“El arte debe versar sobre la quilla la hora y el único tema genuino del arte debería ser la propia existencia del artista.”

 

Su gran hazaña fue que se puede enfatizar en un marco de lo cotidiano como un tema tan valioso como otro tipo de pintura.

 

Su genialidad radicaba en poder tormar las influencias del pasado y moldearlas dentro de su propio espíritu artístico.

 

Se buscaba al cambio del mundo a través de la democracia e igualitarismo, de ahí surge una determinada visión socialista anticonstitucional pero verdadera en una manera. 

 

1848 un levantamiento en París consiguió destronar al rey Luis Felipe y se proclama una nueva República a manos de la “comunidad bohemia”.

Tiene las proporciones de un cuadro histórico pero es una escena común lo cual trajo muchas críticas, Delacroix se  sorprendió mientras Champfleury le gustó.

La realidad provinciana de la cual no muchos la comprendía porque es diferente a su propia realidad.

El cuadro fue aceptado en el salón en 1849.

La intención registrar modos ideas y aspectos de la vida como los vio para crear un arte vivo.

Courbet elevó el estatus de las personas comunes, las clases altas tenían el poder potencial de los campesinos. 
Sin duda es la visión política del artista que intrigaba en la época.

También evoca las 4 edades de la vida. 

El elemento que se retoma comúnmente es la calavera en el suelo. El perro como acompañante del del difunto al otro lado. 

En las obras de Courbet siempre se busca una implicación política.

Se observa que el pintor se deleita con su condición.

A cada lado se observan diferentes individuos, a la derecha sus amigos y familiares “los que viven la vida”, y a la izquierda el grupo más oscuro “aquellos que viven en la muerte”.

Una real alegoría resumiendo siete años de mi vida artística, una obra auto explicativa, en ella se plasma en una preocupación por promover el realismo a su propio entender.

 

Fue en contra de la convención académica , Courbet pavimento el camino y permitió la reconstrucción de la tradición de la pintura, sobre las ruinas del sistema académico. Rompiendo la jerarquía de los géneros confrontando a sus observadores.

 

Millet era de una familia campesina de Normandía. Muy joven ya tenía dotes evidentes para el dibujo y estudió en varias ciudades, acabando en París. Su pintura sin embargo, no fue bien recibida.

 

Millet y Rousseau fueron vecinos en Barbizon, y llegaron a intimar mucho. 

 

Las figuras de Millet son masas pesadas y tristes, con la cabeza baja, sumidas en la desolada inmensidad de las llanuras inacabables. Sus contemporáneos le reprocharon siempre su visión áspera y triste de la vida de los campesinos. Sin embargo, el pintor consideraba que “Al mirar la naturaleza y los hombres nunca he visto su aspecto alegre”. Para él que parecía escuchar las voces profundas de la naturaleza, interpretaba una realidad que, aun sin comprenderla como él afirmaba, transcendía cualquier sentimiento de complacencia bucólica.

 

Millet tenía al comentar las observaciones adversas de algunos críticos: "Creen que me harán retroceder, que me convertiré al arte de los Salones. Pero no: campesino nací y moriré campesino. Quiero pintar lo que yo siento". El artista fallece en 1875.

El pintor representa a tres mujeres. Combina de este modo tres fases del repetitivo y agotador movimiento que impone esta dura tarea: agacharse, recoger, levantarse.
Su austeridad se opone a la abundancia de la cosecha en lo lejano.

Millet matiza lo lejano, para producir una atmósfera dorada y polvorienta, intensificando la impresión bucólica del fondo. 

El personaje a caballo, aislado en la derecha es seguramente un capataz. Su presencia añade una distancia social, recordando la existencia de los propietarios de cuyos es la emanación. 

Millet otorga a estas cosechadoras, sin duda pobres, pero no menos dignas, un valor emblemático, depurado de cualquier miserabilísimo.

Fue un destacado caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor francés. Su estilo se destacaba principalmente por el retrato de costumbres enmarcado en la crítica social, en que los rostros cargaban mucha expresividad.

Fue uno de los artistas más importantes y más populares del realismo francés.

 

Sus inicios en el arte se dieron con trabajos de xilografía e ilustraciones y empiezan sus primeros trabajos para pequeñas editoriales.
Sunday (1822)

Esta madre sin rostro de la mano de unos niños sin rostro es probablemente sobre su sociedad y su momento histórico. Unas figuras anónimas en una atmósfera fría, pero son figuras que se mantienen en pie quizás apoyándose en una dignidad que podemos percibir aún sin conocer el contexto.

Daumier se encargó de hacer crítica social y sátira política

Con su realismo social, representó los pesares de la clase trabajadora, también él los padeció.

Porque un artista es también sinónimo de libertad e individualismo.