출생:1452년경, 피렌체 공화국 빈치

사망:1519년 5월 2일, 프랑스 클루

국적:이탈리아

분야:예술, 과학 등의 다양한 분야

가난과 어둠으로 표현한 청색시대(1901~1904)를 열었다

Pablo Picasso, Pablo Ruiz Picasso출생

1881. 10. 25. 스페인사망

1973. 4. 8.

스페인 태생이며 프랑스에서 활동한 입체파 화가. 프랑스 미술에 영향을 받아 파리로 이주하였으며 르누아르, 툴루즈, 뭉크, 고갱, 고흐 등 거장들의 영향을 받았다. 초기 청색시대를 거쳐 입체주의 미술양식을 창조하였고 20세기 최고의 거장이 되었다. 《게르니카》, 《아비뇽의 처녀들》등의 작품이 유명하다.

카를로스는 제르맹에 사랑에 빠지게 된다.

발기부전으로 우울증을 앓고

카를로스의 구애에도 제르맹의 거절이 계속되자

1901년 술에 취해 제르맹를 향해 총을 쐈지만 

제르맹은 테이블 밑으로 피해서 실패하고,

본인은 머리를 향해 총을 쏘고자살했다

사망 정보: 1973년 4월 8일, 프랑스 무쟝

예술 사조: 입체주의, 초현실주의, 표현주의, 탈인상주의, 신고전주의, 종합적 입체파, 나이브 아트, 사실주의, 인상주의, 상징주의, 아르 누보, 피카소의 청색 시대, 피카소의 장미빛 시대, 피카소의 아프리카 기간, 더보기

국적: 스페인

시리즈: 시녀들, 알제의 여인들, 3명의 악사, 프랑코의 꿈과 거짓

배우자: 자클린 로케 (1961년–1973년), 올가 코클로바 (1918년–1955년)

밝은 색상을 쓰기 시작한 장밋빛 시대 (1904~1906)를 열고,

아프리카 시대 (1906~1907), 초기 큐비즘 (1907~1912)까지 함께 한다.

피카소가 파리로 이주하고 가난했던 시절 만나 7년 동안 뜨거운 사랑을 나누며 

페르낭드(1881~1966)에게 영감을 받아 60점 이상의 그림을 완성했다

사망 정보: 1973년 4월 8일

파블로 루이즈 피카소는 스페인 말라가에서 출생하였고 주로 프랑스에서 미술활동을 한 20세기의 대표적 큐비즘 작가로 널리 알려져 있으며, 대표작으로 《아비뇽의 처녀들》, 《게르니카》 등이 있다. 피카소는 1만 3,500여 점의 그림과 700여 점의 조각품을 창작했다.

소설가이자 컬렉터로 세잔, 마티스, 헤밍웨이 등을 발굴한 현대 예술의 대모

최초의 입체주의 작품으로 평가받는

피카소의 초기 대표작인 아비뇽의 처녀들

작품 완성 후 교류했던 친구들조차 충격적인 반응에 

자신의 스튜디오에 두고 9년이 지난 후에 일반인에게 공개했다.

“너희 가운데 한 사람이 나를 팔아 넘길 것이다.”
“아니 그럴리가요?”“설마 저는 아니겠지요?”

놀라움, 의심, 두려움, 걱정…… 제자들의 반응은 가지각색이었을 것이다. 신약 성경을 읽어나가다 보면 제자들은 각기 다른 개성의 소유자였음을 알 수 있다. 토마스는 의심이 많았고, 베드로는 성질이 불 같았으며, 마태오는 침착하고 지적이었다. 다 빈치는 이들이 각자의 기질에 따라 예수가 위의 말씀을 한 후 어떻게 반응하였는지를 표현하고 있다. 그는 열두 제자를 그리기 위해 인간의 다양한 얼굴 생김새와 표정을 관찰하였다. “얼굴의 굴곡이 심하고 깊은 사람은 동물적이고 본능적이며, 이유 없이 화를 잘 낸다.”고 쓴 그의 비망록에서 알 수 있듯이 그는 두개골 형태에 따라 관상이 달라지며 이에 따라 사람의 성격이 정해진다는 사실을 해부학 실험을 통해서 알게 되었다. 당시에 해부학을 본격적으로 시도한 사람이 바로 다 빈치다.

그는 두개골을 면밀히 연구한 후 그 형태에 따라 제자들의 생김새를 결정했고, 이를 바탕으로 다시 거기에 맞는 반응을 얼굴 표정이나 몸짓으로 표현했다. 이를 위해 성경을 읽고 제자들의 성격을 일일이 파악한 것은 물론이다. 이렇게 해서 탄생한 사도들의 모습을 보면 성 토마스는 예수의 바로 오른편에 앉아서 손가락을 위로 가리키며 반문하고 있다. “그게 누굴까?” ‘의심하는 성 토마스’라는 말이 있을 정도로 의심이 많아 부활한 예수를 보고도 믿지 못하고 옆구리에 손가락을 넣어보고서야 믿은 토마스다. 열두 제자 중 가장 중요한 인물인 요한과 베드로 그리고 예수를 배반한 유다는 예수의 왼편에 함께 그려졌다. 이들 중 가장 오른편에 있는 사람이 요한이다. 다 빈치 이전의 그림을 보면 요한은 자주 예수님의 품에 안겨있는데 이는 “제자들 가운데 한 사람이 예수님 품에 기대어 앉아있었는데, 그는 예수님께서 사랑하시는 제자였다.”는 성경 구절에 따른 것이다.

성격이 불 같은 베드로는 자신의 궁금증을 풀려는 듯 요한의 귀에 대고 무언가를 속삭이고 있다. 성격이 급한 그는 스승의 말씀이 끝나기가 무섭게 화가 머리 끝까지 치밀었다. 칼을 들고 있는데 이는 예수님이 체포될 당시 대제사장 종의 귀를 자를 것임을 예고하는 것이자 그의 불 같은 성격을 보여주기 위함이다. 유다는 열두 제자의 회계 담당이었으므로 돈 주머니를 들고 있는데 이는 또한 그가 은전 30냥에 스승을 팔아먹으리라는 암시이기도 하다. 다 빈치 이전의 화가들이 <최후의 만찬>에서 유다를 식탁 건너편에 혼자 앉게 하는 방식으로 그를 구별하던 것과 달리 다 빈치는 유다를 다른 제자들과 똑같이 식탁에 앉게 하였다. 이는 성서의 말씀을 정확히 해석하여 아직 그가 죄인임이 드러나지 않은 상황을 표현하고자 했기 때문일 것이다.

다 빈치는 1495년부터 2년에 걸쳐 이 그림을 그렸다. <최후의 만찬>은 다른 벽화들에 비해 상태가 좋지 않다. 이는 그가 당시 벽화를 그릴 때 젖은 벽에 안료를 칠하던 프레스코 기법을 쓰지 않고 마른 벽에 직접 템페라 물감과 유화 물감으로 그렸기 때문이며 16세기 초반부터 그림의 상태가 이미 나빠졌다고 한다. 그러나 이는 새로운 것을 시도하려 한 작가의 도전 정신의 결과라 해야 할 것이다. 다 빈치가 프레스코화로 그리지 않은 이유는 하루치 분량만큼만 그려야 하는 프레스코 기법이 그에게 맞지 않았기 때문이다. 그는 머릿속에서 구상이 이루어지기만 하면 작업 자체는 별로 어려운 것이 아니라고 생각했다. 전기 작가인 바사리는 다 빈치가 며칠씩이나 “그림에는 손도 대지 않고 벽 앞에 앉아서 명상에 잠겨있었다.”고 쓰고 있다.

이 그림은 르네상스 회화의 특징인 수학적 원근법의 결정판이기도 하다. 그림이 그려진 벽면은 마치 실제 벽면이 이어지는 것처럼 환영 효과를 불러일으킨다. 원근법의 소실점은 바로 예수의 머리다. 이 그림에서는 또한 사도들과 그리스도의 후광이 보이지 않는다. 예수의 후광을 대신하는 것은 유난히 밝은 창이다. 과학적 사고에 바탕을 두는 다 빈치에게는 후광 역시 실존하는 것이 아니었다. 이렇듯 모든 것이 화가에 의해 세심하게 고안되고 연출되었다.

〈최후의 만찬〉이나 〈암굴의 성모〉와 〈모나리자〉에 나타나는 풍경은 지구상에서는 볼 수 없는 지옥의 풍경이라거나 적어도 이탈리아에서는 볼 수 없는 스코틀랜드의 풍경이라는 이야기도 있다. 스코틀랜드에 성배가 숨겨져 있기 때문이라는 것이다. 물론 허구이다. 예수를 중심으로 사람들이 M자를 그려서 암호를 나타냈다고 하는데, 사실은 예수가 "너희 중에 나를 팔 자가 있다" 말하자 제자들이 깜짝 놀라 뒤로 물러나는 순간(「마태복음」 26장 21~22절)을 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452~1519)가 그렸기 때문이다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 ‘리자 부인’이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 ‘모나’는 ‘마돈나(Madonna)’의 준말로, ‘부인’을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

어찌되었든 〈모나리자〉가 ‘라 조콘다’라는 이름을 갖게 된 것은 1625년, 퐁텐블로에서 그림을 직접 본 고고학자 카시아노 달 포초가 바사리의 언급에 힘입어 그렇게 부른 것에서부터 비롯된다. 하지만 그녀가 조콘도의 부인이 아니라는 의혹도 만만치 않다. 1517년, 당시 클루 성에 있던 레오나르도를 만난 한 추기경은, 그곳에서 〈성 안나와 함께 있는 성모자〉, 그리고 〈세례 요한(바쿠스)〉과 함께 메디치 가문의 남자가 주문한 피렌체의 어느 부인의 초상화를 보았다고 전한다. 따라서 그녀는 메디치 가문과 관계된 어느 여인이라는 가설이 제기되기도 했다.

마리아는 젊고 아름다운 모습으로, 석관 위에 놓인 독서대를 마주하고 앉아 있다. 처녀의 몸으로 잉태할 것이라는 기상천외한 소식을 들은 그녀는 왼손을 들어 이를 겸허히 수용하고 있다. 천사 가브리엘은 무릎을 꿇어 장차 구세주를 낳을 마리아에게 순종의 예를 다하고 있다. 가브리엘의 날개는 레오나르도 다빈치가 수많은 새를 관찰하고 연구해 그린 것으로, 막 땅에 하강한 새처럼 날개를 위로 세우고 있다.

이 작품은 규모가 큰 제단화의 일부로서 전체 작품을 위해 액자 제작자를 포함하여 세 사람이 참여했고, 그중 다 빈치는 중앙에 설치할 그림을 맡았다. 이 작품과 관련한 당시의 계약서(1483)가 남아있어 작품의 크기, 내용, 작품비, 제작 연대, 동참한 작가들에 관한 정보를 비교적 자세히 알 수 있다.

성모 마리아와 세례자 요한 그리고 천사와 예수가 전형적인 피라미드 구도로 화면 중앙에 배치되어 있다. 이 그림은 성 가족이 이집트로 피난을 하던 중 세례자 요한을 만났다는 전설을 그린 것으로 이들이 잠시 동굴에서 휴식을 취하고 있는 순간을 묘사한 것으로 보인다.

화면 왼편에서 두 손을 모아 경배를 드리는 아기는 세례자 요한으로 아기 예수보다 몇 달 먼저 태어났으며, 둘은 친척 관계다. 아기 예수는 그 맞은편에서 한 손으로 세례자 요한에게 축성을 내리고 있으며, 천사는 시선을 그림 밖의 관람자를 향한 채 검지로 그림을 가리키고 있어 관람자를 그림으로 초대하는 듯하다.

배경은 기암 괴석이 있는 어둠침침한 동굴 속이며, 배경 끝에서는 희미한 빛이 들어오고 있다. 무대가 동굴 속이다 보니 등장인물들은 하나같이 어슴푸레한 어둠에 묻혀있다. 천사의 머리카락은 유사한색의 담쟁이덩굴과 맞닿아 있어서 경계가 모호하며, 성모 마리아의 푸른 옷도 어둠 때문에 형태를 정확히 알기 어렵다. 발가벗은 아기 예수의 몸은 섬세하고 미묘한 빛과 어둠의 대비로 그려졌으며, 세례자 요한도 마찬가지다. 어두운 영화관에서 사람들을 잘 알아볼 수가 없듯이 이 인물들도 희미한 대기에 묻혀있어서 그 누구도 형태가 뚜렷하지 않다. 화면 전체를 감싸고 있는 희미한 빛은 동굴 밖에서 비춰진 유일한 빛 덕분이다.

예술가: 파블로 피카소

크기: 60cm x 49cm

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1937년 10월 26일

소재: 도라 마르, 고통

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크기: 1.3m x 97cm

소재: 마리 테레즈 월터

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1932년

예술가: 파블로 피카소

소재: 여자

재료: 유성페인트

시대: 입체주의

제작 시기: 1907년–1907년

중앙의 모티브는 아기 예수 가 무릎에 앉은 어린 성모 마리아 입니다. 화려한 옷과 보석으로 묘사되어 있으며 , 왼손으로 Mary는 카네이션 (빨간색, 피와 열정을 암시)을 들고 있습니다 . 얼굴은 밝게 비춰지고 다른 모든 물체는 더 어둡습니다 (예 : 꽃이 그림자로 덮여 있음). 아이는 눈을 마주 치지 않고 위를 바라보고 어머니는 아래를 내려다보고있다 . 초상화의 설정은 그림의 양쪽에 두 개의 창이있는 방입니다.

원래이 그림은 Andrea del Verrocchio 가 만든 것으로 생각 되었지만 이후의 미술사 학자들은 그것이 아마도 Verrocchio에 대한 견습 기간 동안 만들어진 Leonardo의 작품이라는 데 동의합니다. 처녀의 머리카락, 왼손, 휘장, 꽃은 레오나르도의 성모 영보 와 비슷합니다 .

  뭉크에게 자화상은 객관적인 사실성을 자신의 내적혼과 정신관계를 표현함으로써 자기완성에의 도표(道標)를 이루고 있다.

  석판화로 표현한 이 자화상 외에도 <저승에서 자화상>, <여자의 마스크 밑의 자화상>, <담배를 든 자화상>, <베르겐의 자화상>, <시계와 침대 사이의 자화상> 등이 있는데 자기 내적 고백이나 죽음과의 갈등과 대결, 죽음의 상징화를 거쳐 생명을 조화적으로 해결하려는 자세가 있다.

   많은 자화상들 중에서 이 작품은 가장 유명한 것으로써 아름다운 검은 바탕에 정성들여 소묘식으로 표현한 얼굴만이 나타나고 있다.

  항시 죽음을 의식하고 늘 응시해 온 그에게 해골은 죽음에 대한 마음의 '내적인 영상'이었던 것이다.