Desde hace 40,000 años atrás el color rojo era uno de los pigmentos más utilizados en la antigüedad. Ya que era creado a partir de pigmentos naturales como la hematita (óxido de hierro).  Los mesopotámicos (c. 3500 a.C. - 539 a.C.) también usaban tintes naturales para el color rojo.

El rojo fue un color representativo de la sangre, la ira y la fuerza.

En el occidente el rojo reprensenta el arte, las emociones, la publicidad y la moda.

El color rojo, tiene un fuerte poder en la vida de quien lo aprecia. Es un color que ha pasado por muchas culturas y tradiciones a lo largo de los tiempos.

En la moda el color rojo da un toque de sensualidad y fortaleza.

En el amor da un simbolo del corazon y la union y pasion.

La publicidad en el siglo XXI crecio con mucha fuerza por las redes sociales, por lo tanto el color rojo tambien es usado para dar avisos importantes o simplemente decir que podria estar en ofertas.

• Similar a la hematita, los egipcios también usaban otros compuestos de óxido de hierro para producir pigmentos rojos. Estos compuestos pueden variar en tono, desde rojo brillante hasta tonos más oscuros.

• El óxido de hierro se obtenía mediante la oxidación del mineral de hierro en condiciones controladas y luego se molía hasta obtener un polvo fino.

Pigmento de Cochinilla (Carmines)

• El pigmento de cochinilla, obtenido de los insectos.

• Los insectos se secaban y trituraban para extraer el ácido carmínico, que se utilizaba para crear tintes rojos brillantes.

https://es.desonpigments.com/info/history-of-iron-oxide-84990626.html

• Esta pintura fue realizada sobre un mural, para hacer esta obra se utilizo una tecnica mixta, sobre un muro fresco y un acabado con pigmentos hechos al temple.

• Al generar este tipo de estrategia, se puede notar una pintura con colores brillantes y luminosos.

• Esta obra es figurativa y con estilo naturalista.

• Al analizar a los protagonistas de esta obra, se logra ver a un cazador, sobre una barca, sobre el rio nilo. Este cazador esta claramente cazando variedad de fauna.

• Dos mujeres estan junto a el cazador, estas podrian tartarse de familares o de algun servicio personal de este mismo.

  
  

La tumba está construida con cinco grandes losas de piedra caliza, queda constituida como una cámara de unos 2 x 1 x 0.8 metros aproximadamente. Sus paredes, cuya representación es realizada a través de la técnica del fresco, muestran escenas correspondientes a un simposio, tal como era llamado este tipo de banquete griego. En las paredes norte y sur, aparecen sentados los convidados reclinados sobre tumbonas, luciendo coronas y rodeados de comida y bebida. En una de las paredes aparece un hombre jugando a lanzar vino, y en la contraria, aparece un momento pederástico mostrado a manera de evento principal. En la pared oeste se muestran las figuras que van llegando o saliendo del banquete y la este se presenta a un sirviente de pie con una jarra junto a una mesa de servicio.

Acompañando el esqueleto correspondiente del difunto del lugar, que se cree que era un joven, se encontraron algunas cosas, como un caparazón de tortuga y un lekythos, representando una especie de ánfora.

Idealización vs. Realismo. A lo largo de la Grecia clásica el representado se caracterizaba por un deseo de idealizar la forma humana y las emociones, de tal forma que la helenística abordaba una visión más veraz pero en la que las emociones complejas también encontraban su sitio.

Temática y Narración. Las pinturas clásicas solían centrarse en lo mitológico, heroico y con un estilo narrativo más convencional, las helenísticas en una considerable variedad de temas en los que también contemplaban lo humano y lo diverso.

Estos cambios aluden a las transformaciones de los valores culturales y estéticos de la Grecia antigua que van desde la búsqueda de la perfección ideal en el tiempo clásico hasta un mayor interés por la expresión emocional, la representación realista o bien por la emoción extrema en el tiempo helenístico.

Los colores suaves y naturales de la escena, con verdes y marrones, nos transportan a un entorno misterioso, mientras que pequeños toques de rojo en las flores sugieren la pasión y el peligro que acechan. El rojo no es dominante, pero es una señal de advertencia: algo que parece hermoso puede ser mortal.

Al final, Waterhouse nos muestra el frágil equilibrio entre la belleza y la amenaza, capturando ese momento en que Hylas está a punto de ser arrastrado a un destino trágico. La obra nos hace sentir la tensión entre el deseo y el miedo, recordándonos lo seductora pero peligrosa que puede ser la belleza. En esta obra se utilizo oleo sobre lienzo, en la cual el oleo fue utilizado con tecnica de capas.

El rostro del ángel refleja la calma, la expresión que transmite es generalmente tranquila y placentera, parece una figura que invita a la reflexión y a la tranquilidad. Los pliegues de las vestiduras están realizados por el autor con todo lujo de detalles, añadiendo grandeza a la figura del ángel. La utilización de un fondo dorado para eliminar todo vestigio terrenal acentúa la sensación de que el ángel se encuentra en un plano celestial y alejado del mundo humano. En resumen, la obra quiere elevar el espíritu del espectador, vincularlo con los valores espirituales de grandes momentos a través de la delicadeza visual y la serenidad en los rasgos del ángel. En esta extraordinaria obra se utilizo temperas, pan de oro y panel de madera.

La comparación de técnicas en estas dos obras es bastante interesante ya que Lorenzo di Niccolò, utiliza témpera sobre panel de madera, una técnica propia del arte gótico. La témpera permite colores brillantes pero planos, y la superficie del panel proporciona un acabado firme. El uso del pan de oro es esencial para crear un fondo brillante y etéreo, eliminando la tridimensionalidad y enfocándose en lo divino, mientras que John William Waterhouse usa óleo sobre lienzo, una técnica que ofrece mayor flexibilidad y profundidad en los colores. Los óleos permiten capas de pintura y una gama más rica de tonalidades, lo que contribuye a un tratamiento más realista de las figuras y el entorno, creando volumen, textura y luz en la representación de las ninfas y la naturaleza.

El turbante de color rojo es sumamente importante ya que genera un cierto volumen de los pliegues, pero también un marcado intenso que contrasta con el oscuro fondo. Ello repercute, en el uso de la iluminación, convirtiendo en un primer plano tanto la figura del rostro como el exótico turbante, que podría ser una representación del estatus incluso, o incluso un significado personal del propio Van Eyck, en el caso hipotético de ser un autorretrato.

El color rojo tambien es protagónico en esta obra, ya que produce un semtimiento de profundidad. Al ser una obra hecha con la tecnica del Oleo, e rojo juega mucho con las sombras y los pliegues, ademas de darle a este cuadro una vision que lleva al espectador a estar frente a frente con un señor con una mirada profunda y penetrante.

También la luz ofrece gran protagonismo en la obra, que va dirigida suavemente hacia el rostro, acentuando los volúmenes ofreciendo un cierto naturalismo a la descripción también de la figura. Van Eyck consigue darle profundidad al retrato utilizando una iluminación con sombras muy sutiles que hacen ver el realismo con la oscuridad pero también el dramatismo; además, el dominio del óleo que él desarrolla puede conseguir la textura más acompasada, tanto en la piel del hombre como en la compleja estructura del turbante.

Caravaggio, en cambio, nos lanza directo al drama. Su Judith y Holofernes es intensa y brutal. La oscuridad que envuelve a los personajes, el contraste de luces y sombras, y la sangre que destaca en tonos rojos hacen que la escena se sienta viva y escalofriante. Aquí, no hay contención, ya que Caravaggio quiere que sintamos la tensión y el miedo en el aire. A través de Judith, la obra evoca el impulso de venganza y justicia, mostrándonos el lado más visceral y crudo de la experiencia humana.

Mientras David celebra la virtud y el autocontrol, Caravaggio nos recuerda que a veces la emoción y la intensidad son tan humanas como la razón. Ambas obras, desde su propia estética y filosofía, nos enfrentan a aspectos profundos y opuestos de lo que significa ser humano.

ingulart.com/es/blog/2024/01/09/judith-decapitando-a-holofernes-por-caravaggio/?srsltid=AfmBOoo3w_vnioiT8Ok0ftFmQ6SKUWo0cvI__WdO_5HVC2wRv_uGoEOP

La pecera, distorsionada, refleja también la realidad de lo que les rodea, otorgándole un aire de intimidad y frescura, como si miráramos a través de la ventana a un pequeño universo.

Los colores complementarios, verde de las plantas y azul del fondo, ponen en valor a los peces, aunque no fuercen la gratificación de lo que todo lo que lo rodea, que boote y octuve de una manera agradable, como si las piezas de cualquier tipo de imagen, su estructura que pueda, al mismo tiempo ser lo que conduzca a ser descriptiva y estimulante. La luz, dulce y difusa, roza las formas otorgándole un aire de tranquilidad, que parece envolgere al contemplador.

En el fondo, la distorsión que provoca la pecera, al ver las plantas a sus lateral y cristal, provoca un mismo sentido de irrealidad, como caer indefectiblemente en un sueño.

Matisse no sólo quería expresar lo que veía a fecha presente; tele-gritar no sólo un sentido del bienestar (decir que la misma retoma en el pintado a las cosas que lo rodea, que reproducigía el sentido como tal como repasar un sillón).

De este modo, este cuadro, que todavía remarca con claridad el estilo fauvista, no sólo una representación de peces, sino que representa además la calma visual que invita a la realización de obras en el ámbito de la bien con la tranquilidad visual.