Cette peinture c’est l0’nique peinture en relation avec l’artiste mexicaine en France, et se trouve au centre artistique Pompidou.

Frida Kahlo est née au Mexique en 1907, ce tableau est présente lors de sa première exposition personnelle à New York, en 1938, le tableau est acheté par l’état Français en 1939 a l’occasion d’une exposition de l’artiste mexicaine à Paris.

L’autoportrait est peint sur une fine feuille d’aluminium griffée de sorte que son visage s’insère au centre d’un fixe-sous-verre de production artisanale mexicaine, destine à encadrer soit un miroir, soit un portrait photographique, soit une image pieuse. 

Le visage de l’artiste apparait dans une percée du décor luxuriant dont l’exubérance chromatique et ornementale renvoie aux accessoires et aux objets précolombiens omniprésent dans l’univers de Frida Kahlo.

 Cette peinture provocateurs, audacieux, gigantesque, signe ici la beauté et l’audace de l’artiste mexicaine. Les artisans mexicains ont choisi deux présentations : au centre il y a un authentique autoportrait d’un aplat bleu peint sur une feuille d’aluminium et un fixe-sous- verre c’est-à-dire une peinture au revers d’une plaque de verre.

Aussi il y a une chatoyante composition florale qui encadre le visage. On peut voir le visage d’une Frida renaitre entre passe et présent, infidélités qui peuvent transformer les souffrances de l’artiste dans cette peinture, 

Malgré son accidente Frida a cherché quelque manière pour peintre er da fascination « peintre soi-même ».

Ces artistes ont fait un travail excellent en transmettant toute la beauté de cette magnifique artiste mexicaine.

Guadalupe Yadira Montalvo Molina

Il a vécu pendant la première et la seconde guerre mondiale, pendant cette période, il a été contraint de fuir aux États-Unis car il était considéré comme une cible nazie, pour son art et pour son origine juive. Quand il a fini, il a pu retourner en France où il a vécu le reste de ses jours.

Ses œuvres sont particulières, elles sont riches en idées insolites et en décors magiques. Je vais parler aujourd'hui d'un portrait spécifique intitulé "Les maries de la Tour Eiffel" Créé au XXème siècle qui représente complètement le tournant que prend l'histoire de la peinture, avec un nouveau profil plus expressionniste.

Cette peinture a été réalisée par Chagal après la Première Guerre mondiale et un peu avant la Seconde Guerre mondiale, quelque chose que l'artiste avait déjà pressenti et grâce à cela il capture certains éléments de son travail comme la couleur rouge qui symbolise le sang sur la chef du coq en représentant de la France.

Avec cette peinture, l'artiste peint sa propre vision du monde qui l'entoure, influencée par son esprit, ses sentiments et son humeur. Nous pouvons le voir dans le monde plein d'amour que son mariage avec Bella représente et comment, sur un plan totalement différent, il aborde la guerre à venir.

Les émotions qu'il parvient à capturer avec ses couleurs intenses et différents éléments qui représentent des situations contradictoires l'ont amené à mériter le nom de "Le plus poète des peintres".

Daniela Cerón Sánchez

Auteur: Géricault, Theodore (1791-1824) 

Chronologie: 1819 

Style: Romantisme français 

Technique: Oléo

Support: Toile (4,91 x 7,16 m) 

Lieu: Musée du Louvre (Paris)

 

Le radeau de la méduse de Théodore Géricault a été peint en 1819, cette œuvre est une oléo sur toile de 491 cm × 717 cm. Cette œuvre d'art est au musée du Louvre à Paris

Le radeau de la méduse est un travail plein de passion et de force qui représente l'incompétence d'un capitaine qui a laissé 147 personnes de son équipage à la dérive dans un radeau construit à la hâte, des 147 personnes, seulement 15 ont survécu, faisant 132 morts.

L’équipage a été à la dérive pendant 13 jours, au cours de ces 13 jours, il a souffert de la faim, de la déshydratation, de la folie et a même eu recours au meurtre et au cannibalisme.

L’auteur a décidé de capturer cette scène gore avec réalisme, ce qui était très controversé, Dans l’ouvre on peut voir le désespoir des naufragés, la résignation à une mort presque certaine. À mon avis, la personne qui se tient au sommet avec la couverture rouge symbolise l'espoir, en bas c'est la mort, mais ce radeau représente la lumière et la vie des naufragés.

López Torres Alondra Nayeli

 

Comme on a déjà vu Pierre August Renoir, a été un artiste iconique et très important pour la culture française.

De la même manière que Monet, van Gogh ou Caillebotte aussi artiste français, le style de Renoir est l’impressionnisme.

Les artiste d’avant critiquaient beaucoup l’impressionnisme que ce mouvement commençait à gagner beaucoup de reconnaissance par autres artiste, étant donné que sur l’impressionnisme parait ne pas avoir une symétrie dans leurs peintures. Il parait qu’il n’y a pas d’ordre dans les couleurs que les impressionnistes utilisent.

Mais après d’un temps ce désordre parait que c’est l’âme des peintures impressionnistes, et c’est le plus attirant ce mélange de couleurs sans aucune symétrie, qui transforme l'impressionnisme en œuvres bien connues.
Les couleurs bien utilisé et mélangés par Renoir ici, nous donne un sentiment admirable, si on fait attention aux couleurs, on peut voir comme les artiste d’avant disaient il n’y a pas d’ordre mais, ce désordre c’est la belle partie du tableau.  On peut voir beaucoup de combinaison de couleurs ici qui font une peinture avec beaucoup de détails que Renoir a mis ici pour faire cette peinture.

Un point   aussi que mérite de le voir c’est en haut où se trouvent les arbres le mélange que Renoir fait ici, les vert, le blanc et même une nuance bleu est remarqué ici.

Renoir a été un du premier artiste que commençaient avec l’impressionnisme et je qualifié avec 5 étoiles ces travaux.

Par exemple dans sa peinture Lise à l’ombrelle On peut voir des couleurs plus vives, on peut évoquer des sentiments comment la joie, l’admiration, la paix. Mais ici même si l’auteur utilise couleurs froids telles comme le noire, vert et bleu obscure le sentiment est positif et en plus avec l’histoire qu’il y a au fond de ce tableau, qu’il était un lieu où les français allaient pour y danser et manger des galettes, en somme à l’histoire on peut sentir des sentiments positifs.

Alors comme j’ai déjà dit Renoir c’est un artiste que mérite être bien connu et bien exploré, grâce à son talent et aux peintures qu’il a donné à la culture française.

Place dans la chambre de la Signature

La Stanza était l'endroit, au début du siècle, où le pape signait ses brèves et ses bulles d'où le nom de «Chambre de la Signature». Puis, toujours dans les premières années du siècle, était, selon Cuzin et de nombreux historiens de l'art, la bibliothèque privée du pape. D'ailleurs, la construction et la distribution de la chambre s'inscrivent idéalement dans la tradition des bibliothèques de l'époque. La tradition voulait que sur chaque mur de la pièce soient représentées les idées platoniciennes. L'ambition de Raphaël était de composer une vaste synthèse sur l'idéologie antique et profane, et la pensée chrétienne de la Renaissance. L'École d'Athènes, qui symbolise la philosophie et la recherche du Vrai, est en opposition avec la fresque La Dispute du Saint-Sacrement, elle aussi peinte par Raphaël et qui représente la victoire de la théologie sur la pensée antique. Le troisième mur est consacré à la Justice alors que la dernière paroi symbolise la poésie.

Jules II se pensait en effet investi des missions temporelles et spirituelles et il voulait ainsi célébrer l'accord entre la Foi et la Raison, ou alors la victoire de la première sur la seconde.

Cette illustration de la Philosophie autorise Raphaël de rassembler les figures majeures de la pensée antique à l'intérieur d'un temple parfait, inspiré du projet de Bramante pour la réalisation de la basilique paléochrétienne de Saint-Pierre à Rome. Il les incarne par les illustres artistes de son temps (et de lui-même) faisant ainsi de la Rome moderne l'équivalent de la Grèce antique.

La peinture compte cinquante-huit personnages qui se regroupent aux premier et deuxième plans. On peut diviser cette fresque en cinq grandes parties : trois niveaux horizontaux et deux verticaux.