Deseo presentar la danza iraquí llamada Kawleeya/Kawliya cómo un fenómeno dancístico que ha traspasado rápidamente fronteras, de acuerdo a la bailarina Assala Ibrahim de origen iraquí, a raíz de la guerra contra Irak en 2003, esta danza se ha transformado volviéndose más rápida,  transformando el vestuario, el cabello y las fortalezas físicas de cada bailarina para poder realizar el performance. Esta danza se transforma y expande geográficamente a partir de ese momento coyuntural de crisis política, y son las bailarinas de Rusia y Ucrania quienes desde hace más de 10 años, han realizado las mayores transformaciones en la performance de esta danza.  Los gestos corporales del Kawleeya, fueron creados por los gitanos procedentes de la India se establecieron en la región de Irak, la comunidad gitana se conoce como Kawleeya, Kawliya, Qawliya o Awaz, los movimientos asemejan una especie de trance y esquizofrenia. (ver el video) Iraqui dance. Pensando en los juegos de verdad que propone Foucault (1986) ¿Porqué particularmente las bailarinas rusas y ucranianas determinaron las pautas estructurales del performance? para responder esta pregunta, sería conveniente  una investigación a la cuál no me he aproximado lo suficiente, sin embargo parece que una de las respuestas está dada en la particular forma de subjetivar lo que se considera como femenino, el cuerpo ya no visible en gran porcentaje como en la danza oriental/danza árabe sino que esta danza resalta la figura, de manera no convencional de acuerdo al canon de la danza oriental, en esta danza se utiliza un vestido completamente pegado al cuerpo elaborado con telas elásticas, que resalta más las formas del pecho y la cadera. Y surge otra pregunta ¿se podría analizar una cierta representación de la sexualidad a través de esta danza?  ¿que poderes operan en este tipo de representación? en este primer ejercicio crítico, trato de pensar con la danza, y no en la danza. 
Para ejemplificar la expansión geográfica de la danza Kawleeya agrego este video en el que podemos ver la participación de mujeres en distintas latitudes danzando esta danza con los vestuarios antes mencionados.  

https://youtu.be/WhJO6cME1LE

Silvia Vázquez Está problemática alrededor de la danza iraquí me parece muy pertinente. Replantearnos desde donde vienen las convenciones de lo que es o como debe ejecutarse una danza (aparentemente folclórica) que ha sido modelada desde una mirada más occidental. Por otro lado, entiendo la preocupación que genera la idealización del cuerpo femenino (digamos que parece que la convención de la danza oriental, atraviesa incluso los cuerpos, ya que la mayoría de las bailarinas "profesionales" deben operar sus cuerpos para entrar en el modelo. Pero más allá de ello yo me pregunto ¿Que puede está danza? Quienes la hemos ejecutado sabemos la potencia de libertad y la inigualable sensación de ingravidez que provoca ¿Cómo podríamos usar esta potencia sensible de la ejecución para hacer de ella un gesto político de libertad?

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Querida Silvia, tu reflexión y cuestionamientos, hacia esta danza justamente apuntan a un ejercicio crítico para resignificar la producción de la danza, y dar cuenta de la potencialidad política que sería capaz un cuerpo sensible y entrenado en esta disciplina. Me quedo con tu hermosa reflexión, tus palabras complementa la intención de mi investigación. Te agradezco mucho tu valiosa aportación

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Anónimo

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Erika y Silvia, me parece que sus comentarios apuntan a los complejos cruces que se dan en la representación dancística, contrario a una idea purista de danza, se reflejan en ella los cruces de cultura, consumo, contextos políticos y privados, etc. Ahora, es verdad que todo eso y más está ahí, y que como dice Silvia, puede aparentar liberación; pero pregunto, ¿qué es lo que predomina de esos cruces y hacia dónde se encamina su producción? ¿quién la produce, quién la consume, que aporta cultural e ideológicamente en sentido predominante?

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Querida Silvia, coincido con tu reflexión sobre Dust, es un trabajo coreográfico que a través de. la representación de una realidad histórica, contiene una especial poética de la gestualidad inspirada en el trabajo arduo. Franko (2019:220) menciona que "La propia conciencia de la historia política que porta el cuerpo nos permite pensar la relación entre la danza y la política coreográficamente" Me pregunto ¿que otras lecturas y cuestionamientos provoca la obra? sin duda se le puede abordar desde muchas aristas.

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Algunas de estas podría estar en relación al tiempo en el que se plantea la acción para Dust, al representar el cuerpo en trabajo repetitivo, se constituye como el tiempo de tensión, y por otro lado se pierde la noción del tiempo individual para ser el tiempo del trabajo y la sobrevivencia colectiva. Sin embargo lo que sobrevive es lo humano, sus elementos simbólicos de la obra permiten no solo mostrar el drama humano sino también la fuerza política de la sobrevivencia en colectividad. Y por supuesto se encarna en la mujeres ese espíritu combativo y poderoso.

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Anónimo

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Comentario de Silvia... Mi adorada Erika, me encanta tu reflexión sobre cómo la temporalidad también adquiere connotaciones politicas en esta ejecución. Es un factor central la temporalidad para las ejecuciones y sus simbolismos escénicos. Me encanta que pongas esto en mi horizonte de sentido, porque es una reflexión que aporta mucho a la idea que tengo para mi proyecto.

Anónimo

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Evidenciar en una danza escénica cómo ha afectado un contexto a los cuerpos, cómo condiciona las distribuciones del trabajo, de la comunidad, es un ejercicio de construcción simbólico política. Ahora pregunto, cómo está operando la pieza en su entorno; si está detonando o mostrando elementos para pensar críticamente su contexto, no sólo desde su narrativa. O bien, cómo afecta su narrativa al lugar o época a la que la presenta.

Estimados compañeros y asesoras.

Comparto esta película, que me imagino que la mayoría conocen, porque creo que en ella se se pueden encontrar ejemplos para responder las preguntas sugeridas. 
Sin embargo, me concentraré en intentar responder ¿qué individuos, qué instituciones, qué procesos sociales se encuentran involucrados en el proceso creativo en cuestión? 
En primer lugar se pone en el centro a un bailarín cuyo cuerpo es el resultado de una formación ideológica de poder nacionalista que guarda efectos políticos que suprimen las individualidades; en este sentido existe una institución propia del estado que promueve el aprendizaje y establece las líneas creativas del cuerpo, la enseñanza, la creación y la interpretación. Por otra parte un docente con una formación previa, que en la película, reconoce como estética y norma del gusto al estilo de Kant, el ballet Ruso, curiosamente otro sistema de poder que tampoco es capitalista, aunado a ello la llegada de otros cuerpos que comprenden la técnica, interpretación e ideología corporal toralmente distinta a ella, lo lleva a conocer una realidad distinta a la que el sistema mismo le ha inculcado, y que el proceso creativo en la formación técnica puede tener otras posibilidades, aunque pone de manifiesto que la competencia es la misma, pero desde otras visiones y formas de estar y lo que parece simplemente danza termina en un conflicto político internacional a partir de la liberación corporal e ideológica, que al final del día lo libera de un sistema para atarlo a otro, aunque se ejemplifica muy bien la tesis de Franko (2019) "la danza es ideológica y conlleva efectos políticos por esta razón. Las ideologías son los medios persuasivos, kinestésicos y visuales, a través de los cuales las identidades individuales se integran a formaciones colectivas más grandes" (pág. 207)

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Anónimo

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Miguel, creo entender tu reflexión, pero quizá conviene explicar por qué o cómo es que se hace visible que el cuerpo de ese bailarín al que te refieres, es el resultado de una formación ideológica de poder, cómo eso se expresa en el cuerpo, o en la tradición, y si es que enteramente se trata de una construcción política tanto de técnica como de cuerpo; qué contexto está afectando a esa danza y esos cuerpos. Me parece muy pertinente y crítico el apunte que haces sobre si realmente se trata de una liberación o bien de adoptar el molde de otra construcción ideológica. ¿Qué indicaría que es o no una liberación, qué en el cuerpo, qué en la danza misma?

Como fenómeno dancístico para este ejercicio de reflexión me gustaría traer a la mesa la danza como protesta. ¿Qué acto más voluntariamente político que sacar la danza de los teatros y tomar las calles? En esta pieza que utilizo como ejemplo podemos ver una acción colectiva, construida a partir de un problema social (Feminicidio), en la que se hace el uso del espacio para resistir desde el hacer pública la subjetividad creativa y protestar.
El acto político de hacer visibles las estructuras de poder que vulneran a la sociedad. La danza otorga el espacio de expresión desde el movimiento de el ser conformado por estas mismas estructuras.
A su vez, la danza en sí es un sistema social con sus propias estructuras estructurantes transmitidas y validadas por los mismos sujetos de danza. Estructuras que, en busca del acto político colectivo se reestructuran. 
En lo personal, el acto de sacar la danza clásica (en cualquiera de sus niveles) de los teatros y salones me habla de una necesidad colectiva de re-crear y romper con el habitus de la misma atendiendo a la necesidad colectiva de creación a partir de la vivencia de nuestra cultura.

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Hola Viviana, es muy claro el análisis que nos compartes, me quedo pensando, ¿cómo es que la coreografía puede volverse un acto político? ¿será suficiente con salir a la calle? ¿representar un texto que se encuentra siguiendo la música, en el gesto, en las ropas simulando sangre? estas preguntas me las hago a mi misma después de mirar el video que nos propones, finalmente quisiera agregar, los materiales que nos han proporcionado me hace cuestionar más profundamente lo que te mencionado, pero aún no sé como articular respuestas.

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Anónimo

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Hola, Viviana y Erika. Me parece muy interesante la problemática que están abordando: ¿basta que el tema aborde algún problema social para que la danza rompa estructuras sociales? Si las relaciones de poder continúan verticales, algunos sometidos, otros sometiendo, ¿no se perpetúan estas formas de operar?

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Reflexiono a partir de sus preguntas y concuerdo, la representación coreográfica de un texto de protesta no es suficiente para romper las relaciones de poder que ocasionan el problema social en sí pero considero que hacer visible un problema desde el uso creativo del cuerpo ya es un acto político en sí desde la acción colectiva de la exposición del cuerpo a través del lenguaje de la danza. Retomo la idea de acción colectiva desde la conceptualización de Crozier en la que menciona que la colectividad no es un acto natural del ser humano sino resultado de su relación con los sistemas de poder y los problemas materiales y, que en este caso, se visibiliza desde un trabajo creativo.

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Quizá, puedo mirar desde mi perspectiva el tomar las calles como un acto político debido a mi experiencia como docente independiente en comunidades de bajos recursos y poco acceso al arte que me ha expuesto a diferentes vicisitudes para abrir espacio a la danza en las calles debido a las relaciones de poder que se interponen a través de las burocracias y sistemas políticos que regulan el uso de los espacios

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Me parece muy interesante cómo en la propuesta que nos compartes las calles son el espacio de la danza para posicionarse políticamente frente a esta situación tan particular del feminicidio en contraste con otras propuestas que se posicionan políticamente sacando a la gente de las calles para llevarla a un espacio de formación en danza dentro de un salón.

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Estimadas compañeras, creo que las reflexiones que nos dejan las lecturas vienen acompañadas de un sin fin de preguntas, pues como bien lo menta Viviana con base en Croizer y Friedber "toda estructura de acción colectiva, por estar sostenida sobre incertidumbres naturales de los problemas por resolver, se constituye como sistema de poder" (1990, p.178). El cuerpo mismo entonces es el resultado de las mismas instituciones delineadas por el poder termina sistematizando el cuerpo, por lo que una de las posibles vías es la liberación, pero eso también puede llevar a otros sistemas, sin embargo, si no se arriesga, las resoluciones desde el poder no tendrán más que otras problemáticas.

Considerar la  tradición dentro  del debate de la alienación para la danza contemporánea. Una perspectiva personal sobre L´Evocation.

Esta pieza me evoca los impulsos del movimiento, las energías catárticas, y los trazos que componen la mayoría de los movimientos tienen relación con la danza zaar. Esta danza proviene de un ritual que ha perdurado en el tiempo, de acuerdo a la bailarina egipcia Hoda Ibrahim, el registro de este ritual está descrito desde 1860 por el historiador Edward William Lane  

Si consideramos que la  importancia de dejarse inspirar en rituales y tradiciones es fundamental para Damien Jalet  https://www.independent.co.ug/damien-jalet-draws-inspiration-from-rituals-and-traditions-around-the-world/  y más adelante en el  artículo de la revista https://revistaexclama.com/damien-jalet-cuerpos-en-colision/  se menciona que el coreógrafo a menudo usa patrones geométricos, el sonido de la respiración y la resistencia a la gravedad como aspectos clave de sus composiciones. Será central  observar los elementos que utiliza para materializar su pieza dentro de la sala dedicada a Mesopotamia del Museo de Louvre, ¿qué preguntas está formulando con las maneras de formar sus patrones de movimientos? De acuerdo a Eco (1990) hay una gran diferencia entre alienación en algo-que quiere decir renunciar a uno mismo, y alienación de algo-esto último es entregarse a un poder extraño, hacerse otro en algo, verse intervenido por algo que ya no somos. 

Damien Jalet dice «Existe esta idea de que la identidad, la que normalmente leemos, desaparece. (…) Surgen otras cosas y la frontera entre lo que es humano y lo que no lo es se disuelve. Me gusta plantear la cuestión de qué significa que nos definamos como humanos y que al mismo tiempo haya tantas cosas que no son humanas en nosotros»,

¿A qué nos está invitando Jalet a identificarnos? En el texto de La ruptura alienante: tradición, vanguardias y posmodernismo, Pinheiro defiende la tesis que “la identificación con la tradición no es enajenante, sino que por el contrario, es exactamente aquello que presenta la posibilidad de autenticidad. De acuerdo a lo anterior, en L´Evocation ¿lo que está proponiendo Jalet, es encontrar una fisura que atraiga desde la tradición lo que significaría una vía para recobrar la autenticidad de lo humano?

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14d

Erika, qué interesante que con el material que nos compartes aquí ya estás planteando una aparente contradicción, pero a la vez una pregunta sobre la función de la danza en su contexto, lo que en el texto introductorio de este debate se nombra como materialidad del arte: cómo damos forma, cómo expresamos el mundo. En esa dirección quizá habría que distinguir los propósitos del coreógrafo, cuál es su fin último, quizá no es la desidentificación solamente, sino ¿dibujar un entendimiento del mundo? ¿Cuál? ¿en qué cuerpos y por qué? E identificar desde ahí qué es lo que le interesa de la tradición y qué le interesa de haber mezclado lo contemporáneo o de haber dado a la danza zaar un valor contemporáneo. Así no perdemos de vista la revisión crítica a la tradición que se propone en el debate y el texto de Zulai.

14d

Querida Erika, me parece una pieza muy impresionante, al mirar esto puedo sentir el registro de la poderosa danza zar habitando mi cuerpo. Esto que te pregunta la dra. Sara me parece que es una pregunta que me ha hecho antes y que toma sentido para mí aquí y ahora ¿qué cuerpos? porque de la memoria de la sensación de ejecución así como los sonidos que produce el cuerpo al ejecutar esta danza me indican que el cuerpo y su movimiento pueden ser pensados y mirados como un archivo de memoria sensible, pero también de memoria histórica (quizá través de esta danza ritual). Esto implica un diálogo desde la danza y hacia ella. Gracias por compartir

En este diálogo de las tradiciones Khan menciona que Torobaka es un intercambio, no una competencia, es un intercambio de energías, desde una propuesta y como se puede transformar desde lo que el otro sabe hacer, en este caso el flamenco de Israel Galván. 

Este ejemplo que ya tiene rato que lo había visto, me motivó y provocó en seguir en una búsqueda de un movimiento propio , sin olvidar aquello que ya conozco.

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14d

querida Maylet, me parece muy interesante cómo es que se retoman elementos de las danzas flamenca y Kathak para reinventarlas a través del juego y la experimentación. Pienso que la obra permite cuestionarnos sobre la idea de tradición que habita nuestra forma de pensar/habitar el movimiento. Me surgen muchas dudas, posiblemente sin respuesta... ¿cuándo una danza deja de ser ritual? ¿cómo es que la danza hace mímesis de las tradiciones que originaron el índice de movimiento sobre el que se producen? ¿qué tanto la creación es improvisación sobre un mismo eje? te abrazo.

Tuve la oportunidad de ver el espectáculo en vivo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris hace poco más de 10 años. Recuerdo cómo me impactó ver la danza tradicional tailandesa fuera de su contexto, sin vestuario, ni música, ni nada. El bailarín en pants y en silencio. En ese momento se convirtió en una danza perfectamente contemporánea. Bel habla de cómo en la danza tradicional, tanto los empresarios como el público, ya saben a priori la forma del “producto”, pero que en una obra contemporánea, es un salto al vacío: el empresario le apuesta a lo desconocido al igual que el público. Pichet también comenta que la gente en la actualidad, los jóvenes, ya no conocen las leyendas que conforman las danzas tradicionales, por lo que se vuelven tan incomprensibles como suele resultar muchas veces la danza contemporánea. Es entonces, que los extremos de lo tradicional y lo contemporáneo se tocan como grandes incomprendidos.

 

 https://www.youtube.com/watch?v=E8Q9c6dZDvM

https://www.youtube.com/watch?v=biR7pV-hzR4

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Anónimo

16d

Me gustan mucho esta serie de obras de Bel, porque también apuntala que el cuerpo mismo es ya una caja de resonancia, un archivo vivo, un lugar por donde pasa la historia. El cuerpo implica una conversación actualizada con el pasado.

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Con toda la subjetividad de cada intérprete, como señala Pérez Royo en su texto "Replantear la Historia de la Danza desde el cuerpo".

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Me parece muy interesante el trabajo que se presenta en el vídeo, ya que creo que es un claro ejemplo de lo que Macias (2023) afirma ":danza tradicional vs. tradición académica de la danza, en donde la primera se mira como la raíz que se debe preservar y conservar (por lo que sele da tratamiento de objeto) y la segunda se muestra como la danza creativa y productora de saberes corporales.", pues considero que este trabajo hace uso de las dos posturas, por una parte esta mostrando la raíz que se quiere preservar, y por otro lado esta siendo utilizada como productora de saberes creativos que van más allá de lo corporal.

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También considero que se rompe con la costumbre en relación al vestuario, se incluyen elementos del clown que generan el espectador otro forma de estar frente a un escenario. Considero que existen múltiples formas de generar danza y también muchas formas de de ser espectador, si bien existe una necesidad desde muchos como nosotros que gestionamos, bailamos, iluminamos, enseñamos, y por ende existe una necesidad de búsqueda, hay otros tantos que no. Con el espectador sucede lo mismo, hay los que buscan nuevas experiencias escénicas, o sea, buscan experiencias, pero también existen los espectadores que aman la costumbre, se sienten cómodos en ella, como afirma Bal citado por Macias (2023) "es necesario distinguir entre la palabra “tradición”, como un valor cultural que se acepta o rechaza, y el concepto de tradición “que nos sirve como una linterna con la que iluminar su proceso" (13). Lo importante es que la danza genera algo que hace que se busque, ya sea su permanencia museográfica o su papel disruptivo, desde mi perspectiva eso es lo más relevante, que la danza mueve individuos, grupos, masas, consciencias y espíritus.

Hay algo muy potente en el uso conciente de estos recursos, tal como lo muestran todas las obras que nos dejaron mirar antes de intervenir este padlet

La propuesta coreográfica y estética de Kimiko, abre un campo de debate en relación a los cuerpos racializados y sexualizados, expresándose como otra forma de poder. En la propuesta de Kimiko, podemos observar que el cuerpo que danza, es diverso, a saber cuerpos robustos, delgados, negros, morenos, blancos, etc. La propuesta de la coreógrafa Jamaiquina es desmontar los condicionamientos atribuidos hacia las mujeres, dicho posicionamiento aunque visiblemente contestatario opera paradójicamente desde los mismos elementos de los que intenta desmarcarse, los cuales son: cabello largo, ropa ceñida que permite ver con claridad las partes del cuerpo, zona de los glúteos marcada, además maquillaje y accesorios que conforman una estética de barrio al mismo tiempo que en un estilo sofisticado. Estas maneras de producir su estética del cuerpo, se refuerzan con  movimientos que hacen referencia a la potencia sexual femenina, podríamos decir que su danza es una invitación al goce sexual femenino. Sin embargo también puede leerse como una hipersexualización de los cuerpos a partir de los estereotipos de las poses. Entonces ¿Cómo abordar la propuesta de Kimiko? Desde una crítica a partir de Ospina (2014) “el cuerpo-gesto-movimiento danzado es archivo que narra y muestra la síntesis de la construcción de subjetividades que se hilvanó para América Latina durante la Colonia y que revela lo que los discursos no logran asir, ni completar, ni ocultar”. Es justamente que en esta propuesta, los cuerpos de las mujeres que han sido marcados por la colonia, y que se oponen al discurso normativo patriarcal, proponen como diría Fanon “dar salud mental al Colonizado” aunque en ello deban quemarlo todo a través luchar con y por sus danzas.

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Desde que vi la propuesta de Kimiko, me encantó, porque además es tan contagiosa, cada cuerpo tan distinto, pero que a la vez se muestran igual de maravillosos y capaces. Me encanta, Érika.

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Y está la absoluta reivindicación de que la danza es gozo. Sobre esto que dices que podría leerse como hipersexualización, te dejo un podcast, en donde se narra como esta idea puede desecharse cuando la mirada del hombre no es la que importa sino el gozo propio del movimiento de quien baila.

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Definitivamente todos podemos bailar, y que rico es cuando lo hacemos.

El cuerpo es el espacio conceptual y retórico de constitución de un registro sensible de la violencia ejercida en el dominio colonial latinoamericano, en donde el “yo psicológico” se constituyó con la esclavitud, la estigmatización racial, la discriminación y la instauración de discursos y prácticas que avasallaron los sentidos vitales de los pueblos colonizados. Ospina, Martha (2014 p.104) 

Martha Ospina asegura que toda experiencia vivencial se despliega corporalmente, El cuerpo, es el soporte de nuestras prácticas, es moldeado por ellas, donde se despliega lo simbólico, lo económico y lo político. Es nuestro primer territorio donde se desatan diversas estrategias de resistencia condicionadas por la clase social, el género, la raza, la etnia etc. En ese sentido, hablando desde mi particular cuerpo de mujer, el cuerpo femenino es el lugar a recuperar despues de siglos de historia de despojo, apropiación, represión,, negación y objetualización. 

No hace mucho tiempo surge un espacio de empoderamiento de los cuerpos femeninos desde la danza, el tweark, el dance-hall y otras corrientes de danzas urbanas han transformado sus prácticas hacia un ejercicio decolonial con la finalidad de re-conquistar el cuerpo femenino, Jenny Granado (KEBRA) o Maldita Geni Thalia, es una artista visual, performer y dj brasileña, residente en la Ciudad de México y creadora de las clases de

 Desculonización, quien se enfoca en recuperar la memoria ancestral de todxs lxs cuerpxs diversxs.  Ospina observa que en la sociedad:

Las únicas acciones y comportamientos soportados son aquellos relacionados con el sometimiento al poder y a la productividad laboral, comportamientos corporales normados, en íntimo engranaje con las instituciones, las jerarquías y el Estado: el cuerpo tomaría la forma-símbolo-movimiento que arrojó el aparato-molde de coacción psíquica de Occidente, forma del individuo civilizado colonizado.  (2014 P.98)

Si bien aun es una lucha que nos tomará tiempo, el camino de recuperación de los cuerpos se esta gestando desde la danza, como una postura feminista que esta movilizando la resistencia hacia los cuerpos colonizados la cual se esta expandiendo y. está teniendo repercusiones sociales mas alla de las fronteras diciplinares de la danza.

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6d

Querida Silvia, que importante este ejemplo que has elegido, es muy claro para mostrar cómo esta danza encarna las demandas políticas a través del gesto. Esta forma forma de movimiento de los cuerpos se vuelve más potente en su propia estética y actitud arrogante. Gracias por compartirlo, me encanta!

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Así, de esa ruptura nació una posmodernidad que permitió que el bailarín comenzara a expresarse desde su subjetividad (p.97), es decir, que antepusiera a su cuerpo respecto a la técnica; lo que eventualmente dio paso a que se deconstruyeran los prototipos hegemónicos respecto al género (p. 98). Bajo este tenor, tenemos que México de Colores construye nuevas formas de ver el cuerpo, alejadas de los rígidos enfoques de género; toda vez que estructuran cuadros -con ayuda del folklor, el teatro, la pantomima y la comedia musical- con el fin de, además de ofrecernos historias originales- expresar que existen otras formas de ser hombre y vivir nuestra sexualidad.

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Es verdad que cambiar algún elemento de la danza, según su función representativa , digámoslo así, repercute en el entendimiento del cuerpo en la escena, me pregunto si el cambio de roles no tendría que modificar también el modo en que los demás elementos son usados o significados en escena?

“Si la danza no es política estrictamente hablando, ¿entonces qué es?, Yo respondería que la danza es ideológica y conlleva efectos políticos inevitables por esta razón.”  menciona Franko, M. (2019) p. 206. 

De los efectos políticos de los cuerpos en movimiento que nos hablan de una realidad que nos interpela, nos afecta y nos toca, el colectivo “La liga tensa”, formado por Nadia Lartigue, Juanfran Maldonado, Esthel Vogrig y Lucia Naser se preguntaron a través del proyecto “ Es enorme y se mueve como un gas” (2017) : ¿Como entender las movilizaciones colectivas a través de la coreografía? En el cual se dieron a la tarea de pensarcoreográficamente fenómenos que no son estrictamente dancísticos pero que contienen los mismos componentes:  movimiento, reunión de cuerpos y relaciones que se gestán entre lo individual y el colectivo.  

Franko, M. (2019)  habla de como “La forma en que la danza altera el espacio público ocupándolo está llena de implicancias políticas, como lo tiene cualquier uso novedoso del espacio público para la circulación de cuerpos. p.207, en el caso de La liga tensa hay un cambio de enfoque porque la investigación no se centra en llevar la danza al espacio público sino en como entender las manifestaciones políticas como coreografías expandidas que nos posibilitan pensar la realidad.

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