Ahora bien, el punto es cómo repetir esta tradición de tal manera que la práctica del ballet, de acuerdo con Umberto Eco (1984), no termine alienando-en la técnica a los sujetos-bailarines. Más aún, que dichos sujetos sean objetivados y materializados (sus cuerpos) por la técnica que los forma. En este punto es donde indagar sobre y experimentar con la ruptura y la improvisación durante la enseñanza del ballet se convierte en un reto para la praxis disciplinar. De acuerdo con Tanya,  considero que es importante que el docente de ballet fomente que el sujeto-bailarín-alumno aprenda a actuar conscientemente sobre la formación de su técnica y no dejar que la técnica lo consuma-aliene.

Por otro lado, en la socialización del conocimiento de la disciplina, es importante analizar y reflexionar sobre la historia y el registro de esta práctica artística ya que creo que en la divulgación y enajenación elitista de este arte escénico –Bellas Artes- ha quedado opacado el desarrollo que sí ha tenido a lo largo de su historia y en el cual se pueden observar las rupturas que ha tenido. Un pequeño rastro (“guiño”) de esto puede observarse en el video del Ballet de la ópera de París bailando Orfeo y Eurídice de Pina Bausch que compartí.

Que la creación se co-produce en el mismo sistema que denuncia y se opone, como menciona Johana, las desmitifica pero no las anula, y se comprende entonces la alienación como materia para la libertad. Lo cual es ejemplificado por Carmen, en su aportación desde la danza clásica y la relación dialéctica entre la tradición y la creación de posibilidades. Posibilidades que se conjugan de la multiplicidad de ser, de la participación y la colaboración de los sujetos que se inscriben en un territorio común, el de la creatividad como también lo ilustra Tzitzi, a través de su experiencia. Es la creatividad, a su vez, proceso como lo menciona ella y Ricardo, proceso para la ruptura de identidad (aportación de Cristal), que requiere al sujeto estar presente paso a paso, tejiendo, tensando, liberando; con el otro y en el mundo físico. Extendiendo su corporalidad al vestuario (como lo menciona Magdalena), a la música, al espacio escénico. Para continuar con el círculo de encuentro de posibilidades, de encuentro de la “libertad creativa”.

En  conclusión, la creatividad es mosaico de divergencias, que convergen en la búsqueda de la consciencia objetiva; sobre la libertad de ser, y sobre la libertad de crear; de crear cosas, a uno mismo y al mundo en el que danzamos.

Como menciona Cristal en su propuesta, “la ruptura con la tradición es también una forma de alienación, es decir, de actuar por la fuerza de la costumbre sin otorgarle un sentido profundo a lo que se hace, sin dedicar un pensamiento crítico al significado de lo que puede estar ocurriendo”. 

Las vanguardias forman procesos, primero de rebelión, luego de irá para destruir lo existente, pero finalmente, decantan en propuestas que quieren mostrar la tradición, no impuesta. Pero también muestra el vacío existencial que deja una ruptura con lo conocido y la vastedad de lo que no se ha explorado.

El multiculturalismo y el interculturalismo están determinados por una hegemonía occidental blanca que dice qué y cómo debe ser el arte y cómo debe ser la cultura.

Es importante aceptar que el baile te vuelve bailarín, hay que recordar que no se puede deshacer lo andado y retomar la tradición desde la ruptura de la identidad, sino entender la identidad desde donde estamos, aunque sea la adopción del pensamiento hegemónico, pues ya sabemos que combatir algo requiere conocerlo.

Me parecería importante tener siempre consciente la alienación a la que estemos relacionados, para seguirla utilizando como instrumento de libertad, en vez de negarla o anularla, y pretender inventar siempre cosas nuevas. Como menciona Magdalena con respecto a la lectura de Umberto Eco (1992, p. 140): “En cada cambio artístico el artista habla un lenguaje que él cree haber inventado, pero en realidad le viene sugerido por la situación en que es encuentra”. 

”Esa condición de alienación en la que hay que aprender a moverse para identificar las nuevas posibilidades de autonomía, las direcciones posibles de libertad” (Eco, 1992, p. 137), me parecería que no habría que olvidarla.

A partir de la lectura y la reflexión del padlet anterior, se vuelve evidente como el concepto de la creatividad se mueve en todos los casos, pero que sobre todo funge como un agente transformador, como facilitador de la ruptura y de la creación de identidades. Pude apreciar en las participaciones de los compañeros que trabajaron el texto de Eco, el planteamiento del concepto de la alienación y la autoconciencia para lograr una libertad. Además otro punto en el que convergen es en la improvisación, el juego y el azar como un elemento detonante de la creatividad. 

Creo que todos dentro de la danza convivimos en un híbrido entre tradición y ruptura, nos formamos dentro de las tradiciones, pero actuamos como traductores de las mismas para hacerlas propias y traerlas a la vida. No siempre significa ir en “contra”, pero si conocerlas para entender en qué punto nos encontramos y hacia dónde queremos partir. 

En el caso particular de mi tema relacionado con la tecnología (el cuerpo en las danzas con tecnología), es un ejemplo de cómo la creatividad viaja, se descentraliza. Siendo ésta la actitud del “creador” actualmente, trasladándose a otros espacios, para formar nuevos híbridos, acordes a nuestra complejidad. También queda en relieve el papel del espectador y la función de la obra, al encontrarnos con obras interactivas, que requieren la participación del espectador, haciéndolo coparticipe, dejando la obra inconclusa para ser completada mediante su  acción. 

La danza es una forma de conocimiento y reconocimiento de las realidades que experimenta cada sujeto, realidades que son dadas a partir de la cultura; entendiendo a esta como producto colectivo construido desde la individualidad. 

Las diversas formas de hacer danza en cada cultura bien pueden continuar con tradiciones donde el sujeto se reconoce a sí mismo y a los otros como auténticos, mientras que otros grupos no logran mantenerse en una tradición e incluso tratan a toda costa de evitarla, buscando diversas disciplinas que complementen su danza, hibridando técnicas, saberes, haciendo de cada practica un laboratorio con la intención de siempre encontrar algo nuevo, algo que se incorpore a la modernidad.

Actualmente la danza busca ser cada vez más compleja, llegando a ser ambigua, enredada, inquietante, buscando no solo la expresión y comunicación si no el virtuosismo. Virtuosismo que no solo se trata de la ejecución e interpretación, sino también de las puestas en escena rompiendo con ello los estereotipos de escenificación, como por ejemplo el uso de la multimedia, espacios alternativos, integración del espectador, etc. 

El arte ya no es únicamente para las clases altas, tampoco se limita a las artes cultas, lo que abre la posibilidad de entender que el virtuosismo no solo se alcanza a través de la práctica de la música o danza clásica, pues existe una gran variedad de disciplinas que llevan a crear y ejecutar movimientos impactantes que entramados con la pasión y el ímpetu de los ejecutantes se logra un producto de ensueño, entendiendo con ello que el arte no se enseña, se siente, se vive, y a partir de ello se crea.

Conservar o romper la tradición no es malo si se sabe a dónde se quiere ir y lo que se quiere decir.

 

Agradezco la generosidad de mis compañeros al compartir sus reflexiones en torno a este temática, desde los distintos espacios en los que se mueven, y me quedo con la tarea pendiente de recuperar estas aportaciones teóricas para incorporarlas, en un discurso más articulado, en mi proyecto de investigación.  

Por último, creo que en nuestro momento histórico hay una creciente necesidad de recuperar formas más creativas para demandar justicia social. Por ello veo que los procesos creativos pueden ser retomados desde una forma de activismo que corporiza discursos como el de derechos humanos.  En este sentido el arte se vuelve una suerte de espacio para la agencia y reflexividad de sectores sociales que históricamente han sido subordinados.

 

Pienso en las rupturas y me doy cuenta de que los intereses de mi investigación se amplian, porque reflexiono ahora sobre hurgar en los pensamientos y sentimientos más profundos del bailarín, (profesional o no) ¿qué lo motiva? lo mueve? Que siente? Cuáles son sus intereses al bailar, al danzar? Realmente ¿quiere hacerlo? En algún momento quisiera dejarlo? ¿Cuáles son las crisis emocionales por las que los bailarines pasamos?

 

Me intereso más por encontrar las diferencias emocionales entre la danza profesional y la danza lúdica.

No comparto el concepto de alienación de Humberto Eco, porque la considero agresiva y limitante de la condición humana, un tanto apegada al materialismo histórico de Karl Marx. 

Me inclino más por las aportaciones de Néstor García Canclini y Julio Romero Rodríguez, quienes desde el contexto latinoamericano explican los cambios en la idea de arte, artista, los procesos creativos y la influencia que los medios de comunicación han tenido o provocado en los últimos cien años. 

Poco a poco se voy comprendiendo más la complejidad del fenómeno dancístico, su riqueza, diversidad e importancia en la historia del arte en México. El apego a las tradiciones como elemento definitorio de la identidad y valor histórico, pero que también se puede convertir en un lastre que no facilite el cambio y nuevas formas danzarías. La ruptura como algo necesario para propiciar el cambio por parte de nuevos actores sociales. El virtuosismo como el ejercicio de la pericia y habilidades sustentado en la sensibilidad, y que no necesariamente es un alarde de técnica y erudición. La improvisación como un verdadero reto para resolver situaciones y procesos creativos en el campo de la danza –si que implique la acumulación de ocurrencias lanzadas al vuelo-, sino producto del dominio de saberes puestos en práctica en el momento adecuado. 

Comparto ideas con muchos de ustedes y completa mi mirada los campos desde donde observan la danza y la analizan.  Gracias. 

Pensar en este entramado de ideas y concepciones sobre la creatividad y las formas de creación coreográfica o los modos de formar, están, en la actualidad, rompiendo con ciertos paradigmas que facilitan exaltar el trabajo creativo del artista desde diversas aristas, bien desde la exploración, la ruptura de la tradición o la repetición de ésta, improvisando, buscando la innovación mediante la relación e interacción de los diversos fenómenos, así como los cuestionamientos de conceptos que han predominado desde diversas connotaciones tanto en las agrupaciones artísticas, como en las instituciones que albergan a estos grupos.

Así lo menciona Noemí Torres (2018), quien hace una extraordinaria reseña y análisis estético de la obra Rebozos (1964) de Lila López argumentando que,  en la actualidad, el Ballet Provincial ya no sigue los preceptos (en esta obra en particular) propuestos por la autora en su versión original, quien buscaba exaltar el trabajo creativo de las artesanas (en quienes se inspiró para la realización de la pieza), además de experimentar con formas no convencionales del uso del rebozo. Menciona que Lila López trabajaba su capacidad imaginativa, visualizaba formas en el escenario y tenía alto conocimiento de la técnica, sin embargo, ahora las intérpretes de esta pieza ya no ponen énfasis en algunos movimientos como el zapateado que daba color y matiz a la pieza, se han anquilosado, han dejado de explorar e innovar, actualmente la tradición y el repertorio es lo que caracteriza a este ballet. 

Por otro lado, Alina Dorsch (2018), habla sobre la ruptura de la tradición y los cánones de la danza clásica desde la figura del bailarín Seregei Polunin, quien desbarata los cánones clásicos y hace uso del virtuosismo pero para bailar una pieza musical de orden popular. Dorsch alude al pensamiento complejo propuesto por Morin, diciendo que se debe afrontar lo entramado del juego infinito  de inter-retroacciones solidaridad de los fenómenos. 

Algo que me pareció interesante es la propuesta que hace Rita Meza (2018), quien cuestiona el concepto de tradición a partir de dos preguntas medulares, a mi parecer, para repensar a la danza escénica de expresión folclórica: ¿la tradición es siempre tradicional? ¿qué es lo que en realidad le da valor a lo tradicional, el tema, el vestuario, la forma en que se mueve el cuerpo? Estas interrogantes posibilitan el debate  y la movilización del estereotipo,  porque la información que se tiene sobre la danza folclórica es aquella adquirida durante la educación básica, o la que llega de forma mediática, tal como sucede con los ejemplos que García Canclini (2008) pone sobre las obras de Frida Kahlo y Diego Rivera en el texto Geopolítica del arte y estéticas interculturales, por mencionar algo, quienes conocen la obra no lo hacen por el contenido expreso de la misma, sino por la manipulación mediática que existe en torno a ella, sobre todo en las piezas de Kahlo, más ligadas a lo comercial que a lo artístico, así es como se ve a la danza folclórica escénica, que en algún momento representó una innovación, sin embargo actualmente lo que se potencializa es su valor económico y no el artístico. 

Finalmente quisiera agregar algo que me parece muy importante: la experiencia inmersiva, de la que habla Katherine Lassmann (2018), hace alusión a la transterritorialización  explicada como la intervención de personas de otras disciplinas ajenas a las escuelas e instituciones de danza, quienes realizan su obra en coautoría con el público, porque éste último ya no debe ser un ente pasivo que sólo se dedica a la contemplación, por el contrario, se requiere que sea un espectador participante, es decir, se necesita de la acción de éste para que la obra culmine con su actuar a través del encuentro de mundos fenoménicos. 

Como seres humanos vivimos en un espacio de alineación, pero siempre tratamos de jugar con esta para luego utilizarla como un instrumento de libertad. Es desde allí, donde las diversas relaciones y cuerpos desde los creativo tejen nuevas redes de comunicación y expresión que dialogan en el mundo en que nos encontramos desde un movimiento multiforme, que ya no es nacionalista o individual como los decía Lilian, sino se hace colectivo. Desde este punto de vista social y relacional, tal como lo mencionaba José Carlo "la creatividad artística tiene más que ver con participación en contextos de relación, en redes potencialmente creativas" de esta manera, conecto con las aportaciones a mi proceso de investigación en la medida de entender la creatividad como punto de conexión y transformación dentro de un sistema, un espacio múltiple que se desarrolla en el hacer con otros donde la "manera de formar" se asume desde la aceptación al sistema, para el encuentro de formas y posibilidades de crear desde la imaginación, donde el sujeto recrea su realidad y la transforma.