Podría decir que mi estilo se fue definiendo poco a poco a lo largo de los años, hasta conformar un arte, desde mi apreciación, muy personal, en el que trabajé con collages y con elementos cotidianos y artesanales, algo que nunca se había visto de esta manera. En mi obra represento mi identidad como una artista, que trabaja en la abstracción contemporánea con el desafío de representar la conciencia de las mujeres, es por ello, por lo que a menudo, veréis que uso iconos o patrones asociados a las estas.

En un primer momento, en mi estancia en Nueva York en 1946, realizaba cuadros que se encontraban dentro del expresionismo abstracto, pero, ¿os podéis creer que mi condición de mujer, hizo que no pudiera progresar en este movimiento y que no fuera reconocida como artista a pesar de la calidad y el éxito de mis creaciones?

Por ello, no pensaba quedarme de brazos cruzados, y, este hecho, sumado a la ideología que sustentaba, hizo que en 1970, comenzara a optar por un arte orientado al ensalzamiento de la mujer y sus cualidades. Sería aquí donde decidiría, junto a la gran artista y compañera, Judy Chicago, crear un Programa de Arte Feminista, que fue, ni más ni menos, el primer departamento de conocimientos feministas en el espacio universitario.

Es así interesante, que reparéis en uno de los proyectos que surgieron en este Programa, conocido como la Womanhouse (1972), que fue, y lo digo con orgullo, la primera exposición colectiva de arte feminista. El proyecto consistió en la intervención de una casa abandonada, y la reconstrucción de cada una de sus habitaciones de una manera bastante crítica, pues pretendíamos transmitía la idea del espacio doméstico como lugar de dominación del cuerpo de la mujer y la proclamación del matrimonio y la sexualidad como sistemas de encierro y disciplina.

Así, a lo largo de toda la estructura instalamos elementos relacionados con lo que se le asignaba a la mujer en la sociedad. Y a través, precisamente, de una sucesión y repetición de los mismos, expusimos el carácter restrictivo de lo femenino.

En ella, quería representar mis ideales, así que, tras que hayáis observado bien la imagen, comenzaremos a explicarla para que seáis capaces de entender en profundidad, mi objetivo con esta obra...¿igual es mejor que os haga participar, no? ¡Vamos a ello!

PENSEMOS JUNTOS...
En primer lugar vamos a fijarnos en la planta baja, vemos una cocina y un salón, ¿verdad?, ¿qué creéis que trato de representar con estas dos estancias?
Os dejo tiempo para pensar lanzándoos otra pregunta. Veis que hay dos dormitorios, en el que en uno de ellos, existe un elemento curioso...¿no hay un espejo, en el que se ve a una mujer reflejada?
Pero eso no es todo, ¿que creéis que traté de hacer ver, con esa habitación exótica, con colores tan fuertes?, o el hecho, ¿de representar una habitación de bebé, en la tercera planta?

Se que puede ser difícil de comprender, pero os diré mis intenciones, y creo que así, entenderéis el significado de mi obra.

En primer lugar, representando las estancias de la primera planta, traté de demostrar el papel de la mujer como “buena ama de casa”.

Por otro lado, en el dormitorio de la segunda planta, esa mujer del espejo, demuestra esa preocupación de la mujer por alcanzar los ideales de belleza y ser aceptada por el marido.

A su lado, la habitación de apariencia exótica, con motivos orientales y colores puros y fuertes, representa la sumisión sexual de la mujer al hombre. Y. en la planta superior, la habitación del niño o del bebé, transmite ese deber como madre de la mujer.

Pero atentos, todo ello, se envuelve en un ambiente con ciertos elementos que a simple vista parecen insignificantes, pero que, si reparamos en la idea de lo que pretendo transmitir, son tremendamente conmovedores:

¿Cuál es el objetivo de los mismos? ¿Por qué creéis que los incluí?

Si reflexionamos, podríamos decir que todo ello define los peligros ocultos de la realidad femenina y los terrores que existen dentro de sus paredes. 

Además, y no menos importante, es tan solo en la última habitación que queda por mencionar, que se corresponde con el estudio de la mujer, donde esta puede sentirse realizada a través del arte. En este caso, el maniquí que se observa es de hombre, pues hago ver que se le ha otorgado el papel de modelo, mientras que yo, asumo el rol de artista.

¿Qué os parece en sí mi idea? Vemos que no solo fundí la ironía con mi habilidad artística, sino que cuestioné las limitaciones femeninas, convirtiendo la vida doméstica en un símbolo del horror. 

Creía que para que un elemento pasara a ser considerado como femmage, tenía que cumplir una serie de requisitos, entre los que se encontraban, que fuera trabajo de una mujer, que el tema estuviera en un contexto de vida femenina, o que hubiera imágenes encubiertas, entre otras cosas.

Aquí puedo destacaros mi obra A cabinet for all seasons, donde trataba de representar los cambios y repeticiones que se dan en la vida de la mujer y en su cuerpo.

Pero, ¿no es aparentemente una controversia? pues mientras que en la pintura original, Kahlo, hace referencia a la herida que la dejó estéril, en este caso, esta misma figura la he insertado en un marco abstracto, pretendiendo representar la fecundidad. Podríais pensar entonces, que he tratado de transformar este problema o trauma, en un asunto más optimista.

Por otro lado, en este caso veis que no he utilizado los materiales que a lo largo de mi obra como artista intenté resaltar continuamente, sino que aludí a ellos, pintándolos. Esto se debe a que pretendí hacer una alusión a los cánones del arte que se encontraban con anterioridad al cubismo y a los collages, y que definían cuales debían de ser los materiales “correctos y adecuados”, para las obras.

Para tratar la importancia del título y de su relación con la obra, es necesario que sepáis, que “La agonía en el jardín” es un pasaje de la Biblia que se inserta en el Nuevo Testamento. ¿Por qué tomé este título para mi obra? Para hacer referencia a los temas “políticamente correctos” del arte clásico. Como sabemos, para que una obra fuese aceptada como arte en el pasado, tenía que encontrarse dentro del ámbito religioso y representar temas bíblicos. Por ello decidí tomar este tema y modificarlo trasmitiéndoos mi mensaje.

Es una obra por otro lado, que debería de produciros un fuerte contraste de emociones, al representarse la mujer llorando en el centro del cuadro, pero rodeada de motivos coloridos y “alegres”.
Este hecho, de nuevo tiene una explicación, pues trato de ensalzar la figura de la mujer artista que a lo largo de la historia no ha tenido importancia, ni se le ha dado el mérito merecido, exponiéndola en el centro para representarla en el lugar donde debería de ser colocada.

Por todo lo mencionado, quiero que consideréis este cuadro como una obra de gran interés, pues no solo pretendí recoger el sufrimiento de todas las artistas, sino que traté también de darles voz y ubicarlas en el lugar donde merecían estar.

Ya se que muchas de vosotras y muchos de vosotros estaréis diciendo que a ellos los conocéis y a mi Miriam Schapiro no.Es por eso que mi vida se baso en la lucha y en la reivindicación por la mujer.

Hoy desde donde quiera que este  sigo observando que mi persona sigue aún siendo poco conocida. Le doy las gracias a el National Academy Museum de Nueva York por exponer mi obra y mi vida , y poco a poco darme a conocer.

Comencé mi carrera profesional como artista creando dibujos y pinturas de las que tomé influencia en el movimiento expresionista de los años 1953-1957, si que es verdad que mis obras comenzaron a tener bastante influencia entre el público pero igualmente me encontraba bajo la discriminación que sufríamos y sufrimos las mujeres bajo el éxito de los hombres.

 

Fui dueña y cree mi propio lenguaje gestual, decidí basarlo en “pintar finamente y limpiar”, tomé esta decisión por que me parecía tan importante el espacio en blanco, es decir, la zona limpia como la zona pintada. Estas obras las pinte de manera abstracta fijándome en las obras en blanco y negro de “los viejos maestros”. En diciembre del año 1957 una de mis obras fue escogida por André Emmerich para ser expuesta en su galería, esto me causó no solo una gran alegría sino que dio mas pie a la fama que me surgiría.

Me di cuenta de que las clases de alumnos eran muy abundantes, lo que relataba lejano y un obstáculo para relanzar la enseñanza, por lo que la Universidad de California necesitaba un cambio en su forma de enseñar. Fue entonces cuando conocí a Judy Chicago (en una de sus conferencias), nos hicimos amigas y creamos un curso conjuntamente, la womhanhouse, este proyecto se trata de el Feminsit Art Program en el lInstituto de Artes de California.  El resultado de este programa se vio reflejado en el año 1972 cuando organizamos la Womanhouse en la que a parte de Judy y yo otras 22 mujeres artistas nos dedicamos a restaurar la casa abandonada con el objetivo de tratar puntos feministas como puede ser la domesticidad, el cuerpo, la identidad o los estereotipos.

Lo que aporte al feminismo y la categoría de Femmage se trata de un estilo como ya mencioné antes de collage, en el que utilizo materiales, objetos y técnicas artesanales relacionadas culturalmente con las mujeres.

Cree una serie de grandes Femmages, entre ellas “A cabinet all seasons”, esta era mi versión poética de la representación de cambios y repeticiones continuas en todos los cuerpos y vidas de mujeres.

Tuve un rasgo propio y característico mío en mis collages y era que durante mis viajes por los Estados Unidos dando conferencias, pedía a mis asistentes mujeres un recuero, recuerdos los cuales utilizaría después en el collage como pintaras. Además también realicé proyectos de arte colaborativos como mi serie de grabados “Anónimo era una mujer”  en el año 1977. En este año surgió también en mi la idea de la publicación especial de Herejías surgió en mi como una continuación de las ideas de publicación que habíamos probado en CalArts regresé a Nueva York donde presenté la idea de una revista que se haría muy popular, la revista herejías se convirtió en una de las mejores declaraciones filosóficas del pensamiento feminista. Lo que haríamos sería democratizar el arte.

Finalmente, cuando llegué a la década de los años 90, decidí comenzar a explorar mi identidad como judía en mis pinturas, construí de esta manera habitaciones con diferentes recuerdos que pertenecen a mi herencia judía. Mi declaración del arte judío mas explícita en el arte se trata de las “Cuatro Matriarcas”. También traje conmigo en esta década un trabajo que relacioné con las mujeres rusas vanguardistas.