1- A love supreme y John Coltrane: la historia de un álbum emblemático de Ashley khan periodista e historiadora de Estados Unidos. Este libro habla de la historia de John coltrane desde años atrás del “ A love supreme” y como fue su evolución hasta llegar al momento crucial de tener la necesidad de hacer una música espiritual, dedicada a Dios y que lo llevara a hacer un ser humano mas consciente de sí, también tiene detalles muy interesantes del proceso de composición y el proceso de grabación. El estado de coltrane al terminar la composición de la obra dándole una libertad de improvisación muy grande a todos los integrantes de su cuarteto para que uno pudiera poner su experiencia de vida y a la vez , la elevación hacia Dios fuera colectiva.

2-A love supreme: el evangelio según John Coltrane, artículo escrito por el músico y escritor español Emilio de Gorgot comenta de manera muy detallada sobre los componentes musicales de la obra , tales como: acordes, armonías, patrones rítmicos, expresividad, Groove y detalles a la de improvisar ( solistas y ensamble). Sumado a esto retrata la vida antes y después de la obra maestra, como salió de el alcohol y la heroína, en el año 1965, hace su conversión espiritual y empieza a investigar sobre varias religiones del mundo, profesando un cristianismo ad libitum creando así su propio sistema de creencias.

3- “Chasing trane”, es un documental que narra la vida y legado del legendario saxofonista de jazz John Coltrane. Dirigido por John Scheinfeld, explora su evolución musical, desde sus inicios hasta convertirse en una figura revolucionaria del jazz. A través de entrevistas, imágenes de archivo y narraciones en la voz de Denzel Washington, el documental destaca la espiritualidad de Coltrane, su lucha contra la adicción y cómo su obra maestra, A Love Supreme, refleja su búsqueda de redención personal y conexión con lo divino. La película es tanto un homenaje como una inmersión en su impacto cultural y musical.

4- Beyond A love supreme, tony whyton , profesor de jazz studies en la royal Birmingham conservatoire. En Beyond A Love Supreme, Tony Whyton explora tanto las complejidades musicales de A Love Supreme como la importancia fundamental del álbum en la historia del jazz. Marcando la transición de Coltrane del bebop y hard bop de sus grabaciones anteriores al estilo free jazz perfeccionado a lo largo del resto de su carrera, el álbum también encarna la profunda espiritualidad que caracterizó los últimos años de su vida. Los títulos de la suite de cuatro partes ("acknowledgment", "Resolution", "persuance" y "Salm"), junto con el poema que Coltrane compuso para incluirlo en las notas, que "recita" instrumentalmente en "Salmo, " reflejan el aspecto religioso del álbum, una cualidad que contribuye a su mística e importancia simbólica dentro del canon de las principales grabaciones de jazz. Pero Whyton también muestra cómo A Love Supreme desafía muchos de los supuestos tradicionales e irreflexivos que impregnan la cultura del jazz: las oposiciones binarias entre improvisación y composición, música negra y música blanca, interpretación en vivo y grabación de estudio. Examina críticamente muchas de las narrativas mitificadoras sobre cómo se concibió y grabó el álbum y sobre lo que significa en términos de la trayectoria de la vida personal de Coltrane. Examinando las críticas del difunto Coltrane, Whyton sugiere formas de escuchar estas grabaciones que van más allá de las ideologías convencionales de la práctica del jazz convencional y abren la música a una gama más amplia de respuestas.

5- John Coltrane and Black America's Quest for Freedom: Spirituality and Music es un libro editado por Leonard L. Brown que explora el legado del saxofonista John Coltrane dentro del contexto de la lucha por la libertad y los derechos civiles de la comunidad afroamericana. A través de varios ensayos, el libro destaca cómo Coltrane utilizó su música como un medio para expresar no solo sus creencias espirituales, sino también sus ideales de libertad, justicia e igualdad. Coltrane es retratado como una figura crucial que, más allá de su impacto en el jazz, representó un símbolo de resistencia y esperanza para la población negra de Estados Unidos. El libro analiza cómo su música, especialmente álbumes como A Love Supreme, reflejan su profunda espiritualidad y su compromiso con la libertad tanto personal como colectiva. La obra no solo ofrece una mirada a la evolución musical de Coltrane, sino que también lo sitúa en el contexto social y político de la época, revelando cómo su arte era inseparable de las luchas por los derechos humanos. Leonard L. Brown compila diversos puntos de vista, desde académicos hasta músicos y activistas, que proporcionan una visión rica y multifacética de cómo Coltrane contribuyó a la cultura afroamericana y al activismo social a través de su música.

1 Autores:

Leonidas valencia- Juan sebastian ochoa

2 Investigaciones:

• Gil, A. P. (2020). Panorama histórico de la música andina colombiana en la Licenciatura en Música de la Universidad Pedagógica Naciona

• Cristancho Quintero. (2008). La danza y el pasillo chocoanos, conceptos de improvisación en el conjunto "chirimía" aplicables al piano-jazz. Bogotá d.c.: Universidad Javeriana.

• (Arias Carrera, 2019). ¨blanqueamiento sonoro¨, occidentalización del bambuco en la segunda mitad del siglo XIX

• Franco Duque, L. (2005). Música andina occidental: entre Pasillos y Bambucos.

3. Qué se pretende responder y/o lograr al hacer uso de los autores en cuestión?

   A través de estos autores e investigaciones se pretende encontrar el contexto histórico y cultural de los ritmos que son objeto de estudio en mi trabajo de grado, encontrar el hilo conductor que une al pasillo andino y al pasillo chocoano, así como al bambuco y el abozao.

   por otra parte analizar de que manera el intento del blanqueamiento sonoro de el pasillo y el bambuco en la época de la colonia y el nacionalismo, Dio como resultado el desconocimiento en el saber popular, de el hecho de que los dos ritmos tradicionales colombianos, tienen un origen en la Región Pacifico.

   Finalmente ésta investigación se reflejara en la composición de 4 obras que integren al pasillo de la zona andina con el pasillo chocoano, el bambuco y el abozao

Palabras clave para investigar:

Figuralismo, renacimiento, cantautor

Autores:

1. David Huron (2016) - The Voice Leading

2. Thomas Edward Smith (2020) - Melancholy, Poetics, and the Performance of John Dowland’s Music

Estos dos autores han sido claves para entender como la música y el texto están netamente relacionados con la interpretación, el cómo a partir de las técnicas como el figuralismo se pueden llegar a expresar mensajes más claros y contundentes en la música y como esto puede ayudar a una mejor interpretación inclusive tratándose de un instrumento que no puede pronunciar palabras, tuve la oportunidad de entrevistar a dos intérpretes de música renacentista María Cristina Kiehr y a Ariel Abramovich una cantante y un vihuelista. Fue bastante interesante ya que para la cantante el secreto y la llave de una interpretación que trasmite está en el texto y el contexto y como lo puede llevar a su cotidianidad así estemos hablando de una época como el renacimiento y para el vihuelista era clave saber qué palabras estaban diciendo las voces de los corales que traduce a su vihuela para acompañar ya que la articulación de cada palabra le ayudaba a interpretar de una manera más exacta y parecida a lo que era una voz.

El proceso de adaptación instrumental implica una serie de técnicas y consideraciones estéticas que permiten la transferencia de una obra compuesta para un instrumento a otro, sin perder la esencia estilística y sonora de la pieza original. En este caso, la adaptación de las composiciones de Hüsnü Şenlendirici, originalmente escritas para clarinete en G, al saxofón requiere un análisis profundo de las diferencias técnicas entre ambos instrumentos y la comprensión de los elementos musicales y culturales característicos de la música folclórica turca.

1. Técnicas de Adaptación Instrumental: White (2018) y Kaya (2016) examinan las diferencias en timbre, registro y digitación entre clarinete y saxofón, señalando la necesidad de implementar cambios técnicos en la digitación y el uso del aire para mantener la fluidez en la interpretación. Además, la adaptación requiere ajustar la emisión y la articulación para reflejar el carácter del clarinete en un saxofón, que tiende a tener un timbre más brillante y un mayor volumen.

2. Ornamentación y Expresividad: Davis y Martínez (2020) analizan cómo la ornamentación y los patrones melódicos en la música folclórica pueden ser transferidos a otros instrumentos. En el contexto del saxofón, es crucial preservar los ornamentos característicos del clarinete turco, como trinos, glisandos y microtonalidades. Aydın (2017) enfatiza la importancia de comprender y adaptar la microtonalidad y los matices expresivos, lo cual plantea desafíos técnicos para instrumentos occidentales como el saxofón.

3. Estilo y Estética Musical: Levinson (2015) y Kara (2019) abordan la cuestión del estilo y la autenticidad en la interpretación. Mantener la estética de la música turca, con su enfoque en la improvisación y la expresividad melódica, es fundamental al adaptar piezas para saxofón. La incorporación de técnicas de improvisación (Levinson, 2015) y la exploración de identidades artísticas (Chow, 2019) permiten a los intérpretes reflejar la riqueza cultural y estilística de las composiciones de Şenlendirici.

4. Contexto Cultural y Transferencia Estilística: Flores (2018) y Taylor (2020) subrayan la necesidad de contextualizar culturalmente las adaptaciones para garantizar una transferencia fiel de los elementos musicales. En el caso de Şenlendirici, un clarinetista profundamente influenciado por la música tradicional turca, es vital que los intérpretes comprendan el contexto cultural y estilístico para lograr una interpretación auténtica de sus obras en el saxofón.

5. Innovación y Desafíos Técnicos: Pérez (2016) y Smith (2017) exploran las innovaciones necesarias para adaptar el saxofón a la música folclórica turca y cómo estas transformaciones pueden llevar a nuevas formas de interpretación. Adaptar la técnica de ejecución y explorar la capacidad expresiva del saxofón son pasos importantes para capturar la esencia de la música de Şenlendirici.

6. Análisis SAMERC:

El análisis SAMERC (Similarity Analysis of Musical Emotion Recognition Competitions) es una metodología utilizada para evaluar y comparar diferentes sistemas de reconocimiento de emociones musicales. Este enfoque se basa en la organización de competiciones en las que los participantes desarrollan algoritmos y sistemas para reconocer las emociones expresadas en la música. El análisis SAMERC permite identificar tendencias, fortalezas y limitaciones de los diferentes enfoques y técnicas utilizadas en el reconocimiento de emociones musicales (Vuoskoski & Eerola, 2011).

En el contexto de la investigación sobre transferencia musical, el análisis SAMERC proporciona una visión valiosa sobre cómo los cambios en el estilo musical pueden influir en la percepción emocional de la música. Por ejemplo, ¿cómo afecta la adaptación de una obra de música folclórica a un estilo jazzístico la capacidad de un sistema de reconocimiento de emociones para identificar las emociones expresadas en la música?

Al explorar esta pregunta, se pueden identificar desafíos específicos en el reconocimiento de emociones musicales en contextos de transferencia musical. Además, se puede evaluar la efectividad de diferentes enfoques de transferencia musical en el reconocimiento de emociones, lo que puede contribuir a mejorar la capacidad de los sistemas de reconocimiento de emociones en contextos de música adaptada o fusionada.

En resumen, el análisis SAMERC proporciona información valiosa sobre cómo la transferencia musical afecta la capacidad de los sistemas de reconocimiento de emociones musicales para identificar y comprender las emociones expresadas en la música. Esto podría contribuir a una mejor comprensión de los procesos emocionales involucrados en la transferencia musical y ayudar a mejorar la efectividad de los sistemas de reconocimiento de emociones en contextos de música adaptada o fusionada (Eerola & Vuoskoski, 2013).

Marco Conceptual

Adaptación Instrumental: Se define como el proceso de transferencia de una obra musical escrita para un instrumento a otro diferente, buscando preservar la integridad estilística y técnica de la pieza original. Esto implica ajustes en la digitación, técnica de respiración y articulación.

Timbre y Registro: El timbre se refiere a la cualidad sonora que diferencia a un instrumento de otro. El registro, por su parte, se refiere a la extensión tonal en la que se pueden ejecutar las notas. La adaptación de clarinete a saxofón exige un análisis comparativo de estos elementos para asegurar la coherencia estilística.

Ornamentación: Es el uso de elementos melódicos decorativos, como trinos, mordentes y glisandos, que enriquecen la línea melódica principal. En la música turca, la ornamentación es una parte fundamental del lenguaje musical, y su adaptación al saxofón requiere gran precisión técnica y estilística.

Improvisación: En la música folclórica turca, la improvisación ocupa un lugar central. Se entiende como la capacidad del intérprete para crear nuevas melodías basadas en los modos (makams) y patrones rítmicos (usuls) tradicionales. La improvisación es fundamental en la obra de Şenlendirici y su transferencia al saxofón implica dominar el lenguaje improvisatorio del clarinete.

Microtonalidad: Consiste en la utilización de intervalos más pequeños que el semitono occidental, común en la música del Medio Oriente. La microtonalidad presenta un reto para el saxofonista, ya que el instrumento está diseñado para la afinación temperada de la música occidental.

Contextualización Cultural: Se refiere a la comprensión de los aspectos históricos, sociales y culturales que rodean a una obra musical. En la adaptación de la música de Şenlendirici, es crucial tener en cuenta las tradiciones turcas y la influencia del folclore en su estilo compositivo.

Transferencia Estilística: Es el proceso de llevar las características estilísticas de un instrumento a otro, respetando el carácter y la intención musical de la obra. En la música de Şenlendirici, esto implica un profundo conocimiento de la interpretación del clarinete turco y su traducción al saxofón.

Con este marco teórico se pretende lograr claridad al concepto de transferencia instrumental para llegar a la interpretación, técnica y fidedigna de las obras de Şenlendirici en el Saxofón Alto, ya que comparten similitudes técnicas con el clarinete.

Autores: libro prende la Vela de Lucho Bermúdez.

Cumbia Urbana en Colombia: entre el rock tropical bailable y el chucu - chucu de Juan Diego Parra Valencia.

Fusión del porro género musical del caribe colombiano con el Jazz y el pop como estrategia para difusión a nuevas generaciones” Jerson Rivera Zumaqué .

“La música andina colombiana y el Jazz en formato de Trío típico instrumental”, de Eduardo Cárdenas.

Con estos autores, logro dar buenos conceptos de los temas antes Mencionados.

Autores de referencia:

1. Maria isabel Saavedra: La multifacética artista, ha sido nominada y ganadora de varios premios de música latina como: Grammy Latino, La Musa de Oro, Festival de California y Tabaiba de Oro en Tenerife España, entre otros, poniendo en lo más alto a Colombia en los escenarios más notables de talla mundial.

   
   

   1. Katie james : Katie James es una cantante, compositora y guitarrista colombiana. Nacida en Irlanda de padre irlandés y madre inglesa, la familia de Katie emigró a Tolima, Colombia, cuando ella tenía 2 años. En su carrera de más de 15 años, ha unido el folklore colombiano y latinoamericano en su música a través de 5 álbumes

      
      

      Aporte. por medio de el trabajo de ests autoras, veo que es posible traer mucho mas a la actulidad este ritmo emblematico de nuestro pais con el fin de promoverlo en mayor amplitud comercial por medio de re interpretaciones y propuestas cauticantes

      
      

      
      

Composición

Componer una obra musical atonal para sinfónica de cuerdas por medio del análisis de las obras Cuarteto de Cuerdas No 5 Op.198 y Cuarteto de cuerdas No 6 Op.250 del del maestro Blas Emilio Atehortúa

Autores:

Morgan, R. P. (1994).

Marín, Y. A. (2012).

F. J. Ramos. Turner 2013.

Guzmán, D. F. (2018).

Rodríguez, J. M., & Castro, L. Á. (2020).

Investigaciones:

(Teoría de armonía)”. (Morgan, 1994).“La música en el siglo XX: Una historia del estilo musical en la Europa y la América modernas”,

Ut supra el Fénix” Marín, Y. A. (2012).

Música para cuarteto de cuerdas de Blas Emilio Atehortúa Rodríguez, J. M., & Castro, L. Á. (2020)

Composición de dos obras instrumentales con técnicas contemporáneas para quinteto de cuerdas frotadas y percusión (Mayorga, 2019).

La investigación nos brinda elementos de los materiales analizados que contribuyen a la composición de la nueva obra atonal.

1.         Para la construcción del estado del arte:  (Ramos F, Rodriguez R, Ramires M, 2009) lineamientos de la fase heurística;  Según la Guía para Construir Estados del Arte (Londoño O, Maldonado L, Calderón L, Bogotá, 2014)

Libros: 

1.         Martínez Figueroa, Fausto (2015). Libro, la Historia de la Música en Nariño

2.         Burbano Parra, Ritho Mauro (2021), Libro, Una Historia Musical, Bandas

departamentales del Valle del Cauca y Nariño

3.         Revelo Burbano, José (2009), Libro, Música de Colombia Compositores Nariñenses

4.         Bastidas España, José Menandro (2021). Libro: Mujeres Música y Sociedad Patriarcal.

5.         Bastidas España, José Menandro (2011). Libro: Compositores Nariñenses  de la zona andina. Recopilación de compositores musicales Nariñenses entre los años 1860 – 1917

6.         Muñoz Vélez, Enrique Luis (2007). Libro: Jazz en Colombia desde los alegres años 20 hasta nuestros días

Artículos:

1.         Ochoa Escobar, Juan Sebastián (2010). Artículo: El canon del jazz en Colombia

2.         Bermúdez, Egberto (2008). Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional de Colombia;

3.         Artículo de revista: El JazzColombiano, Todavía sin Historia

4.         Amaya Guerrero, Carlos Leandro (2024), Universidad del Rosario;

5.          Edy Martínez y el Jazz en Colombia, una aproximación desde la sociología procesual.

6.         Sarmiento, Pedro (2019); Club de Música Biblioteca Luis Ángel Arango. Artículo: Jazz en Colombia.

7.         Muñoz Enrique, Freddy Samuel (2020); artículo: Diálogos entre el jazz y la música colombiana.

8.         Santamaría, Carolina (2005) artículo: La nueva música colombiana: la redefinición de lo nacional en épocas de la world-music.

9.         Bastidas España, José Menandro (2018); Artículo: Ecos lejanos de una disputa conceptual: el nacionalismo musical en Nariño.

10.   Bermúdez, Egberto (2008); Articulo: El jazz Colombiano, todavía sin   historia.

Tesis y Monografías:

1.         Oliver G, Rafael I (2009); Carrera de Historia, Facultad de ciencias sociales de la Universidad Javeriana (2009), Tesis: Travesía, Hibridación y viajes del jazz en Colombia y su influencia en la música local.

2.         Cárdenas Rosero, Carlos Eduardo (2023); tesis: La música andina colombiana y el jazz en formato de trío típico instrumental. Programa de licenciatura en música, Universidad de Nariño.

3.         Charry, Carlos (2024); tesis: Edy Martinez y el jazz en Colombia: una aproximación desde la sociología procesual.

4.         Londoño O, Maldonado Luis, Calderón Liccy (2014) Guía para construir estados del arte. Internacional Corporation Of Networks of knowledge

5.         Robledo, Luisa (2011) La Síntesis Bibliográfica en Investigación Musical Contenido

6.         Collazo, Yohany Le-Clere (2019); Patrimonio Musical, un acercamiento. Gabinete de patrimonio musical Esteban Salas. Oficina del Historiador de la Habana, Cuba.

7.         Brasa Gutiérrez, Ignacio (2012); La seducción de lo diverso: una reflexión sobre el eclecticismo musical.

8.         Bonilla, Elssy; Rodríguez Penélope (1995) Libro: Más allá del dilema de los Métodos

9.         Melo Ángel, Catalina (2013); El Documento Musical en los Procesos de Salvaguardia del Patrimonio Musical Colombiano. Documento del centro de documentación musical del ministerio de cultura. Pontificia Universidad Javeriana. Maestría en patrimonio cultural y territorio. Facultad de arquitectura y diseño. Bogotá, Colombia. 

10.   Isaza, Gabriel (2011); Método Analítico Sintético en Música, Revista Musical Chilena. El autor del documento es compositor y director artístico de la fundación Phonos de Barcelona, España. Escuela superior de música de Cataluña y la Universidad de Pompeya Fabra.

11.   Betrán Muñoz, Gineth Tatiana (2022): Tesis: Patrimonio Cultural Inmaterial Sonoro de Colombia, Trabajo de grado para obtener el título de profesional en sistemas de información, bibliotecología y archivística; Universidad de la Salle; Bogotá, Colombia.

12.   Toledo Olarte, Gabriel Eduardo (2020). El patrimonio musical colombiano en el proceso de enseñanza aprendizaje de la educación básica y media. Universidad y Sociedad. Revista científica de la Universidad de CienFuegos. Volumen 12, Número 1.

13.   León Cárdenas, Mailed Yulay (2023). Tesis: Procesos de Gestión del Patrimonio Musical, un caso en Facatativa. Universidad Nacional de Colombia, Facultad de Administración, departamento de ciencias humanas. Maestría en gestión cultural. Manizales, Colombia.

14.   Carvajal Juan, Dargen Tania, Lioba Mara (2019) Libro: Un Acercamiento a la Investigación Musical Científica . Ediciones I.M.D Universidad Autónoma de Zacatecas.

El neo funk es una evolución contemporánea del funk clásico que fusiona elementos rítmicos y armónicos característicos de géneros como el jazz, soul, hip hop y R&B. Se distingue por su uso de ritmos sincopados, Grooves complejos y la integración de influencias modernas, lo que le otorga un enfoque fresco y diverso. Al investigar sobre el saxofón tenor en este género, se busca identificar técnicas innovadoras y explorar nuevas aplicaciones del instrumento, aprovechando su amplio rango sonoro y expresivo para contribuir a la creación de texturas y dinámicas únicas dentro de un ensamble musical, como el sexteto.

2) (Agudelo C. Á., 2023).

Derek Bailey

Emma Garmendia

Composición

Conceptos: Atonalismo, dodecafonismo, serialismo, disonancia. cuerdas frotadas composición.

Autores:

Horia, Vintilia

Morgan, Robert P.

García, Nico

Pimente, William Daniel Gómez.

Títulos

Introducción a la Literatura del Siglo XX

La música del siglo XX

Blog de los teatros del canal

Análisis de los elementos esenciales y compositivos.

La investigación nos permite extraer elementos en los materiales analizados que aportan ideas para la composición de la nueva obra, tales como falta de centro tonal, polirritmia, marcación por tiempos, interpretación libre, relación acordica .

• Teoría: La teoría de la memoria colectiva y la resistencia cultural es fundamental para entender los alabaos como manifestaciones de identidad y supervivencia en el contexto del conflicto armado y la cultura afrocolombiana. Los alabaos no solo son canciones, sino vehículos de transmisión de historia y memoria.

• Categorías:

  • Identidad cultural: Cómo los alabaos reflejan y construyen la identidad afrocolombiana.

  • Resistencia: El papel de los alabaos en la resistencia frente al conflicto y la opresión.

  • Comunicación: La función de los alabaos como medio de comunicación y expresión en las comunidades del Pacífico.

• Conceptos:

  • Alabaos: Un canto tradicional asociado a rituales de duelo.

  • Oralitura: Prácticas culturales orales que transmiten conocimiento y tradición.

2. Autores

Presenta a los autores que han investigado sobre los alabaos y su contexto cultural:

• A. M. Pinilla Bahamón (2021): Su investigación explora la relación entre los alabaos y el conflicto armado en el Chocó, destacando su papel en la supervivencia cultural.

• E. L. Rey Velasco y P. A. Orejuela Bernal (2015): Analizan las expresiones musicales colombianas, incluyendo los alabaos, y su relevancia en la cultura local.

• S. Mena Mosquera y L. I. Rodríguez Concha (2022): Investigan diversas manifestaciones culturales en Lloró, enfocándose en los alabaos como elementos comunicativos.

• J. Farràs Marginedas (2019): Estudia cómo los alabaos reflejan identidad y resistencia en el Pacífico colombiano.

• L. Y. Quintana Cepeda (2020): Examina la transculturación desde la cuenca del Congo hasta la Costa Pacífica colombiana, resaltando la herencia africana en los alabaos.

3. Títulos de las Investigaciones

Enumera las investigaciones y su relevancia para tu trabajo:

• "Alabaos y conflicto armado en el Chocó: Noticias de supervivencia y reinvención" – Pinilla Bahamón.

• "Suite 'Seis Parábolas Cantadas a la colombiana'" – Rey Velasco y Orejuela Bernal.

• "Análisis de los alabaos, chigualos, romances y levantamiento de tumbas" – Mena Mosquera y Rodríguez Concha.

• "Cantos para la muerte: Los alabaos, identidad, cultura y resistencia en el Pacífico colombiano" – Farràs Marginedas.

• "Expresiones de la memoria y la oralitura" – Giraldo Arroyave.

4. Qué se pretende responder y/o lograr al hacer uso de los autores en cuestión

Al incorporar las investigaciones de estos autores, se pretende:

• Entender: Analizar cómo los alabaos funcionan como un medio de resistencia cultural en el contexto del conflicto armado en el Pacífico colombiano.

• Explorar: Investigar las dinámicas de identidad y memoria que se manifiestan a través de los alabaos, considerando su importancia en la vida comunitaria.

• Conectar: Relacionar las tradiciones orales con las prácticas contemporáneas, observando cómo han evolucionado y se han mantenido relevantes en la actualidad.

• Documentar: Contribuir a la preservación de la memoria cultural afrocolombiana mediante el estudio y la difusión de los alabaos.

1. Egberto Bermúdez

¿Qué es el vallenato?: Una aproximación musicológica”;este trabajo fue publicado en el año 2004 por la Universidad Nacional de Colombia. Este documento considera el vallenato (el género más popular de la música colombiana) como un legítimo objeto de análisis musicológico y tiene el ánimo de alejarse de las explicaciones exclusivamente contextuales, para darle un carácter más cercano al enfoque habitual entre antropólogos, etnógrafos, sociólogos, etnomusicólogos y especialistas en estudios culturales. Contribuye, además, con una caracterización de este género, realizada a partir del análisis de su música y de la información contextual existente sobre éste. Este escrito da información valiosa e interesante sobre la definición del vallenato y su contexto histórico y social, permitiendo aprovechar la bibliografía para poder indagar a mayor profundidad sobre el contexto social en el que nace y se desarrolla el vallenato.

2. Raúl Ernesto Ríos Vargas

   expone uno de los géneros a investigar, el paseo vallenato, los melotipos del bajo y las líneas melódicas que definen el género en el instrumento, tomando como referencias temas clásicos y modernos, dejando una serie de ejercicios para el buen abordaje didáctico del género y para llegar a su correcta ejecución, y anexando partituras y análisis musicales de temas emblemáticos como “La candelosa”, “El caballito”, “Esa”, “Muere una flor” y “Relicario de besos”. Este trabajo habla del formato de instrumentos que conforman este género y la función de cada instrumento dentro de él, además hace un aporte valioso para la conservación del vallenato y su rescate como expresión de una región.

   
   

3. Luis Guillermo González Hernández

   La monografía titulada "Análisis para la Interpretación del Bajo Eléctrico sobre 6 Obras del Binomio de Oro: Una Mirada al Proceso de Inclusión del Bajo Eléctrico en el Conjunto Vallenato y sus Grandes Exponentes", elaborada por Luis Guillermo González Hernández en 2015, profundiza en las diversas manifestaciones del bajo eléctrico en la música vallenata. Este estudio no solo presenta transcripciones de varias piezas emblemáticas del Binomio de Oro, como “La Candelosa” y “Colombia”, sino que también contextualiza históricamente el vallenato y detalla las líneas de bajo relevantes que han caracterizado el estilo del destacado bajista José Vázquez. La obra se erige como una valiosa herramienta para enriquecer la comprensión de la interpretación del bajo en este género musical.