réaliser le film.
Le montage est, selon moi, vraiment réussi.
Le seul point à retravailler est la synchronisation des voix off avec les personnages, qui est malheureusement décalée à cause de la vitesse de parole.

Enfin certain plans bancale a cause de la qualité de vidéo du téléphone.

Lien du court métrage :

https://youtu.be/srhLVMQ6mLU

Au niveau des couleurs j'ai choisi de mettre le roman graphique en noir et blanc et d'ajouter du rouge pour le sang pour qu'on le remarque nettement. J'ai choisi le noir et blanc pour nous faire réellement immerger dans le contexte de l'horreur et transmettre des moments stressant et de suspens par le manque de couleur.

Mon projet final est malheureusement incomplet j'ai pu réaliser que le début de mon objectif du au manque de temps. Et excusez moi pour le retard.

https://youtu.be/0jqOtlPcedU?is=L9Ymnw8lg4iDIYA9

Dans ce projet, j’ai choisi de travailler sur le souvenir d’enfance, qui est quelque chose d’immatériel. Un souvenir ne se touche pas, il est fragile, il évolue avec le temps et peut même disparaître.

J’ai voulu le rendre matériel en utilisant une photo que j’ai volontairement déchirée, pour montrer la rupture entre le passé et le présent, ainsi que la fragilité de la mémoire. Le fait de la recoudre symbolise une tentative de réparation, comme si on essayait de reconstruire un souvenir abîmé, comme si on avait un certain « besoin » de le garder, même si les traces restent visible. De plus la couleur du fil n’est pas anodine puisqu’elle représente l’innocence . Cependant j’ai volontairement déchiré un petit bout que je n’ai pas recousu pour montrer qu’une partie d’un souvenir ne peut pas toujours être réparé, il peut être perdu ou même complètement oublié.

La photographie est ensuite suspendue à l’intérieur d’un bocal transparent avec un fil transparent pour faire comme si le souvenir « flottait » et donc symbolisé la fragilité et le fait qu’il ne soit plus encré dans le présent . Ce choix n’est pas anodin car le bocal permet de conserver et de protéger, comme un objet précieux ou une relique. Cependant, il crée aussi une distance. Le souvenir est visible, mais inaccessible, comme s’il était figé dans le temps, ce qui s’apparente aussi à une capsule temporelle

Le fond en parquet évoque l’espace domestique de l’enfance, un lieu familier et intime, tandis que l’image du doudou posée au sol renvoie à un objet symbolique de cette période. Il représente ce qui a été laissé derrière, ce qui n’est plus utilisé mais qui reste chargé d’émotion.

À travers ce projet, j’ai cherché à montrer que les souvenirs d’enfance peuvent être conservés et matérialisés, mais qu’ils restent toujours partiellement inaccessibles. Ils existent encore, mais seulement sous forme de traces.

J’ai décidé de représenter un lit, car c’est le lieu où les rêves se produisent. À l’extérieur, le lit paraît calme et rassurant, avec des couleurs douces et un personnage qui dort paisiblement. J’ai choisi de faire le lit en carton que j’ai peint et recouvert d’un papier pailletée ainsi que du ruban décoratif pour faire une couverture. Et j’ai aussi réaliser un oreiller avec du papier et du coton. Cela représente l’apparence, c’est-à-dire ce que les autres peuvent voir de nous au quotidien.

Cependant, lorsque l’on ouvre le lit, on découvre un intérieur totalement différent, qui représente un cauchemar. J’ai utilisé des couleurs sombres du noir et du rouge, des formes et des taches et des éléments inquiétants comme des yeux ou des toiles d’araignée , des fils emmêlés. Pour cela j’ai utilisé des fils rouges et noir que j’ai collé à la colle chaude, j’ai aussi choisi de laisser les petit fils de colle chaude pour faire comme des toiles d’araignées (peu visible sur les photos) . Cela symbolise les peurs, le stress et les pensées négatives que l’on peut ressentir intérieurement, mais que les autres ne perçoivent pas. Tout ces choses qui ressurgissent la nuit dans notre inconscient.

À travers cette œuvre, j’ai voulu montrer que les rêves sont personnels et invisibles, et que l’on peut sembler aller bien à l’extérieur tout en vivant des choses difficiles à l’intérieur. Les rêves sont aussi des choses qu’on ne contrôle pas ce qui montre donc parfois un côté de notre personnalité que nous ne connaissons pas et dont nous avons aucun contrôle. Mon travail met donc en évidence le contraste entre l’apparence visible et la réalité invisible, afin de rendre matériel quelque chose qui ne l’est pas.

Je suis assez contente de mon travail car c’est la première fois que je fais une « maquette » et que je la trouve plutôt bien réalisée. Même si elle n’est pas parfaite elle me convient car pour moi elle raconte une vrai histoire.

Le verbe écraser correspond à l’utilisation des pastels à l’huile que j’ai étalés et écrasés pour créer un dégradé de bleu et la lumière blanche.Ça m’a permis de représenter la profondeur de l’eau.

Superposer représente l’accumulation des techniques et des matières. J’ai superposé la peinture, les pastels et ajouté des perles et des strass. Cette superposition permet de donner du relief et de rendre visible des éléments immatériels comme la lumière ou les reflets dans l’eau.

Le verbe tamponner apparaît dans la manière dont j’ai appliqué certaines touches de peinture, notamment pour créer des effets de lumière et de bulles. Cela donne une impression de mouvement.

Mon travail représente la beauté et le calme des profondeurs marines. La tortue et les poissons sont peu nombreux pour renforcer l’idée d’espace et de silence. Les rayons de lumière et les éléments brillants apportent une dimension presque magique.

Donc le thème de ma peinture est principalement la perte d'un être chère à nos yeux ,le fond n'est pas "préciser" car la personne qui essaie de se rappeler de l'autre personne en face ne se préoccue d'abord pas de se qu'iel y avait ce jour-là et se concentre uniquement sur la personne qu'iel essaie de se rappellais.

Mais toutefois la compréhension de ce tableaux peut être multiples et chacun son interprétation car on peut aussi suggère que la personne qui semble triste peut avoir dissocier et tout autour d'elle semble flou et maussade et que l'arrière plan est tellement secondaire pour qu'iel ne sait plus où elle est et qui il y a.

Exercice : trouvez les gestes révélateurs, l'obsession à la base de ce travail.