del siglo XX," Inti: Revista de literatur a hispánica: No. 52, Article 32.

📖 Material de lectura:
Encontrarán aquí un artículo de Miguel Ángel Muñoz, "Trayectos de las artes plásticas en la Argentina del siglo XX", que nos servirá de guía en el transcurso de este taller. También encontrarán una guía de lectura para orientar la reflexión, pero no es necesario que respondan a las preguntas, solo las usamos como punto de partida para la discusión.

🖼️ Actividad:
Como para conocernos un poco, les propongo que suban una breve presentación.
Ideas para compartir:

• Tu nombre y qué te motivó a participar en este curso.

• Qué relación tenés con el arte (intereses, experiencias previas, artistas o movimientos que te gusten).

• Cualquier otra cosa que quieras compartir sobre vos.

🌟 Recordá también leer las presentaciones de tus compañeros y comentar si algo te resonó o te inspiró.

¡Nos vemos en la clase y en este espacio de intercambio! ✨

Mi relación con el arte ha pasado por distintos momentos: la formación académica, la práctica artística, la docencia. Siempre me ha interesado el arte que se mueve entre el caos y la construcción, por eso me atraen artistas como Luis Felipe Noé y movimientos que piensan el arte en relación con su contexto, más que como una expresión individual cerrada. “El arte no es un trabajo expresivo de individualidades, sino de relaciones de esos individuos, que se llaman artistas, con lo circundante” (Noé, 2022 [1965], Antiestética, p. 43).

En este curso vamos a leer textos e imágenes, pero sobre todo, vamos a pensar en conjunto. Más que buscar respuestas, vamos a hacernos preguntas y a explorar caminos posibles. No se trata de leer para comprender y memorizar, sino de leer de manera curiosa, exploratoria y personal. Vamos a compartir nuestras reflexiones, porque la lectura deja huella y nos transforma.

Les comparto una imagen de la obra Todo es posible a condición de que sea lo suficientemente absurdo, de Luis Felipe Noé. Porque el arte, al final, es incertidumbre, juego y posibilidad.

Les pido que lean el articulo: Emilio Pettoruti y la búsqueda de una estrategia propia de

Marcelo E. Pacheco (paginas: 25 a 30)

Son libres de leer todo el catalogo, pero vamos a conversar sobre este articulo en particular.

Sociedad Estímulo de Bellas Artes - https://asociacionestimulobellasartes.com.ar/historia-estimulo-bellas-artes/

Museo Nacional de Bellas Artes - https://www.bellasartes.gob.ar/paginas/museo/#event-un-recorrido-por-la-historia-del-museo

Realismo:

Sin pan y sin trabajo de Ernesto de la Cárcova - https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/1777/
La vuelta del malón de Delia Valle - https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/6297/

El corsario La Argentina de Martín Malharro -http://cvaa.com.ar/02dossiers/malharro/05_obras_1894_01.php

Margot de Schiaffino - https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/1656/

Impresionismo:
Martín Malharro: En plena naturaleza (1901) - https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/1661/

Las parvas (1911) -https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/5869/

Grupo Nexus:

Fernando Fader - La mazamorra (1927) - https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/1753/

Rogelio Yrurtia - Canto al trabajo (1922) - https://elojodelarte.com/patrimonio/canto-al-trabajo-de-rogelio-yrurtia

Monumento a Dorrego (1927) - https://www.modernabuenosaires.org/obras/20s-a-70s/estatua-de-manuel-dorrego

Salon Nacional de Bellas Artes: https://palaisdeglace.cultura.gob.ar/info/salonnacional/#catalogos

http://sedici.unlp.edu.ar/handle/10915/33124

Vivo en Caba.

Mi conexión con el arte fue desde las artes escénicas. He estudiado muchos años canto. También teatro, baile, escenografía, iluminación, producción ejecutiva, dramaturgia.

Tuve la oportunidad de estar arriba de varios escenarios, no profesionalmente, pero es algo que jamás olvidaré.

Me gustaría poder pararme frente a una obra de arte (pintura, escultura) y poder entenderla técnicamente, mas allá de lo que pueda o no producirme emocionalmente. Saludos.

Es el segundo curso de Historia del Arte al que accedo por UPAMI con Romyna como profesora.

Siempre me sentí atraída por el Arte, más precisamente por los cuadros.

Mi mamá tenía una prima que con su marido coleccionaban Arte, cuadros. Su casa estaba llena ,llena de cuadros por todas las paredes, habitaciones, escaleras. Para mí era como visitar un museo cada vez que iba.

Ella nos mostraba las nuevas adquisiciones, un Berni, un Alonso etc. Su más preciado era un Castagnino que tenía en el estudio con una luz especial. Asi fui conociendo nombres y colores y técnicas, pero no más que eso. Eran gente común, que amaban el arte y ahorraban en Arte. Siempre quedó en mí la inquietud por saber más a partir de lo visto desde chica como algo natural. Y en el curso veo el origen de las vanguardias de cada época y me ayudan a verlos cuadros y esculturas de otra manera .

• Ciudadano del universo. Xul panactivista, de Cecilia Rabossi

• El encuentro entre el mago y el pintor: Aleister Crowley y Alejandro Xul Solar, de Patricia Artundo

• Mis recuerdos sobre Xul Solar, pintor argentino de lo desconocido, de Jorge Luis Borges

Los invito a leer el que más les llame la atención para que lo podamos comentar en clase. Como mencioné, se trata de una lectura sugerida: si tienen acceso a otro texto o material sobre Xul y quieren compartirlo, ¡bienvenido también! La idea es que traigamos distintas miradas para intercambiar.

EN LA VANGUARDIA exhibición en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2019-2020.

Les pido que lean el texto: Norah Borges en los años 20. Entre la vanguardia y lo íntimo de María Florencia Galesio y Paola Melgarejo

Los invito a leer el texto "los artistas del pueblo 1920 - 19301 de Miguel Ángel Muñoz.

Es un poco más extenso que los que venimos trabajando, así que pueden leerlo hasta donde lleguen. Lo importante es acercarse al texto desde el placer, no desde la presión.

Lean con curiosidad, subrayen lo que les llame la atención, y vengan con ganas de conversar.

GCBA-Centro Virtual de Arte Argentino, 2006.

Subí una foto, contanos dónde fue, qué viste y si hubo alguna obra que te llamó especialmente la atención. Este espacio es para compartir fotos de nuestras visitas a museos o muestras.
Podés subir una imagen que sea testimonio de una obra que viste, o bien tratar de captar lo que te impactó de la experiencia: un detalle, una textura, una sensación, una atmósfera, algo que te llamó la atención más allá de lo evidente.

A veces fotografiamos “la obra”, y otras veces nuestra forma de mirarla.

Podés elegir UNA de estas dos formas de responder:

📝 Opción 1: Escribir tu reflexión
Contanos qué te dejó ese artista o alguna de sus obras. Podés combinar lo emocional con lo conceptual: lo que te impactó, lo que descubriste, lo que te hizo pensar.
👉 Extensión sugerida: no más de 200 palabras.

🎨 Opción 2: Hacer una representación gráfica
Creá una imagen (dibujo, collage, intervención digital o analógica, foto) que exprese tu propia lectura o reflexión sobre el artista que elegiste. No hace falta copiar una obra: podés inventar libremente a partir de lo que sentiste o pensaste.

📌 Subí tu aporte al Padlet. Si elegís dibujar, sacale una foto o escanealo y subilo como imagen.

🗣️ Vamos a conversar en clase sobre lo que compartamos, así que elegí lo que te gustaría mostrar o contar.

Puse atención en los Artistas del Pueblo que no conocía .Artistas que provenienen de clases trabajadoras y aunque están vinculados por el campo artístico a las clases dominantes no pierden su eje y su origen aparece en sus obras y en su actuación. Manifestaban la realidad y crudeza en que vivían y en la de la sociedad circundante. Así retrataban conventillos, trabajos arduos en fábricas y en el campo.

Abraham Vigo es un artista que me parece de los que mejor expresó en diferentes trabajos la realidad de las clases trabajadoras y lo manifestó en cuadros, grabados ,gráficas y escenografías.

Su arte era realista y buscaba una plástica con contenido humano. Su compromiso social era con la clase social a la que pertenecía a través del arte, la clase trabajadora y sus condiciones de vida. Su influencia política era de izquierda con tendencias anarquistas y fue candidato a diputado en el PC en 1940.

Ilustró en varios periódicos como Claridad, Unión Sindical y Bandera Proletaria, Para Ti, El Hogar y libros como Tinieblas.

Me impactaron las obras que marcan mucho la realidad de ayer y hoy:

-Fin de jornada

-Tibuna Proletaria

-Reunion en la fábrica

-Sindicato

-La cosecha

-El agitador

Y la imagen que elegí es 'Fertilizante' impresiona porque las personas el pueblo somos el fertilizante de todas las naciones (así la entendí yo).

Sus técnicas el aguafuerte, tallado, la xilografía y gouaches. También diseñó decorados y escenografías para el Teatro del Pueblo y el Teatro Proletario.

Falleció en Banfield en 1957.

Las obras de Xul Solar son en su totalidad radiografías de su corpus espiritual. En ellas es posible recorrer la continua busqueda de trascendencia, desde la recurrencia a las escaleras registradas desde una posición supina que sugieren la elevación, las almas, que gracias a la acuarela aguada, se muestran con una transparencia celestial, los exagramas del ICHING y la inclusión de su  persona en la obra compartiendo el espacio con Confucio, el rey Wan y su hijo Chou, la serpiente siempre presente, símbolo de la sabiduría y la inmortalidad, las figuras aladas, los planetas, etc. Pero a mi criterio la obra que mejor representa el sincretismo espiritual de Xul , con riesgo de poder considerarse provocativo para los cultores de la rigurosidad, es la representación del Arbol de la Vida de la Cabalá hebrea.

En esta obra las 10 Sefirot se convierten el 12 (astrología) incorporando 2 signos y convirtiendo el sistema decimal en uno duodecimal. La primera Sefirot (o última  según como se lea) Maljut (el reino de la materia) esta representada por un vasija simbolo del "dar y recibir" fundamental en la Cabalá.En esta dimensión prevalece el "recibir" por ello la vasija. Cada Sefirot está expresada como un planeta (astrología) y sus colores  emulan los colores de los Chacras propios de las creencias orientales . La  imagen de la última Sefirot (o primera según como se lea) Keter (la corona) es una cruz cristiana o el símbolo del ojo contenido en el triángulo, propio de la masonería. De los 22 caminos (22 letras del alfabeto hebreo) que representan la combinación de las 10 sefirot o dimensiones del alma surge la personalidad del hombre; En algunas de las pinturas del Pan Tree de Xul estos caminos  no se corresponden con  la representación clásica de la Cabalá, son libres, como si no se ajustarán a cánones preestablecidos sino al libre albedrío de cada vibración del alma tan propio de Xul .

( 1985-1911) Argentino. Estudió Universidad de La Plata.

Viaja a París y admira postimpresionistas.

Sus pinceladas son rápidas y visibles, capta la atmósfera con expresividad capturando sus luces y tonos vibrantes.Hay uso de colores cálidos y fríos, predominan amarillos, azules, verdes y algo de violeta debajo de las parvas.

La luz del sol y cielo iluminan la vegetación.

Árboles al fondo enmarcan la escena, la parvas son las figuras centrales.

Expuesta en e Museo de Bellas Artes de Bs. As.

"Sin pan y sin trabajo"

Fue creado en 1894 por Ernesto de la Cárcova.

Se expone en el Museo Nacional de Bellas Artes.,Caba.

Siempre me impresionó la manera dura en que muestra el flagelo que genera la pobreza en una familia, la falta de trabajo y oportunidades.

Por la ventana se observa un grupo de manifestantes que son reprimidos y las chimeneas apagadad de las fábricas.

Alguna semejanza con la actualidad?

Mucha.

Es una pintura al óleo que mide 125,5 x 216 cm.

Obra Interior 1930. Óleo sobre cartón.

Apreciación.

La Boca es uno de los lugares preferidos de mis paseos por Buenos Aires, tal porque allí nací.

Al mirar el cuadro sentí y recordé las sensaciones vividas al mirar desde la casa de Quiniela la boca del río.

Esa ventana se abre a un mundo de esperanza y de sueños. El Interior sencillo , austero ese balcón, puerta al rio, los reflejos del rio.

La pintura ofrece calma , definición en los colores, no son altisonantes. Me hizo sentir mi casa. Yo vivo en una casa con esas puertas y ventanas. Me falta la vista al río.

Hay un horizonte de esperanza

Recordamos también que siguiendo el primer texto que leimos de Miguel Angel Muñoz "Trayectos de las artes plásticas en la Argentina del siglo XX

Trayectos de las artes plásticas en la Argentina del siglo XX", recién estamos cerrando el subtitulo 2 2. La "plástica pura" y la renovación artística de los años veinte y treinta.

del siglo XX," Inti: Revista de literatur a hispánica: No. 52, Article 32.

📖 Material de lectura:
Encontrarán aquí un artículo de Miguel Ángel Muñoz, "Trayectos de las artes plásticas en la Argentina del siglo XX", que nos servirá de guía en el transcurso de este taller. Durante el primer trimestre charlamos sobre los subtítulos 1 y 2. En este trimestre transitaremos los subtítulos 3 y 4.

🖼️ Actividad:
Como para conocernos un poco, les propongo que suban una breve presentación.
Ideas para compartir:

• Tu nombre y qué te motivó a participar en este curso.

• Qué relación tenés con el arte (intereses, experiencias previas, artistas o movimientos que te gusten).

• Cualquier otra cosa que quieras compartir sobre vos.

• Compartir una imagen que sientas que representa lo que nos contas.

🌟 Recordá también leer las presentaciones de tus compañeros y comentar si algo te resonó o te inspiró.

¡Nos vemos en la clase y en este espacio de intercambio! ✨

del colapso a la reconstrucción

Desde los años 70, Porter ha estado interesada en la idea de derrame, tanto en su sentido pictórico como literal: el accidente. En sus grabados, la idea de la caída antecede a sus lienzos, donde los objetos y personajes han sido arremolinados por supuestos tornados, batallas o inundaciones, creando un caos en la escena que hace pensar en las diversas formas de colapso en las que se encuentra la sociedad actual. A ello se une su compromiso con el trabajo artístico, pero también la reflexión sobre el propio tiempo del trabajo.

En sus instalaciones sitúa a diferentes personajes de pequeña escala que realizan tareas titánicas: su labor es inconmen-surable, bien por los desastres que han acontecido, bien porque las figuras quedan existencialmente atrapadas en su propia anarquía.

Pero la artista también crea situaciones en las que intenta ordenar las consecuencias de tan caóticos episodios: barrer, limpiar o arreglar los destrozos. Proyecta escenas en la búsqueda de una supuesta "nueva normalidad" , que nunca será

igual a la anterior. Estas obras ofrecen la oportunidad de pensar la resiliencia y el cuidado, de suturar las heridas tras el enfrentamiento y de reconstruir lo extraordinario a partir de lo cotidiano, tanto de sus objetos como de sus historias.

no figurativos geométricos: el Grupo "Arte Constructivo Arquitectural" (Salvador Presta) y el de "Arte Generativo" (Eduardo Mac Entyre, Miguel Angel Vidal e Ignacio Pirovano).

sólo estéticamente sino también políticamente, el arte figurativo (o "realista",

como se lo denomina entonces). En los años 50, la guerra fría parece

irrumpir en el campo artístico a través de la polémica que enfrenta a los

"realistas" de izquierda con los "abstractos" de derecha. No obstante, a fines

de la década el triunfo parece favorecer a estos últimos. La posición más

decidida en favor de un "realismo" de izquierda la asume el Grupo Espartaco,

constituido en 1959 por Ricardo Carpani, Juan Manuel Sánchez, Mario

Mollari, Esperilio Bute, Juana Diz y Carlos Sessano. Intérprete plástico de

la nueva izquierda latinoamericanista, el grupo se presenta con el manifiesto

Por un arte revolucionario latinoamericano. En momentos de un creciente

avance de la no figuración, el Grupo Espartaco -inspirado en el muralismo

mexicano- propone un arte combativamente realista de claros contenidos

políticos y sociales.

https://museomoderno.org/mapadelarte/artistas/greco-alberto/

Alejados de la rigurosidad y prolijidad geométrica de los Concretos, los Informalistas apelan a la espontaneidad, a la gestualidad. Arrojan con desparpajo el caos en sus obras con la misma imprevisibilidad que, en el decir de Sartre, los hombres son arrojados al mundo.

Anaya, 1981, p. 4)

hacia la "Otra figuración". Con la muestra que en agosto de ese año realizan

Ernesto Dcira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, junto

con Sameer Makarius y Carolina Muchnik, se da una nueva vuelta de tuerca

a la polémica "realismo"-"abstracción". La imagen humana reaparece en un

espacio pictórico dominado ahora por la matérica gestualidad del

informalismo. Pero, como afirma Noé en el texto del catálogo de esa

exposición, "Otra figuración no es otra vez la figuración. [...] Creo en la

revalorización de la figura humana, no en el retorno a la figuración".

propuesta, el país ha cambiado radicalmente. En 1966 un golpe militar

derroca al gobierno del doctor Arturo Illia, instaura la dictadura de Onganía

y con él a la censura y la represión. Dos años más tarde, el Di Telia agoniza.

El acontecimiento artístico más importante de finales de la década, Tucumán

Arde (1968), no se realiza en la "manzana loca" sino en la Confederación

General del Trabajo de los Argentinos, en Rosario y luego en Buenos Aires

donde es clausurada por la policía. Como La Menesunda es un "recorrido"

pero su finalidad está muy lejos de lo lúdico. Sus realizadores, el Grupo de

Artistas Argentinos de Vanguardia, donde confluyen plásticos rosarinos y

porteños, hacen una obra explícitamente política, una acción destinada a

responder los argumentos que esgrime la dictadura de Onganía para reprimir

alaguerrillaenTucumán:"'TUCUMÁNARDE' MUESTRA, DENUNCIA,

y quiere que Ud. también, como argentino, como hombre, se haga conciente

de este drama que ensombrece a nuestra patria". Como sostiene Ana

Longoni, Tucumán Arde propone

"un encuentro poco habitual entre arte y política, que no implica la

supeditación de la política al arte (como 'tema') ni la subordinación del arte

a la política (como 'puesta al servicio' del artista o de la obra). Se trata, en

cambio, de la fusión de ambos campos, en un poco delimitado terreno común

en el que los objetivos, los lugares, los circuitos y los procedimientos propios

de la política o del arte se articulan y se confunden" (Longoni, 1997, 323).

paréntesis de los gobiernos peronistas de 1973-1976, termina en 1983. Para

el proyecto de país que intentan llevar a cabo estas dictaduras, las actividades

artísticas e intelectuales resultan altamente peligrosas. Por este camino, el

Estado Nacional comienza a intervenir en el campo artístico e intelectual

con el deleznable procedimiento de la censura, las prohibiciones y las "listas

negras". En 1968, además de censurarse Tucumán Arde, la policía clausura

una obra expuesta en la muestra Experiencias 68 realizada en el Di Telia: un

simulacro de baño público de Roberto Plate en cuyo interiorlos espectadores-

participantes han dejado graffitis en contra del dictador Onganía (como

consecuencia de esta clausura, los demás artistas destruyen sus obras en las

puertas del Di Telia). En 1971, la censura reaparece en el II Certamen

Nacional de Investigaciones Visuales, anulando un fallo del jurado que

premiaba obras que denunciaban la represión militar. La institución que

puede considerarse sucesora del Di Telia, el CAYC (Centro de Arte y

Comunicación), también sufre la censura: en 1972 la policía clausura una

obra, exhibida en la muestra Arte e ideología, el CAYC al aire libre, que

alude al reciente fusilamiento de presos políticos en la cárcel de Trelew.

La creciente politización del arte en torno a 1970 corre junto con el

desarrollo de diversas corrientes del arte conceptual. El ya citado CAYC,

fundado en 1968 por el empresario y crítico de arte Jorge Glusberg, es el

principal centro de difusión de esas corrientes en la primera mitad de los 70.

El conceptualismo en la Argentina profundizó la relación arte-política.

Muchas obras conceptuales de esa época, además de denunciar el accionar

represivo de la dictadura militar, se ocupan de registrar la identidad regional

latinoamericana. Tal es el caso de Víctor Grippo que en su obra Analogía I

conecta 40 papas a un voltímetro para medir su energía:

"el tubérculo de origen americano capaz de modificar la dieta alimenticia

europea es, en su nueva estructura, una metáfora de la conciencia humana

y, al mismo tiempo, una metonimia de pares vitales como naturaleza-

energía, tierra-hombre, vida-muerte. Y es también una reflexión sobre la

compleja relación conquistador-conquistado, con todas sus prolongaciones

políticas actuales" (Pacheco, p. 102).

🖼️ Actividad:
Como para conocernos un poco, les propongo que suban una breve presentación.
Ideas para compartir:

• Tu nombre y qué te motivó a participar en este curso.

• Qué relación tenés con el arte (intereses, experiencias previas, artistas o movimientos que te gusten).

• Cualquier otra cosa que quieras compartir sobre vos.

• Compartir una imagen que sientas que representa lo que nos contas.

🌟 Recordá también leer las presentaciones de tus compañeros y comentar si algo te resonó o te inspiró.

¡Nos vemos en la clase y en este espacio de intercambio! ✨

¿Qué cuestionamiento sobre el arte se plantea a partir del caso de Marina Abramovic?

¿Por qué definir el arte es una tarea compleja? Y ¿Por qué la autora considera que, a pesar de su complejidad, definir el arte es necesario?

¿Cómo proclaman la indefinición del arte actual los teóricos que nombra la autora?

¿Qué cuestionamiento plantea la autora ante la idea de indefinición del arte?

La autora se toma una disgresión literaria ¿Cuál es el fin de la misma?

La autora plantea los casos en literatura de textos alabados que son luego olvidados y viceversa ¿Por que plantea que sucede ese cambio? ¿Por qué una obra puede no ser valorada en su época y sí en otra?

¿Qué rol cumple el tiempo en la valoración del arte?

¿Qué quiere decir la autora con “la respuesta se puede dar en una palabra: filosofía”? ¿Qué implica pensar el arte como “filosofía visual”?

¿Por qué concluye que la performance de Marina Abramovic es totalmente artística?

MICROSITIO  |  CATÁLOGO  |  IMÁGENES DE DIFUSIÓN  |  MATERIAL AUDIOVISUAL  |  ACTIVIDADES  

(San Juan, 1860 - Buenos Aires, 1952)

Pintora. Comenzó su formación artística con Procesa Sarmiento en San Juan y la continuó con Giuseppe Agujari en Buenos Aires. Más tarde, se instaló en distintos puntos de Europa (Holanda, Bélgica, Italia y Francia) junto con su hermano, Augusto. Expuso en el Salón del Ateneo, donde obtuvo varias recompensas. Participó en la comisión de pintura de la Exposición Feminista de Buenos Aires en 1898. Se dedicó al retrato, al paisaje, al desnudo y a la naturaleza muerta. Recibió una medalla de bronce en la Exposición Internacional de Arte del Centenario en 1910.En el Video: desde el minuto 6:08 al 8:47

En el Catalogo:

• Laura Malosetti Costa: Una historia de fantasmas. Artistas Plásticas de la generación del ochenta en Buenos Aires.

Página 20: "En los primeros relatos historiográficos que dieron cuenta de la construcción de una escena para la modernidad artística en Buenos Aires a fines del siglo XIX, casi no hay mujeres." hace una nota al pie la misma dice: "Eduardo Schiaffino (La pintura y la escultura en la Argentina, Buenos Aires, edición del autor, 1933) apenas menciona a una: Eugenia Belin Sarmiento, a raíz de los retratos que hiciera de su abuelo. José León Pagano (El arte de los argentinos, vol. 3, Buenos Aires, edición del autor, 1937-1940) recuerda a dos pintoras: Julia Wernicke y María Obligado de Soto y Calvo. Cayetano Córdova Iturburu (80 años de pintura argentina. Del pre-impresionismo a la novísima figuración, Buenos Aires, Librería de la Ciudad, 1978) no menciona a ninguna, y Jorge López Anaya (Historia del arte argentino, Buenos Aires, Emecé, 1997) nombra a la escultora Lola Mora."

Página 21: "Las habilidades del pincel fueron consideradas un elemento necesario en una buena educación para las jóvenes de las clases adineradas, sobre las cuales pesaba la responsabilidad de civilizar y refinar a las generaciones venideras. Encontramos muchos apellidos ilustres entre las que más fueron mencionadas como discípulas de tal o cual maestro al exponer en los salones: la esposa de Domingo Martinto, la hermana de Rafael Obligado, las hijas de Udaondo, la señora de Quesada, la nieta de Sarmiento, etcétera."

• Titulo: En el Centro de los géneros

Páginas 66-67: El caso de Eugenia Belin Sarmiento (1860-1952) presenta puntos de contacto con el recorrido de Posadas. Aunque sea recordada únicamente por los retratos de su abuelo, Domingo Faustino Sarmiento, que le han valido una inscripción marginal en las historias del arte argentino, Belin Sarmiento fue una artista de larga trayectoria y de inserción clara en el mercado del arte. El catálogo más completo de su obra, realizado en la década de 1940 por la estudiosa sarmientina Julia Ottolenghi, da cuenta de una producción copiosa.(Julia Ottolenghi, “Cuadros de Eugenia Belin Sarmiento”, Biblioteca del Museo Histórico Sarmiento, Buenos Aires, mimeo.) Este escrito recopiló no solo información sobre los cuadros existentes en acervos públicos, sino que incorporó una gran cantidad de piezas pertenecientes a colecciones privadas, lo que da cuenta de que muchas obras fueron encargadas o compradas.

El trabajo de Belin Sarmiento como retratista se entrelaza con uno de los episodios más interesantes que recupera El canon accidental. Uno de sus retratos femeninos fue encontrado en la calle por Fabiana Barreda (artista, teórica y activista feminista) cuando su madre, la crítica y curadora Rosa Faccaro (1931-2019), preparaba una muestra pionera: La mujer en la plástica argentina I. Faccaro incluyó a la artista en ese guión curatorial con la idea de reintegrarla a las historias del arte. Cuando se encontraba trabajando en el desarrollo de la exposición, casualmente (o no tanto) Fabiana halló este óleo y se lo regaló a su madre, quien lo atesoró. Los devenires materiales de las obras de mano femenina son azarosos. A veces es la pura suerte la que interviene de modo decisivo en la supervivencia de una obra.

Imagenes:

Pagina 69:

Eugenia Belin Sarmiento

Retrato de María Amelia Sánchez, 1891

Óleo sobre tela, 57 x 37,5 cm

Colección Fabiana Barreda - Archivo Rosa Faccaro Arte Argentino Contemporáneo

Pagina 85:

Eugenia Belin Sarmiento

Amapolas rojas, s/f Óleo sobre tela, 122,8 x 83,3 cm

Colección Museo Histórico Sarmiento, Buenos Aires

Pagina 87:

Eugenia Belin Sarmiento

Desnudo en el parque, 1908

Pastel sobre papel, 43 x 56 cm

Colección Museo Histórico Sarmiento, Buenos Aires

María Obligado

(Buenos Aires, 1857 - Vuelta de Obligado, 1938)

Pintora e ilustradora. Estudió en Buenos Aires con Giuseppe Agujari, y continuó su formación en la Académie Julian. Exhibió su obra en el Salón del Ateneo y en la Exposición Internacional de Arte del Centenario de 1910.

También expuso en cuatro oportunidades en el Salon de la Société des Artistes Français. Cultivó diversos géneros pictóricos: paisaje, retrato, costumbres y pintura de historia. Ilustró varias obras de su esposo, Francisco Soto y Calvo, y la primera edición del poema Santos Vega de su hermano, Rafael Obligado. Fue una gran co-

leccionista de arte y realizó una importante donación al Museo Histórico Provincial “Dr. Julio Marc” de Rosario.

En el video 8:50 a 12:30

En el catalogo:

Pagina 65:

"La trayectoria de María Obligado también es notable, aunque su obra no esté representada en el acervo del Museo Nacional de Bellas Artes. Nacida en el seno de una familia privilegiada y cercana al núcleo fundador del Ateneo en Buenos Aires, Obligado viajó por primera vez a Europa en 1888, en el grand tour de rigor para la alta sociedad argentina. Sin embargo, su estadía europea se prolongó durante más de dos décadas (con algunos regresos a la Argentina), en las que la artista se abocó a perfeccionar su oficio en la Académie Julian y a exponer en el salón parisino obras como En Normandie, su envío de 1902. Obligado se insertaba con esta pintura en una tradición de representación de los trabajadores no urbanos, de gran popularidad durante el siglo XIX. Las figuras femeninas que dominan la composición se entregan a la realización de redes de pesca en la

zona norte de Francia, una actividad de vital importancia para la economía regional. En Normandie presenta a un conjunto de trabajadoras concentradas en una tarea minuciosa y sistemática. Es posible establecer una analogía entre esta representación y el propio trabajo laborioso de la artista, que ejecutó detallados estudios de cada figura y de la composición en general.

La misma planificación se halla asociada a otra de las grandes piezas de la artista, La hierra, cuyo estado de conservación actual es calamitoso. Por el contrario, varios estudios previos están en buenas condiciones y permiten comprender la complejidad de esta composición con múltiples figuras y desarrollo del paisaje pampeano, una constante en la carrera de Obligado. Presentada en el salón parisino de 1909, la obra se nutría de la tradición de la literatura gauchesca y llevaba a un formato monumental un tema propio del costumbrismo.

Imagen: pagina 71 María Obligado

Angoisse, 1900 Óleo sobre tela, 152 x 107 cm

Colección particular

pagina 72: María Obligado

Autorretrato, 1915 Óleo sobre tela, 45 x 40 cm

Colección Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc”

Pagina 76: María Obligado

Cuaderno de dibujos realizados en Europa, ca. 1900

25 x 35,5 cm

Colección particular

Pagina 80: María Obligado

En Normandie, 1902

Óleo sobre tela, 162 x 207 cm

Colección particular

pagina 81: María Obligado

Estudio para En Normandie, ca. 1902 Óleo sobre tela, 32,5 x 41 cm

Colección Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc”

pagina 82: María Obligado

Estudio para La hierra, 1908

Óleo sobre tela, 60 x 93,5 cm

Colección Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc”

Sofía Posadas

(Buenos Aires, 1859-1938)

Pintora y docente. Estudió con Giuseppe Agujari y Reinaldo Giudici. Expuso en el salón del Ateneo, donde obtuvo una mención honrosa. En la exposición de La Colmena Artística de 1898, recibió una medalla de bronce. Cultivó el desnudo, el retrato, la naturaleza muerta y la pintura de género, y también realizó composiciones históricas. Se conservan pocas obras de su autoría.

En el catalogo:

Excentricas -Gluzman: pag 13: La docencia fue un medio de vida privilegiado para las mujeres, de donde obtuvieron recursos económicos. Fueron muchas las artistas que se sostuvieron total o parcialmente gracias a la enseñanza, en clases

particulares en sus talleres o en escuelas de diversos niveles. La enseñanza, sin embargo, no fue un camino

meramente económico: constituyó también un modo de vida que les posibilitó tener un enorme impacto en

otros artistas. Sofía Posadas (1859-1938), Andrée Moch (1879-1953), Mariette Lydis (1887-1970) o Cecilia

Marcovich (1894-1976), en momentos diferentes de la historia del arte local, se nutrieron de los deseos de

discípulas y discípulos de formarse junto a ellas. La docencia en los talleres dirigidos por estas artistas fue un

espacio de autoridad, que les era a menudo negada en otros ámbitos.

Pag 23 a 25: En el articulo de Laura Molosetti Costa.

Pag 66: Sofía Posadas era frecuentemente destacada por los críticos de arte que reseñaban las exposiciones

del Ateneo y señalada como una “verdadera pintora”. En 1891, estuvo en el centro de una polémica desatada

por la exhibición de un desnudo de su autoría en la muestra de la Sociedad de Beneficencia de Nuestra Señora

del Carmen, en Buenos Aires.1 Sometida a un juicio público por la supuesta indecencia de su obra, Posadas la

retiró de la muestra. Y, sin embargo, continuó produciendo desnudos, que fueron tan apreciados por algunos

como censurados por otros. Posadas también abordaría la pintura de tema histórico, el paisaje, el retrato, las

escenas de género y la pintura de ramillete.

Imagenes pagina 77, 83

https://www.entrelienzos.org/2021/02/03/sofia-posadas/

Video 15:00 a 17:00

Julia Wernicke

(Buenos Aires, 1860-1932)

Pintora, grabadora y docente. Enseñó dibujo en la Escuela Normal de Profesoras N° 1, entre otros establecimientos educativos. Se abocó esencialmente a la temática animalista, tanto en pintura como en grabado. Participó y fue premiada en el salón del Ateneo, así como en la sección femenina de la Exposición Nacional de 1898. En 1904, integró el envío argentino a la Exposición Universal de Saint Louis, donde obtuvo una medalla de bronce por su obra Toros. También realizó muestras individuales en Buenos Aires. Vivió gran parte de su vida adulta entre la Argentina y Alemania.

En el catalogo:

pág 21: Citemos a modo de ejemplo la carta que Eduardo Schiaffino, en nombre de la Comisión Nacional de Bellas

Artes, escribió a Osvaldo Magnasco (ministro de Justicia e Instrucción Pública) en diciembre de 1899, desaconse-

jando el otorgamiento de la beca de pintura de paisaje a Julia Wernicke (finalista del concurso) en razón de que:

"… las clasificaciones obtenidas por ambos [Julia Wernicke y Arturo Méndez] en el

concurso son idénticas, su edad es equivalente, y su diferencia de sexo establece

una inferioridad de parte del concurrente femenino, ya que la historia del arte

no registra sino como raras excepciones los triunfos de la mujer en el cultivo del

arte pictórico, escultórico o arquitectónico, para el que se necesitan facultades

intelectuales más intensas y energías físicas más poderosas que aquellas inherentes al sexo débil."

Pag 64 y 65: Julia Wernicke fue la primera artista argentina cuya obra ingresó al acervo del Museo Nacional de Bellas

Artes. La relación entre mujeres y pintura animalista fue muy intensa desde la segunda mitad del siglo XIX. La

brillante personalidad de la artista francesa Rosa Bonheur, cuyas obras circularon en el mercado artístico local e integraron la colección del Bellas Artes desde temprano, constituyó una referencia ineludible. La búsqueda

de una “Rosa Bonheur argentina” ilumina algunos aspectos de la carrera de Wernicke, tales como la presencia

destacada que tuvo su óleo Toros en el Museo. Adquirida en 1898, esta pieza se exhibió junto a cuadros hoy con-

siderados obras maestras del arte nacional, aunque fue removida de las salas dedicadas a la pintura argentina

hacia 1950. Wernicke fue una de las dos únicas artistas de la generación del Ateneo que lograron ingresar al

Museo Nacional de Bellas Artes. 

Imagenes

Paginas 74,75

Léonie Matthis

(Troyes, 1883 - Buenos Aires, 1952)

Pintora y grabadora. Se formó en París, como parte de las primeras cohortes de mujeres que lograron ingresar a

la École des Beaux-Arts, y expuso en el salón de la Société Nationale des Beaux-Arts a partir de 1906. Viajó por

España, donde conoció a su esposo, Francisco Villar, también pintor. En 1912, se trasladó a la Argentina y contrajo

matrimonio. Participó en el Salón Nacional desde 1913, y en 1919 recibió el premio para artistas extranjeros por

su obra En la quinta. Expuso sostenidamente de manera individual en diversas galerías del país y del exterior. Eje-

cutó bocetos para las decoraciones murales del subterráneo porteño. Se especializó en la realización de acuarelas

y gouaches, muchos de ellos de tema histórico. También se destacó como retratista y paisajista.

Pag 90: Al igual que Weiss, muchas de estas mujeres estuvieron casadas con artistas. Esos vínculos fueron

centrales para la continuidad y el éxito en sus carreras. En los casos de Weiss y Léonie Matthis, los varones

proveyeron no solamente un apoyo para que la actividad artística de sus esposas no se interrumpiera con el

matrimonio y la crianza de los niños, algo crucial en el contexto de las reservas existentes respecto del trabajo

femenino en general y su casi imposible coexistencia con la vida familiar. Pero, además, tanto aquellas que

tuvieron hijos como aquellas que no lo hicieron, como Lía Correa Morales, supieron aprovechar sus vínculos con

varones influyentes en el campo del arte para participar en ciertas formas de sociabilidad que de otro modo les

habrían estado vedadas.

Nacida en Francia y educada en prestigiosas academias parisinas, Léonie Matthis fue una artista múlti-

ple e incansable. Tras conocer al pintor Francisco Villar, se trasladó a la Argentina. Desarrollaron a la par vastas

carreras y criaron a una extensa familia. Matthis viajó de modo permanente, y su pintura da testimonio de esos

desplazamientos. Su Calle en Toledo, por ejemplo, la muestra interesada en la vida de los pueblos. Junto a

esta búsqueda, mantuvo una importante faceta como retratista y una amplia actuación en escenas de recons-

trucción histórica. Su tratamiento del color se complementa con su exploración del grabado, técnica en la que

también se destacó con obras tan simples como atractivas.

pagina 122: La perspectiva de las artistas no solo fue enriquecida por su resistencia a los cánones de representación

instituidos, sino también por la experiencia del viaje que, si bien siempre había estado presente, a partir de la

década de 1920 se intensificó y cambió de finalidad. Los nuevos viajes eran de descubrimiento y exploración,

no meramente de perfeccionamiento. El noroeste argentino atrajo a las artistas de las más diversas vertientes.

Léonie Matthis abordó los más variados temas durante su carrera. En el norte argentino, así como en el sur del

país, en Perú, en Uruguay y en Bolivia, trabajó el paisaje con una paleta mucho más extensa que la desplegada

en sus cuadros históricos, que tuvieron mayor difusión que el resto de su obra. Además, la artista estudiaba cada

espacio que recorría y aspiraba a una reconstrucción histórica “precisa” del pasado de esas geografías, aseso-

rada por un grupo de especialistas. Su Templo del Sol, ha señalado la historiadora del arte Marta Pehnos, refiere

con fantasía a “una antigüedad prestigiosa, la del imperio incaico, en sintonía con el ideario de Ricardo Rojas y

su Ollantay, tragedia de los Andes, estrenada en 1939 con música de Gilardo Gilardi y bocetos escenográficos de

Ángel Guido”.

Imagenes 110,111,114,115,116,117, 163,164, 165

Lía Correa Morales

(Buenos Aires, 1893-1975)

Pintora, docente y gestora cultural. Comenzó su formación con su padre, el escultor Lucio Correa Morales, y

posiblemente con su madre, la pintora y geógrafa Elina González Acha. Tras la muerte de su primer esposo se

trasladó a Europa, donde continuó su aprendizaje y participó en muestras. A su regreso a la Argentina, expuso

en varias ediciones del Salón Nacional, así como en los salones de Rosario, Tandil, Santa Fe, La Plata y Mar del

Plata. En el Salón Nacional de 1928, recibió el segundo premio por Retrato de mujer. Expuso de manera indivi-

dual en diversas ocasiones. En 1950, asumió la dirección del Museo Casa de Yrurtia y, en 1968, fue nombrada

miembro titular del Colegio de Museólogos.

Pagina 90: Lía Correa Morales también fue una artista precoz. Ya en 1913, cuando tenía veinte años, expuso Torso, un

despojado desnudo femenino que fue adquirido para el Museo Nacional de Bellas Artes en el Salón Nacional. Tras

haber enviudado, buscó nuevos horizontes formativos. Se dirigió a París, donde emprendió la realización de una

ambiciosa serie de retratos femeninos, entre los que se encuentran La dama de gris y Jacky, la bailarina. Todos ellos comparten ciertas características: figuras femeninas de cuerpo entero, calmas, elegantes y de apariencia

segura. La representación de la vestimenta, trabajada con sumo cuidado, ocupa un lugar central en cada una de

estas piezas. A pesar de su estricta adhesión a los cánones de belleza hegemónicos, estas mujeres transmiten

una sensación de dominio de la escena: más que graciosos objetos de deseo para ser contemplados, son sujetos

de deseo en plena posesión de sus cuerpos y de sus destinos.

Imagenes: 93,94,100,101,105

Emilia Bertolé

(El Trébol, 1896 - Rosario, 1949)

Pintora, ilustradora y escritora. Inició su formación con Mateo Casella en Rosario. Expuso desde temprana edad

en salones de todo el país y obtuvo recompensas por sus envíos. También realizó ilustraciones para importantes

publicaciones periódicas como El Hogar. Trabajó con preferencia la figura humana, particularmente en retratos

y desnudos. En 1927, publicó su poemario Espejo en sombra.

Pagina 15: Los salones provinciales fueron muy atractivos para las artistas, que con frecuencia obtuvieron en ellos

importantes distinciones. En Rosario, el Salón de Otoño se convertiría en uno de los más convocantes para

creadoras de todo el país. Ya en su primera edición, de 1917, la participación de las mujeres fue señalada por

la crítica: “La representación femenina ha tenido, también, honrosa representación. La señorita Emilia Bertolé, de Rosario, que en las dos últimas exposiciones del Salón Nacional se ha destacado tan ventajosamente, con

telas que acusan una extraordinaria capacidad artística, ha merecido la adjudicación de uno de los premios de

estímulo”.15 Esta presencia sería permanente en las siguientes ediciones.

Pagina 91 : Emilia Bertolé fue famosísima durante toda su carrera, que comenzó a cobrar fuerza en 1915 con su

primer envío al Salón. Si bien muchas de sus obras abrazan estereotipos visuales en torno a las mujeres, particu-

larmente Autorretrato, que invita a una mirada fuertemente objetualizante, otras piezas otorgan importancia a la

vejez femenina (Retrato de mi madre, también llamada El ayer) o exploran estados anímicos complejos (Retrato

de mi padre). La figura de la artista abocada a la realización de retratos de mujeres espectaculares y sexualiza-

das se complejiza con otras imágenes que se escapan de estas normas visuales.

Imagenes 95, 96,97,102