Recreando Tres semanas de mayo de Suzanne Lacy

La realidad de la violencia sexual hacia las mujeres son más que cifras. Es modificar el mapa mental de lo que significa esta violencia. Es replantear las bases de un sistema de relación sobre el que se asientan nuestras sociedades para desmontar los principios de esta violencia. La obra de arte de Suzanne Lucy nos hace caer en la cuenta de lo que ocupa en nuestro imaginario esta violencia y nos mueve a acabar con sus causas. Nos atraviesa la conciencia.

1. La estética enmascara comportamientos poco éticos y distorsiona nuestra interpretación. La composición armoniosa de los cuadros nos empuja a idealizar y romantizar aquello que representan, pasando por alto la naturaleza de su mensaje. Esto sucede también en El rapto de las Sabinas de Poussin (representa el secuestro y la violación de las mujeres sabinas por parte de los primeros romanos para asegurar la continuidad de su pueblo, ya que carecían de mujeres) y en Napoléon de Jaques-Louis David (enaltece una versión heroica de la guerra y Napoleón), entre otros. 

2. A través del imaginario colectivo, se refuerza una idealización de los grandes artistas de la historia y su legado como parte del patrimonio artístico. Sus creaciones son consideradas reliquias históricas incuestionables, sin espacio para una crítica elaborada desde el momento presente que ponga en cuestión su ética. 

3. De la misma manera, se desmoralizan los mitos clásicos, interpretados como una narración simbólica y desarraigados de cualquier lectura que señale su naturaleza violenta. 

4. Se utilizan eufemismos para designar las obras artísticas y, de esta forma, se encubre la violencia que representan. Por ejemplo, en este caso se utiliza la palabra “rapto”, cuando estamos presenciando una escena de secuestro y violación. 

5. Muchas veces, las expresiones de los personajes retratados no reflejan con fidelidad sus emociones. En el caso de El rapto de Europa, no se enfatiza el sufrimiento de la princesa; su expresión debería mostrarse más acorde con sus sentimientos (unas facciones más duras y tristes). 

6. Y, por supuesto, partimos de una romantización de la violencia arraigada al imaginario social. 

En definitiva, una lectura crítica de una obra artística debe ser transversal: puede admirarse su técnica y estilo (pinceladas, colores, texturas, perspectivas...), sus elementos visuales (composición, juego de luces y sombras, figuras y formas...), pero no debe dejarse en segundo plano el mensaje que subyace. Es importante entender las obras en el marco del contexto en el que fueron creadas, pero eso no debe eximirlas de un análisis crítico desde la ética actual. 

Para trabajar este tipo de imágenes con adolescentes, podemos hacer un primer análisis descontextualizado, respondiendo a las siguientes preguntas: ¿Qué te despierta esta obra? ¿Qué piensas que representa? ¿Qué sienten los personajes? ¿Cuál puede ser la historia que cuenta? Después de compartir el contexto histórico y su narrativa, se puede reflexionar a partir de las siguientes preguntas: ¿Nuestra interpretación corresponde con la narrativa? ¿Qué similitudes y diferencias hay? Si nosotros fuéramos los creadores de esta obra, ¿qué hubiéramos hecho diferente? ¿Hay algo que se podría mejorar? 

A modo de conclusión, considero que este recurso es idóneo para estimular una revisión crítica de las obras artísticas y analizarlas más allá de su dimensión estética, a fin de fomentar una mirada más consciente y reflexiva, que permita a las nuevas generaciones cuestionar el arte desde una perspectiva ética y contextualizada, sin renunciar a su valor histórico y técnico. 

El artivismo puede ser una herramienta de gran poder que permita dar visibilidad a problemáticas sociales que muchas veces se minimizan o se ocultan tras cifras, que pasan desapercibidas y que representan una deshumanización de la situación. Es por esto, que obras como ésta hacen tangible y visual la magnitud del problema , en este caso de la violencia de género y las violaciones, generando un gran impacto emocional que puede remover y movilizar a la sociedad.

• Esta obra forma parte de una performance de los años setenta. ¿Cuál crees que sigue siendo necesaria? 

Este tipo de performance siguen siendo necesarias en un mundo en el cual la violencia de género, entre muchos otros tipos de violencias, sigue en auge pese a las medidas que se promueven para su erradicación. Estas medidas parece que se quedan en el plano idóneo de las leyes, pero no son capaces de traspasar el papel e ir más allá. Es por esto, que en el contexto en el que nos encontramos, es necesario apelar a las emociones, al uso de las tecnologías, de testimonios o de realidades contadas de muchas formas, para que el impacto sea constante. 

Un cuadro en un museo ya no llega a la población, se queda en la sobra, bajo la mirada de quienes quieren verlo, sabiendo lo que ven, y habiendo elegido llegar hasta allí. Las redes sociales cruzan ese umbral y se interponen en la mirada de todas las personas, que eligiendo o no ver ese contenido, pueden terminar consumiéndolo.

• ¿Por qué la gente está tan acostumbrada a las violaciones? ¿Debemos hablar de ello como “normalidad”? 

Las violaciones, dentro de las estructuras heteropatriarcales, han sido normalizadas e invisibilizadas. Se ha tratado siempre como una problemática privada, en la cual muchas veces se juzga más a la persona violada que a quién ejerce la violanción. No se debe aceptar esta práctica como normal, ni se debería de hablar de ella con normalidad, puesto que no lo es. Lo que se requiere son cambios estructurales que pongan el foco en quien ejerce las violaciones y en la estructura de poder que las sustenta.

• ¿Es legítimo centrarse sólo en cuestiones estéticas o debemos reflexionar también sobre lo que representa una imagen bella? 

El arte no solo debe ser contemplado por su valor estético, sino por el significado que transmite. En el caso del artivismo, es fundamental que la estética esté al servicio del mensaje, no solo como un objeto visualmente atractivo, sino como un llamado a la acción. Pero sin dejar de lado, que la estética, en este caso, debería repugnar, debería poder generar el rechazo que la gente podría sentir frente a una violación. Cuando se consume arte de forma placentera, el impacto puede ser menos efectivo, ya que el espectador se distancia del problema en lugar de confrontarlo. En el caso del artivismo, la incomodidad es una herramienta clave para sacudir conciencias y provocar una respuesta activa ante la realidad que denuncia.

• ¿La estética legitima comportamientos poco éticos? 

En el caso del artivismo, la estética no debería embellecer el sufrimiento, sino amplificar su crudeza para generar impacto. Si una obra sobre violencia sexual se percibe únicamente como visualmente atractiva, corre el riesgo de diluir el mensaje y neutralizar la urgencia del problema. La estética, entonces, debe estar al servicio de la denuncia, no de la complacencia.

• ¿Y si sustituimos los sellos de violación por las fotos de las mujeres? 

En lugar de exponer a quienes ya han sufrido suficiente, sería más efectivo mostrar los rostros de los agresores, para que la sociedad los reconozca y no puedan ocultarse en el anonimato. Esto no solo haría visible la magnitud del problema, sino que también señalaría a los responsables, desplazando el peso del estigma de las víctimas hacia quienes cometieron el delito.

• ¿Y si la representación fuera sobre violaciones de hombres?

Sería importante, ya que los hombres también pueden ser víctimas de violencia sexual y esta es aún más invisibilizada por los estereotipos de género. Hacer una representación de esta problemática ayudaría a romper tabúes y generar conciencia.

REFLEXIÓN SOBRE EL USO DEL ARTIVISMO:

El artivismo se ha convertido en una herramienta poderosa para visibilizar realidades sociales que, de otro modo, podrían quedar diluidas en estadísticas frías y abstractas. El arte tiene la capacidad de conmover y movilizar a las personas de una manera que las cifras y los informes no siempre logran. Frente a problemáticas tan desgarradoras como la violencia de género y las violaciones, el artivismo no solo expone la magnitud del problema, sino que también crea un espacio para que la sociedad se detenga a reflexionar sobre lo que ocurre en sus contextos cercanos. Es, en definitiva, un grito visual que desafía la indiferencia y la normalización de los abusos.

Título: Susana and the elders (Susana y los viejos)

Autor: Artemisia Gentileschi

•¿Con cuál de los personajes de la obra te identificas (la mujer o los hombres)?

Me identifico con la mujer

Intenta comparar con otras versiones de Susana y los ancianos (la realizada por Alessandro Allori, por ejemplo).

¿Te identificas con el mismo personaje? Sí, me identifico con el mismo personaje a partir de que pude hacer un búsqueda consciente de mi deseo, en mi paso por Tamera. me reapropie de mi deseo.

•          ¿Cambia nuestra visión cuando conocemos el género del artista?

Sí, cuando la veo pensando que e sun hombre el autor siento enfado, rabia de representación una y otra vez de la necesidad de domino sobre la mujer y en concreto en el terreno sexual

Cuando veo que es una autora, me llega una manera de denuncia, la autora dando voz a través del cuadro a la situación que viven mujeres que ella conoce incluso que ella misma ha podido vivir.

•          ¿Crees que el género del artista influye en su forma de entender una agresión sexual? Si, creo que una mujer desde muy pequeñina sentimos la vulnerabilidad de ser agredidas y eso tiene un efecto, una hondura en las capas de somatización del vínculo, de la vulnerabilidad y nuestra expresión en el mundo.

•          ¿Puede una artista femenina representar a una mujer con una mirada neutral?

Creo que no, no creo en la neutralidad, me parece que es imposible desde el momento en el que nuestra propia biografía es la que configura nuestro carácter y nuestra vivencias condicionan nuestra percepción del mundo , creo que sería como un problema de “lógica de esos de filosofía” que no tienen salida ni lógica posible.

¿Pue-de un artista masculino hacer lo mismo con hombres y mujeres? Creo que no

 Y ni siquiera cuando son encargos, siempre hay una subjetividad inevitable porque la mano que pinta está conectada con el corazón que vive y siente la vida, y la biografía de ayer , dibuja el trazo del presente.

 ¿Qué significa para ti “neutral”? Para mi neutral , es un imposible, en todo caso lo conecto con la ecuanimidad, el punto cero entre dos polaridades que generan tensión.

¿Cómo influye la experiencia masculina/femenina en la forma de ver y representar la realidad? ¿Y la desnudez? Influye en cómo se adentra en nosotras/os. Nuestra percepción de lo que vemos está condicionada por las vivencias que hayamos tenido a lo largo de nuestra vida, y si nos lo permitimos, nunca nos son indiferentes, porque eso es sí mismo ya sería una manera de amueblar el alma y percibir la vida.

LA desnudez femenina afecta de manera diferente por el hecho de haber sido objeto de deseo de mirada etc durante siglos.

•          ¿Estamos acostumbrados a la desnudez femenina en el Arte ligada a los objetos de observación? ¿Y la desnudez masculina? La masculina tiene que ver más con la fuerza, la dominación , la guerra el poder y en ocasiones cierto erotismo también.

•          ¿Conoces los términos “nude” y “naked”? ¿Puedes explicar la diferencia? ¿Está vincu-lada a la sexualidad?

Creo que Nude se refiere a ese tipo de prendas o estética que dan aspecto de casi desnudez, porque son vaoporsas o efecto mojado es decir a través de las que se intuye la desnudes. Es una palabra que asocio al deseo de casi cuerpo desnudo.

Naked es desnudo/a. Nude está vinculada a la sexualidad en el momento que se liga al erotismo de la intuición del cuerpo desnudo. Lo casi prohibido, lo deseado, lo anhelado, el sí pero no, pero que es un enorme y despojado Si.

•          La ropa y la “nudity”/”nakedness”: ¿se ven como atenuantes para los agresores? Si.

En esencia, entiendo la obra del Taxi para Mujeres como la reapropiación de un micro espacio urbano que tradicionalmente ha supuesto en muchas ocasiones un espacio opresivo para las mujeres y que la autora pretende convertir en escape y en refugio.

Basándome en esta idea, mi reapropiación artística del concepto se basa en una representación abstracta del espacio urbano como símbolo de la opresión de la mujer y del viaje que tenemos que hacer para sobreponernos y superar esta situación.

Partimos de una referencia compositiva con respecto a la imagen de partida. El taxi (escape) aparece en la imagen en diagonal positiva. En la interpretación, en negro en la parte superior se parte de una diagonal negativa como símbolo del sólido y asentado espacio hostil que suponen las ciudades. Sobre este espacio negro se abre una ventana de luz que construye un camino con diversas bifurcaciones que representa el esfuerzo por sobreponerse a los espacios negros y encontrar un lugar seguro en la masa urbana. Bajamos después a una zona de luz, el lugar donde desemboca el camino que da un giro compositivo y se sitúa en diagonal positiva como un grito de anhelo y esperanza hacia la liberación total.

Sobre las preguntas que acompañan a la imagen de la obra del taxi (basándonos el mismo discurso interpretativo anterior):

¿Por qué la violencia sexual sigue siendo vergonzosa para la víctima y no para el agresor?

La violencia sexual sigue siendo vergonzosa para la víctima y no para el agresor puesto que ocurre en esos espacios negros, que no solo suponen opresión sino invisibilización para la víctima. Se ha construido socialmente todo un falso discurso de cómo las víctima realiza un camino libre que la ha llevado al espacio negro (culpabilización de la víctima) proceso que a su vez pone al agresor (dominador del espacio público) en la posición de poder que le permite cegar sus actos ante la sociedad con toda la luz de la que dispone.

¿Por qué las mujeres en estas situaciones sienten vergüenza? ¿Qué otros sentimientos pueden experimentar? ¿Por qué no podemos hablar de esto públicamente?

Estos espacios negros construidos y conocidos por toda la sociedad a lo largo del tiempo disponen de una consolidación tal que hacen que la vulnerabilidad se lea por la sociedad siempre como algo malo, causando vergüenza y otros sentimientos negativos y represivos que no pueden salir a la luz puesto que el espacio público aún en muchas ocasiones está profundamente dominado por múltiples agentes legitimadores del agresor.

¿Por qué el taxi de las mujeres no es simplemente un taxi? ¿Son las mujeres las únicasvíctimas de la violencia?

Como ya hemos podido leer anteriormente el taxi de las mujeres no es un taxi sino un espacio reivindicado de resistencia y refugio, un recodo de libertad en la ciudad de los espacios negros.

¿Por qué se pasa por alto a los hombres cuando son víctimas de la violencia?

La violencia hacia los hombres no creo que sea exactamente pasada por alto, sino que por su mucha menor frecuencia y su naturaleza no estructural supone un pequeño bache en la ciudad de la luz, que si bien, debe ser reparado no impide la la libre circulación y el dominio del espacio por parte del colectivo de los hombres como sí ocurre en el caso de las mujeres donde existe toda una configuración de espacios opresivos que necesitan de una reestructuración completa y organizada por parte de toda la sociedad.

En el cuadro hay una clara segregación de género si atendemos al papel que presentan los hombres y las mujeres. El protagonista y figura de poder mayor es el hombre de la imagen que es el sacerdote que administra la forma de la comunión. Los otros varones que aparecen en el cuadro son los monaguillos que aparecen como los siguientes en la jerarquía de la masculinidad ya que desde su posición de aprendices son potenciales ejecutores del poder en el futuro.

Las niñas a pesar de ser las que ocupan el mayor espacio, se encuentran relegadas a una postura "inferior" o de sumisión, de rodillas. Además carecen de una personalidad propia en la imagen por sus vestimentas uniformadoras y neutras que hace que en visión general se las perciba más como una masa que como personas individuales.

Las otras mujeres que aparecen en escena están en una posición completamente invisibilizada ya que aparecen vestidas de negro en la oscuridad lo que puede entenderse que las despoja de todo protagonismo a pesar de que probablemente hayan sido las formadoras y referentes de las niñas de comunión.

No hay presencia de los animales no humanos en la imagen ya que he elegido una imagen totalmente antropocéntrica.

Los elementos naturales no tienen casi presencia en la imagen. El único elemento natural que aparece es la casi inevitable luz. Además es un elemento que aparece mediado y filtrado por el hombre de varias maneras (la arquitectura de la iglesia y el propio ojo del pintor que la utiliza intencionalmente para enfatizar lo que a él le interesa).

Por otro lado, a raíz del ejercicio de interpretación de la clase se me vienen algunas preguntas a la mente:

¿Hasta qué punto podemos hacer una interpretación desde una mirada amplia como el ecofeminismo de un elemento totalmente fragmentario y de un contexto muy concreto como un cuadro? ¿Qué peligros o limitaciones entraña esta lectura global desde el presente de un fragmento del pasado?

Por supuesto, desde mi formación me resulta imposible dar respuesta a estas preguntas y tampoco creo que desde la hermenéutica u otras partes de la academia exista un consenso.

Desde mi humilde opinión esta actividad propicia el entrenamiento de la mirada crítica y la reflexión; y ya por ello es útil al construir aprendizaje. Sin embargo, me parece importante ser conscientes de las limitaciones que tienen los resultados que obtengamos y que los mismos utilizan la obra como un simple punto de partida para la reflexión y que no se pueden tomar como una interpretación generalizable ni de la obra en concreto ni del movimiento artístico, ni del pintor ni de la época ya que el análisis de estas no es el fin en el que se enfoca la lectura.

El Amor Divino, con sus alas blancas y su laurel de victoria, representa la razón y la pureza, cualidades que históricamente se han asociado con lo masculino dentro del pensamiento patriarcal. En cambio, el Amor Profano, con su actitud de súplica y sin armas, simboliza la pasión vencida, lo sensorial reprimido, justo como tantas veces se ha representado a lo femenino y a la naturaleza. Esta idea refuerza la creencia de que la virtud debe dominar sobre los instintos, un argumento que ha servido para justificar la explotación de la naturaleza y de los cuerpos feminizados a lo largo de la historia.

Si aplicamos los criterios del test de la Nueva Ariadna, la obra presenta varios problemas: no muestra una relación de respeto y reciprocidad, sino una jerarquía de poder; las actividades de cuidado no aparecen, la figura de la mujer es invisibilizada, y la naturaleza queda relegada a un simple fondo decorativo, sin vida propia ni agencia. La derrota del Amor Profano simboliza la represión de todo lo que se considera "inferior": el cuerpo, lo erótico, lo pasional, lo material, aspectos que han sido vinculados con la mujer y la tierra, legitimando así su control y explotación.

Desde esta mirada, el cuadro nos recuerda cómo el arte y la cultura han reflejado y reforzado las desigualdades de género y la desconexión con la naturaleza. Un análisis ecofeminista nos invita a cuestionar estas dicotomías y a imaginar formas de relación donde lo espiritual y lo material, lo humano y lo no humano, puedan convivir sin una estructura de poder y dominación.

En este panel podemos distinguir tres partes, leídas de abajo hacia arriba. En la inferior, Dios aparece en el centro acompañado de Adán y Eva. Le tiende la mano a esta, que acaba de ser creada a partir de una costilla de Adán. Más abajo, hay un estanque de agua del que emergen animales, tanto reales como fantásticos. Al lado de Adán está el Árbol del Bien y el Mal, protagonista en el mito del pecado original. En la parte del medio, hay un río caudaloso con una majestuosa fuente en el centro. Muchos animales se reúnen en ella y a su alrededor: es la Fuente de la Vida. En la parte superior y en un plano más lejano, hay un paisaje idílico: vegetación exuberante y montañas con formaciones imposibles que se asemejan a castillos. 
De acuerdo con el Test Nueva Ariadna: 
1. Representación de los cuidados como una actividad libre que surge del amor o preocupación por algo, por alguien o por la Naturaleza: conseguido. La Naturaleza es considerada el hábitat en el que el ser humano convive con animales no humanos. 
2. Superación de los estereotipos de raza, género y especie: conseguido. Todas las personas muestran respeto y consideración entre ellas y hacia los animales no humanos. De todas formas, es importante añadir que esta escena es previa a la consolidación de la diferencia sexual, a raíz de la cual Adán y Eva, como representantes de sus respectivos sexos, sufrirán el castigo de Dios por su desobediencia, hecho que iniciará la naturalización de la desigualdad por razón de sexo. 

3. Supresión de la asociación mujer-Naturaleza y la cosificación de los cuerpos femeninos: no conseguido. Eva es representada como la acompañante de Adán, como una posesión útil. 

4. Los animales no humanos son seres vivos con los que compartimos el hábitat: conseguido. Todas las personas muestran actitudes de respeto, cuidado y consideración a los animales no humanos. 

5. La Naturaleza es representada como un sujeto de derecho y no como el escenario de vida de la especie humana: conseguido. Los personajes representados se muestran conectados y en sintonía con los ciclos naturales. Sin embargo, el elemento más llamativo en este panel son las figuras de Dios, Adán y Eva. A pesar de que ocupan un espacio reducido en el cuadro, su presencia es la más destacable, dejando en un segundo plano a la Naturaleza y el resto de los animales no humanos. 

6. Rechazo a la idea de progreso si únicamente está asociado al trabajo industrializado y tecnológico: conseguido. No existe una división sexual del trabajo, en tanto que la escena que retrata este panel de la obra es anterior al pecado original. La diferencia sexual se consolida como un motivo de desigualdad a partir de entonces. 

A modo de conclusión, el panel izquierdo de El Jardín de las Delicias supera con bastante éxito el Test Nueva Ariadna. Para valorar íntegramente la obra desde la crítica ecofeminista, habría que analizar los otros dos paneles y la imagen de la portada.

Ella aparece deteniendo su mano ¿se ha dado cuenta de quién es verdaderamente o está alarmada por tanto desastre y da la voz de alarma? ¿No se sentirá autorizada a hablar cuando se descubra la identidad de Filopémenes? ¿Tendrá consecuencias negativas para ella haber tomado la iniciativa?

El impacto de verla hace que mis papilas gustativas saliven degustando a través de la vista sabores experimentados a lo largo de mi vida, pero además me llega el olor de final verano en el que emanan ya los olores de la fruta de temporada, las uvas, las manzanas, las granadas , los higos. Visualmente también muestra diversidad y libertad de colores que reconozco en mi entorno, me acerca sensaciones y despierta memorias.

Además, me muestra un cariño y cuidado a la relación de animal-humano-naturaleza puesto que ha tenido que haber un cuidado exquisito, entendimiento de los ciclos de la naturaleza y dedicación para que esa fruta esté en ese punto de exuberancia en su punto para “ser comida, (como verbo y sustantivo)”  y así darnos ese regalo y el permiso de deleitarnos con el paraíso de sabores que manan de la naturaleza. Considero que hay una interrelación de respeto, cuidado y amor para que los árboles hayan podido madurar sus frutos.  De esta fruta también han disfrutado y ha nutrido a diferentes animales, como gusanitos, abejas, lombrices etc.

1

Representa los cuidados de una forma libre que surge del amor y/o preocupación por algo, por alguien por la naturaleza.

Sí, conseguido.

Considero que este ítem está conseguido por la sensación casi palpable de sabor que emana del cuadro, pareciera que la fruta está en el momento adecuado para darle bocado y que ese bocado sea una explosión de sabores así como lo es el cuadro de colores y texturas. Para llegar a esto tiene que haber un cuidado a la naturaleza, conocimiento de los ciclos, las estaciones en definitiva un cuidado a los árboles frutales en este caso para que puedan desarrollarse, crecer, dar su fruto de manera saludable

Y así que se pueda dar una co-creación vinculada al ciclo orgánico de la vida.

2

Superar los estereotipos de raza, género y especie.

De manera implícita considero que sí esta conseguido ya que permite que la subjetividad de la mirada que goza de la obra imagine quién ha podido recoger esa fruta. Este hecho “abierto” genera una neutralidad por parte de la autora que yo recibo como un espacio de reflexión. ¿Quién ha recogido la fruta, una mano esclava? ¿Un hombre enamorado, una mujer? Tal vez podríamos pensar en tópicos como: madre para sus hijos, hombre para su enamorada, esclava o esclavo para sus amos…

Sin embargo, el cuadro no solo abre la posibilidad, sino que le resta importancia, poniendo en primer plano la abundancia que provee la naturaleza.

La naturaleza está en el centro.

3

Suprimir la asociación mujer-naturaleza y la cosificación de los cuerpos femeninos.

Conseguido.

Es un cuadro en el que la naturaleza es el centro sin género.

4.

Los animales no-humanos son seres vivos con los que compartimos hábitat.

Considero que está en proceso, ya que no aparece ningún animalillo por ejemplo, un gusanito que también se alimenta de la fruta en esta misma época del año igual que lo seres humanos, Por lo tanto considero que estaría conseguido si hubiera presencia de algún animal no-humano con el que compartimos esa fruta.

5

La naturaleza es representada como un sujeto de derecho y no como el escenario de la vida de la especie humana.

Por lo que me transmite el cuadro diría que conseguido, puesto que  al estar la fruta en un estado tan bueno, me llega un cuidado y respeto a esos árboles dadores de vida y un acompañamiento respetuoso.

6

Rechazar la idea de progreso si únicamente está asociado al trabajo industrializado y tecnológico.

Conseguido. Parece un trabajo artesanal, manual, con cariño y paciencia.

TEST DE ARIADNA

1.En este caso, me resulta interesante la ausencia de figuras humanas, a pesar de que podemos sentir la huella de que una persona ha dejado cuidadosamente ahí la fruta.

2.No considero que haya equidad , a pesar de no haber personas en la representación , de manera implícita las hay en la acción que permite que lo que muestra el cuadro sea posible, es decir recolectar la fruta, cuidarla, regarla, etc. Por lo tanto no es equitativa puesto que hay animales cuya fuente de alimento son también esas mismas frutas que lo son para los animales humanos.

3. Sí, en este caso, la naturaleza y su abundancia está representada como centro de la obra.

4. Sí, al no haber una figura femenina recolectando, queda abierta la posibilidad y enigma de que quien haya recogido esa fruta sea hombre o mujer, por lo tanto, queda  abierta la diversidad de género que podríamos vincular a la acción recolectora.

5. En este caso, creo que hay un desarrollo humano orgánico, vinculado al cuidado tanto de las necesidades alimentarias humanas, como del cuidado a la naturaleza creadora de esta abundancia que se nos ofrece en el cuadro.

Por otra parte, únicamente aparecen representados hombres, por lo que se trata de una actividad patriarcal, en la que se olvida a la mujer.

En conclusión, es una obra arcaica fruto de un siglo pasado en el que no se consiguen lograr ninguno de los ítems del Test de la Nueva Ariadna.

La naturaleza está presente en el entorno urbano. Muchas veces, su presencia pasa desapercibida o es sustituida por representaciones artificiales (murales, jardines verticales, esculturas...). Reflexionar sobre esto permite tomar conciencia de la relación entre ciudad y naturaleza, promoviendo una mirada crítica y apreciativa. El objetivo de la propuesta es sensibilizar sobre la importancia de la naturaleza en la vida urbana, fomentar el pensamiento crítico sobre su representación artificial y estimular la capacidad de observación y análisis del entorno. También se busca promover actitudes de respeto y valoración de los espacios naturales dentro de la ciudad. 

Desarrollo de la actividad: 

1. División en pequeños grupos y asignación de un color. Cada grupo tendrá un color: verde, azul, amarillo, marrón, rojo, naranja, blanco, negro. También puede asignarse más de un color por grupo (por ejemplo, si el grupo general no es muy numeroso, se puede dividir en dos únicos subgrupos: colores cálidos y fríos). 

2. Paseo de colores. Se realizará un paseo por el espacio urbano. Con la ayuda de dispositivos electrónicos (un móvil, por ejemplo), cada grupo deberá fotografiar los elementos naturales o las representaciones artificiales de la naturaleza que se encuentre por el camino y correspondan con su/s color/es asignado/s. 

3. Reflexión. Una vez terminado el paseo, se realizará una reflexión conjunta, tratando de dar respuesta a las siguientes preguntas: 

• ¿Qué elementos naturales hemos encontrado de nuestro color? ¿Y qué elementos artificiales que representen la naturaleza? ¿Hemos encontrado más cosas naturales o artificiales? 

• ¿En qué lugares hemos encontrado elementos naturales de nuestro color? ¿Y artificiales? ¿Esperábamos encontrar más o menos cosas de nuestro color? ¿Hay algo que nos haya sorprendido? 

• ¿Cómo nos hacen sentir los colores en la ciudad? ¿Nos gustaría ver más naturaleza en ella? ¿Cómo podríamos hacer para que haya más elementos naturales en el entorno urbano? 

4. Cierre. Después del debate, cada niñx será grabadx diciendo su nombre, su color favorito y qué elementos naturales le gustaría ver más en su ciudad. 

5. Elaboración de un vídeo. Posteriormente a la realización de la actividad, se juntarán todas las imágenes por colores y las grabaciones finales y se creará un vídeo. Este será el producto final de la actividad.

Adjuntado, un ejemplo de mi propia cosecha. En el vídeo aparecen elementos artificiales no relacionados con la naturaleza; a la hora de realizar la actividad, esto debería reducirse a los elementos naturales y las representaciones artificiales de la naturaleza que se encuentren en el espacio urbano.

Para comenzar la actividad, se dará un paseo por los alrededores del pueblo mientras se reflexiona individualmente o en grupo sobre el camino y el recorrido de las mujeres en la historia (previamente en clase ha debido de recibir unas mínimas nociones de esto).

En un punto amplio del camino, se comenzará a crear un grupo un sendero que simbolizará el recorrido de las mujeres para alcanzar la justicia social. Aunque el sendero finalmente sea colectivo, cada alumno, individualmente creará su parte del sendero con elementos naturales, de tal forma que esa parte simbolice la reflexión que él a llevado a cabo.

Para finalizar, se pondrán en común todos los trazados y concluiremos con una reflexión grupal.

En esta obra se representa una operación en el cráneo, en donde predominan figuras masculinas; el doctor, con aspecto concentrado; el paciente, con muesca de dolor; un señor saliendo por la puerta, con indiferencia y por último, uno sentado en la mesa mirando al paciente. La única mujer que aparece se da por echo de que se trata de una trabajadora o sirvienta, o mira la operación con curiosidad.

En la obra las actividades de cuidado o de servicio se otorgan a la figura de una mujer, no se sabe si de la misma clase social o inferior, en cambio uno de los hombres ejerce una profesión con gran renombre. Es decir, los chicos, son representados como “proezas”, en cambio la mujer se representa como trabajadora de algo rutinario.  En el caso de mostrar sentimientos, todos los presentes en la imagen muestran algún signo de respeto y consideración con el paciente.

Por ello, a través de este proyecto se plantea una doble vertiente: por un lado, la acción y reparación del entorno a través de la limpieza de residuos que ha dejado la DANA; y por otro, la transformación de esos residuos en fallas ecológicas, hechas con materiales reciclados y sin combustión, que funcionen como símbolos de protesta y concienciación ambiental, a la vez que permitan continuar con las tradiciones valencianas, pero de un modo más sostenible.

El objetivo principal se centra en sensibilizar a la infancia entre los 10 y los 12 años sobre los efectos del cambio climático, promoviendo una actitud crítica de cuidados hacia el medio ambiente, activa y creativa.

Para cumplir con el objetivo de la propuesta, se llevarán a cabo 4 actividades:

1. Introducción sobre el problema del cambio climático y sensibilización: La infancia recibirá una charla sobre la importancia de cuidar el medio ambiente y las consecuencias de no hacerlo. Así mismo, se expondrán los aspectos nocivos de las fallas, y se dejará espacio para debate y para la propuesta de acciones alternativas, más respetuosas con el planeta. Finalmente se expondrá la idea de crear fallas mediante el reciclaje de materiales arrasados por la DANA.

2. Salida a limpiar el barr(i)o y recolección: El alumnado, con el pertinente equipo para evitar cualquier situación de peligro, saldrá a las zonas cercanas a la escuela, a buscar materiales y residuos contaminantes que no sean peligrosos de manipular, pero que se puedan reciclar o reutilizar para la construcción de las fallas ecológicas. Una vez hecha la recolecta, se clasificarán y se limpiarán.

3. Diseño y creación de las fallas: La clase o clases se podrán dividir en grupos más reducidos para pensar en ideas que les gustaría plasmar en sus fallas, en relación con el cambio climático. Cada grupo podrá elaborar un dibujo o una pequeña maqueta de su falla, para posteriormente crear una falla más grande. También se podrán realizar carteles informativos sobre lo que representan y por que se han realizado de ese modo.

   
   

4. Exposición “Del lodo al arte: un planeta donde quedarte”: Se expondrán las fallas en un espacio controlado de la escuela, siempre bajo supervisión, para que las familias y el resto de personal docente y de alumnado, puedan apreciar las obras de arte creadas. Finalmente se leerá un manifiesto sobre el cambio climático y la posibilidad de hacer las cosas mejor con el planeta.

En el marco del proyecto "Me entiendo, te entiendo: Círculos de confianza para todxs", desarrollado en otra asignatura del máster y orientado a crear espacios seguros de aprendizaje sobre diversidad sexogenérica para estudiantes LGTBIQ+ y sus familias, proponemos una actividad de land art como metodología expresiva y transformadora. Se desarrollará en sesiones del bloque de profundización, donde el alumnado y sus familias exploran experiencias vitales vinculadas a la identidad, como la salida del armario, desde la expresión artística y vivencial que permite la intervención Landart.

Descripción de la Actividad

La actividad consiste en representar artísticamente la vivencia de la salida del armario o similar desde dos perspectivas: la persona LGTBIQ+ y su entorno familiar. La expresión se realizará mediante una intervención de land art respetuosa con el entorno natural: instalaciones con elementos biodegradables, composiciones efímeras, o performances breves grabadas en vídeo. Se reflejará con ella simbólicamente las emociones, conflictos, liberaciones o silencios vividos. Se documentará con fotografía (si es estática) o vídeo (si es performativa o dinámica), y se confrontará la intervención estudiante LGTBIQ+ - familia para realizar una tertulia pedagógica posterior.

Objetivo de la Actividad

Favorecer un proceso de reflexión personal y comunicación emocional sobre experiencias personales vinculadas a la identidad y la aceptación. A través del land art como lenguaje artístico y ecológico, se busca fomentar la empatía, el respeto y la visibilidad, promoviendo la expresión sin violencia de vivencias difíciles como parte de un proceso colectivo de aceptación y superación.

Recursos Posibles

• Espacios naturales accesibles y seguros (patio escolar, parque, bosque cercano…)

• Elementos naturales: hojas, piedras, ramas, barro, flores, etc.

• Móviles o cámaras para la documentación audiovisual

• Material reciclado o biodegradable (hilos de algodón, papel de arroz, pigmentos naturales)

Ejemplo de vivencia (ficticia) y propuesta de land art

Vivencia
“Me llamo Adrián. Salí del armario con 17 años. Se lo conté a mi madre en el coche, camino al supermercado. Lloró. No porque me rechazara, sino porque le daba miedo que yo sufriera. Mi padre no habló del tema durante semanas. Yo sentí alivio, pero también soledad. Durante años tuve que explicarle al mundo que ser yo no era un error.”

Propuesta de intervención de land art
Adrián diseña un espiral con piedras blancas y negras en un claro del bosque. En el centro coloca una ramita rota rodeada de hojas frescas. La espiral representa su proceso de salir hacia afuera; las piedras negras simbolizan el miedo, las blancas la liberación. La rama rota es la herida emocional, y las hojas verdes, la esperanza que brota desde ahí.

Mi elección fue, ante todo, emocional. Me atrajo no solo el título, sino también la luminosidad del blanco en la camisa y en el rostro de la figura principal.

Resulta interesante observar cómo, a pesar de que la cocinera ocupa el centro de la composición, su figura parece ceder protagonismo a lo que ocurre a su alrededor. Su mirada, al igual que la del espectador, se dirige hacia la izquierda, donde un perro acciona un mecanismo para asar carne al espiedo y un gato intenta acercar su pata, como si quisiera robar un trozo. Esta interacción genera una escena cotidiana en la que humanos y animales no humanos comparten espacio y acción en aparente armonía, con una distribución casi equitativa de roles.

La cocinera está representada mediante una composición piramidal que estructura visualmente la obra. En la base de esa pirámide, a la derecha, aparece un niño que observa con cierta incomodidad a la gallina muerta que la mujer sostiene en sus manos. Su gesto de retraimiento introduce una tensión emocional que contrasta con la naturalidad y firmeza con la que ella maneja al animal. Esta oposición refuerza la experiencia de la mujer frente a la inocencia del niño. A la izquierda, el perro participa activamente en la preparación de los alimentos, estableciendo un paralelismo entre los animales domésticos y los humanos: todos colaboran en un entorno compartido, aunque desde distintos niveles jerárquicos.

La escena se completa con varios elementos que refuerzan la composición. A la izquierda, se ven alimentos en proceso de cocción; a la derecha, utensilios de cocina dispuestos con un orden casi museístico. En la parte superior de la escena predominan los tonos oscuros, que no buscan destacar detalles específicos, mientras que la luz - centrada en las manos de la mujer - genera una pirámide invertida que contrasta con la estructura de su cuerpo. Esta iluminación dirige la mirada del espectador hacia los animales situados en la parte inferior, otorgándoles un papel activo dentro de la narrativa visual.

La relación entre la mujer y el niño no está claramente definida, aunque por sus ropas podría deducirse un vínculo materno. En cualquier caso, la escena admite múltiples lecturas: puede interpretarse como una ironía visual, una fábula doméstica o una metáfora sobre las jerarquías. El gato, con su actitud oportunista, y el perro, que le impide avanzar, generan un momento de tensión y vigilancia que rompe con la aparente calma del entorno, creando un microconflicto en el que cada figura parece disputar simbólicamente su lugar.

Desde la perspectiva del test de Ariadna, la obra presenta diversos puntos de interés. La mujer, aunque realiza una tarea tradicionalmente femenina, lo hace desde una posición de control y autoridad. No está sexualizada ni reducida a un rol maternal, sino que aparece como figura central y activa, que organiza y mantiene el equilibrio de la escena. Aunque no hay presencia masculina adulta, la colaboración interespecie - entre la cocinera y los animales - ofrece una lectura alternativa del reparto de las tareas de cuidado.

La escena está claramente vinculada al concepto de cuidado, entendido aquí como cocinar y alimentar, actividades fundamentales para el sostenimiento de la vida cotidiana. Aunque la naturaleza, como ecosistema, no está representada de forma directa, de hecho no hay paisaje ni vegetación, está presente simbólicamente a través de elementos como los alimentos, el fuego, la carne y la gallina, que remiten a una naturaleza domesticada y transformada en objeto de uso.

Una contradicción interesante se presenta en el tratamiento de los animales: el perro y el gato, como animales domesticados, son representados con agencia y forman parte activa de la escena, casi como colaboradores de la protagonista. En cambio, los animales destinados al consumo, como la gallina muerta o la carne que se asa, no tienen un rol activo, sino que aparecen como parte del proceso culinario. Esta diferencia no implica necesariamente una pérdida de dignidad, pero sí refleja una jerarquía funcional dentro del espacio doméstico, donde cada ser ocupa un lugar determinado según su relación con el trabajo y la alimentación.

En el centro de la escena, sobre un escenario iluminado, aparecen hombres con apariencia de billetes de dólar. Son figuras burguesas, sin edad ni rasgos humanos reales, inspiradas en las cartas animadas de Alicia en el País de las Maravillas. Su masculinidad no está representada por sus cuerpos, porque carecen de genitales, sino por los símbolos de poder que los rodean. No hablan, no se mueven mucho. Fuman, esperan, existen en silencio. Su autoridad está naturalizada, asumida, legitimada por el sistema que los rodea. A su alrededor flota humo: el de sus pipas, el de una atmósfera espesa que encubre y normaliza su presencia. Cada uno de ellos se apoya no en lo que es, sino en lo que representa. El falo no está presente, pero sí su equivalencia simbólica: el dinero, el poder, la tradición, el control. Son masculinidad codificada en objetos. Debajo del escenario, una multitud de maniquíes femeninos desnudos observa sin expresión. No tienen rostro, edad ni época. Están inmóviles, como si no vieran nada. Representan a todas esas mujeres reducidas históricamente a cuerpos pasivos, utilizadas, silenciadas o simplemente ignoradas. No reaccionan, no protestan: están ahí, congeladas en su condición de objetos. La escena representa una crítica a la masculinidad tóxica y a una forma estructural de prostitución en la que el poder económico y simbólico masculino ejerce dominio sin contacto físico, sin palabras, pero con todas las señales de posesión y superioridad. Ellos no buscan el cuerpo femenino, ya lo tienen incorporado en la lógica que sostienen. Ellas están ahí como parte del decorado: sin posibilidad de intervención, sin narrativa propia. El contraste es muy evidente: arriba, el poder arrogante pero vacío; abajo, la pasividad impuesta. No hay violencia visible, pero sí un orden que la contiene. No hay deseo explícito, pero sí una estructura que normaliza el uso y el silencio. Esta escena no es una fantasía, sino una representación simbólica del presente.

Este proyecto nace del reconocimiento del valor de los saberes de las mujeres mayores, de sus prácticas cotidianas de cuidado, su relación con la tierra, y su papel fundamental en la transmisión cultural intergeneracional. A través de una serie de encuentros, talleres y actividades participativas, la propuesta busca visibilizar estas memorias vivas, tejer vínculos entre generaciones y poner en valor un patrimonio intangible que sostiene la vida comunitaria y el territorio.

Desde un enfoque ecofeminista e intergeneracional, me gustaría generar un proceso educativo y creativo que permita a jóvenes y personas mayores intercambiar experiencias, rescatar memorias y construir juntas un archivo colectivo que fortalezca el sentido de comunidad y sostenibilidad.

El proceso del taller contará con la colaboración entre mujeres mayores y estudiantes de secundaria, y se desarrollará en varias fases.
En primer lugar, se trabajará en la adquisición de herramientas y técnicas vinculadas al patrimonio inmaterial y al enfoque feminista.
Posteriormente, se llevarán a cabo encuentros intergeneracionales con las mujeres, donde se compartirán historias de vida, saberes y experiencias.
A partir de estos intercambios, el grupo elaborará “legados simbólicos” que recojan y transmitan la memoria compartida, culminando en la realización de una muestra final comunitaria, abierta al público, como cierre y celebración del proceso.