Puede servir para ser consciente de cosas que no nos damos cuenta.

- ¿Este mapa sirve para alguien?

Para las personas en automático, que van caminando por la calle, estando muy en la suya sin darse cuenta de alrededores > Para las que precisan un descanso del ruido de 18

- ¿La representación tiene sentido?

- Tiene sentido si, es lo que pensamos cuando pensamos en la diferencia.

- ¿Representa un territorio?

Sí, representa un territorio. El subte y su contraste con 18.

- ¿La micro historia complementa el proyecto? justificar por qué/ de que forma podría

La micro historia complementa, se entiende viéndolo pero la micro historia termina de hacerlo entender. Se podrían agregar más detalles del por qué algunas decisiones.

¿Este mapa sirve para algo? 

Si, explica bien en donde están ubicados los lugares aunque no estén ubicados precisamente.

¿Para alguien?

Sirve principalmente para los estudiantes, ese es su motivo ya que muestra los puntos que todos conocemos. por ejemplo también le sirvió a una compañera que viene del interior y no frecuenta regularmente el centro de Montevideo y el mapa le dio una idea de donde está ubicado el EAC.

¿La representación tiene sentido?

Si, porque muestra que todos inconscientemente tenemos ese mapa mental y conexiones que hacemos mediante conocemos los lugares.

¿La microhistoria complementa el proyecto?

Si, incluso se entiende mejor el mapa luego de leer la microhistoria.

A mejorar:

Si bien todo está hecho y renderizado en 3d, las fotos que mostrar los lugares están hechos con IA, entonces los compañeros me re comenzaron que puedo utilizar fotos de verdad, ya que el diseño y la microhistoria se complementan muy bien y son muy personales, ese uso de IA lo vuelve menos personal.

Es un juego de mesa, algo que permite ver su función a simple vista. Tiene un enfoque lúdico y educativo como juego didáctico

Sugerencias: Poner algunos componentes del juego, como lo son las cartas como para darle un cierre a nivel conceptual y visual

-¿Este mapa sirve para alguien?

Es un juego que está enfocado a un público joven, con la idea de extender a través de lo didáctico contenidos sobre el museo y sus obras

-¿La representación tiene sentido?

Si, ya que es un tablero convencional de juego de mesa y se logra comprender claramente el concepto a simple vista

-¿Representa un territorio?

Si, tanto el museo como sus obras

Sugerencias: Recorrer también la sala que está sin el camino de colores (aunque no se haya podido visitar), así no queda un vacío y permite un mayor recorrido en obras

¿La micro historia complementa al proyecto?

Si, ya que explica la dinámica del juego, permitiendo un mayo entendimiento sobre él y dejando en claro su función.

Sugerencias: Que no sea tan repetitivo como los manuales/guías de juego y capaz explicar más lo que se quiere generar en quien va a jugar

1-¿Este mapeo sirve para algo?

Podría ser un impulso para cambiar si la persona ya se siente inclinada en esta dirección

2- ¿Este mapeo sirve para alguien?

Sí, sirve para compartir y conectar personas con la mismas emociones que les genera el avance inhumano de la tecnología

3- ¿Este mapeo representa un territorio?

Sí, el territorio emocional logra comprenderse con la mircrohistoria. Debe agregarse más presencia de las emociones en el relato para justificar el territorio.

4- ¿La representación tiene sentido? (materialidad y resolución formal)

Sí, la materialidad corresponde con la temática y se entiende su resolución formal.

5- ¿La microhistoria complementa al proyecto?

La microhistoria ayuda a terminar de comprender la ilustración.

No recuerdo si fue realmente lo primero.. pero su gran impacto hizo que así lo recuerde.

Fuimos al EAC. Recorrimos, grabamos videos, aprendimos del lugar.

Con límite de tiempo, cabe aclarar.

Yo lo tomé para la ficción y el terror. Lo sombrío, lo misterioso.

No lo sabía en ese momento, pero ésta pauta sentaría las bases de nuestra primer entrega

Surgieron confusiones e interminables preguntas.

De a poco fui formando cual sería la idea de mi proyecto final.

Después de una dinámica en la que analizamos mapas que nos presentaron los profes. Ampliamos mucho lo que era el concepto de “territorio”, por ejemplo, que para mí era una cosa más literal, más relacionada con “un pedazo de tierra”.

También hablamos de los distintos tipos de mapas, posibilidad de mapas emocionales, mapas más abstractos, mapas visuales, mapas mapas conceptuales.

Yo tenía claro que iba a hacer algo más de plano ficción, más emocional.

Todo inició con el ejercicio anterior, entonces; luego surgieron muchos mundos de ideas que de apoco iría filtrando y puliendo.

Me acuerdo lo que dijo Sergio en el semestre anterior una vez.

Partir de un punto para luego ampliar y finalmente volver a converger en una idea final.

Mi proceso fue exactamente eso.

Noté claramente el punto en el que debía comenzar a converger cuando en el primer intercambio con la profe, ésta me dijo que eran demasiadas cosas; mucha información, tenía que elegir algo.

Sabía que quería transmitir algo,

Mi mapa no iba a ser un simple esquema con ubicaciones y referencias.

Yo quería llevar esa sensación que me acompañó durante todo el museo.

de alguna forma encontrar la manera de comunicar esa diferencia entre lo que creía que iba a ser y lo que fue.

Me basé un mapa que era hecho por unos niños, uno de los que pusieron los profes en nuestra mesa.

Me parece que era la mejor forma de exponer esa imperfección de la idea que uno se imagina. Me pregunté, ¿cómo sería un dibujo de lo que tengo en mi cabeza?

¿Cómo sería esa imagen, abstracta y construida a partir de la realidad pero en un mundo imaginario?

Encontré las respuestas en ese mapa infantil.

Además, el trabajo en capas sería clave para una etapa del proceso a la cual llegué más adelante.

La idea era hacer un dibujo amigable, pero que en el contexto se diera a entender que ese dibujo amigable en el fondo esconde algo más, mucho más oscuro.

La inspiración fue ese contraste que sentí entre lo que me imaginé personalmente del EAC y lo que ví cuando llegué; quería marcar eso, contraste; de alguna forma tenía que estar embebido en mi trabajo.

Tomar éste camino me obligó a descartar ideas iniciales; comencé a enfocarme en un concepto concreto y todo lo demás se fue alejando.

Ya no había historia, ni personajes, ni mansión de terror, ni recorrido espeluznante. O si? Si, algo de eso quedaba, de alguna forma lo quise transmitir, pero no era el eje. Eso iba a ser nomas una especie de sensación que con suerte se iba a generar en el lector,

no iba a estar “dicha”.

Un viaje retórico, digamos.

Donde el lector experimentase en primer plano esas sensaciones que yo quería transmitir; esas sensaciones de duda, confusión, desconcierto, desconfianza, cierta inquietud.

Me pareció increíble.

Fue un reto lograr el look final y llegar a un resultado que realmente me gustase.

De alguna forma tuve que “aprender” a dibujar como un niño, o no a dibujar sino a representar cosas como uno.

Antes de llegar al color hice muchas pruebas y cambios de figuras; y durante la etapa de color también, por arriba fui borrando y volviendo a dibujar. (De no haber trabajado en capas habría sido imposible)

De alguna forma esos colores, esos verdes y grises, ese intento de darle vida y color al dibujo, lo estaban alejando de lo que quería, algo ultra simple e inperfecto.

El color lo que hacía era darle más y más información, pero yo no quería eso, yo quería sacar, quería quedarme solo con lo mínimo necesario y que cobrase sentido.

Por eso entonces borré todas las capas de color y empecé devuelta, imitando la paleta de una de mis referencias: dos colores, solo dos, uno para las lineas y otro al fondo.

Eso mantenía la cantidad justa de info sin opacar los propios símbolos.

1. ¿Este mapa sirve para algo?

2. ¿Este mapa sirve para alguien?

3. ¿Este mapa representa un territorio?

4. ¿La representación tiene sentido?

5. ¿La microhistoria complementa el proyecto?

Por un lado la primer definición del contexto; básicamente adapté el primer boceto de texto y lo pulí apenas.

Sumado a eso, expuse la ilustración, el “mapeo”. Pero de otra forma. Toda ls jornada de prueba en color y diseño anterior se vió demolida cuando sin querer eliminé una capa (la capa superior que contenía las lineas de contorno), me encontré con que, de repente estaba ante una pieza que parecía “dibujada por un niño”.

era todo lo que buscaba, la imperfección, lo bruto, lo ingenuo.

Solo existía un único problema: si presentaba ésto se tenía que entender que estaba hecho así a propósito, que esa era la esencia. De lo contrario, iba a parecer que simplemente no me había esforzado, (pero lo peor es que llegar a ese resultado me costó increíblemente, fue el clásico “aprender a dibujar como un niño)

El mayor cambio estuvo en el contexto. Ahora sí, creé algo bueno, algo nuevo. Me gustó redactarlo y siento que cargó de esencia al mapa.

Una compa de mi estación me sugirió que cambie los dibujos de las tumbas; eran lo único que mostraba de más, es decir, cada dibujo y figura del mapa tenía una visual amigable, simple, corta; todo de forma justa para que ese antes/después de la lectura sea posible y visible a través del mapa.

La parte de las tumbas no, no mucho, ya mostraba sus intenciones, incluso desde antes de leer, ya cargaba con ruido y formas; no era la idea, había que ajustar.

Cambié la forma del “mapeo”

Me pasan dos cosas.

Visualmente me encanta.

Pero a nivel significado.. no sé si me convence. Voy a ver que hago. Capaz experimento otro camino; me gustó mucho la abstracción que hice en la preentrega. Ese que era lo contrario a este: a primera vista, poco llamativo y hasta algo bruto(no se me ocurre otra palabra), pero cargado de significado.

De todas formas ya hice la entrega digital. Así que éste es el “final”

De museo a ice latte - Isabella Romano (F_Vicky)

El trabajo me pareció muy interesante y muy lindo. Como jugadora de los Sims se puede ver el trabajo que se puso y la creatividad que está detrás. La idea y el concepto se muestran muy bien plasmados. La microhistoria aporta muchísimo. Se le sacó buen provecho al juego usándolo como herramienta para diseñar. Lo que transmite la microhistoria es algo que se aplica al día a día, de cómo en todas partes del mundo desaparecen lugares con una gran cantidad de memorias e historia, pero que dejen de estar físicamente ahí no significa que desaparezcan en su totalidad. Es una cuestión de percepción, de ver más allá. Se muestra bien representado tanto el territorio físico como lo que está oculto (el corazón oculto = la esencia original del subte). Básicamente, muy lindo trabajo y muy interesante :]

La propuesta no muestra el museo de forma tradicional ni como un plano para ubicarse, sino como un espacio para jugar y mirar con más atención. Lo interesante es que invita a descubrir detalles del lugar y a pensar en la historia de Blanes y su obra mientras se participa de la búsqueda.

El proyecto cumple con la consigna porque convierte un espacio cultural en un relato distinto. Más que un mapa funcional, es una manera creativa y divertida de recorrer el museo y de invitar al público, sobre todo a los más chicos, a relacionarse con el arte desde otra perspectiva.

Quiero representar el territorio histórico-cultural del Museo Blanes, entendido como un espacio simbólico que reúne memoria artística y patrimonio cultural del Uruguay. No se trata de un territorio geográfico, sino de una cartografía??? temporal que muestra la transformación??? del museo desde su fundación hasta la actualidad.

¿De qué forma lo mapeo?

Lo mapeo a través de una línea de tiempo, organizada como un recorrido visual por los principales hitos del museo: su fundación, la creación del Jardín Japonés, algunas obras de Juan Manuel Blanes, la colección nacional y las exposiciones recientes y también pasadas. Cada etapa se representa con ilustraciones sencillas y claras que funcionan como “estaciones” dentro de ese trayecto temporal.

¿Cómo diseño esa representación?

Utilizando fibra negra en estilo de boceto. Esto reforzaría la idea de memoria, archivo y apunte gráfico. El diseño vendría a ser un mapa del tiempo, un dibujo lineal ? que organiza de manera clara los hitos históricos, con datos básicos a su costado que hacen más accesible la lectura del recorrido.

¿En qué contexto?

La pieza está pensada para el contexto museístico y educativo, como material de mediación cultural que acompaña y tal vez enriquece la experiencia de los visitantes.

¿Para quién?

Estaría pensado para los visitantes generales del Museo Blanes, con énfasis en estudiantes y jóvenes interesados en el arte y la cultura uruguaya, que buscan una forma clara y atractiva de comprender la historia del museo.

¿Para qué?

Para visualizar la memoria artística del Museo Blanes de manera accesible, didáctica y estética. Funciona como herramienta de síntesis que permite comprender la evolución del museo como institución cultural y como territorio simbólico en constante transformación.

¿En qué momento?

Durante la visita al museo, como apoyo en sala o como material complementario para la mediación educativa. También podría funcionar después de la visita como recuerdo visual de la experiencia.

¿Dónde está el mapa / el mapeo / el territorio en mi proyecto?

El territorio está en la historia y la memoria artística del Museo Blanes, que funciona como espacio simbólico de identidad cultural uruguaya.

El mapa es la ‘’línea temporal’’ que organiza y visualiza esa memoria a través de hitos.

El mapeo es el proceso de selección y representación gráfica de esos momentos clave, transformados en ilustraciones y recorrido visual.

1. ¿Este mapeo sirve para algo?

Sí, con una mirada rápida, puede ayudar a las personas a seguir un recorrido dentro del predio del museo sin perderse los atractivos principales ya que no tiene palabras ni textos largos, todo está representado visualmente de manera resumida.

2. ¿Este mapeo sirve para alguien?

Para todo aquel que quiera contar con una guía clara sin perderse o pasar por alto lo esencial del museo.

3. ¿Este mapeo representa un territorio?

Sí, el predio del Museo Juan Manuel Blanes.

4. ¿La representación tiene sentido? (materialidad y resolución formal)

Sí, uno se puede orientar fácilmente ya que se representa de forma clara y puede entenderse a simple vista.

5. ¿La microhistoria complementa al proyecto?

Sí, ambas se unen bien y la microhistoria logra aportar al sentido del mapeo.

En la pre-entrega utilicé una paleta de colores sencilla: rojo para las tragedias, amarillo para la vida familiar y verde para los logros y obras. Sin embargo, en esa instancia no incluí una guía de colores, lo que generaba confusión sobre su significado. En la entrega final corregí ese punto incorporando una guía clara, además de ampliar la gama cromática para enriquecer la narrativa.

También sumé recursos gráficos más específicos: obras de Blanes vectorizadas y digitalizadas con sus respectivas fechas, así como ilustraciones que representan momentos clave de su vida, como su viaje a Florencia para continuar sus estudios. Estas incorporaciones surgieron a partir de la recomendación de la docente, y me ayudaron a darle mayor profundidad y claridad al trabajo.

Elegí la espiral porque, a diferencia de otras opciones, me permitió simbolizar la vida de Blanes como un camino en expansión constante, donde cada giro refleja un acontecimiento que lo fue formando como artista y como persona. De esta manera, la espiral no solo narra hechos, sino que también representa visualmente la idea de proceso, continuidad y legado.

¿Este mapeo sirve para algo?

Su finalidad es performática, sirve para ilustrar y poner sobre la mesa la discusión de la forma en que nos relacionamos hoy en día con la tecnología. A su vez plantea la posibilidad de una ciudad que las convine en armonía.

¿Este mapeo sirve para alguien?

Está pensado para cualquier persona harta de las miradas distópicas del futuro, que busque un horizonte más esperanzador.

¿Este mapeo representa un territorio?

Se podría decir que retrata el territorio de la fantasía, está dentro de los limites de la utopía y el mundo de las ideas.

¿La representación tiene sentido? (materialidad y resolución formal)

El formato es un plano, como si fuera un modelo a seguir (que no lo es), y su inexactitud arquitectonica refuerza la idea de manifiesto ideológico no concreto.

¿La microhistoria complementa al proyecto?

Sí, sin ella la idea pierde fuerza, el proyecto es la materialización de la idea, pero la microhistoria es un posicionamiento ideológico frente al diagrama.

¿Este mapeo sirve para algo?

- sirve para agregarle más capas a la historia del eac y que no sea simplemente: "fue una cárcel" y ya, tambien transmitir lo que uno siente al entrar al eac. el tema del efecto mariposa también sirve para concientizar sobre las decisiones y el peso de las consecuencias.

⁠

¿Este mapeo sirve para alguien?

- sirve para las personas que van al eac

sugerencia capaz: explicar más las escenas de la historia, lo qué pasa detallado.

⁠

¿Este mapeo representa un territorio?

- representa el eac como cárcel.

¿La representación tiene sentido?

- tiene sentido. representa bien la idea y logra lo que quiere transmitir

¿La micro historia complementa al proyecto?

- la microhistoria hace un gran trabajo en explicar todo mejor, agregando información clave.

paredes todavía recuerdan que fue una

cárcel. Ese territorio no se deja habitar

fácilmente: respira pesado, guarda sus

sombras y parece susurrar las historias que

allí quedaron atrapadas. Cada rincón parece acecharte, como si supiera que estás allí.

Mi mapa no indica calles ni salidas, es un

recorrido mental. Un laberinto sin final

donde cada muro pesa, cada pasillo

encierra. No hay arriba ni abajo, solo un

avanzar que parece eterno. Lo dibujé como una historieta de ocho viñetas, un viaje inquietante en el que un personaje avanza sin saber si encontrará la salida.

Escucha gritos lejanos, roza rejas frías, se

enfrenta a la silla de pena de muerte. Hay un guía que lo acompaña, pero nunca responde; solo lo mira, como si supiera algo que el personaje aún no entiende. Su presencia es casi un castigo: está allí, pero nunca ayuda.

Cada decisión abre un nuevo pasillo, pero

todos llevan al mismo destino: el encierro.

El efecto mariposa atraviesa toda la

narración: las rutas cambian, el destino nunca. En la última viñeta, el personaje

desaparece, absorbido por el propio lugar,

como si el laberinto necesitara alimentarse

de quienes se atreven a recorrerlo. El

silencio final es absoluto, como si el espacio hubiera cerrado la boca después de tragarlo.

Este mapeo es una advertencia y un

espejo: no muestra direcciones, sino sensaciones. Busca que el visitante experimente el peso de ese pasado y sienta, aunque sea por un momento, que el EAC no ha terminado de soltar sus fantasmas

Este trabajo me encantó y desde un principio me llamó la atención!

La prolijidad y la delicadeza con la que está hecho, junto con la paleta de colores elegida y las ilustraciones me generan demasiada armonía visual y me encanta.

A mi parecer, la organización del recorrido está resuelta muy bien y se puede apreciar de forma clara, lo que permite comprender el mapeo a simple vista. La microhistoria me pareció original e interesante, ya que le aporta valor narrativo al diseño. Te hace sumergirte en lo que está representado y te hace sentir parte, como si estuvieras leyendo un cuento.

Y algo que me gustaría destacar es como se logró representar e incluir la estética japonesa en este trabajo, algo que yo también quise hacer de alguna forma en el mío, pero que considero que acá está resuelto de manera increíble.

Personalmente, me parece un proyecto que se destaca tanto por la calidad con la que está hecho como por la idea que propone: lo que busca, lo transmite, y de manera clara.

Cada fallo abre una duda. Cada duda se convierte en un eco que retumba en su mente: ¿es este universo virtual tan real como creemos, o es apenas una ilusión diseñada para mantenernos consumiendo sin detenernos a pensar?

Mientras las luces de píxeles lo envuelven y los algoritmos dictan cada movimiento, la línea entre lo digital y lo tangible comienza a desdibujarse. Lo que sucede en ese mundo empieza a alterar su realidad, a moldear sus pensamientos, sus deseos, incluso su percepción del tiempo.

Y entonces surge la pregunta definitiva…

Si lo digital puede modificar la realidad, ¿qué poder tiene realmente sobre nosotros? El mapeo sería valioso, aunque aún necesita pulirse. Traza un recorrido donde lo digital y la ficción se superponen con la realidad, mostrando cómo este entramado intenta frenar el exceso de digitalización. En medio de esa vorágine, el protagonista se hunde en lo digital, decidido a atravesar la oscuridad en busca de la luz al final del túnel.

El mapeo no solo revela el recorrido y los artes digitales del subte, sino que también despierta conciencia sobre cómo lo digital puede atraparnos hasta hacernos perder el tiempo en su laberinto. Una experiencia que puede servir a quienes buscan comprender mejor el impacto de lo virtual en la vida real.

La escena sugiere una caída por las escaleras, mientras a su alrededor flotan cuadros digitales del subte. Entre ellos, una grieta de vidrio roto se extiende, marcando un recorrido incierto que el personaje parece estar destinado a seguir

Si representa lo digital en superposicion con la realidad y lo natural.

La microhistoria coincide bien con la respuesta, aunque aún puede pulirse para reforzar la tensión y la conexión entre lo digital y lo real.

Mi primera idea para esta entrega fue querer representar el mapeo como una especie de juego de mesa, como lo es “serpientes y escaleras”, pero terminé descartándolo al instante porque no me convenció y tampoco le vi mucho sentido que digamos.

Me terminé inclinando por la idea de hacer el mapa del predio del Museo Blanes dentro de un pez, para ser especifica un Koi, ya que cuando fui al museo me llamó la atención que éste estuviera conectado con un jardín japonés, ya que en otros museos a los que fui el exterior no tenía tanta “importancia”: el foco estaba más en el edificio y su interior. Me pareció interesante poder salir al jardín y seguir recorriendo el lugar, ya que la visita no termina ni bien uno pone un pie fuera, así que decidí tomar eso.

De la pre entrega a la entrega cambié la perspectiva/corte del pez. Mi profesora referente había sugerido que me quedara con el Koi de la pre entrega e hiciera otro “nadando” a su lado pero con el corte de costado, pero cuando lo probé me pareció que quedaba muy cargado y que quizás se perdía un poco lo que representaba, así que decidí inclinarme por la idea original y hacerlo como en el boceto. Mantuve el color verde (color que usé porque lo asocio a la naturaleza) y le di más detalles al pez y al recorrido.

Aún no sé qué tan conformé esté con este proyecto. Si bien, siento que fue algo creativo y que quedó claro lo que quería transmitir con él, creo que pude haberlo pulido un poco más.

El mapeo de Camila fue el que me resulto mas interesante, debido a que no eligió representar todas la obras para hacer emblema a Blanes, sino de lo contrario dentro de todas su obras eligió una que nos representara, o que el observador se sintiera identificado al verla.

Analizandoló más finamente.

Este mapeo o representación de territorio puede estar dirigida para que el espectador no solamente se informe, sino que también pueda cuestionar la pregunta que la compañera realiza en el mismo.

Al mismo tiempo, la materialidad y la extensión del mapeo a un folleto, me parece una idea muy innovadora, dado que permite la interacción con el territorio.

Y por ultimo, la microhistoria complementa muy bien el trabajo, debido que en la misma nos detalla la finalidad y elección de la representación.

La foto elegida, con colores apagados y grises, con una silueta que podríamos decir que es un “cuerpo humano”, me transmite “Esencia”. Generalmente pensaría que la esencia sería algo “bueno”, ya que es nuestra naturaleza, pero en la foto se ve claramente como el hombre tiene expresión triste o desanimada.

Todo esto lo quiero relacionar con “el cuerpo no cuerpo”, ya que la esencia es esa parte de nosotros que está ahí pero no se ve, pero que forma parte de nuestro cuerpo.

¿Cómo puede o no puede el diseño representar la esencia individual en un contexto visual dominado por la sobreexposición, la construcción de la identidad externa y la saturación de imágenes superficiales?.

El cuerpo siempre comunica algo más allá de su forma. Puede expresar poder, fragilidad, identidad o cómo cada época interpreta lo que significa “cuerpo”. Cada imagen no solo representa la idea de cuerpo, sino que también invita a reflexionar.

Cuando vi el panel, lo primero que me llamó la atención fue la cantidad de formas distintas en las que se muestran los cuerpos. Hay dibujos súper detallados, con músculos, huesos y proporciones, y otros mucho más libres o raros, donde el cuerpo se deforma, se mezcla con otras cosas o se usa para expresar algo.

Algunas se enfocan en lo físico, otras en lo simbólico, y otras directamente en lo que el cuerpo representa para cada persona.

Lo que me gusta es que no hay una sola manera de verlo. En el mismo panel conviven dibujos de estudio, collages, fotos, figuras simples como los íconos de baño, y representaciones que rompen con la idea de cuerpo “perfecto”. Todo eso hace que el conjunto se sienta vivo, como si mostrara que el cuerpo puede ser muchas cosas a la vez: estructura, identidad, emoción, o una mezcla de todo.

El panel demuestra que cada persona tiene su propia forma de entender y representar el cuerpo.

Pero de lo hablado en clase, la hegemonía de los cuerpos nos invade por de más y lo permitimos sin restricciones. Una representación no pierde validez por ser menos conocida o aceptada. Si estamos cansados de ver las mismas representaciones, tenemos que traer nuevas. Hay que volvernos raros, siempre es tiempo de cambio.

Dependiendo la cultura y la época en la que nos situamos vemos diferentes representaciones de esto, pero lo que encontramos en común es el refuerzo de la fertilidad desde esta idea más mágica, como las Venus del paleolítico.

Al pasar el tiempo va cambiando el objetivo a representar, deja de ser mágico y pasa a ser más directo, dependiendo del objetivo, tanto del público como del mensaje.

Así mismo se ve frustrado lo que es parte de una naturaleza presente, que a veces pareciera que buscamos llevarla a la ausencia. Entonces, hoy en día parece ser que, esto va acercándonos a percibirlo muchas veces como una exposición poco deseada, limitando por tanto la toma de decisiones que representen incomodidad.

Consiguiendo influir en como podemos sentirnos frente a algo que es parte de nuestra forma humana natural, llevándolo quizás a la sombra, haciendo como que la diversidad de cuerpos no fuese una realidad. Si se homogeneiza la mirada, se puede ver inmersa también la toma de decisiones, que hasta incluso podría llevar a creer que mostrar un cuerpo distinto constituye una “exposición innecesaria”.

En general, siempre había convivido con esas imágenes sin cuestionarlas demasiado, por eso cuando surgió hacerme esta pregunta, me pareció interesante traer al taller aquellos insumos e ideas que me venían a la mente cuando pensaba en este tema.

En cuanto a la experiencia del mapeo colectivo, me sorprendió ver desde qué lugar cada uno de nosotros abordó la cuestión, qué aspectos resaltamos y cómo se relacionaba con el concepto de “cuerpo”. Ahí me di cuenta de algo que aunque parece obvio, pocas veces dimensionamos de verdad: existen infinitas maneras de representar los cuerpos, infinitas formas de habitarlos, mirarlos y sentirlos. Cada cuerpo es diverso, único y cambiante y también lo es la forma en que cada quien lo percibe.

En lo personal, este ejercicio me hizo tomar conciencia de cuánto influye lo que consumimos y vemos en la forma en que pensamos o sentimos respecto a nuestro propio cuerpo y al de los demás, y al mismo tiempo, la idea de que no hay una sola forma válida de mostrarnos o vernos se llevó mi atención.

La mayoría sabemos de qué estamos compuestos, pero verlo representado así de una manera tan real me hizo cuestionar mi propia relación con mi cuerpo. Me generó curiosidad y hasta un poco de miedo se podría decir.

Para mí es interesante entender por qué algo que forma parte de mí misma puede resultarme tan impactante, casi alejado a lo “qué soy”; como si al ver lo interno me sintiera más expuesta y a mi cuerpo extraño.

Decidimos traerlo de vuelta porque nos dimos cuenta de que, aunque esas revistas parezcan cosas del pasado que ya no suceden, muchos de sus mensajes siguen presentes hoy, solo que disfrazados. Volvieron en los filtros, los trends, los discursos del "amor propio" (que terminan comparando cuerpos), en las modas y en la idea constante de tener que "mejorarnos".

Nos interesó explorar cómo esa esencia individual se ve condicionada, moldeada o incluso debilitada cuando se confronta con estereotipos de cuerpo, belleza y comportamiento que dominan la cultura visual.

Retomando las revistas de los 2000s, quisimos acercarnos desde otro lugar: traer su lenguaje al presente, pero para cuestionarlos.

Es nuestra forma de revisitar estas revistas que marcaron una época, pero haciéndolo desde una mirada más consciente, más crítica y también más personal. Queremos pensar qué pasa con la esencia, con lo que somos de verdad, cuando crecemos rodeados de esos mensajes.

Pieza de denuncia: Afiche

Pieza Interactiva: Revista con juegos

Pieza Movimiento: Entrevistas con mujeres de distintas edades

-Video de la presentación

¿Qué te gustaría preguntarle a una persona mayor?

¿Qué cosas te gustaría seguir teniendo cuando seas adulta?

¿Qué te imaginás de cómo vas a ser de grande?

Jóvenes

¿Cómo te imaginás a vos misma dentro de 20 años?

¿Hay algo que te entusiasme del futuro o solo te preocupa? ¿Qué sería?

¿Sentís algún tipo de presión a medida que pasan los años?

Mayores:

¿Hay algo que antes te daba miedo del futuro y ahora ya no?

Si pudieras hablar con tu “yo” de hace muchos años, ¿qué le dirías?

¿Qué cosas valoras ahora que antes pasabas por alto?

¿Qué te hubiera gustado saber sobre el futuro cuando eras joven?

¿Qué te gustaría que las generaciones más jóvenes aprendieran de las personas con más experiencia?

-ideación de la actividad interactiva

-bocetos de composición para los posters

-tipografías para el sistema (y algunas en digital)