A tal proposito l’Artista afferma “il mio sogno non si lascia catturare, non ha alcuna allegoria [..] l’essenziale in un'opera d’Arte è in quello che non è espresso”.

Questa indagine filosofica del quadro, poi, viene ampliata dalla seconda domanda posta dal titolo: "Chi siamo?". A questo punto, procedendo verso sinistra, accanto al neonato vengono raffigurate tre giovani donne sedute che sorvegliano il suo sonno. Due di loro guardano centralmente verso lo spettatore, mentre la terza è seduta di schiena con il volto di profilo; i loro atteggiamenti corporei sono meditativi e sensuali al tempo stesso. La donna a destra è completamente nuda, mentre la donna di sinistra, pur coprendosi i seni con il braccio, non esita a portarsi la mano alla bocca.
Dietro questo gruppo, verso il centro, due figure femminili con lunghe tuniche avanzano lentamente in ombra uscendo da un antro buio, probabilmente intente a discutere sul perché della vita, mentre una terza grande figura accovacciata, seduta di spalle, che elude volutamente le leggi della prospettiva, leva il braccio e guarda con attenzione le due figure femminili che osano pensare al loro destino. 

Al centro della tela un giovane polinesiano in piedi, che indossa solo un panno intorno ai fianchi, viene rappresentato con le braccia alzate verso le fronde in alto, intento a raccoglie dei frutti.

Le interpretazioni di questa figura si rivelano ampie e variate, siccome tale gesto potrebbe alludere al momento della procreazione, atto con il quale un uomo vede, in un certo senso, i propri “frutti”, ma anche alla gioventù, età della vita umana nella quale si è notoriamente più lieti e spensierati. Tuttavia la forza gioiosa giovanile è sempre pacatamente velata da un sentimento di malinconia, dettato dall'incertezza del domani e dall'impossibilità di rispondere a quesiti esistenziali come quelli proposti dall’Artista. Alcuni critici, affascinati dal gesto di cogliere il frutto, ne hanno tuttavia avanzato anche un'interpretazione di stampo religioso, che si riallaccerebbe così alla nozione cristiana del peccato, esemplificata nella figura di Eva quando assaporò la mela dell'albero proibito. 
Procedendo sempre verso sinistra in primo piano vediamo un adolescente seduto a terra di profilo nell’atto di addentare un frutto, mentre accanto a lui giocano due gatti e una capra attende seduta.

Una donna, infine, l’ultima figura che rappresenta la risposta alla domanda “Chi siamo?”, è raffigurata in piedi, di profilo, in secondo piano accanto alla statua della divinità locale.

In questo quadro, dunque, le stagioni della vita si succedono incessantemente, tra angosce e speranze, sino a degenerare nella vecchiaia. 

“Dove andiamo?”: a questo ultimo, fondamentale interrogativo è dedicata la porzione sinistra della tela, dove troviamo rannicchiata una signora anziana in posizione quasi fetale, con la pelle più scura rispetto alle altre figure e con le mani strette intorno al volto. Quest'anziana signora è investita dallo straziante assalto dei ricordi insorgenti, dei rimpianti e dei rimorsi: la sua giornata terrena sta per concludersi, ed è tremendamente spaventata dal destino ignoto che la attende, ovvero la morte, che viene incarnata dall’uccello bianco all’estrema sinistra accanto a lei che tiene una lucertola con gli artigli, a simboleggiare quel momento sconosciuto a tutti noi del passaggio dalla vita alla morte.
La fanciulla distesa al fianco dell’anziana donna prova compassione per il soffocante cumulo di ricordi che la angoscia, tanto che la guarda intensamente, impensierita, bensì presenti il corpo rivolto verso la giovinezza gioiosa ed effimera che si dipana alla sua sinistra. Questa figura della giovane donna è presente anche in un’altra opera che Gauguin produce nello stesso anno dal titolo Vairumati, conservata al Musée d’Orsay di Parigi. 

L’opera, nonostante i suoi contenuti filosofici, è particolarmente interessante anche per la sua tecnica pittorica.

All’inizio della sua carriera Gauguin dipinge con pennellate veloci e visibili, in pieno stile impressionista, ma ad un certo punto della sua vita si distacca da questo stile e comincia a realizzare opere con uno stile tecnico completamente diverso, usando una vernice spessa per evitare che i colori si mescolino tra di loro e crea delle linee nere intorno ai contorni delle figure. In quest’opera si concretizza tutto ciò: i corpi dei personaggi sono dipinti senza l’uso del chiaroscuro e le forme sono evidenziate da una solida ed elegante linea di contorno, mentre le pennellate sono sovrapposte sulla tela a formare campiture dalle minime variazioni di toni. Solo sui corpi dei personaggi si coglie ancora un accenno di debole ombreggiatura.

Lo stile felice e gioioso dei primi dipinti tahitiani, dunque, ha lasciato il posto ad atmosfere più cupe dove a dominare sono i colori verde, blu, viola, mentre gli incarnati sono caldi, bruni e ocra e contrastano con rapporti di luminosità con il paesaggio.

Paul Gauguin, perciò, fa un uso arbitrario e antinaturalista del colore che successivamente ispirerà anche le ricerche dei pittori Fauves.

L’opera non presenta l’uso della prospettiva geometrica, ma lo spazio è suggerito dalle prospettive di grandezza e di sovrapposizione, però presenta la simmetria che è determinata dalla figura del giovane polinesiano in piedi non perfettamente centrale e dalla disposizione delle figure: le donne con il neonato a destra equilibrano la giovane e la donna anziana di sinistra, le due figure femminili in ombra rispecchiano la figura dell’idolo e della donna in piedi accanto alla statua e i due angoli superiori sono entrambi occupati da campiture di colore giallo con il titolo (a sinistra) e decorazioni (a destra). 

Per ultimo, infatti, bisogna sottolineare che il titolo dell’opera è arrivato a noi grazie all’iscrizione in francese sul dipinto stesso, in alto nell’angolo di sinistra.
Negli ultimi anni della sua vita Gauguin da titoli formati da domande a molte delle sue opere, questo perché vuole anche sottolineare l’importanza del porsi certe domande a livello esistenziale durante la propria vita.