Esta lira fue encontrada junto con algunas otras en la tumba de la reina Pu-abi, cuando se encontró la lira a su alrededor se hallaron los cuerpos de 10 mujeres con joyería que se creyó eran sacrificios, lo que llevo a que los arqueólogos relacionaran esta escena con la de un ritual de paso a la muerte para la reina. También se encontró el cuerpo de otra mujer cuyos huesos se encontraban entre las cuerdas de la lira, significando que era la encargada de ambientar el ritual. , en su tumba fueron encontrados también sirvientes y demás personas que se asumen fueron sacrificados para servir a la reina en la “siguiente vida”. Todos la preparación que se llevo a cabo para el funeral y tumba de la reina genera la hipótesis de que esto era un ritual muy bien planeado donde cada uno de sus componentes (desde los sirvientes, las joyas y los instrumentos) eran de carácter fundamental y se creían importantes en el paso hacia la muerte. Esta no fue la única lira encontrada ni tampoco el único instrumento musical, según se describe el posicionamiento de todos estos instrumentos junto con su decoración y acomodación eran bastante elaboradas, lo que nos lleva a pensar que estos instrumentos jugaban un papel fundamental en el paso de la reina hacia la otra vida.

Gracias a las diferentes imágenes y restos arqueológicos encontrados, los arqueólogos han llegado a la conclusión de que la musica para las culturas mesopotámicas cumplía diferentes roles, desde cantos ceremoniales hasta canciones de bodas y cantos funerarios. Cumpliendo un papel fundamenta en cada una de estas situaciones.

Respecto a los materiales y colores utilizados en esta pieza el color blanco fue identificado como yeso, el cual se asume fue mezclado con pegante animal para darle fuerza y de esta forma se adhiere a la tabla permitiendo una base limpia para el dibujo. El color negro fue identificado como carbón, el color rojo viene de la hematita y una mezcla de yeso con hematita se utilizo para el color de la piel, el azul es el famoso pigmento azul egipcio y el verde oliva es una mezcla de ocre amarillo y carbón. Los colores de los pigmentos minerales resaltan dentro de las demás tablas encontradas en la cueva debido a que sus tonalidades de azul, amarillo, rojo, blanco, negro y verde son bastante intensas y la gama de colores es extensa. 

Los colores funcionan no solo pare darle vida a la pieza pero para la distinción de géneros, esta se realizaba al usar blanco para las mujeres y rojo-café para los hombres. 

Adicionalmente a la pintura se encuentran inscripciones del alfabeto corintio que entre muchas cosas dedican las obras a las ninfas, da los nombres de los participantes (o probablemente las personas que dedicaron la pieza) y el nombre del artista (el cual no se logra leer). Según un estudio realizado por el Instituto de investigación Histórica (Atenas) y el Instituto de Física Nuclear y de Partículas (Paraskevi) el proceso de pintado fue el siguiente: 

Los colores se encuentran bastante saturados como es costumbre en el arte griego sobre todo en sus cerámicas con los terracotas intensos y negros utilizados para dar forma a las imágenes que se querían representar. Adicionalmente se observa un cuerpo humano poco detallado, anatómicamente incorrecto, con proporciones inexactas y perspectiva errónea (el ejemplo perfecto de esto son los ojos se miran hacia el frente mientras las personas se encuentran de lado) todo esto característico del periodo Arcaico donde los artistas todavía no se preocupaban por le exactitud de su arte con la realidad.
Bibliografia:
- Brecoulaki, Hariclia. Karydas, Andreas Germanos. Stephens,  Jennifer. Stephens, Arthur. “Colour and painting technique on the Archaic panels from Pitsa, Corinthia”, Context and Meaning in Ancient Painting, The XII International Conference of the International Association for the Study of Ancient Walll Painting (AIPMA), BABESCH, Annual Papers on Mediterranean Archaeology. (2017) 1-8
- “The Archaic Period”, National Archeological Museum, última modificación 30 de Diciembre de 2018, acceso el día 31 de Agosto de 2020, https://www.namuseum.gr/en/collection/archaiki-periodos-2/
- “Ancient Greek Music”, Ancient History Encyclopedia, utica modificación 5 de Enero de 2013, acceso el día 31 de Agosto de 2020, https://www.ancient.eu/Greek_Music/

Esta obra hacia parte de la decoración de una villa en Boscoreale, muy probablemente en el comedor (tricliniu) o en un salón de reuniones sociales (oecus). Los aspectos relevantes de la obra que ayudan a comprender este contexto histórico y la importancia que tenía la música para las clases más altas, es el hecho de que recientemente se ha sugerido que la mujer y la niña representan una reina o princesa de la provincia romana de Macedonia y a su hermana menor o hija. Esta deducción se saca de la joyería en oro como sus aretes y tiaras y adicionalmente por  la silla bastante adornada en la cual se encuentra sentada la mujer, que aparenta ser un trono. Es decir que incluso la reina. Demostrando claramente la importancia que tomó la musica, y el aprender a tocar un instrumento, dado cierto tipo de status a las personas más ricas de la época.
Bibliografia

En la imagen se muestra a Daniel orando a Dios, esta imagen representa un pasaje bíblico donde Daniel es arrojado al foso de los leones por el rey, el cual no es creyente y lo pone en el foso a merced de Dios, sin creer que este lo salvara. Se ve a Daniel orando en una posición con los brazos abiertos casi como si estuviera realizando un canto al cielo en busca de una respuesta de Dios. Esta representación de la oración como un acto que se realiza con los brazo abiertos y la persona mirando al cielo como si el rezar fuera un acto con mucha más teatralidad fue cambiada al pasar los años ya que el rezas se volvió algo mucho más privado y minúsculo en las representaciones que siguieron al arte paleocristiano. Adicionalmente durante esta época los artistas buscaban hacer imágenes muy sencillas, no se buscaba confundir, las imágenes debían representar un momento especifico de una manera que permitiera que las personas lo entendieran fácilmente, el rostro se puede ver es muy sencillo al igual que los leones, adicionalmente no hay un fondo decorado, el propósito es mostrar sencillamente el momento en el cual dios salvó a Daniel. Todo esto debido a que cómo durante esta época el cristianismo no era un religión tan fuerte, las imágenes debías ser muy sencillas para lograr expresar la fe y hacerla llegar a los creyentes y posibles nuevos creyentes de una manera muy fácil. Al estar apenas instaurándose el cristianismo no todo el mundo conocía sus historias, ni la biblia, entonces para hacer llegar el mensaje de manera mucho mas directa se optaba por representaciones mucho más sencillas para hacer llegar los mensajes bíblicos para todo el pueblo. 
Bibliografía 

Este plato representa el matrimonio entre David y Mical, escena de la biblia (Samuel I, 18, 20-27). Dentro de esta escena se representa a la pareja recibiendo la bendición por el rey Saúl y a dos músicos soplando unos aerófonos. Hay varias teorías sobre quién mandó a hacer los platos pero entre las más fuertes se encuentra que el emperador Heraclio mando a hacer este y las otras 8 escenas, todas hablando de la historia de David, tal cual como se cuenta en la biblia. El hecho de que estos platos fueran mandados a hacer por la realeza muestra la importancia que tomó la religión cristiana, ya era la religión de los emperadores y de las personas de clase alta razón por la cual el arte que se estaba empezando a realizar respecto a la religión se torno mucho más elaborada. Se empezó a realizar el arte por mandado de las personas importantes y estas se encargaban de que este arte fuera mucho más ostentoso, se empieza a utilizar estas imágenes como forma de demostrar poder adquisitivo ya que la plata utilizada en estos platos era bastante costosa para la época. Siguen sin ser representaciones muy afiliadas a la realidad ya que la importancia no era esta, lo importante era mostrar estos sucesos del cristianismo de manera gráfica, pero si hay una mayor importancia en el cómo, en dónde y para quién se hacen las representaciones cristianas, ya no es un arte que se realiza escondido, en catacumbas a oscuras como lo era el arte paleocristiano, ahora el cristianismo era la religión de los ricos y esto cambia por completo el contexto alrededor de quienes realizaban la sobras y como se comenzaron a realizar. El cristianismo se comenzó a expandir y a tornarse cada vez en una religión más importante. 
Bibliografía 

Durante los siglos XI y XII debido a la importancia que había tomado el cristianismo a lo largo de europa la mayoría de los cantos de la época se enfocaban en alabar a jesucristo y a dios, la iglesia le pagaba a los artistas para que escribieran las letras de sus canciones en manuscritos hermosamente decorados. Para esta misma época un nuevo texto litúrgico comenzó a aparecer durante las ceremonias religiosas, el Missal. El texto combinaba texto de manuscritos litúrgicos juntos con los cantos ceremoniales que el cura recitaba durante la misa. Estos manuscritos tomaban mucho tiempo en ser realizados ya que se necesitaba de varios artistas para poder lograr su finalización. Se necesitaba al que trabajara la piel del animal, los encargados de la caligrafía, la decoración con imágenes y de las letras del texto, las cuales en este caso se observan como figuras en colores rojos y azules junto con algunas imágenes de la crucifixión (fotos adicionales).

 En este caso nos vamos a concentrar en la parte del texto ya que es aquí donde se encuentra el canto para la liturgia.  Para el siglo XI la complejidad de la música de la iglesia comenzó a aumentarse, denominados polifonías, donde cada voz tiene el mismo peso y se busca que ninguna voz sobresalga de las demás, adicionalmente la música comenzó a volverse cada vez más importante en la celebración cristiana ya que de esta forma el pueblo se entretenía y se podía involucrar de forma más activa en la ceremonia. La función particular de esta obra era esa, demostrar el nuevo cambio que se estaba tomando en torno a la música religiosa, poniéndola en manos del cura para que este la leyera durante sus ceremonias y así se pudiera acompañar de melodía instrumental (que para la época era principalmente de órganos) la palabra de dios. Así los creyentes podrían llevarse estos cantos en su memoria, volviendo la experiencia de la religión algo del común y aun así la gente de estratos sociales más bajos no pudieran leer los textos litúrgicos igual tenían estos cantos que si podrían memorizarse y llevarse a su casa al salir de la ceremonia.  
Bibliografía 

Durante los siglos XII y XIII el cristianismo ya era una religión establecida que tenía un poder adquisitivo muy importante. Concorde a su expansión como religión comenzó a crear diferentes lugares de culto (catedrales y basílicas) donde los fieles pudieran ir a expresar su fé. Adicionalmente, para la época el clima social era un poco tenso debido a la creencia de que el mundo se encontraba próximo a acabarse, como resultado los fieles comenzaron a realizar peregrinaciones por todas las iglesias posibles, como una forma de demostrarle a Dios y a Jesus que eran dignos de ser salvados en el momento del juicio final. Estos lugares de culto se realizaban de una manera ostentosa y bastante masiva ya que también servían como demostración de la riqueza de la iglesia, su tamaño era una forma de demostrar poder frente a las personas. Durante estos siglos dos estilos en la construcción fueron los más importantes el románico que después fue seguido por él gótico. Las iglesias románicas (en este caso la catedral de Santa María de la Asunción) tienen una bóveda circular que ayuda con las acústicas del lugar, para que el coro se escuche ya que la música es una parte fundamental del culto para la iglesia cristiana. Esta catedral fue construidas en piedra maciza y tiene un volumen de 6400 m3, lo cual según la física del sonido ayudaría a que las acústicas del lugar fueran mucho mayores, ya que a mayor volumen mayor curva de tiempo de reverberación (permanencia del sonido en un lugar cerrado una vez haya sido emitido), pero esta catedral en específico cuenta con un factor que afecta el tamaño de la curva, sus techos en madera absorben el sonido, impidiendo que el tiempo de reverberación sea tan extenso, aunque a su favor se encuentra el hecho de que la piedra maciza tiene muy pocas porosidades, lo que impide que en las zonas de las paredes y columnas la absorción del sonido sea muy significativa. Respecto al caso de la Catedral de Colonia esta tiene un volumen mucho mayor al de la Catedral de Santa maría de la Asunción, con un volumen total de 235,000 m3, lo cual vuelve su curva de tiempo de reverberación mucho mayor, mejorado significativamente las acústicas del lugar. Pero en esta catedral ocurre algo curioso ya que en ciertas áreas (como en los pilares y paredes) se utilizan  piedras cubiertas por yeso y algunas otros descubiertas, las cuales por su porosidad absorben mucho más el sonido y adicionalmente en otras áreas (como lo son el piso) se utiliza ladrillo que es un material con una porosidad mucho mayor al de las piedras naturales o cubierta en yeso por lo cual el sonido se absorbe también en estas zonas. Aunque basándose solamente en los materiales utilizados para la construcción del interior de estas catedrales se podría asumir que el sonido se absorbe mucho más en la gótica la verdad es que otros factores entran a jugar un papel importante, como la ubicación del coro (que era en la parte de adelante en las iglesias románicas, y atrás en las iglesias góticas) que determina mucho como se distribuye en sonido durante los cantos, también hay factores como la altura del edificio (que era mucho mayor en las catedrales góticas) que determinan factores como el eco y la distribución del sonido, por lo cual es muy difícil determinar cual de las dos tenía una distribución del sonido mejor que la otra si nos basamos simplemente en los materiales en su interior. 

Criterio: Características formales
Al observar ambas obras se puede visualizar inmediatamente una  diferencia en materiales y color. Es evidente que la obra de Giotto es mucho más luminosa, con menos profundidad y volumen que la de Van Eyck que es mucho más oscura, con una profundidad mayor y mucho más uso de la pintura. Esta diferencia se basa en los materiales utilizados. Para la obra de Giotto se utilizaron temperas, una pintura  a base de huevo cuyo uso era muy popular en la época en Europa, este material se realizaba mediante disolver un pigmento en agua y algún tipo de aglutinante, los cuales normalmente eran grasa animal, glicerina, huevo, caseína o goma, lo que le da las características tan únicas a la tempera. Esta técnica es bastante densa y tiene un secado mucho más rápido, lo que impide al artista perfeccionar su trabajo o agregar capas una vez esta se seca. Adicionalmente esta técnica al no permitir las capas impide que el artista pueda agregar luces a la pintura, razón por la cual en el tríptico no se observa tanto volumen ni profundidad como en el retrato del hombre con turbante. Esta técnica (la tempera) impide que se pueda plasmar un movimiento de manera natural, volviendo las imágenes mucho más rígidas, no hay una distinción entre la luz y la sombra, impidiendo darle profundidad a los elementos presentes en la obra. A diferencia de esto Van Eyck utilizó la técnica del óleo, una técnica que venia popularizándose en europa. El óleo está hecho de pigmentos desleídos en un aceite secante como lo son el aceite de linaza, de nuez, de adormidera o de cartamo. Esta composición permite que este sea un material mucho más versátil que la tempera, permitiendo que el artista pinte en capas , dejando que cada una se seque antes de agregar la siguiente. Al dejar que las capas se sequen se permite dar profundidad, volumen e intensidad a la obra, con unos colores mucho más ricos y vibrantes que lo que permite la tempera. El óleo permite ese juego con las luces, entre sombra e iluminación que le da a la cara del hombre un realismo inalcanzable con la tempera, volviéndolo una pintura mucho más natural y realista. Adicionalmente las características del óleo hacen que este permanezca húmedo por más tiempo, permiten que el artista corrija y agregue detalles, algo que antes no era posible ya que materiales como a tempera y el fresco se secan muy rápido, volviendo un trabajo más difícil la corrección de errores y perfeccionamiento de detalles. 
Bibliografía 

En esta pintura Cariani nos muestra a un músico tocando su laúd de 6 cuerdas (una especie de guitarra), acompañado por su profesor (sosteniendo un libro) y por un hombre joven. Los materiales utilizados por el artista son el óleo sobre lienzo, una técnica que ya había tomado mucha popularidad y en la cual cada vez los artistas se fueron haciendo más y mas expertos, experimentando con la transparencia que esta da según las capas que se le den y como estas transparencias levan a diferentes tonalidades de un mismo color, creando volumen y luminosidad como nunca antes se había visto. En este cuadro específico Cariani hace uso de colores complementarios como lo son el verde y el rojo cálido, que se ven en varias ocasiones como el sombrero, el libro, la ropa y el mantel de la mesa, el artista también utiliza otros colores como el rosado que se mezcla con el rojo para dar el detalle deslumbrante del sombrero del señor con el laúd y el cafe claro como en el instrumento mismo, la piel en las vestimentas de los señores y en la piel (en un tono mucho más diluido). Otra característica de estos colores es que son bastante cálidos en cosas como las vestimentas y la decoración y todos se encuentran sobre un fondo muy frio, gris y bastante simple, dando aun más importancia a la escena retratada, como si lo que estaba ocurriendo al momento de hacer la pintura no importara, lo único importante son esos señores en este momento. También con este mismo uso tan sabio del color se le da intensidad y detalle máximo a elementos como el instrumento y la piel animal de la ropa, es este realismo alcanzado con la técnica del oleo lo que vuelve las pinturas de esta época tan especiales, sobre todo en comparación a lo que se venía viendo con el arte religioso en el cual aspectos como el volumen y la luz se dejaban a un lado. 

A simple vista estas dos obras podrían pasar por cosas completamente diferentes. Por un lado se tiene al cuadro original, una pintura en óleo bastante realista, con volumen en sus personajes, iluminación, perspectiva, personajes interactuando entre sí y un fondo muy completo. Todo esto en comparación a la reinterpretación que tiene mi amiga en su casa, un cuadro donde los rostros no se detallan, con una paleta de color completamente diferente y la escena cortada a más de la mitad. En el cuadro de Velázquez observamos a la infanta Margarita, en compañía de sus meninas, un perro, al artista mismo, todo esto en la mitad de un gran cuarto, lleno de arte a su alrededor. En la pintura de mi amiga encontramos solamente a la infanta con sus meninas y la sombra del hombre abandonando la habitación, nada más, no se encuentra el perro, ni Velazquez ni el reflejo de los reyes en el espejo. Otra gran diferencia es la escala de los dos cuadros, las Meninas es casi como si fuera una imagen a escala normal de un ser humano, lo que se esperaría que cada una de estas personas midiera, mientras que la reinterpretación es mucho más pequeña, un cuadro perfecto para ser colgado sobre una chimenea sin verse muy grande, donde las proporciones de las personas no son nada en comparación a la realidad. En los colores utilizados en ambas obras también hay una gran diferencia, en el cuadro original vemos una gama de colores mucho más opacos, apagados y fieles a la realidad, con las vestimentas de cada personaje, el color de la piel, la iluminación desde un ángulo correcto (desde la ventana) todo muy acorde con lo que probablemente vio el artista cuando pintó el cuadro. En la reinterpretación vemos el uso de colores para nada fieles con la realidad, la paleta es mucho más reducida, limitándose a rojos, azules, amarillos y blancos, con estos pintando todo de manera mucho más expresiva y colorida. Finalmente el detalle de las obras, en Las Meninas la cara de cada personaje con sus gestos, sus extremidades, decoración de los atuendos y del cuarto junto con su volumen e iluminación, todo esta hecho a la medida, casi como si fuera una foto del momento, donde se puede observar con claridad cada personaje y lo que realizaba al momento de “tomar la foto”. Esto en comparación con la reinterpretación donde no se identifican las caras de las personas, no tienen extremidades, no hay luz viniendo de ningún punto preciso, las vestimentas son todas iguales, algo mucho más abstracto para el cual se necesitaría un conocimiento previo de la obra de Velazquez para poder entender y apreciar. 
Biografía 

En este grabado del artista español Francisco de Goya observamos a una persona sentada sobre una tarima rodeada por personas de caras desconocidas, en lo que parece una escena alusiva al infierno. La escena parece un acto de fe, una ceremonia. Atrás encontramos a una persona leyendo de un libro lo que podría ser un canto ceremonial, algo muy común en la iglesia y las culturas religiosas del mundo. La narrativa que observamos a lo largo de muchos de los grabados y pinturas de Goya es la brujería desde una celebración de esta, casi como una admiración, hasta lo que observamos en este grabado que es más una crítica a lo que ocurría cuando a alguien se le encontraba culpable de brujería. Goya realiza en este grabado una crítica, mezclada con un poco de burla y sátira hacia los actos religiosos de “pureza” o perdón de los pecados que se le realizaban a las personas que se involucraban es estas prácticas, las cuales comúnmente llevaban a una condena de pena de muerte por parte de la iglesia al acusado. Goya buscaba con esto generar un impacto, para que estos crímenes comenzaran a ser juzgados por la justicia en vez de por una entidad privada como la iglesia. Algunos de los componentes que se pueden observar que nos ayudan a identificar esta crítica son las caras poco detalladas de las personas, el artista está criticando una situación general, el se encuentra inconforme no con un evento en específico pero con el acto religioso como tal. Adicionalmente podemos observar el sombrero ridículamente grande y desproporcionado que lleva la persona en el podio, dandole un poco de humor a la escena que sola es bastante fuerte que dice muchas cosas sobre la situación religiosa de la época.
Bibliografía

En este cuadro Renoir representa un baile en el Moulin de la Galette, un lugar muy popular entre los parisinos del siglo XIX ubicado en el barrio de Montmartre. El cuadro es una perfecta representación de lo que se venía viviendo en el arte para la época. El rechazo de los artistas por las opiniones de  los críticos de arte que los lleva a innovar y a buscar retratar situaciones cotidianas dejando a un lado lo que la academia entendía como “bello”. La técnica del óleo dejo de buscar la exactitud con la realidad, donde los trazos y las lineas por donde pasó el pincel se ven perfectamente, ya que con la llegada de la fotografía el arte comenzó a verse más como una reinterpretación de la realidad que como una imagen exacta. Este rechazo por lo real en la pintura se observa en el cuadro al ver cómo se pierde la perspectiva  a partir de cierto punto, hasta llegar a distorsionar a las personas que se encuentran en el fondo de la obra. Aunque si es posible ver un poco de la influencia de la fotografía en la obra ya que se pueden ver a las personas cortadas en las esquinas, como ocurriría si se tomara una foto de esta exacta situación. Otra característica de la obra el la utilización de la luz y cómo esta se ve representada, podemos ver claramente que la luz viene a travez de los arboles y esta se refleja en las caras y vestimentas de los personajes. Este enfoque en la luz se debe a que los pintores comienzan a pintar en el exterior, evaluando cómo los cambios del día o de estaciones jugaban con la luz y cómo estos cambios de luz cambiaban los colores y el ambiente. Los personajes representados son los amigos del artista, lo que muestra cómo en esta época se comienza a retratar no a la realeza, si no que más bien a las personas del común, en sus actividades cotidianas. Se comienza a utilizar el arte como esta forma de retratar el exterior, las situaciones cotidianas como esta fiesta parisina. Adicionalmente para la época se comenzó a retratar mucho más a la imagen femenina, y como esta vive su vida en el espacio público, por lo cual vemos varias mujeres cada una en una situación distina, como las dos al frente que se encuentran hablando con un hombre, o las muchas que se encuentran bailando en la pista. Otra de las grandes tendencias artísticas de la época era la de enaltecer el paisaje, los artistas comenzaron a preocuparse mucho más por el fondo de sus pinturas, dejando a un lado los fondos oscuros y simples de épocas anteriores. 

Paul Klee era hijo de un profesor de música, desde pequeño comenzó a estudiar el violin y mostraba una gran promesa para el mundo musical. Sin embargo para el principio del siglo XX comenzó a viajar por Italia y Francia donde conoció el trabajo de pintores como Goya, Velazquez, Manet, Monet entre otros, esto lo inspiro y llevó a que el joven artista se volviera pintor. Fue gracias a estos viajes y a la exposición que tuvo al color que el artista decidió irse hacia el arte abstracto. Sus obras son características por sus colores intensos y variados, que hacen contraste los unos con los otros. Dentro de las cosas que más lo inspiraban en el arte se encontraban la arquitectura, el teatro, pero sobre todo su amor por la música clásica, y en especial por compositores como Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart, cosas que comenzó a fusionar dentro de sus pinturas, intentando plasmar las afinidades estructurales que existen entre la pintura y la música.En esta obra en particular “Cooling in a garden of the Torrid Zone” Klee hace una pintura con elementos rítmicos y musicales, la pintura con su división de líneas horizontales tiene una semejanza indudable con una hoja de partitura y los símbolos y personajes que ahí se encuentran se asemejan a notas musicales. La repetición de los símbolos da una sensación de caos pero a la vez de armonía, generando un balance entre ambos elementos, llegando a crear tensión pero a la vez un sentimiento de familiaridad, tal cual como lo hace la música en muchos momentos, cambiando melodías o mezclándolas a tal punto que pueda parecer algo sin sentido pero que una vez se escucha con atención comienza a tener forma y ritmo. 

Andy Warhol fue un artista plástico estadounidense, nacido en 1928. Entre las áreas en las que se destacaba se encontraban la ilustración, cine, pintura y literatura. Uno de sus temas más recurrentes dentro de su arte eran el consumismo, buscaba criticar la forma en la que el arte y nuestra sociedad se estaban comenzando a enfocar simplemente en cumplir las necesidades del consumidor, buscando las ventas sobre cualquier cosa. Otra de sus temáticas comunes eran los retratos de artistas famosos de la época, para los cuales retrato desde personajes como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Seymour H. Knox. La razón por la cual Warhol retrataba celebridades era porque le parecían personas interesantes, las admiraba y decidía retratarlas. En el caso de Prince el artista decidió retratarlo ya que lo consideraba un “ícono moderno”, una persona que se encontraba fuera de su circulo social, que estaba innovando en áreas como la música, sexualidad, vestimenta y demás. Este retrato para Warhol cumplía más una función de inmortalizar a alguien que para él era completamente importante y que se encontraba estableciendo nuevas modas y tendencias. Según diferentes críticos de arte las imágenes planas que tendía a pintar Warhol, sin un fondo conciso vuelven a estos retratos algo eterno y absoluto, trascendental. Este cuadro de Prince ha sido tan popular y cumplió tan bien su propósito de retratar al artista de manera “idílica” que ha sido reproducido y utilizado como portada de libros y revistas que conmemoran al músico después de que este muriera de manera prematura en 2016.