負責人：1 人

• 優勢與局限：評析該流派的優點與可能的不足。

• 認同與反思：說明是否認同此種藝術表達方式及其理由。

• 時代適用性：探討該流派是否仍具現代價值，或已被新潮流所取代。

負責人：1-2人

• 藝術家介紹：至少介紹2位具有代表性的藝術家。

• 作品剖析：每位藝術家需至少分析2件重要作品，內容涵蓋：

  • 作品名稱、創作年份及使用媒材

  • 視覺風格與創作手法

  • 作品的概念與深層意涵

負責人：1 人

• 流派資訊：包括流派名稱、起源時間與地點。

• 核心理念：闡述主要理念與特色。

• 文化連結：探討該流派與當時社會文化的關聯。

負責人： （由1人主導整理）

• 書面報告：內容須完整、具說服力，並輔以相關圖片。

• 簡報設計：建議使用PPT或Keynote，簡報結構應清晰、條理分明，包括：

  • 封面：呈現流派名稱、班級、座號、姓名

  • 目錄：概述報告內容

  • 內容部分：依據項目1至4逐項呈現

  • 組內分工表：說明各成員負責內容

  • 結論與問答：總結心得並預留問答環節

而談及亞洲的行為藝術發展，最早可於1950、60年代日本具體派藝術家以揉合身體與顏料、泥巴、紙張等的集體「行為事件」窺見端倪。由於香港當時受英國殖民，政治局勢相對穩定，於是率先出現如「蛙王」郭孟浩於70年代從傳統水墨發展的即興演出；處於戒嚴時期的台灣，以及歷經文化大革命餘波的中國，則在政府的高壓統治抑制了自由藝術的發展，卻也造就謝德慶、陳界仁、張洹等藝術家隨後於1980至90年代的活躍。

塗鴉先生的風格經常被形容成是「塗鴉義大利麵」，他的即興創作不僅入侵了畫布，而且還入侵了家具、書、地鐵站和服飾等，並創造了一個不斷擴展的世界，裡面充滿了各種新奇好玩的事物。

塗鴉先生已在倫敦、首爾和東京舉辦了數次個展；並參加無數個藝術博覽會，例如倫敦插畫博覽會（2016年、2017年和2018年）、東京藝術博覽會2019、京都藝術博覽會2019、台北藝術博覽會2019，和在首爾舉行的2020 URBAN BREAK Art Asia。

瑪莉娜·阿布拉莫維奇,是位行為藝術家。

被人稱為「行為藝術之祖母」,探討著表演者與觀眾間的微妙關係、身體的極限與想像的各種可能性。

集合藝術是從週遭撿拾消費文明所產出的物品如廢棄物、機械碎片湊合在一起，可以是直立的物体，也可以是板子上的堆積物，還可以包含藝術家所繪製、雕刻或塑造的元素。

美術史上第一件集合藝術作品是畢卡索與布拉克在1912年創作貼有金屬片的吉他

1950年代末期 因為消費時代生產過剩 因此藝術家以此來表現 直到1961年現代美術館籌辦集合藝術大展 才因此為名

集合藝術是抽象藝術的反動 以美國為發展中心 在1960~1970年代成為全球性的運動

第一次大戰期間形成的達達主義，影響到現在活動中的每個新藝術運動，1913年由杜象為首在紐約所領導的達達主義，對當時的藝術家造成了多種不同的影響和衝擊。來自歐洲各地的藝術家，聚在瑞士中立國，創造了反戰、反現代生活、反藝術的作品，並自稱為「達達」（Dada），他們反對嚴肅的教條，試圖破壞當時的藝術規範，形成一種「反藝術」。傳統藝術品通常要傳遞一些必要的、暗示性的、潛在的信息，而達達者派的創作則追求「無意義」的境界。

達達主義的表現方式著重在天然形成與自由塗寫。他們喜歡用不同的材料及自然排列的方式形成新的風格。達達派的創作是象徵性，且無定形的呈現，而其最大的成就，就是提點了當時的人們，有完全逆向思考的機會。

達達主義者進行藝術創作的根基，在於機遇和偶然性因素：達達主義者寫出沒有意義的詩篇，畫家則創造新奇的物體藝術。

影響拼貼藝術盛行的要素，是來自電影的蒙太奇手法（法語：Montage），原為建築學術語，意為構成、裝配，經常用於三種藝術領域，可解釋為有意涵的時空人地拼貼剪輯手法。

作品:<長期停車>（Long Term Parking, 1982）。
法國藝術家阿曼（Arman）做了許多用東西堆疊起來的公共雕塑創作。1982年，他把60輛各種造型和色彩的汽車疊成6層樓高，並用鋼筋水泥把這些汽車固定住，變成很像紀念碑的大型雕塑──《長期停車》。看到原本在路上跑來跑去的車輛卡在「疊疊樂」裡動彈不得，讓人覺得有點好笑。

車子是現代生活中不可或缺的交通工具，如果全世界的車子都消失了，人們就沒辦法去太遠的地方，要把吃的穿的用的東西運過來運過去，也變得很不容易。阿曼把對人類世界很重要的汽車堆疊成高大的雕塑，好像在述說著人們離不開汽車、城市的空間往往也都被汽車占據的現狀。

作者:南非的Strijdom van der Merwe以及台灣周聖賢

南迴是滿載生命力的地域，作品呼應南迴蘊含的自然人文底醞，象徵希望、永恆和夢想，開啟另一種生活的可能性，引領觀者通往未知、充滿神秘和歡樂永恆的地方。現實中雖然沒有通往天堂的階梯，在南迴勾勒出一座看得見的天梯，藉由作品提醒人們正視並勇於實踐夢想。

地點:大武南濱休憩區

藝術家介紹 : 查克·克洛斯的創作主題不斷圍繞著人臉，克羅斯1940年生於華盛頓的門羅，他的母親是鋼琴老師，父親是一名水電工，卻在他11歲時過世。從小就被診斷出患有閱讀障礙以及臉盲症，雖然家中的經濟狀況貧寒，但在父母的支持下，他從小就開始接觸了藝術創作，一路念到了藝術碩士。
在1960年初期，克洛斯以他最著名的照相寫實風格進行創作，透過噴槍加上稀釋過的壓克力顏料，以創作出大量且巨幅家人和朋友的肖像畫，並以照片(photography)作為創作參考的重要元素之一。

作品解析 :

在1960年初期，克洛斯以他最著名的照相寫實風格進行創作，透過噴槍加上稀釋過的壓克力顏料，以創作出大量且巨幅家人和朋友的肖像畫，並以照片(photography)作為創作參考的重要元素之一。在這些作品中，藝術家以他的第一幅肖像畫〈Big Self-Portrait〉（1967-68）打響當時他在藝術界的知名度。在這幅自畫像中，他戴著塑料的黑框眼鏡，冷漠地凝視鏡頭，一頭凌亂的頭髮，佈滿鬍子的臉龐，嘴角叼著一根正點燃的煙。紐約時報（The New York Times）甚至將這幅自畫像描述成：「一個有著新藝術事業的叛逆者。」

〈Agnes〉( 1998)「我不希望觀眾直接看到一整個頭部，也不希望他們認出畫中的人物。」因為大多數的人不認識克洛斯身旁的朋友，因此藝術家以他認識的人為創作材料，並排除觀者對畫中主角其個性的既定印象。
1988年，克洛斯在紐約期間，因脊髓動脈破損而癱瘓，導致他只能坐在輪椅上，進而改變了他的創作風格。在這期間他不斷的復健，使他能夠重拾畫筆創作。克洛斯將筆刷綁在手腕和前臂上，透過數千個網格的組成，以描繪其他藝術家的大幅肖像畫。這些畫像近看時有如數個甜甜圈或變形蟲組成，從遠處看時圖像則以攝影般的精確度顯示出人物的圖像。

1932 年出生於韓國首爾的白南準，自幼學習古典音樂，後因韓戰離開家鄉，先赴日本、德國求學，再於美國展開其重要的藝術生涯。在電視機方興未艾的70年代，白南準致力於讓傳統的電視機跳脫傳統的制式規則，思考觀者與電視影像的相互關係，極力於傳輸影像中挹注新觀念，堪稱錄像藝術之父。

成為立體作品的一種藝術

也叫‘廢物藝術’（Junk Art）

美術史上第一件集合藝術作品是畢卡索與布拉克在１９１２年創作　貼又金屬片的［吉他］

１９５０年代末期　因為消費時代生產過剩　因此藝術家以此來表現

直到１９６１年現代美術館籌辦［集合藝術］大展　才因此為名

集合藝術是抽象藝術的反動　以美國為發展中心

在１９６０－１９７０年代成為全球性的運動

集合藝術是從結合繪畫（Combine Painting）漸次發展三度空間的藝術形態

或是直立物體　或立於板上

有時也包括藝術家所繪製　雕刻　或塑造的材料

這些作品的物件來源皆清晰可辨　但在整體卻巧妙形成一個新的生命體

集合藝術並刺激後來環境藝術的產生

1950年生於高雄，盧明德是台灣新媒體藝術和跨領域創作概念的主力推手，他過去多年以圖像為符號，進行複合媒材作為繪畫結構的創作，在畫壇上獨樹一格並享有盛名。他在1980年代留學日本期間，主張「一切是媒體，媒體是一切」，此理念突破了過去平面繪畫的定義，以及傳達他對於社會與媒體文化的體悟。

自1995年開始塗鴉，為台灣塗鴉先鋒之一。作品以一系列有著閃電眼的熊和貓廣為人知，2006年開始以「貓手」延伸出抽象風格。身兼設計師、藝術總監等多重身分，參與眾多藝術家駐村及國際藝術節，並多次於海外舉辦個展，2008年出版書籍《塗鴉人：轟炸台灣》、2010年創共同創辦獨立雜誌《RADIKAL》，2014年在台舉辦「POW! WOW! Taiwan」並擔任藝術總監，致力讓台灣塗鴉文化走入國際。

年份與意涵和作品:1974《Rhythm 5（節奏五）》是瑪莉娜第一次在表演中失去意識，而被迫中斷的經驗。她在SKC門口的廣場搭建了兩個巨大的五芒星，用以代表共產制度（瑪莉娜成長過程中極力掙脫的環境壓迫來源之一），也代表著一些類似邪教儀式、古老宗教意味的強大象徵力量：「我試著藉由在我的作品中使用這些標誌來了解它們的深層意涵。」；接著她在五芒星上點燃火焰，並剪下自己手腳的指甲和及肩長髮，全丟進火焰裡。最後一個動作，是瑪莉娜自己以大字型躺進熊熊火焰之中，現場陷入一片死寂，直到火焰燒及表演者的腿部，觀眾才發現她已在缺氧的環境下失去意識，才中斷表演強迫將她救出。

使用媒材:一杯水、一件外套、一隻鞋、一朵玫瑰，但也有刀子、刀片、鐵鎚、一把槍，附上一顆子彈、五芒星。

負責人：我，黎宥宣啦

• 影響力探討：受電視和電影等的刺激是感官延伸，依賴照相術，是都市生活形態的產物，呈現的是「人工的自然」。

• 當代價值：美國照相寫實主義畫家丹尼斯·彼得森（Denis Peterson）的開拓性超級寫實主義作為被普遍認為是照相寫實主義的分支運動，第一次使用術語「Hyperrealism」來形容新的運動和相關的藝術家派別。^[2][3][4]格雷厄姆·湯普森（Graham Thompson）寫道，「1960年代末期和1970年代初期，照相寫實主義作品獲得成功，一種表現攝影的繪畫方式加入到藝術世界。它也被稱為超級寫實主義，理察·埃斯蒂斯（Richard Estes）、丹尼斯·彼得森、奧黛麗·弗拉克（Audrey Flack）和唐埃迪等畫家通常從攝影工作開始，如今依然創作類似照片的繪畫。」^[5]

10820

影響力:塗鴉在臺灣有很多不同的聲音。塗鴉作為一種文化，是一種文化的載體，是塗鴉藝術家們創作 的地方。但同時，由於塗鴉影響市容，且不易清理，對城市的發展造成了一些不好的影響。對此，台 中政府為了能夠更好的發展塗鴉文化又不造成社會壓力，專門設立了公共藝術區，目前臺中市現在有3 處合法塗鴉示範區分別是建國北路一段近崇倫街口水泥牆、太平區旱溪東路一段與精武路交接處防洪 牆和中科路與高速公路交會處(中科陸橋橋墩下)。總結:為了讓塗鴉藝術延續,政府提供適當的長所給藝術家創作,藝術家不隨地創作影響社會,形成現在和諧的畫面.

當代價值:Reach是在臺灣街頭塗鴉界最為著名的例子之一。學生時期美術科班出身的他，受到滑板與街頭文化的薰陶，讓他從1995年開始在持續進行街頭塗鴉的過程中建立自己的圖標(icon)與塗鴉技法。他並不著重在批判性，而是透過各種圖像簽名和圖標所擁有的力量這一街頭塗鴉的本質，去打開城市地景與空間想像。

裝置藝術往往涉及抽象或深奧的概念，要求觀者具備一定的藝術背景才能理解其意涵。有些批評者認為，這種藝術過於學術化，脫離了一般大眾，使其變得精英化且難以親近。

2. 材料與表現形式的隨意性

許多裝置藝術使用現成物（Readymade）或日常物件，使人質疑其藝術價值。例如，一些批評者認為某些裝置作品只是在空間內隨意擺放物件，缺乏美學結構或技術含量，甚至讓人覺得粗糙或隨便。

3. 與傳統藝術形式的衝突

裝置藝術突破了繪畫與雕塑等傳統藝術的界線，甚至直接挑戰「藝術」的定義。保守派認為，這種實踐削弱了藝術的技藝要求，使「任何東西都能成為藝術」，導致藝術標準的模糊化。

4. 空間與展示的限制

裝置藝術通常依賴特定場域（site-specific），這意味著它無法像畫作或雕塑那樣輕易移動或收藏。這種限制使得其市場價值較低，也讓藝術機構在策展與保存上面臨挑戰。

5. 商業價值與藝術市場的困境

由於裝置藝術難以複製、販售或典藏，它在藝術市場上的流通性受限。這使得部分藝術家必須依賴政府補助或策展機構資助，而非透過市場機制來維持創作，導致對制度的依賴與藝術獨立性的矛盾。

6. 環境與資源浪費的問題

部分裝置藝術作品因使用大量材料，或在短期展覽後被拆除，造成資源浪費與環境問題。特別是在大型公共裝置藝術中，這種批評尤為顯著。

7. 批判性內容與社會議題的爭議

許多裝置藝術作品涉及社會、政治或環境議題，這可能引發爭議。例如，一些作品可能過於煽動性或帶有強烈的政治立場，進而引發公眾的不滿或政府審查。

結論

裝置藝術作為當代藝術的一部分，挑戰了藝術的界限，也帶來了新的觀看與體驗方式。然而，它的表達方式、概念性與展示方式仍然存在許多爭議。這些批判不僅是對裝置藝術本身的質疑，也是對當代藝術發展方向的討論。

作品:《藍色帆布》（Blue Sail）1965年，由一條藍色的布組成，布的四邊由繩子綁緊，下端是一個不斷旋轉的電子風扇。因為隨風的擺動帶給觀者一種平靜的韻律感。哈克曾說「當風吹在一塊輕質材料上，它會像旗幟一樣飄揚，或者像船帆一樣膨脹，這都取決於它懸掛的方式、氣流的方向以及強度，影響著它運動的方式。」哈克認為《藍色帆布》可讓觀者與自然進行互動。觀者、空氣或風都是作品中的元素之一，三者在物質上產生的運動並非藝術家所控制的。

不足：難以理解：作品過於抽象，難以讓大眾理解。 過度反叛：極端反傳統有時顯得矯揉造作。

2.我會認同達達的藝術方式。以下是我的理由： ### 1. 挑戰傳統藝術觀念： - 達達的反叛精神對傳統藝術的挑戰值得認同。它突破了原本僅限於繪畫、雕塑的框架，將藝術的定義擴展到日常物品、拼貼、文字等多種形式，這為現代藝術開創了新領域。

3.達達流派雖然起源於20世紀初，但其精神和理念至今仍具有現代價值，並未完全被新潮流取代

「世界小孩」的《跨越國境・潮》

林舜龍受一幅敘利亞男童倒臥沙灘照觸發所創作，包含了共196座兒童雕像，用糯米粉、石灰、黑糖、麻纖維、和當地的海沙相揉搓，塑出196尊造型相同的泥像。每具兒童雕像都以帶有該國人民形貌特色的方式形塑，背後並標示了祖國的經緯度，且都面朝著自己祖國的方向。

《跨越國境・潮》的這批孩童雕像，受著寧靜潮水的浸潤，並隨著風化而逐漸消融，彷彿重新回歸海洋母體，且最終露出存藏在體內核心的白色玫瑰。

糯米粉、石灰、黑糖、麻纖維、和當地的海沙相揉搓，塑出196尊造型相同的泥像。

2016年藝術祭結束後，這196個在海上的孩童，許多都被海水侵蝕消融，由於這些孩童都是他帶著小豆島的居民及志工一起完成，「最後有1/3還沒被消融的孩子，下雨天時，小豆島的老人們偶爾還會到海邊幫孩子撐傘、跟他們說話，怕他們寂寞。」

優勢與局限:照相寫實主義是基於相機和照相來採集視覺信息並依此創作畫作的一派現實主義畫風,透過相機的視角更好呈現事務實體的角度,在創作上更貼近實體,使作品更加的寫實,但照相寫實主義並非完美無瑕,藝術評論家對於照相寫實主義的批評在於，若說照相寫實主義屬於藝術史上 的寫實主義，其作品內容看似沒有社會性意義,者通常都會問他們在題 材的選擇上是否含有社會評論意涵，而他們大多表示他們只是簡單、自然的描繪出他們生活的樣貌

認同與反思:認同,現代藝術的趨勢偏向想像 創作,而照相寫實主義透過相機的視角,照映出世界各個美麗的角落,寫實派更貼近我們的生活,當我們在觀察這類作品時將更有共鳴,更加有感觸!

時代適用性:現代藝術，特別是當代藝術，強調創意、主觀性和個人表現。藝術家不再僅僅追求再現世界，而是關注自我表達、概念性和情感的表達。相比之下，照相寫實主義更注重技巧和精確性，這可能與某些當代藝術家尋求創新的精神有所不同。因此，照相寫實主義可能與現代某些價值觀如表現自由和創新性有所對立。

• 後現代藝術（Postmodern Art）：裝置藝術對後現代藝術的發展有著至關重要的影響。後現代藝術強調解構和反思傳統藝術形式，並探索藝術與觀眾之間的關係。裝置藝術所注重的場域、空間、時間、物質和觀眾互動的特質，對後現代藝術家來說是重要的參考。尤其是在觀念藝術和行為藝術中，裝置藝術的元素往往被融合和延伸，反映了藝術家對現實世界的反思及對觀眾參與的重視。

• 地景藝術（Land Art）：裝置藝術也對地景藝術（即將藝術融入自然或戶外空間的藝術運動）產生了重大影響。地景藝術的作品通常需要特定的地理和環境條件，並在戶外環境中完成，這與裝置藝術利用特定空間、場域進行創作的理念非常契合。這種對空間和環境的思考，促使藝術家在創作時將自然和人造元素結合，打破了畫廊和博物館的限制，拓展了藝術的展示方式。

  公共藝術的興起：裝置藝術的普及推動了公共藝術的發展。很多大型的裝置藝術作品在公共場所進行展示，這不僅改變了藝術的傳統展示空間，也讓更多的大眾能夠接觸到當代藝術。這些作品不再是精英文化的象徵，而是走向社會大眾，激發了民眾對藝術的興趣和思考，從而提升了公共空間的藝術氛圍。

  
  

  當代價值

  草間彌生（Yayoi Kusama）：草間彌生的作品大量運用鏡 面房間、無限的圓點和鮮豔的色彩，這些都是典型的裝置藝術元素。她的作品不僅涉及視覺上的迷幻效果，還強調觀眾的參與感和沉浸式體驗。草間的鏡面空間讓觀眾成為作品的一部分，這不僅是視覺的挑戰，更是心理和情感上的體驗，強調了裝置藝術的延續性。

塗鴉藝術（Graffiti Art）自從街頭藝術興起以來，已經發展出許多不同的風格和流派。每一個流派都有其獨特的表現形式和文化背景。以下是一些主要的塗鴉藝術流派：

1. 標籤（Tagging）

• 這是最基本的塗鴉形式，通常是藝術家或塗鴉者的名字或別名（“Tag”）。標籤是一種簡單而快速的寫字風格，通常是用噴漆或記號筆標註，目的是讓塗鴉者在城市空間中留下自己的存在印記。

• 特色： 簡單、快速、注重個人身份。

2. 泡泡字（Bubble Letters）

• 泡泡字是一種圓潤、具有彈性效果的字體風格。這種風格常見於早期的塗鴉作品中，尤其是在1970年代的紐約市街頭。字形通常較大、圓滑且具有可愛感。https://messagetaiwan.com/2019/05/29/%E7%BF%BB%E8%AD%AF%E6%B3%A1%E6%B3%A1%E5%AD%97%E5%85%88%E9%A9%85-phase2/

• 特色： 圓形、富有趣味性，適合呈現字母的美學。

3. 野性風格（Wildstyle）

• 野性風格是一種高度抽象的塗鴉風格，常常融合了複雜的線條、扭曲的字母、裝飾性元素以及鮮明的顏色。這種風格強調視覺的複雜性與難以解讀的特徵，只有內行人才可能辨認出其中的字母。

• 特色： 複雜、難以辨認、動感十足。

4. 貼紙塗鴉（Sticker Art）

• 藝術家使用各種貼紙（如自製或商業品牌貼紙）來表達創意，這種風格的塗鴉常出現在城市的街道和公共場所。這種方式簡便快速，並且可達到快速傳播的效果。

• 特色： 簡便、可持續性、通常帶有政治或社會評論。

5. 壁畫（Murals）

• 壁畫是一種較為大規模的塗鴉形式，通常在大型牆面上進行創作。壁畫不僅限於字母，還可能包含風景、人物或抽象圖案，並且往往與社會、政治、文化議題有關。

• 特色： 藝術性強、空間大、內容豐富。

6. 抽象塗鴉（Abstract Graffiti）

• 抽象塗鴉突破了具象表達，重視色彩、形狀、線條等抽象元素的運用，並且強調視覺效果而非具體形象的呈現。這種風格往往追求表現感情和情緒的流動。

• 特色： 無具象圖像，偏向於形狀與色彩的表達。

7. 社會政治塗鴉（Political Graffiti）

• 這類塗鴉往往帶有強烈的社會或政治訊息，藝術家通過塗鴉表達對當前社會、政府或國際事件的抗議或支持。這類塗鴉的內容可能涉及反戰、環保、貧富差距、種族問題等議題。

• 特色： 具有強烈的政治性或社會意識。https://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E5%A1%97%E9%B4%89%E8%97%9D%E8%A1%93

8. 貼畫（Stencils）

• 這種風格使用模板進行創作，藝術家將事先剪裁好的模板放在牆面上，然後噴上顏料創作出形象。這種方法便於快速創作，並且能夠達到一致性和重複性。

• 特色： 精確、重複性強、快速創作。

9. 3D塗鴉（3D Graffiti）

• 這是一種立體的塗鴉風格，藝術家通過陰影和色彩的運用，創造出具有三維感的效果。這類作品通常看起來像是從牆面“跳出來”的立體物體。

• 特色： 立體感強、技術要求高、視覺效果震撼。

10. 街頭貼圖（Street Art）

• 雖然街頭藝術與塗鴉有重疊，但街頭藝術的範圍更廣，包含了雕塑、裝置藝術、街頭海報等形式。許多街頭藝術家不僅局限於噴漆，而是利用各種材料和技術來創作。

• 特色： 多元化的表現形式，不僅限於塗鴉。

優點:畫面很寫實而且具有動態的美感,創作者可以開始錄製自己想錄製的影像

缺點:如果沒辦法拍攝出想讓觀眾理解的意思,會讓作品變得很奇怪難以理解,需要準備攝影設備

時代適用性:在攝影器材不完全發達的年代會讓作品表現較模糊不清,約21世紀初左右才較為適用

認同與反思:這項藝術可以透過拍攝去各個地區取景或者利用一些意想不到的題材,就很有創意,但在所難免的是,在網路發達的年代,影像透過各大平台流出,可能會被個別有心人抄襲這份創意,甚至因此爆紅網路也不是沒可能,我認為錄像藝術之所以難能可貴,正是因為獨特的攝影觀點和視角構成一幀幀的畫面加入了作者自身的創意才會讓這些普通的錄像成為藝術,若因為想要錢財或爆紅而抄襲,這就很不可取,但要怎麼防範這一點也是藝術家們所面臨的問題之一

當代價值:從收藏展的角度來看，對於收藏家眼界與錄像作品之品味具有前瞻思維，這是值得鼓勵的專題展覽。但比較欠缺的是，展場未提供收藏背後的故事、錄像收藏的脈絡；收藏錄像新媒體的方法，該收錄像哪些品項、什麼版次，以及收藏的保存形式等訊息，這些都是收藏藝術品的交流能量與獨特價值之處。

流派資訊：

照相寫實主義（Photorealism）最早興起於美國，特別是在1960年代末到1970年代初的紐約市和其他主要城市。

核心理念：

主要以極端逼真的方式來描繪現實世界，通常以照片作為參考來源。讓作品看起來像高解析度的相片， 並經常使用噴槍或精細的筆觸來達到超高細節的效果。

1.極端細緻的畫面

2.以照片為基礎

3.對現實的客觀再現

4.描繪都市景觀、汽車、玻璃、金屬等反光材質

文化連結：

1. 攝影與技術的發展

• 照相寫實主義誕生於攝影技術高度發展時代

• 噴槍技術的使用，使畫家能夠達到更精細、平滑、無筆觸的效果，拉近了畫作與攝影之間的距離。

2. 對現代城市與大眾文化的關注

• 許多照相寫實藝術家選擇描繪 都市景觀、商業廣告、汽車、霓虹燈、玻璃反射等題材，展現美國現代社會的繁榮與消費文化。

3. 美國文化與現實主義的傳統

• 美國藝術歷史上一直存在強調「真實描繪」的傳統。

• 照相寫實主義延續了這種對「美國景觀與生活」的紀錄，只是 使用了新的技術與視角。

身體藝術（英語：body art），是指以人的身體（Human body）作為媒介的藝術形式。刺青、身體穿刺、人體彩繪等，都是常見的身體藝術。

核心理念:展現方式更加著重於以人的行為和行動 

激浪藝術（Fluxus）是1960年代至1970年代間活躍的一個激進的國際文藝流派^[]。他們提出了一些新的藝術主張，如迪克·希金斯的「中介藝術」、亨利·弗林特的「觀念藝術」和白南准和沃爾夫·福斯特爾的「錄像藝術」。受到杜尚的影響，大多數激浪派藝術家以反商業和反藝術為己任，強調概念而非成品的重要性^[15]。而Fluxus一詞則由喬治·麥素納斯創造於1961年^[16]。

核心理念:強調簡約，並模糊了藝術與平凡生活之間的界限

名稱 電子高速公路：北美洲、阿拉斯加、夏威夷

年代 1996

媒材 多媒體

風格 新達達藝術

手法 用彩色霓虹燈劃分了美國領土。

概念和意涵 通過這座巨大的科技雕塑，白南準不僅表達了他對美國這樣一个多元文化國家的看法，還表達了他對我们未来的看法。

時間:

發展起源於1960年，

地點:

最早的發展地點主要在美國、日本、德國。

核心理念:

從影像與聲音特質中汲取養分，轉注於個人錄像形式，凸顯了電子媒介作為藝術創作的力量。突破往昔傳統影像而奠定錄像創作根基。藉由電子訊號、掃描紋理及反饋處理裝置等形式，將動態影像、身體行為等視覺元素鎔鑄於一爐，開拓出錄像藝術的時代視野。

文化連結:在1960年代中期，低價位的錄影設備出現。在藝術家的眼中，這些東西是一種創作的材料。1960年代晚期開始，就已經有一群抱持實驗精神的藝術家，使用錄影設備做為創作材料，發展錄像藝術。

負責人：1 人

• 影響力探討：分析該流派如何影響後續的藝術運動及現代社會。

• 當代價值：若該流派仍對當代藝術家產生影響，請舉例說明。

名稱 電視花園

年代 1974

媒材 多媒體

風格 新達達藝術

手法 透過單通道技術播放影片「全球常規」（Global Groove），影片透過放置在真實綠色植栽中的30台電視進行投影，幽默探討影像與自然界的共生關係。

概念和意涵 結合電視機與綠色植物的大型裝置，探索自然與科技的連結、科技與現代生活的共存狀態，引領觀眾進入白南準的創作實踐。

名稱 當符號成為一種擬態

年代 2025

媒材 複合媒材

風格 複製

手法 以圖像為符號，進行複合媒材作為繪畫結構的創作

概念和意涵 藝術是探討自然與真實之間的距離，模擬自然的偽自然即是「擬態」，

在這次的小組報告,我學會了與組員的分工合作,也了解到許多照相寫實主義的多新知,讓我獲益良多。

名稱 新山海經

年代 2011

媒材 複合媒材

風格 想像藝術

手法 帶有古籍書畫裡山水畫的畫風與筆觸，單一媒材的平面繪畫創作，以抽象或具像的手法，形塑在作品或畫布上

概念和意涵 流露出對大自然環境和對生態物種的奇幻想像、憧憬與關懷，天馬行空的圖像符號與感性浪漫的畫面節奏，是此新系列作品的特色。