¿Qué espero de esta clase?

Espero que la clase sea dinámica para poder entender de mejor manera cómo fue evolucionando el lenguaje cinematográfico.

¿Cuáles son mis objetivos personales?

Mis objetivos personales son encontrar nuevas películas y aprender de la manera en la que están hechas.

¿Qué sé/me gusta del cine?

En cuestión de historia me gusta ver la manera en las que la forma del cine fue evolucionando para aprender cómo los cineastas recurrieron a maneras innovadoras de resolver escenas con las limitaciones de su tiempo. De esta manera, siento que podemos aprender a ver el cine que se hace hoy en día. Lo que más me interesa en el cine es su forma, el montaje y la manera en la que diferentes películas usan este recurso.

Cualquier otra cosa que quieran compartir

• Improvisación

• Dramas psicológicos

• Filmación de Guerrilla

• Minimalista

• Grupo estable de actores y actrices

• Intimidad

• Énfasis en el desarrollo de personajes y en sus interrelaciones

• es considerado un pionero del cine independiente

• Escuela de cine de Nueva York

• Cine de autor

• Pioneros de la decolonización: reapropiación de la mirada

• Recuperación del propio espacio y de la propia imagen

• Afrique Sur Seine (1955) Paulin Soumanou Vieyra - primera película hecha por alguien de África

70s

• Un espejo social: revolucionarios en un continente que despertaba

• Búsqueda de algo más que una identidad fosilizada o una autenticidad restrictiva

• Baara (1979) Cissé

80s

• Desilusión de los independentistas, nuevas perspectivas para el cambio social y la visión del mundo

• Manifiesto en 1982 - aboga por la construcción de un industria cinematográfica que por la lucha antimperialista.

• Finye (1982) Souleymane Cissé

90s

• Crisis entre individualismo y la ilusión de identidad

• Jóvenes cineastas rechazan el término de "cineastas africanos"

• Bye Bye Africa (1999)

00s

• Viaje a lo humano

• Regresar a las raíces culturales como estética de un discurso moderno

• Cine de arte

• Películas históricas

• Cinema Du Look

Inglaterra

• Comedias británicas de horror excentricas

• Monty Python

España

• Comedia desbordada (Almodóvar)

• Revisión histórica postfranquismo (Saura)

Alemania

• Cine de reflexión filosófica (V. Shlandorff)

• Road movies oníricos (Wenders)

• Individuo vs naturaleza y oscuridad (Herzog)

• Exploración ideologica (Margaret Von Trotta)

• Experimenta películas - sensación > entretenimiento

• Combinación entre quietud de la pintura y movimiento en cine

• Puesta en escena, montaje, iluminación artificial.

Nuevo pictorialismo

• Herzog y Wenders

• No suele ser naturalista

• Experimentación óptica

Tradición literaria:

• Alexander Pushkin: Dramaturgo, padre de la literatura rusa

• Vladimir Propp: Académico

Académicos del teatro y Cine

• Jerzy Grotowski, Konstantin Stanislavski, Eisenstein, Kuleshov, Vertov

Nuevas olas:

• Checoslovquia

• Yugoslavia

Cinematografías menores:

• República democrática de Alemania

• Bulgaria

• Yugoslavia

Manifiesto: "Las dos mil palabras"

Luego de la primavera de praga el cine estuvo controlado financieramente y por "asesores literarios"

Migración de directores: Milos Forman, Jan Nenec, Ivan Passer, Jan Kadar.

• Vanguardia del cine de Europa del Este. Producción de entre 12 y 20 películas por año.

• 90s - Bela Tarr

• Tarkovsky. Solaris (1972), El espejo (1975) y Stalker (1979).

• Parajanov arrestado por homosexualidad, tráfico de arte robado e "incitación al suicidio"

Jóvenes cineastas dieron voz a los problemas de la existencia cotidiana.

Estilo:

• Poesía - consideraba que el cine era un arte muy parecido a la poesía

• El cine es personal - La película expresa sus sentimientos y visión de la vida del director.

• Original - Ninguna de sus tomas debe parecerse a algo que ya ha sido.

• Presión del tiempo - Esculpir el tiempo

Cinesasta más reconocido fue Ernest Shipman.

Canadian Pacific Railway (CPR)

1970s - Cine directo uno de los que lleva en la industria por la delantera y surge en películas como "Michael Rubbo's Waiting for Fidel".

00s - Canada ha invertido en la producción para hacer crecer a la industria. Surgieron diversos cineastas ganadores de premios como Xavier Dolan, Sarah Polley, etc.

• Cine político post 1968

• Experimental

• The Far Shore, de Joyce Waieland

• Melodrama

• Convenciones narrativas clásicas asimiladas políticamente temas y asuntos secundarios, especialmente en el ámbito político, el thriller y la comedia.

Cine Québécois

• 70s - 80s surge

• Cine en francés

Nueva Ola de Toronto

• Cine hablado en inglés

• Film departments at the University of Toronto

Atom Egoyan

En mi opinión la cualidad que le dan estas reglas es de algo mucho más verdadero que una producción más "cuidada". El hecho de que mucho de las actuaciones sea improvisación o que en muchas ocasiones se vea el boom le da una cualidad más "realista" haciendo que varios momentos de la cinta se potencien la incomodidad que tratan de transmitir.

Conceptos clave:

• Intensified Continuity​

• Post-Cinematic Affect​

• Post-Continuity​

• Sony comercializa el primer VCR Betamax para la visualización y grabación de vídeo en casa y JVC sigue rápidamente con VHS.​

• Philips comercializa el primer reproductor de video laserdisc.​

• Star Wars (1977) de Lucas y Close Encounters of the Third Kind (1977) de Spielberg se estrenan y son éxitos irrumpiendo en un nuevo territorio de efectos especiales.​

80s y 90s:

• Se introducen sistemas de edición no lineal basados en computadora y en pocos años dominan la postproducción. Del mismo modo, los medios digitales para la grabación y el procesamiento de sonido se convierten rápidamente en la norma.​

00s:

• Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones (2002) de Lucasfilm se estrena en más de 94 salas de cine digital de todo el mundo. La primera película filmada completamente en digital, en alta definición progresiva digital de 24 cuadros. ​

• O Brother, Where Art Thou? (2000, Coen Brothers), Fotografiada por Roger Deakins fue la primera película en ser coloreada completamente digital por la empresa Cinesite con el fin de lograr esos tonos marrones / ocres.​
  

​

• Bajo contraste en colores y luces​

• Montaje con cortes más rápidos​

• Movimientos de cámara más vertiginosos​

• Soundtracks más estridentes​

• Composición pensada para el formato del televisor  (4:3)​

• Edición con base en código de tiempo, no en cuadros​

El cine digital ha reemplazado en gran medida al celuloide en la producción, distribución y exhibición.​

Los medios digitales permiten la exploración de nuevas texturas, estilos y efectos visuales.​

La digitalización facilita la recuperación y preservación del legado cinematográfico analógico.​

Producción: Más barata, más accesible y más versátil.

Distribución: Copias más baratas y un intercambio de archivos más fácil.​

Exposición: Proyectores más modernos.​

Los smartphones y tabletas facilitan el acceso al cine digital en cualquier lugar.

Las salas de cine tradicionales compiten con las experiencias de visualización domésticas.​

70s

Al inicio  de los 70s, el gobierno Australiano intenta crear un establecimiento de una identidad nacional, se funda Australian Film Development Corporation. Con la llegada del nuevo cine australiano se funda The Australian Film and Television School.​

80s

Para finales de los 80s el cine australiano se había vuelto internacional, altamente dependiente de estrellas internacionales, como Meryl Streep en Evil Angels (1990). En 1988, la agencia de apoyo, Film Finance Corp. (FFC) conecta los fondos a una mejor viabilidad comercial. Esto revive la época dorada de los 70s.​

Peter Weir

George Miller

En 1996, un partido político Liberal-Nacional llega al gobierno y corta el presupuesto de la FFC. ​

Se importan más filmes americanos independientes, la competencia incrementa. Y para finales de los 90s ningún filme tuvo éxito como Shine (1996). ​

Se financia Oscar y Lucinda (1997) dirigida por Gillian Amstrong. Sin embargo, se convierte en una falla cara que hace ver los subsidios del gobierno como injustificables. ​

La secuela Babe: Pig in the City (1998) es producida por Kennedy-Miller financiada por Universal. Sin embargo, esta también falla y la producción local cae. ​

1998, 20th Century Fox abre Fox Studios Australia en Sídney. ​

Se filman porciones de Matrix y Star Wars en Fox.​

Para la década de los 80's se logra establecer un nivel de producción más o menos bajo.​

Para finales de los 90’s el país depende económicamente de la producción, cineastas y otro tipo de talentos empleados en proyectos extranjeros.​

En 1978 el gobierno establece la New Zealand Film Commission, la cual comienza a apoyar a los realizadores en el desarrollo de sus proyectos.​

Jane Campion

Peter Jackson

Taika Waititi

Tamahori

Un colectivo/movimiento de directores de cine que comenzó en Dinamarca pero se extendió a otros países​

​
A ellos se unió el rechazo a ciertas tendencias del cine contemporáneo (de las “nuevas olas”):​

• Al individualismo ​

• A la idea de autor​

• Cine aburguesado​

• Rechazo de la previsibilidad del cine industrial​

• Rechazo de lo ilusorio​

• Un cine hueco y estéril​

• La tecnología como democratización

• "Por primera vez, cualquiera puede hacer cine" (democratización).​

• Pero era necesaria la disciplina
  

​
Hoy se desata una tormenta tecnológica, cuyo resultado será la democratización definitiva del cine. Por primera vez, cualquiera puede hacer películas. Pero cuanto más accesible se vuelve el medio, más importante es la vanguardia. No es casualidad que la frase "vanguardia" tenga connotaciones militares. La disciplina es la respuesta... debemos poner nuestras películas en uniforme, ¡porque la película individual será decadente por definición!​
La tarea "suprema" de los cineastas decadentes es engañar a la audiencia. ¿Es de eso de lo que estamos tan orgullosos? ¿Es eso lo que nos han traído los "100 años"? Ilusiones a través de las cuales se pueden comunicar emociones?... ¿Por la libre elección de engaño del artista individual?​

​
La previsibilidad (dramaturgia) se ha convertido en el becerro de oro alrededor del cual bailamos. Que la vida interior de los personajes justifique la trama es demasiado complicado, y no es "arte superior". Como nunca antes, la acción superficial y la película superficial están recibiendo todos los elogios.​
​

2. El sonido nunca debe producirse aparte de las imágenes o viceversa.

3. La cámara debe ser de mano. Se permite cualquier movimiento o inmovilidad alcanzable en la mano.​
4. La película debe estar en color. La iluminación especial no es aceptable.

5. El trabajo óptico y los filtros están prohibidos​
6. La película no debe contener acciones superficiales.

7. Se prohíbe la enajenación temporal y geográfica.

8. Las películas de género no son aceptable

9. El formato de la película debe ser en 35 mm

10. El director no debe ser acreditado​

• En 1998, El presupuesto medio de una película era de casi 53 millones de dólares​

• Sistema de estrellas: Arnold Schwarzenegger, Tom Cruise, Sylvester Stallone, Mel Gibson, Eddie Murphy, Kevin Costner, Harrison Ford, Robin Williams, Jim Carrey, Demi Moore, Julia Roberts

• La renta y compra de películas en vídeo eran un gran negocio, mucho mayor que la venta de boletos de cine

• Para1992, la televisión abierta empezaba a perder muchos espectadores en favor de los canales por cable​

• A finales de los 80 y en los 90 se producía el mismo número de películas que en la Edad de Oro de Hollywood (450-500), el 40%) iban directamente a vídeo (laserdisc o DVD) o cable. 

• Películas europeas​

• Terror de bajo presupuesto​

• Pesadilla en la calle del infierno (1984​

• Las Tortugas Ninja (1990)​

• Magnolia (1999)​

Miramax

• Fundada en 1979 por Bob y Harvey  Weinstein.​

• Cinema Paradiso (1988) - distribución​

• Perros de Reserva (1992)​

• El piano (1993)​

• Pulp Fiction (1994)​: Financiada por Miramax con un presupuesto de 8 millones de dólares, pequeño para cualquier estándar de gran estudio recuperó 213.9 mdd​
  Comenzó una especie de fórmula para el éxito indie en esa época de grandes estrellas tomando papeles inusuales y estética de mentalidad independiente.​
  Con excelentes críticas, hizo un montón de dinero.​
  Llevando todo al siguiente nivel ​

• El paciente inglés (1996)​

• Good Will Hunting (1997)​

• Shakespeare in Love (1998)​

• La vida es bella (1998)​

• Gangs of New York (2002)​

​
Lo mismo sucedió con la música como​
música underground y grunch.​

​
Las películas y la música comenzaron a aprovechar el ingreso disponible de un público más joven. Las películas comenzaron a centrarse en los jóvenes.​

The Cult of Personality: Esto se creó alrededor de los directores, especialmente los directores escritores. Hicieron elecciones temáticas y estilísticas audaces que hicieron que fuera más fácil notar un sello personal en su trabajo.​
​

Arty Indies

• Bajo costo​

• Avant-garde​

• Cine dse autor​

• Influencia europea​

• Hal Hartley​

• Jim Jarmusch​

• David Lynch​

• $60,000​

• $248,639,099​

Si películas de tan baja calidad podían llegar a los cines, esto daba el  mensaje de que cualquiera podía hacer cine: “la era de los  independientes”.​

Sofía Coppola: Lost in Translation, Sutil exploración de la soledad y la conexión humana a través de la lente de una relación platónica entre dos personas perdidas en una ciudad que no entienden. Coppola crea una atmósfera de ensueño que refleja el estado emocional de los personajes. La narrativa minimalista resalta la alienación que experimentan los protagonistas, mientras que el humor sutil y la ternura en las interacciones entre ellos añaden una capa de calidez y humanidad a la historia. ​

Bajo el gobierno de Fernando Marcos y su esposa Imelda (1965-1986) la producción aumentó, estabilizándose en unos 150 largometrajes al año a mediados de la década de 1970.  ​

• Star system​

• Géneros: musicales (zarzuela), melodrama, erotismo soft (bomba)​

• Fuerte censura y control por parte del gobierno​

• Filipinas: 150 películas al año​

• Declive hacia los años 2000

El “nuevo” cine filipino ​

• Lino Brocka​

• Mike De Leon​

• Ishmal Bernal​

• Eddie Romero​

• Marilou Diaz-Abaya​

Películas:

Películas​

• Speck in the Water (1976), Ishmal Bernal​

• We Were Like this Yesterday, How is it Today (1976), Eddie Romero​

• Black (1977), Mike De Leon

Gracias al VHS la ndustria se expandió pero Hong Kong se hizo un competidor director ya que se introdujo mucho en Taiwan.

En Taiwan se produce In Our Time (1982) una película que buscaba reforzar el cine Taiwanes, haciendo un filme compuesto por cuatro historias diferetnes, dirigidas por un director distinto. Edward Yang, Tao De - chen, Ke I-jheng y Jhan. Así da inicio a la nueva ola.

Narrativas de la dificultad del individuo para adaptarse a la nueva sociedad y economía.

Influencia estilística en el Neorrealismo italiano.

Rechazo hacia la estética y narrativa de Hollywood.

Películas y autores:

• In our Time (1982), Edward Yang, Tao

• The Dull Ice Flower (1989), Yang Li-Kuo, De - chen, Ke I-jheng y Jhan.

• Dust in the Wind (1985), Hou Hsiao-Hsien

• A City of Sadness (1989), Hou Hsiao-Hsien

Producciones menos serias, y más enfocadas al entretenimiento, ahora con una mayor aceptación al retrato de una nueva sociedad urbanizada, aun con carácter documental.

Se busca retratar las nuevas perspectivas taiwanesas, como Tsai Ming-Liang, muestra las diversas vidas de jóvenes taiwaneses en sus filmes, como en Vive L'amor (1994), o Rebels of the Neon God (1992).

A nivel internacional, el director Ang Lee ha sido el más reconocido, ya que filmó algunas películas en el extranjero y trajo de nuevo el género Wuxia con Wo hu cang long (2000)

10 nominaciones al Oscar y es la tercera película de habla no inglesa en recibir una nominación simultánea en las categorías de Mejor película y Mejor película extranjera siendo la anterior La vida es bella en 1998

Películas y autores:

Rebels of the Neon God (1992), Tsai Ming-liang

Yiyi (2000), Edward Yang

Wo hu cong long (2000) Ang Lee

Vive L'Amour (1994), Tsai Ming liang

• Pak Kwang-soo​

• Yi Kwangmo​

• Kim Sangjin​

• Hang Sang-soo​

Temáticas:

• Religioso

• Tradiciones

• Crítico

• Consciencia Histórica

• Erotismo

• Pérdida de la masculinidad

• Acción

• Suspenso

Directores destacados:

• Kim Ki Duk

• Park Chang Wook

• Bong Joon Ho

• Kim Bora

Películas que destacan:

• Joint Security Area

• Trilogía de la Venganza

• Spring, Summer, Fall, Winter and Spring

• Memories of a murder

• The Host

• Ode to my father

• House of Hummingbird

Narrativas:

60s: Acción a partir de la intriga, mascaradas, edición rápida

70s: Edición y trucos de cámara a favor del espectáculo del arte marcial

80s: Personalidades heroicas, énfasis en las emociones y el rol de la mujer

90s: Ritmo rápido

La Nueva Ola de Hong Kong​

• Ann Hui​

• The Secret (1979)​

• The Story of Woo Viet (1981)​

• Shu Kei​

• Tsui Hark​

Directores destacados:

• Ann Hui

• Mabel Cheung

• Johnnie To

• Wong Kar Wai

• Peter Chan

Películas destacadas:

A Better Tomorrow

An Autumn's Tale

Song of the Exile

Comrades: Almost a Love Story

In the Mood For Love

• Considerado como el más importante de la era moderna​

​

• Antiguo guionista de telenovelas​

​

• Exuberancia visual​

John Woo

• A Better Tomorrow

• The Killer

Bruce Lee / Raymond Chow​

• Raymond Chow​

• Fist of Fury ( a ka The Chinese Connection, 1 9 72)​

• The Way of the D ragon ( aka The Return of the D ragon, 1 972) ​

• Bruceploitation: Bruce Le, Leh,  Li

Rebels of the Neon God- Tsai Ming Liang Yang - Taiwán​

• Historia de un grupo de jóvenes y sus desencuentros​

• Desencanto, crimen, violencia​

• Sexo desapasionado​

• Conflictos generacionales​

• Falta de oportunidades para los jóvenes, presión de la vida moderna​

The Terrorizers Edward Yang - Taiwán

• Historias cruzadas, interconectadas: uma fotógrafa, una novelista y su esposo doctor​

• La soledad de la vida urbana, personajes a la deriva​

• Postmodernismo​

• La mirada, lo voyeour y la fotografia​

• La paradoja​

Oldboy – Park Chan Wook - Corea​

• Un hombre vive secuestrado durante años y logra regressar al mundo​

• Trilogía de la venganza​

• Las profundidades de la decadência humana​

• Tortura psicológica​

• Basada en un manga japonés​

Fallen Angels – Wong Kar Wai – Hong Kong

• Trama convulsa, no lineal, ambigüedades narrativas​

• Estilo etéreo​

• Tramas cruzadas​

• Cámara en mano, volátil​

​In the Mood for Love– Wong Kar Wai – Hong Kong

• Historia de dos personajes cuyas parejas les son infieles​

• Trama rompecabezas​

• Sutileza narrativa​

• Trama contada a través del vestuario, los escenarios, la música

​

Industrias Nacionales

Egipto, Irán y Turquía: grandes industrias.

• Algunos cineastas se adhierieron a principios del Tercer Cine.

• Influencia del "cine de arte" de occidente

• Nuevo cine sirio y Festival de Damasco (bianual) en los 70

• Líbano - industria estable antes de la guerra civil en 1975

• Baja producción de mediados a finales de los 90

• Autores reconocidos buscaron coproducciones europeas

• Irán se mantuvo con alta producción y ganó reconocimiento mundial

Otras industrias

A principios de la década de 1970, Siria contaba con una sólida industria, que enviaba películas a Líbano, Kuwait y Jordania.​

​

Se creó un "nuevo cine sirio" de protesta social y el Festival de Cine de Damasco, que exhibía películas del Tercer Mundo.​

​

Líbano también tenía una importante industria cinematográfica antes del estallido de la guerra civil en 1975, que obligó a cineastas a emigrar.

Cairo - Hollywood árabe hasta declive en los 70

Exilio e industria inestable durante los 80

Mercado conquistado por EUA.

Youssef Chahine - director más destacado

• The Sparrow (1973)

• Memory (1982)

• The Emigrant (1994)

• Premio por su trayectoria en Cannes en 1997.

  Caída en los 90: de 53 películas producidas en 1993 a tan solo 16 en 1997

  Sho'aa - nuevas propuestas y directores

  Said Hamed

• An Upper Egyptian at AUC (1998)

• Hammam in Amsterdam (1999)

• Recuperación en 1999 - nueve de las películas más taquilleras del año fueron películas nacionales.

• Youssef Chahine, el más representativo​

• The Sparrow (1973)​

• Alexandria, Why? (1978)​

• The Emigrant (1994)​

• Cine político, revisionista

  1993: Sho'aa ( Cultural Media Company)​

  Nuevos talentos​

  Fórmula: “pez fuera del agua” (personajes inadaptados en contextos extraños)​

  Said Hamed - Upper Egyptian at AUC (1998),

• Primos​

• Productores de cine​

• Musicales​

• Espías​

• Melodramas​

• Romances étnicos (bourekas)​

• Dueños de cadenas de cines​

• Creadores de la industria cinematográfica de Israel​

• Distribuidores de películas de EU en Israel

New Sensibility

• Búsqueda de otras alternativas:​

• Cine psicológico​

• Problemas de la clase media​

• Cine político​

• Apoyo estatal (Ministerio de Educación y Cultura) 1979​

• Filmes personales​

• Bajo presupuesto​

• Producción de 15 películas al año (aprox.)​

• El cine más occidentalizado, modernista, búsqueda estética​

• Coproducciones con Europa​

• Películas habladas en inglés

• Hide and Seek (1980), Dan Wolman​

• Transit (1980), Daniel Wachsmann​

• Lemon Popsicle (1978) Moshe Mizrahi – lanzamiento internacional​

• Beyond the Walls (1984), Uri Barbash – Producción de la Warner Bros.​

• Devarin (1995), Amos Gitai​

• Kadush (1991), Gitai – Festival de Cannes

Cannon Pictures​

• Adquirida por Golan y Globus en 1979​

• Producciones variopintas en USA​

• Desde Oscares a cine B​

• Cobra - Sylvester Stallone​

• Charles Bronson​

• Chuck Norris​

• Ninjas​

• Cassavetes, Godard, Altman​

• Producciones en Israel

Estudió arquitectura​

Documentales y ficción​

Filmó en Europa​

Primer director israelí en competir en Cannes​

Constantes conflictos con el gobierno, censura​

Sigue en activo​

​

Kadush (1999) ​

Kippur (2000 )​

Disengagement (2007)

Yilmaz Guney

• Umut (Hope), 1970​

• Yol (The Way), 1982 – Palma de Oro​

• Kurdo​

• Convicciones de izquierda​

• Persecusión política​

• Sentencia de 24 años de prisión​

• A su muerte el gobierno intentó quemar todas sus películas y fotos ​

Nuri Bilge Ceylan

• Cine contemplativo y poético

• Festival de Cannes

• - Grand Prix (2003 y 2001)

• - FIPRESCI (2006)

• Mejor dirección (2008)

• Palma de Oro (2014)

Turksploitation

• Subgénero de remakes de explotación que se aprovecha de las películas americanas ​

• En su mayoría adaptaciones no autorizadas de bajo presupuesto con imitaciones de películas populares, música de diversas fuentes y argumentos descabellados, referencias involuntarias, malas actuaciones y efectos especiales de mala calidad

Nuevo cine iraní​

Gav (1970) Dariush Mehrj ui​

Creación del New Film Group, con financiamiento del gobierno​

Crítica social​

en 1980: 28 películas​

The Cycle (1976) Mehrj ui ​

Tall Shadows of the Wind (1978) Bahman Farmanara​

Después de la revolución: el Ayatollah​

Éxodo de cineastas​

Baja de producción: solo 100 películas producidas entre 1979 y 1985​

Ampliación de la censura a temas sexuales y a influencias occidentales​

Prohibición de cine extranjero, especialmente de EUA​

Fomento a películas que impulsaban el Shi'ismo​

Creación de la Farabi Cinema Foundation (FCF) en 1983

Renacimiento cinematográfico​

Libertad creativa de la unidad de Children and Young Adults de la FCE​

Cine personal, imaginativo e íntimo, a pesar de las restricciones del gobierno Ayatollah​

Cine para niños y jóvenes como opción para aludir a temas políticos y trascendentales.

Abbas Kiarostami​

• El cineasta más importante de Irán​

• La trilogía Koker​

• Where Is the Friend's Home? (1987)​

• Life, and Nothing More... (1992)​

• Through the Olive Trees (1994)​

• Narrativa desdramatizada​

• Reflexividad​

Otros autores relevantes

El globo blanco (1995) Jafar Panahi​

El espejo (1997) Jafar Panahi​

​

Para 2001: 87 películas

Cine en Asia​

• 2,000 películas al año (1970-80s)​

• Películas para producción local​

• Potencias: India y Japón​

• En surgimiento: Honk Kong, Pakistán, Filipinas, Taiwan  y Corea del Sur​

​

• Baja en el número de asistentes al cine: de 1.2 mil  millones en 1958 a 200 en 1972​

• Llegada del video​

• Recorte a 350 películas al año​

  Grandes estudios: Toei, Toho y Shochiku​

• Sagas interminables: Godzilla y Tora-San​

• Géneros más rentables​

• Artes marciales​

• Yakuza (gángsteres)​

• Ciencia ficción (inspirados por Star Wars)​

• Desastre​

• Roman porno (soft-core)​

• Tora San​

Cine independiente:

• Debilitación de los estudios​

• Art Theater Guild (ATG), 1961​

• Directores de la Nueva ola​

• Compañías fundadas por:​

• Tiendas departamentales​

• Compañías televisivas​

• Editoriales​

• Directores autores financiados tanto por estudios como por productoras  independientes​

• Directores de alto presupuesto pasaron a ser financiados​

internacionalmente​

• Directores nacidos en la década de los 60​

• Incursionamiento a finales de los 70 e inicios de los 80​

• Experiencia con autores como Kurosawa, Imamura y Oshima​

• 1 película cada 4 o 5 años​

• Trabajo rápido y barato​

• Críticos de la modernidad política​

• Rebeldía y vulgaridad anárquica​

• Inspirados por el manga violento y el heavy-metal​

• Apoyados por la ATG y algunos estudios grandes​

• Ataque a los estereotipos de armonía y prosperidad japonesa​

La tradición punk-cyberpunk​

• Tetsuo (1989) de Shinya  Tsukamoto

• Crazy Thunder Road (1980)  Sogo It​

• El juego de la familia (1983)  Yishimitsu Morita​

• Akira (1987) de Katsushiro  Otomo​

ANIME:

• Animaciones de ciencia ficción y fantasía​

• Derivado del manga​

• Robots, astronautas y adolescentes superheroicos​

• Bajos presupuestos​

• Grandes éxitos en taquilla​

• Altamente rentable fuera del país​

Solarpunk

Género y movimiento especulativo y emergente dentro de la ciencia ficción, el diseño y el ecologismo que imagina un futuro más optimista y sostenible. ​

A menudo se considera una respuesta a los temas distópicos y apocalípticos que prevalecen en muchas obras de ciencia ficción. ​

El solarpunk se centra en las soluciones, las energías renovables y las tecnologías ecológicas, al tiempo que subraya la importancia de la comunidad, la naturaleza y la diversidad cultural. ​

• Ardua competencia contra el cine norteamericano.​

• Finales de los 80s: sólo un tercio de los lanzamientos son japoneses.​

• Japón reemplaza a G.B. como el mercado más rentable para Hollywood.​

• 1993: Time Warner inaugura una cadena de salas multiplex.​

• Toei, Toho y Shochiku crearían sus propias salas eventualmente.

Los 90s​

• Recesión económica​

• Los grandes estudios están estancados​

• Mantuvieron sus ganancias en taquilla​

• Control de los medios de distribución​

• Forzar a los empleados a comprar entradas​

• Los cineastas independientes comienzan a ganar premios en festivales y  distribución internacional​

Jóvenes directores​

• Inician con películas estudiantiles de 8 mm.​

• Ganan notoriedad y ovación en la escena internacional.​

• Géneros y temas variados:​

• Romance​

• Acción​

• Horror​

• Fantasía​

• Distopía​

• LGBTQ+​

• Comedia/sátira​

Takeshi Kitano a.k.a. “Beat” Takeshi​

• Director, actor y comediante de TV.​

• El “Martin Scorsese” de Japón​

• El director más relevante de los 90​

• Películas de mafia y policía (yakuza)​

• Surgió en los 70s actuando en Two Beat.​

• Debut con Violent Cop en (1989)​

• “El segundo Akira Kurosawa”​

Takeshi Kitano - el auge de los  90​

• Boiling Point (1990)​

• Sonatine (1993)​

• Kids Return (1996)​

• Brother (2000)​

Más de los 90s​

• Ringu (1998) de Hideo  Nakata​

• La princesa Mononoke  (1997) de Hayao Miyazaki​

• Mi vecino Totoro (1988) de  Hayao Miyazaki

Películas:

• Maborosi (1995)​

• Afterlife (1998)​

• I Wish (2001)​

• Nobody Knows (2004)​

• Still Walking (2008)​

• After the Storm (2016)​

• Shoplifters (2018) - Palma de Oro en Cannes​

• El primer trabajo que tuvo fue de Script Girl.​

• Trabajo para Mizoguchi como:​

• Asistente de director​

• Editora​

• Editora de continuidad​

• Editora de libreto​

• Directora de arte​

• A los 32 años hizo su primera película como directora: New Clothing (1936).​

• También fue la primera directora en documentales grabando la invasión de Japón en Manchuria haciendo  propaganda a esa área.​

• Fue excluida de su profesión de directora y tuvo que empezar desde cero como asistente a la edad de 42 años.​

• Después de ella no hubo más películas hechas por mujeres.​

Kinuyo Tanaka 1909 - 1977

• También se le conoce por su trabajo como actriz teniendo más de 250  películas.​

• Fue actriz en varias películas de Kenji Mizoguchi and Yasujirō Ozu.​

• Desafortunadamente en 1950 muchos movimientos sacaron a las  mujeres de papeles importantes en la industria cinematográfica  japonesa.​

• Su primera película fue Love Letter (1953).​

• Festival Cannes 1954​

• Como directora mostró un lado individualista y feminista, como es el caso  de:​

• The Moon has risen que toca temas feministas.​

Naomi Kawase 1969 - ​

• Se gradua en 1989 de la escuela de fotografía en Osaka​

• Comenzó su carrera haciendo documentales y filmes experimentales.​

• Interés en lo autobiográfico​

• Sus primeras películas se centraron en su infancia e historia familiar.​

• Embracing (1992), una autobiografía de su vida turbulenta.​

• Sus películas son poéticas y plantean preguntas sobre la naturaleza, la familia y la  existencia humana​

• Ganó varios premios en festivales de cine.​

• En 2007 termina The mourning forest, aunque la trama ya no es de su vida, toma pedazos de  esta.​

• Su estilo, definido por ella es “darle ficción a la no ficción” en la sociedad japonesa, dejando una  huella de estilo cinematográfico audaz y reflexivo.​

​
El cine es su principal forma de cultura popular en la India 3 características sociopolíticas principales:​

​
- El hindi como lengua nacional oficial apelando a una cultura compartida a pesar de las diferencias sociales dentro del condado→ nacionalismo​
- no hablar con un solo grupo religioso, idioma, área geográfica o casta​
Las estrellas, más que las tramas, fueron a menudo la fuerza impulsora detrás de las películas.​
- La música y la danza como estrategia para unificar el país, sin tener en cuenta los problemas sociales dentro del país.​

​
1930-1940: Nacionalismo y colonia británica.​
1947: País alegre independiente​

El mercado internacional de películas indias se expandió durante la década de 1970, atrayendo al público en Rusia, el Golfo Pérsico e Indonesia. Dentro del país, las estrellas de cine se convirtieron en representantes parlamentarios e incluso en jefes de estado.

RAJA HARISCHANDRA (1913), de Dhandiraj Govindraj Phalke, fundadora de la industria (el padre del cine indio)​

Phalke, fundó el primer estudio y formó a varios jóvenes cineastas ​

Durante la Era Silenciosa (1896 - 1930) se rodaron en la India más de mil películas; sin embargo, sólo sobreviven diez de ellas, ahora restauradas y conservadas en los archivos de Pune​

"Indians must see Indian movies on the Indian Silver screen’​

Phalke​

Las películas de la Era silente nunca se veían en silencio. Varias películas  acompañaban de piano, violín, armonio, tablas y otros instrumentos.​

La primera película hablada (1931) fue «Alam Ara» (La luz del mundo), de Ardeshir Irani​

El indostaní fue elegido entre las catorce lenguas oficiales para ser la lingua franca del cine indio .​

Las canciones de esta película se convirtieron inmediatamente en un éxito​

A partir de entonces, las canciones y los bailes se convirtieron en parte integrante del cine popular indio, un género que evolucionó a partir del teatro parsi urdu​

La creación de los grandes estudios de Madrás, Calcuta, Lahore, Bombay y Pune en la década de 1930 fue un paso crucial en el desarrollo de una industria cinematográfica india. ​

La producción cinematográfica y desempeñó un papel esencial en la promoción de la integración nacional.​

Los estudios experimentaron con diferentes historias y temas, desarrollando cada uno su propio estilo cinematográfico.​

Después de la guerra el sistema de estudios de cayó creando una nueva generación de cineastas freelance​

​El cine de oro:

1950s: Los cineastas crearon obras de autor bajo la visión de Mahatma Gandhi de una nación nuevamente independiente​

Muchos poetas y escritores urdu colaboraron con los cineastas con la esperanza de crear un cine que tuviera relevancia social.​

1950 y principios de los 60 fueron líricos y poderosos y trataron temas como la explotación de los pobres por los ricos terratenientes (DO BIGHA ZAMEEN, 1953), la importancia del sacrificio y el honor (MOTHER INDIA), la supervivencia en la gran ciudad (BOOT POLISH, 1954), el papel cambiante de la mujer (Mr. and Mrs.55, 1955), la moralidad urbana frente a la rural (SHREE 420, 1955), la naturaleza frente a la crianza (NUTRITION, 1955), la pobreza (MOTHER INDIA, 1954), la explotación de los pobres por los ricos terratenientes (DO BIGHA ZAMEEN, 1953). ​

​
El cine paralelo, inspirado en el neorrealismo italiano y el cine checo, estuvo a la vanguardia de la tendencia,.​

​
Se destaca por su tono serio, el realismo y el naturalismo, los aspectos simbólicos con una mirada cercana al contexto sociopolítico de la época y el rechazo de las rutinas convencionales de baile y canción que se encuentran en las películas indias convencionales.​
​

En el contexto indio, los términos se utilizan de forma bastante imprecisa para describir el estilo deliberadamente realista y no comercial de hacer cine, que a veces experimenta con la forma y el contenido. ​

​

Tiene sus raíces en el teatro IPTA, la novela realista y el cine europeo (especialmente el ruso, el francés y el italiano). ​

Cine de bajo presupuesto​

​

Cine de arte, búsqueda de calidad​

​

Cone politico, social​

​

Narrativas modernistas (brechtianismo, romper la 4ta pared, reflexividad)​

​

Producido por la Film Finance Corporation (gobierno) sobre todo con base en préstamos​

​

Mrinal Sen, figura central (Bhuvan Shome, 1969)​

​

Falta de distribución y exhibición, censura ​

​

Llegó a su fin hacia 1975: “ejercicios de autoindulgencia”​
​

Sucesora de la FFC​

​Monopolio de importación y equipo​

Concursos de guinoismo​

​Promoción internacional del cine ​

​Cofinanciamiento​

​200 pelìculas al año (aprox)​

​Egresados del Pune Film Institute​

​Películas para televisión​

La segunda nueva ola

Un renacimiento del espíritu de la nueva ola , con ayuda de: ​

​NFDC​

​Doordarshan (TV)​

​empresas de televisión extranjeras ​

​como el canal cuatro de Gran Bretaña​

​financiadores privados. ​

90s: Coproducciones y directores  internacionales​

Producciòn masiva sostenida (800 al año)​

​Auge de pelìculas habladas en otros idiomas (regionales)​

​Apertura a nuevos mercados​

​Mira Nair como figura central​

​Kapur “En la India no hay salvaciòn fuera del cine commercial”​

​Mani Rathnam – Tamil cinema – Bombay, 1994​

​Sensacionalismo político​

​

Se produjeron varias películas nuevas que sacaron a la luz el hecho de que el cine indio podría ser significativo y, sin embargo, tener éxito comercial. ​

​
La década de 2000 vio un crecimiento en la popularidad del cine indio en todo el mundo. Después de mucho tiempo, las películas indias convencionales parecían haber captado la atención de los mercados internacionales. ​

​

Los nuevos canales de distribución han hecho possible la distribución comercial de películas indias en el extranjero, que tiene demanda en más de 90 países fuera del suyo. Plataformas de streaming: Netflix Visita india digital media​
​

3000 películas producidas en 2009​

Estética colorida- Las películas de Bollywood son conocidas por sus trajes exagerados, maquillaje y colores de neón, especialmente las mujeres. Las mujeres en las películas de Bollywood están impecablemente vestidas con saris tradicionales, joyas pesadas y abundantes cantidades de maquillaje.​

Se espera que los ingresos muestren una tasa de crecimiento anual (CAGR 2024-2029) del 5,50%, lo que se traducirá en un volumen de mercado previsto de 6.050 millones de dólares en 2029. ​

En el mercado del cine, se espera que el número de espectadores ascienda a 653,2 millones de usuarios en 2029. ​

La penetración de usuarios será del 38,7% en 2024 y se espera que alcance el 43,5% en 2029. ​

Los ingresos medios por espectador ascenderán a 8,31 dólares. ​

En comparación global, la mayor parte de los ingresos se generarán en Estados Unidos (20.980,00 millones de dólares en 2024). ​

• Apogeo (perfección estilística y temática)​

• Deconstrucción (forzar los límites artísticos, técnicos e introducir otras formas de expresión y medios)​

​

El/la espectador/a reclama la posibilidad de:​

• Reproducir​

• Detener​

• Pausar​

• Adelantar​

• Regresar​

• La duración​

• El ritmo​

• La estructura​

Las 4 tiranías del cine:

1. El texto

• Como eje central del relato​

• Un cine que se crea desde la palabra, no desde la imagen

2. El marco de la pantalla

• Como extensión de la pintura​

• Un cine que se concibe desde la televisión

3. Los/as actores/actrices​

• Como culto a la personalidad y eje de la producción​

• Explotar el verdadero potencial de los actores y actrices

4. La cámara

• Como instrumento principal de representación cinematográfica​

• Dejar de pensar al cine como imitación

el proceso comunicativo tradicional.​

​

ORGANIZACIÓN DE INFORMACIÓN​

textual, gráfica y sonora a través de vínculos que​

asocian la información relacionada, que no  necesariamente proviene del mismo origen.​

​

NO-LINEALIDAD​

en visualización de múltiples secuencias de audio y​

video.​

SE CENTRA EN MODELOS DE INTERACTIVIDAD​

para vincular, fragmentar, combinar y visualizar la  información.

Características​:

FRAGMENTACIÓN​

de cuerpos de información.​

VINCULACIÓN​

entre fragmentos y documentos.​

FINALIZACIÓN​

del documento hasta cierto punto y abierto a  crecimiento.​

LOS MEDIOS SE CONVIERTEN​

en proyectos atemporales y en un conjunto de  procesos con los que se puede interactuar.​​

Comunicación hipermedia por medio de imágenes.​

Realización de secuencias de video hipervínculadas.​

Los videos superan la concepción lineal tradicional,  adoptan el papel de índice de información  organizada a través de un programa.​

Es un medio que crea diferentes experiencias  con la computadora manteniendo la tradición  cinematográfica.​

Imágenes captadas y manipuladas  en computadora.​

1. Se pueden proyectar tanto en pantalla  grande como en computadora.​

2. Las imágenes son trabajadas durante  la filmación y/o edición.​

3. Se presentan en un formato  cinematográfico tradicional.​

Experiencias con imágenes y sonidos  trabajadas en computadora que al  proyectarse extienden la posibilidad de  interactividad.​

1. Red de posibilidades de montaje de  distintas tramas.​

2. Innumerables secuencias  interconectadas.​

Reacomodar fragmentos de una o varias  obras a través del montaje para crear  una nueva narrativa​

​

1. Repensar las películas ya realizadas.​

2. Propone una mirada diferente de una  película.​

Niveles de  interacción​

Permiten modificar el orden y  estructura de la narración, así como  el contenido o mensaje del texto.​

1. El usuario no es parte de la narración y sus  acciones solo exploran, no afectan a la historia.​

2. El usuario sigue fuera de la narración pero  dirige el orden en el que se presenta el contenido.​

3. El usuario es el protagonista y tiene posibilidad  de explorar diferentes acciones dentro de  situaciones predefinidas.

4. El usuario crea la historia en tiempo real y  existe totalmente dentro de la narración.

Problemáticas posibles

1. La interactividad  crea contenido  sobrante​ -> costos elevados

2. El sistema de  navegación no debe  ser ni muy complejo ni  muy simple.​

3. Entre más compleja sea  la trama, menos control  tiene el director de hacer  una historia bien  construida.

4. Los usuarios deben  estar activos para  poder tomar  decisiones y  progresar.​

​

Una imagen continuamente recalculada​

Dimensión afectiva, emotiva, psicológica

Se diluye la separación psicológica entre el espacio que ocupamos y el que se nos da a ver​

La composición depende del trasladarse, de navegar por el espacio digital ​

Ea usuaria o el usuario son operadoras(es) de su propia visión-cámara​

Un lenguaje híbrido entre el cinematográfico y el de los videojuegos​

La programación como una rama de la cinematografía​

Cuestionarse qué significa estar presente​

En los entornos de RV hay tanto potencial creativo en ​

el ámbito auditivo como en el visual​

Meatspace (Gibson): ​

Espacios de confluencia entre el cuerpo orgánico y el virtual​

Mis películas favoritas que vi durante el curso fueron: After Life por su intensa reflexión filosófica sobre la vida y el cine; In the Mood for Love por la manera de abordar una historia de amor; Suzhou River por ser una combinación entre dos de mis directores favoritos, Hitchock y Wong kar Wai; y Living in Oblivion por la manera de abordar los sueños a través de una trama con un tono muy ligero. Mis directores favoritos que vimos durante este semestre fueron: Wong kar Wai, por su estética y temáticas y John Cassavetes, por su filosofía de hacer cine.

A alguien que vaya a tomar la clase le diría que aproveche muy bien las películas que dejan. Son muchas y muy variadas y debería aprovechar para ver las que no ha visto. También que reflexione sobre las industrias de los países y qué tienen en común entre ellas. Por último, que se mantengan al día con la bitácora porque al final no da tiempo.

Muchas gracias profe por esta clase que abre la perspectiva sobre las demás subjetividades que hay en el mundo y por ponernos muchas opciones de películas de calidad.

​

Según datos del Banco Mundial, más de 800 millones de ciudadanos chinos han salido de la pobreza desde 1990, el doble de la población estadounidense. ​

El surgimiento de una creciente clase media ha dado impulso a la industria cinematográfica china.​

El crecimiento de la industria cinematográfica china se atribuye en gran medida a dos razones: ​

​

• la urbanización de la población china ​

• el notable aumento del ingreso de la población. ​

Hace cuarenta años, el 17% de la población china vivía en zonas urbanas. ​

​

Hoy, el porcentaje asciende a 58,5%. ​

​

Esto equivale a más de 600 millones de personas que han emigrado del campo a la ciudad en las últimas cuatro décadas.​

Hace cuarenta años, el 17% de la población china vivía en zonas urbanas. ​

​

Hoy, el porcentaje asciende a 58,5%. ​

​

Esto equivale a más de 600 millones de personas que han emigrado del campo a la ciudad en las últimas cuatro décadas.​

​

La migración de la población rural a las zonas urbanas es una faceta importante para el auge de la industria cinematográfica por la accesibilidad a las pantallas de cine y las taquillas. ​

Cine revolucionario diferente del Tercer Cine - Estrecha concepción dogmática​
-- Alternar períodos de estricta supervisión gubernamental y liberalización artística​
1966 – Gran Revolución Cultural Proletaria, Mao Zedong, culto a la personalidad, toma de posesión del Partido, Guardia Roja (estudiantes), Ejército Popular de Liberación​
​

Jiang Qing – La esposa de Mao, Gang of Four, cine maoísta, cerró la industria cinematográfica (1966 – 1969), solo se estrenaron noticiarios, película de performance de modelo revolucionario (ópera de Pekin, ballet, temas militares revolucionarios), solo se estrenaron 7 (1970 – 1972)​
​

Rompiendo con las viejas ideas (Li Wenhua, 1975) – En 1973 aparecen otros tipos de películas, el director Lung se hace cargo de la universidad.​

​
1976 – Muerte de Mao, arresto de la pandilla. "Los diez años perdidos" Deng Xiaoping – Empuje hacia la economía de mercado capitalista de la década de 1980 – Cierta recuperación de la Revolución Cultural​

1905-1937​

Época de oro​

La batalla de Dingjunshan ​

Segunda generación

1944-1951​

2nda ​

Epoca de oro​

Temáticas más sociales y realistas

Tercera generación

1951-1964​

Primera época comunista​

Cuarta generación

1967-1986​

La revolución cultural y los años perdidos​

Quinta generación

1986-1990​

Egresados de la BFA​

Cine de cicatrices​

Sexta generación

1990-2000​

Generación urbana​

Cine rápido, barato y clandestino​

Generación BFA

1978 – Programa de 4 años​

• Primeros cineastas chinos conocidos en el extranjero

• Influenciado por películas importadas y películas de arte europeas​

• Ya no se asigna permanentemente a los estudios

• Pequeños estudios provinciales (Xi'an Film Studio, más del 33% de las películas de 5ª generación)​

• Reacción contra la Revolución Cultural – cine de cicatrices

• Dinero ganado por la exportación y más películas comerciales​

• Profundidad psicológica, narrativas complejas, simbolismo ambiguo, imágenes evocadoras, exploración política​

• Demasiado oscuro para los campesinos (80% de la población china)

  Narrativa y Temas:

• Dos corrientes:

  Influencias del cine de arte europeo

  Cine comercial, con estilo Hollywoodense de los 30s

• Narrativas complejas, simbolismo ambiguo

• Profundidad psicológica

• Temas políticos

• Estilo:

  Enfoque en la narrativa a través del diseño visual

• Muy ornamentado

• Imágenes vivas y evocativas

  
  

  Sorgo Rojo - Director: Yi-Mou Zhang. 1987

  Adiós a mi concubina: Chen Kaige. 1993

  
  

• El final de la quinta generación

  
  La masacre de la Plaza de Tiananmen​
  Control gubernamental mucho más riguroso​
  Rodaje solo con financiación internacional​
  Éxito fuera del país​
  Películas no proyectadas en China​

  Exigencia de películas más comerciales y para público más amplio​
  Exilio de directores

Los directores de la quinta generación, hicieron proyectos comerciales o escaparon del país.

Sext: no son egresados BFA, independientes.

Censura extrema:

• Festivales de cine extranjeros

• Películas ilegales

• Revisiones exhaustivas

Comercial

• Películas de género, inspiración de Hong Kong/Taiwán/Hollywood, sexo, violencia, caracterizaciones anormales​

Cine de arte

• Independiente

Mainstream Propaganda

• Películas de guerra taquilleras, biografías de líderes, biografías de trabajadores modelo, glorficiación del Partido y la llamada Revolución Comunista

Generación urbana

• China dejó de subsidiar a los estudios cinematográficos

• 40% taquilla urbana = importaciones extranjeras (EE.UU., Hk)​

• Solo los estudios podían estrenar películas​

• Películas independientes = dixia dianying (películas ilegales)​

• Películas más baratas, tomas largas, cámaras de mano, narrativas tipo documental​

• Centrado en los jóvenes y los problemas sociales,​
  desilusión, rebelión, insatisfacción​

• Las películas ilegales triunfan en los festivales, el gobierno aumenta​
  obstáculos a la inversión extranjera​
  Todas las películas hechas en China deben pasar la censura para aparecer en el extranjero​

• Listas negras, prohibiciones de trabajo en la industria, vuelos restringidos​

• Se alienta a los directores a crear productos agradables para la audiencia

Narrativa y temática

• Gente jóven

• Problemas sociales

• Aspectos más negativos de la incorporación de China la moderno sistema capitalista

• Temas tabú y personas al margen de lasocciedad

• Perspectiva más individualista y antirromátnica

• Más atención a la vida urbana contemporánea

• Estilo:

  • Tomas largas

  • Cámara en mano

  • Estilo documental

East Palace, West Palace: Zhang Yuan, 1996

Suzhou River, Lou Ye, 2000

• Filmaciones en 16 mm o video digital​

• Toque amateur​

• Filmaciones rápidas y baratas​

• Trabajo de no profesionales​

• Rock, drogas, homosexualidad, problemas maritales, individualismo ​

Blockbuster comerciales:

Wen Muye realiza Dying to survive

Lu Yang realiza Brotherhood of Blades II: The Infernal Battlefield

Cine de arte:

Bi Gan realiza Largo Viaje hacia la Noche

Zhang Dalei realiza The Summer is Gone

Xin Yukum realiza The Coffin in the Mountain

Otros realizadores:

Hu Bo realiza An Elephant Sitting Still

Yang Mingming realiza Girls Always Happy

Hao Wu realiza People's Republic of Desire

​

En el primer trimestre de 2018, por primera vez en la historia, China superó a Estados Unidos en ingresos de taquilla. ​

​

De acuerdo con Vox Media, en los últimos dos años China ha construido una media de 27 salas de cine al día​

Entre 1997 y 2013, China financió 12 películas que entraron en la lista anual de las 100 películas más taquilleras del mundo. ​

​

Entre 2014 y 2019, las productoras chinas financiaron y/o produjeron 41 superproducciones que entraron en la lista de las 100 más taquilleras.​

Principales jugadores:

China Film Group Corporation ​

​

Huayi Brothers Media Corporation ​

​

Bona Film Group Co., Ltd. ​

​

Beijing Enlight Media Co.​

​

Dalian Wanda Group Inc., Ltd. ​