Lina Santacruz Pulido by https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0 El rol de la mujer a lo largo de la historia en-us 2020-08-18 00:55:25 UTC 2025-11-03 15:24:06 UTC hello@padlet.com Justificación lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/684068947 El arte es la viva imagen de la historia, representa los distintos: sentimientos, necesidades, culturas y pensamientos de cada época. Desde las pinturas rupestres y las cerámicas, hasta los lienzos y el mármol, luego la fotografía, hasta llegar cada vez a cosas más abstractas y complicadas, o hasta más simples. Uno de los temas presentes en toda la historia del arte es el tema de lo que se cree que es la mujer o el género femenino en cada época.     
El rol de la mujer en una sociedad patriarcal ha ido cambiando a través de cada generación. Ha pasado de representar casi que un “objeto”, a ser reconocida como una “mujer ángel”, luego pasar a ser una “femme fatale”, hasta llegar a lo que es hoy en día: una mujer que representa la lucha de las generaciones pasadas para adquirir cada vez más derechos e igualdad y que demuestra un poco las generaciones futuras, que cada vez alzan más fuerte la voz haciéndose escuchar.
 Me interesa investigar sobre este rol desde el arte hecho tanto por mujeres como por hombres para poder demostrar desde diferentes perspectivas la evolución de lo que significa ser mujer en cada época, que cada vez intenta romper más con los cánones impuestos por la sociedad que tratan de delimitar el género. Esta sería una agradable forma de ver cómo las diferentes mujeres han ido construyendo y desarrollando la historia tal como Artemisa Gentileschi, Mary Shelley, Jane Austen, Virginia Woolf, Simone de Beauvoir, Coco Chanel o Frida Kahlo entre otras.  
]]> 2020-08-18 01:37:37 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/684068947 Arte prehistórico lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693792101 Ficha técnica:
La dama del cuerno de Laussel
Artista desconocido
Bajo relieve en piedra caliza
ca. 25,000 a.C
Descubierta en 1909
46cm de altura
Musée d'aquitaine de Francia

Análisis visual- características formales y función

La dama del cuerno es un bajo relieve hecho en un fragmento de piedra Caliza y mide 46cm de altura. Representa a una mujer con caderas y abdomen grande y senos también grandes y caídos. Se puede ver cómo la mano situada en la parte izquierda está sosteniendo un cuerno aparentemente de bisonte, mientras que la que se encuentra en el lado izquierdo está reposando en su vientre. 
Se puede notar cómo esta mujer, al igual que otras esculturas de su tiempo denominadas "venus", tiene las extremidades delgadas a comparación de su cuerpo y parece no tener ningún rasgo en su cara. Sin embargo, se podría pensar que su cara está representada de perfil, dado que su pelo parece ser más voluminoso del lado derecho que en el lado izquierdo, por lo tanto parece que la mujer está observando el cuerno.
Las mujeres en la época prehistórica cumplían un rol muy importante: ellas recogían los cultivos, se encargaban de la caza de animales pequeños y de cuidar de los niños. Luego se dedicaron también al tejido, acción muy importante para el comercio y la cultura. Estos labores están relacionados con la fuerza física de la mujer y por la maternidad además eran acciones muy importantes para el desarrollo de la comunidad de la época.
La función del bajo relieve no es segura, dado que, aunque hay teorías de que se trata de una representación de la diosa de la fertilidad, todavía no hay suficientes pruebas de que los sea. Por otro lado podría representar simplemente a una mujer o el canon de belleza de la época.

Referencias:]]> 2020-08-24 02:05:53 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693792101 Egipto lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693904387 Ficha técnica:
Ini y su esposa Chenetimentet
Artista desconocido
Piedra caliza policromada
Imperio Nuevo, Dinastía XIX, ca. 1250 a.C
30cm de altura
Museo de Arte Egipcio, el Cairo

Análisis visual-características formales y contexto histórico

La mujer en la sociedad egipcia representaba un rol casi igual de importante al de los hombres y tenían casi los mismos derechos. Esto se veía reflejado en la posibilidad de pedir un divorcio, de elegir a su esposo,´-de manejar sus propios bienes y de poder crear y mantener un negocio. Sin embargo estaban muy relacionadas con los labores domésticos, de hecho después de contraer matrimonio adquirían el nombre de Nebt-Het, qué significaba "la Señora de la casa" y tambíen pedían permiso al padre para poder casarse.
Por otro lado, las mujeres también representaban el soporte del hombre, era las encargadas de cuidar de sus maridos y de protegerlos. Esto deriva del rol que según la mitología tomaba Isis con su esposo Osiris.
Este mismo rol de la mujer como protectora del hombre se puede ver en el bajo relieve "Ini y su esposa Chenetimentet". Esta escultura está hecha en piedra caliza y es sorprendente cómo los colores originales todavía se pueden ver. Está compuesto por dos personajes que lo más probable es que sean de corte, dado que tienen una gran joyería y las pelucas típicas de las personas de corte. Se puede ver cómo ambos personajes están sentados y cómo el hombre está completamente estático, mientras que la mujer está abrazándolo. Este gesto es típico de las representaciones de un matrimonio en la época, esto porque representaba la protección y seguridad que la mujer debía darle a su esposo. Sin embargo es curioso ver esa representación en la época, dado que a partir de la Dinastía XVIII con el faraón Akenatón la representación de pareja había cambiado por una que representaba más la igualdad dentro del matrimonio.

Referencias:]]> 2020-08-24 04:00:51 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693904387 Mesopotamia lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693953741 Ficha técnica:
Ku-Baba
Artista desconocido
Estatua de alabastro
ca. 2350 a.C Dinastía III (Sumeria)
Descubierta en Girsu, ciudad sumeria
6,5 cm de alto
Museo del Louvre de París

Referencias:]]> 2020-08-24 04:53:41 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693953741 Minoico lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693975880 Ficha técnica:
Las damas azules
Artista desconocido
Fresco del palacio de Cnosos
ca. 1450 a.C
Descubierto en 1900
Museo de Heraklion, en la isla de Creta, Grecia

Referencias:]]> 2020-08-24 05:16:22 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/693975880 Grecia clásica lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/710500467 Ficha técnica:
Varvakeion Atenea
Artista desconocido
Mármol Pentelic
ca. 200-250 d.C
Copia romana de la Atenea Partenos de Fidias
1.05 m de altura
Descubierto en 1880 d.C
Museo Arqueológico Nacional de Atenas



Referencias:
  • El '' Varvakeion Athena" Copia de 200-250 d.C. del original del 438 a.C.", "National Archaeological Museum", no está la última modificación.
https://www.namuseum.gr/en/collection/klasiki-periodos-2/
]]> 2020-09-01 01:16:49 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/710500467 Grecia helenística lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/713660159 Ficha técnica:
Afrodita, Pan y Eros
Artista desconocido
Mármol de Parian
ca. 100 a.C
1,55 m de altura
Encontrado en la "Casa de los Poseidoniastai de Beryttos" en Delos
Museo Arqueológico Nacional de Atenas

Análisis visual-comparativo: características formales y contexto histórico, entre "Varvakeion Atenea" y "Afrodita, Pan y Eros":

Existe una gran controversia en lo que es el rol de la mujer en la antigua Grecia, por un lado están las mujeres en su vida diaria y por otro están las diosas y sus representaciones. Las mujeres en la vida diaria no eran muy reconocidas dentro de la sociedad, casi que eran vistas como un objeto, una mujer que cuidaba el hogar y tenía los hijos.
Esto, en parte se puede ver en las posibilidades que tenían las mujeres en la época, no podían participar en la vida política ni social, la sociedad era puramente patriarcal, al punto en que las mujeres no podían asistir a muchos eventos, por ejemplo los deportivos o la posibilidad de actuar en las obras de teatro, de hecho las mujeres eran representadas por hombres disfrazados; las posibilidades de estas mujeres eran muy escasas, se reducían a poder ser amas de casa o a ser sacerdotisas. Es curioso como este rol se contrapone con la representación de las diosas, que por otro lado se muestran como mujeres muy fuertes e independientes y que en muchos casos han podido superar a otros dioses.
Atenea es conocida por ser la diosa de la sabiduría y de la guerra, según los relatos mitológicos ella compitió contra Poseidón para poder poseer la ciudad de Atenas que anteriormente era denominada Iónica. Al finalizar la competencia, Atenea ganó con su inteligencia, dándole un árbol de olivos a la ciudad. Desde ese momento se convirtió en la "patrona" de Atenas, es por esto que se le quiso dedicar el Partenón. Un construcción de periodo Clásico griego. Antes de que el templo fuera destruido, el escultor Fidias creó una estatua de un tamaño colosal dedicada a la diosa, lastimosamente ahora lo único que queda es el recuerdo a través de una copia romana mucho más pequeña, conocida como "Varvakeion Atenea".
En la segunda imagen se puede ver a Afrodita que es reconocida por ser la diosa de la belleza y según la mitología tuvo un hijo llamado Eros que es reconocido por ser el dios del amor. Por otro lado, está el dios Pan que es "el todo", y tiende a ser representado como un fauno. Esta escultura cuenta la historia de cómo Pan está tratando de acosar sexsualmente a Afrodita, mientras que ella se trata de defender con su sandalia y con la ayuda de Eros, que en este caso es representado como un bebé con alas. Es muy interesante como el acoso hacia la mujer es algo totalmente recurrente en toda la historia de la humanidad, al punto que hoy en dia, muchos siglos más tarde, se sigue viendo ese problema y la lucha en contra de esto no se ha podido finalizar.
Es interesante ver cómo son de diferentes las dos esculturas antes mencionadas, por una lado la "Varvakeion Atenea", que es una escultura del periodo clásico y por otro la escultura helenística "Afrodita, Pan y Eros". El primer periodo es caracterizado por la mesura, el equilibrio y la utilidad cómo belleza, un poco parecido a lo que será en unos siglos la época victoriana. Estas características se ven perfectamente reflejadas en la escultura de la diosa Atenea, como se puede ver tiene un propósito únicamente utilitario, es una escultura para un templo, su único propósito es representar a la diosa para poder ser venerada. Además, se puede ver que es una escultura clásica por la serenidad de su rostro y por la posición de su cuerpo que aunque no es muy dinámico, tiene una leve inclinación conocida con el nombre técnico "contraposto" en italiano.
Por otro lado la escultura "Afrodita, Pan y Eros" representa perfectamente lo que es el estilo helenístico. Esto porque, al contrario de la Atenea, no tiene un propósito estrictamente utilitario, mientras que la primera escultura solo es la representación de una diosa, la segunda representa un pequeño fragmento de una historia. Otros aspectos característicos del estilo helenístico son: la mayor expresividad facial, la cantidad de los detalles y la representación de Eros, ya que es representado en su forma de bebé, cosa que antes no ocurría.
La antigua Grecia se caracteriza por ser un periodo muy extenso y con muchas etapas, es interesante ver como una misma cultura puede cambiar tanto reflejando los diferentes problemas y circunstancias de la época, creando así, no solo un nuevo arte, sino también un cambio de pensamiento, además es impresionante cómo el arte es testigo de este cambio.

Referencias:

  • El '' Varvakeion Athena" Copia de 200-250 d.C. del original del 438 a.C.", "National Archaeological Museum", no está la última modificación.
https://www.namuseum.gr/en/collection/klasiki-periodos-2/
  • "Grupo de mármol de Afrodita, Pan y Eros", de Delos, Cyclades ca. 100 aC. (3335), "National Archaeological Museum", no está la última modificación.
https://www.namuseum.gr/en/collection/ellinistiki-periodos-2/
]]> 2020-09-02 01:28:12 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/713660159 Romano lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/728340446 Ficha técnica:
Livia
Artista desconocido
Mármol
ca. 14 d.C
1,77 m de altura
Encontrada en Paestum (Italia)
Museo Arqueológico Nacional de España (MAN)

Análisis visual-características formales y contexto histórico

La mujer romana tenía un ideal del rol parecido al de la griega. Era la encargada de cuidar el hogar y la familia, por esto se conocían como "mater familias"; no era reconocida por el estado, equivalía a los niños o menores de edad y solo eran tenidas en cuenta con la presencia de un hombre, como el esposo o el padre. Sin embargo, tenía un cierto grado mayor de libertad y valor a comparación de la sociedad griega, ya que la educación que debía dar en la casa era de gran importancia.
Livia Drusila era la esposa del famoso emperador Augusto, fue conocida por ser una mujer ejemplar que cumplia con los cánones de la época y una gran representante de la cultura y la tradición romana. Fue una mujer que tuvo gran influencia en el gobierno de su esposo y llegó a tener un poder admirable, tanto que en el momento en que Augusto muere queda como protectora del legado del imperio y de la divinización, es por esto que fue llamada Augusta.
La escultura de Livia representa a una mujer sentada, que por los años ha perdido partes de su cuerpo, como los brazos y la nariz. Se puede ver cómo la estatua es imperial, no solo por la época si no también por la forma en la que está representada, por ejemplo la mirada y las facciones que retoman a las griegas, o el velo que era típico del emperador Augusto,  por lo que representaba un símbolo de sacralidad/divinidad. Es por esto que se cree que la estatua representa a una Livia que presenciaba los últimos días o la muerte de augusto, dado que ella adquirió la divinización de su marido. Situación que no fue aceptada por su hijo Tiberio, solo hasta que su nieto, el emperador Claudio llegó al poder, Livia fue reconocida como tal.

Referencias:

  • "Escultura de Livia", "Museo Arqueológico Nacional", 8 de septiembre del 2020.
http://www.man.es/man/dam/jcr:663cf8a9-5ca7-4cb7-9eba-b1cb7b8160f3/05-tesoros-livia.pdf
  • "Exposición: La mujer en la sociedad romana", "National Geographic", 8 de septiembre del 2020.
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/exposicion-mujer-sociedad-romana_9853

 

]]> 2020-09-08 17:25:30 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/728340446 Paleocristiano lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/749972150 Ficha técnica:
Retrato de Constanza
Artista desconocido
Mosaico
ca. IV d.C
No hay información exacta de la medida
Fragmento del mosaico del Mausoleo de Santa Constanza (Roma)

Referencias:

  • Adorno, Piero. Mastrangelo, Adriana. L'arte correnti, artisti, società: L'arte paleocristiano. Firenze: G. D'Anna Casa editrice S.p.A, 2007. 


]]> 2020-09-16 00:17:51 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/749972150 Bizantino lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/750372237 Ficha técnica:
Las vírgenes de Sant'Apollinare Nuovo
Artista desconocido
Mosaico
ca 493-526 d.C
No hay información exacta de la medida
Fragmento de mosaico de la basílica de Sant'Apollinare Nuovo (Ravenna)

Análisis visual-comparativo: características formales y contexto histórico, entre "Retrato de Constanza" y "las vírgenes"

La primera obra escogida es el retrato de Santa Constanza, hija del emperador Constantino. Esta mujer representa un nuevo rol que pueden adquirir las mujeres y es el de ser devota a la religión católica. Así sea que el pronombre de "santa" se proclame varios años después de la muerte. Este tipo de rol que se puede presentar tanto en hombres como en mujeres, es algo innovador, algo que en religiones pasadas no sucedía, ya que las personas representadas en templos o que se consideraban sagradas eran únicamente dioses, en este punto los mortales también pueden dedicar templos.
Este mosaico representa perfectamente el periodo paleocristiano, eso se puede notar por los colores un poco "pálidos", la falta de perspectiva y la falta del uso correcto de la espacialidad; esto se puede notar en la forma en que los personajes parecen estar flotando, como si no tuvieran peso.
La segunda imagen muestra un ambiente muy idílico donde se encuentran tres vírgenes con vestidos preciosos y una gran similitud entre ellas. Son un gran ejemplo de la idealización de la mujer en la época: que tenía que representar discreción, belleza y armonía.
Por otro lado, de puede notar que este mosaico de las vírgenes es típico del arte bizantino, ya que, aunque tiene muchos elementos en común con el arte paleocristiano, como la falta de relación entre el sensación el espacio y el cuerpo; hay un elemento específico y notorio que los diferencia, y es el uso de color dorado, que es típico bizantino.
Es interesante ver reflejado estos tipo de mujeres. Esto demuestra cómo poco a poco va cambiando el rol de la mujer en el tiempo.

Referencias:

  • Adorno, Piero. Mastrangelo, Adriana. L'arte correnti, artisti, società: L'arte bizantino. Firenze: G. D'Anna Casa editrice S.p.A, 2007. 

]]> 2020-09-16 03:36:39 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/750372237 Alta Edad Media lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/770500736 Ficha técnica:
El Pecado Original
Artista desconocido
Fresco del Panteón de los Reyes
ca sig X d.C
No hay información exacta de la medida
Fragmento del Fresco del Panteón de los Reyes que hace parte de la Colegiata De San Isidoro de León

Análisis visual-características formales

El relato del "Pecado original" con Adán y Eva, es uno de los más populares y conocidos, cuenta cómo fueron los primeros dos humanos creados por Dios. Lastimosamente la historia deja una imagen negativa de la mujer, queda pintada como la "persona que llevó al hombre al pecado".
Esto lleva a que las mujeres sean vistas como gran fuente del pecado. Además, la historia relata que Eva salió de la costilla de Adán. Por lo tanto las mujeres quedan como personas dependientes e inferiores de los hombres.
El "Pecado original" se encuentra en la parte derecha del fresco. Muestra cómo Eva le recibe la manzana a la serpiente y cómo Adán observa. El dibujo es fácil de entender, esto es por que en la época la representación figurativa era muy importante, dado que, la mayor parte de la población era analfabeta y la mejor forma para entender era con las representaciones de las historias.

Referencias:
  • "El Pecado Original", "Real Colegiata de San Isidoro", 22 de septiembre del 2020.
https://www.museosanisidorodeleon.com/historia-y-arquitectura/


]]> 2020-09-23 01:15:33 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/770500736 Románico lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/804994001 Ficha técnica:
Virgen con el niño
Artista desconocido
Fresco
ca 1123 d.C
ábside: 600 x 280 x 140 cm
Fragmento del ábside central de la iglesia parroquial de Santa María de Taüll (Catalunya).

Referencias:
  • "La Virgen con el niño", "Museo Nacional d'art de Catalunya", 5 de octubre del 2020.
https://www.museunacional.cat/es/colleccio/abside-de-santa-maria-de-taull/mestre-de-santa-maria-de-taull/015863-000

]]> 2020-10-05 23:29:23 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/804994001 Gótico lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/804994864 Ficha técnica:
Virgen con el niño
Artista desconocido
Vitral
ca 1196-1223 d.C
Fragmento de los vitrales de la Basílica de Notre Dame de París.

Análisis visual-comparativo: características formales entre la "Virgen con el niño" de la parroquia de Santa María de Taüll y la "Virgen con el niño" de la basílica de Notre Dame.

La "Virgen con el niño" se ha convertido a lo largo de la historia un tema artístico a tratar. Lo que se quiere representar es a la Virgen María con su hijo el niño Jesús en brazos.
En el arte románico, sigue muy ligado con el de la Alta Edad Media, esto por lo que el objetivo es solo el de representar de forma simple una idea, dado que la mayor parte de la población sigue siendo analfabeta. Sin embargo se puede notar en la "Virgen con el niño" de la parroquia de Santa María de Taüll, cómo el fresco tiene los cuerpos más proporcionales y colores más vivos; esto es debido a que la arquitectura románica se caracteriza por ser muy oscura por culpa de las estructuras. Estas no repartían bien el peso, por lo tanto los espacios para permitirse ventanas era muy reducido. Es por esto que este tipo de iglesias tienden a ser pequeñas, dado que tiene poca entrada de luz. Sin embargo, esa luminosidad y alegría que se perdía por las ventanas, se reemplaza gracias a los frescos coloridos.
Por otro lado está la arquitectura gótica, que se asemeja a la arquitectura bizantina por la oscuridad dentro de la iglesia. Sin embargo, esta oscuridad no se debe a la falta de ventanas amplias, de hecho, las estructuras de las iglesias góticas permitían una mejor distribución del peso, principalmente gracias a los "arbotantes" que ayudaban a sostener las columnas. Esto permite que estas iglesias tengan un gran espacio para ventanas, y estas eran decoradas con vitrales. Un gran ejemplo de esto son los vitrales que se encuentran en la basílica de Notre Dame de París.
Las iglesias góticas no tienden a tener frescos o murales, dado que, los vitrales son su gran centro de atención; que aunque la luz que entra no es muy fuerte, el hecho de entrar a una iglesia así es una experiencia majestuosa por la cantidad de colores que se pueden apreciar.

Referencias:
  • "La Virgen con el niño", Notre Dame de Paris", 5 de octubre del 2020.
https://www.notredamedeparis.fr/decouvrir/architecture/les-vitraux/
]]> 2020-10-05 23:30:01 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/804994864 Giotto lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/846609431 Ficha técnica:
La rinuncia agli averi
Giotto
Fresco
ca 1292-1296 d.C
270 x 230 cm
Fragmento del Fresco de "Il ciclo di di Assisi" en la Chiesa Superiore della Basilica di San Francesco, in Assisi, Italia.

Referencias:
  • Di Teodoro, Francesco Paolo. Il Cricco Di Teodoro Itinerario nell'arte: Giotto. Bologna: Zanichelli editore S.p.A, 2012.

]]> 2020-10-20 20:31:15 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/846609431 Jan Van Eyck lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/846915618 Ficha técnica:
La Virgen, el Niño con Santa Bárbara, Santa Isabel y Jan Vos
Jan Van Eyck
Oil on Masonite, transferida del panel
ca 1441-1443 d.C
47,3 x 61,3 cm
Se encuentra en la Frick Collection en Nueva York.

Análisis visual- comparativo: características formales entre "La rinuncia agli averi" de Giotto y "la Virgen, el Niño con Santa Bárbara, Santa Isabel y Jan Vos" de Jan Van Eyck.

Desde el Medioevo en Europa el arte se dividió entre el Flamenco, entendido como el arte de los Países Bajos, y el estilo italiano. Cada subdivisión creó y desarrolló diferentes técnicas que las  caracterizaron durante los siglos consecutivos.
Giotto, fue un gran artista italiano que determinó la transición del arte entre el medioevo y el renacimiento.  El fresco "La rinuncia agli averi" hace parte de un ciclo que narra a través de imágenes la vida de San Francisco de Asis. La obra cuenta el momento en el que San Francisco decide dejar su ropa de clase alta (representada por el color azul) como símbolo de abandonar sus riquezas y dedicarse a la religión Católica. En la obra se puede ver cómo Giotto deja a un lado el arte bizantino, dado que, los personajes son más proporcionados y expresivos. Además, el artista inicia a crear una relación entre personajes y espacio, esto se puede ver en la perspectiva desarrollada en los edificios y en los personajes.
Por otro lado Jan Van Eyck como representante del arte flamenco, en su obra muestra, al igual que en la obra anterior, un mayor uso de la perspectiva y la profundidad de los personajes, además de una cierta "teatralidad".  Sin embargo, hay una gran diferencia entre ambos estilos y es el tiempo, dado que, en los Países Bajos se desarrolló un nuevo pigmento: el óleo, técnica que demora en secar, por lo tanto tenían más tiempo para dedicarse a los detalles. Es por esto que el miniaturismo es una técnica tan característica de los artistas flamencos. Por otro lado en Italia esta técnica no estaba desarrollada, ellos usaban la tempera. Por lo tanto les era más difícil dedicarles mucho tiempo a las obras y esto se puede ver reflejado en el nivel de detalle a comparación de la obra de Van Eyck.   

Referencias:
  • "La Virgen, el Niño con Santa Bárbara, Santa Isabel y Jan Vos", "The Frick Collection", 20 de octubre del 2020.
  • https://www.frick.org/exhibitions/charterhouse_bruges/1  


]]> 2020-10-20 23:18:28 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/846915618 Renacimiento lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/868031972 Ficha técnica:
Retrato de una mujer
Catharina van Hemessen
Óleo sobre roble
ca 1551 d.C
22,8 × 17,6 cm
Renacimiento flamenco
Se encuentra en el National Gallery Museum en Londres.

Análisis visual-características formales

Catharina van Hemessen es una mujer belga y una artista representante del Renacimiento. Lastimosamente, pocas son las mujeres que se conocen a través de los libros. Gran parte de los historiadores de arte más conocidos son hombres, quienes (por culpa de la sociedad machista) solo hablan de artistas hombres, y son muy pocos casos en los que se hablan de mujeres.
Van Hemessen, es de esas pocas artistas que han logrado tener un reconocimiento, sin embargo, se sigue sabiendo muy poco de ella hoy en dia. La artista belga tendía a pintar pequeños retratos de mujeres, entre estos está "Retrato de una mujer", en este se puede ver la influencia flamenca en la posición a tres cuartos, el fondo oscuro, el espacio unificado por la luz, que atraviesa la obra lateralmente desde la parte superior izquierda (dándole una cierta teatralidad) y el uso del miniaturismo: reflejado en los minuciosos detalles. Además del traje típico regional y el color de la piel particularmente pálido. La pintura representa a una mujer, probablemente de clase alta (por el vestuario que tiene), que sostiene a un perro pequeño, que puede que sea otro símbolo de su riqueza. También se puede notar la influencia de la iglesia luterana (religión de la región) por el rosario que tiene en la mano.
Puesto que Catharina van Hemessen es una mujer artista, se podría asumir que pertenecía a una clase alta, dado que, para que una mujer lograra ejercer este oficio (aunque para las mujeres un "pasa tiempo") en la época, era necesario de un tutor, por lo tanto, una mujer perteneciente a una clase baja, lastimosamente, no se lo podría permitir.

Referencias:
  • "Retrato de una mujer", "The National Gallery", 27 de octubre del 2020.
  • https://www.nationalgallery.org.uk/artists/catharina-van-hemessen




]]> 2020-10-28 01:06:37 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/868031972 Velázquez lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/888129676 Ficha técnica:
Las meninas
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Óleo sobre tela
ca 1656 d.C
320,5 x 281,5 cm
Barroco español
Se encuentra en el Museo del Prado (Madrid).

Referencias:
  • "Las meninas", "Museo del Prado", 3 de noviembre del 2020.
  • https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/las-meninas/9fdc7800-9ade-48b0-ab8b-edee94ea877f
]]> 2020-11-03 23:19:26 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/888129676 Joel-Peter Witkin lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/888130377 Ficha técnica:
Las meninas
Joel-Peter Witkin
Gelatinobromuro de plata sobre papel
ca 1987 d.C
71 x 71 cm / Soporte: 88 x 75,5 cm
Fotografía
Se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

Análisis visual-comparativo: características formales entre "Las meninas" de Velázquez y "Las  meninas" de Witkin.

"Las meninas" de Velázquez es un cuadro muy importante e icónico para la historia del arte, no solo por su gran técnica al óleo, sino también por la forma en la que revolucionó y le dio más profundidad a los retratos, además que ha sido de los más reinterpretados (un gran ejemplo de esto es Picasso). El artista logra confundir al espectador, dado que no se sabe en realidad quien es el sujeto que se está retratando, podría ser a la infanta Margarita, a las meninas o a las reyes que se encuentran en el fondo, o incluso el centro de la obra podría ser el autorretrato del mismo autor. Este cuadro es reconocido por las millones de teorías que circulan alrededor de el. En la obra se puede ver como el centro es la infanta Margarita, que no solo resalta por su ubicación, también por cómo la luz que entra desde la parte superior derecha, atraviesa toda la tela hasta llegar a ella. El segundo foco de atención son las mujeres de corte que acompañan a la infanta, luego se puede ver a una enana y a un perro. Luego, se puede ver el autorretrato de Velázquez que parece estar observando y pintando al espectador, o a los reyes que se encuentra reflejados en el espejo al fondo de la pared. Los colores del cuadro tienden a los fríos y hay una gran teatralidad, por la luz y por la forma que adquieren los personajes, esto demuestra que es una imagen típica del barroco.
Casi 300 años más tarde, el fotógrafo Joel-Peter Witkin recreó la obra de Velázquez. Es importante entender un poco la vida de Witkin para apreciar su obra, este artista fue soldado durante la guerra de Vietnam, eso sumado a algunos problemas familiares y un trauma de la infancia, hace que este fotógrafo vea la vida de manera más cruda y doliente, en su interpretación de Las meninas, se puede ver esto a la perfección. Además de varias constantes que aparecen en sus obras, como personas sin extremidades, hermafroditas, personas transgénero y otras imágenes que pueden resultar impactantes, en especial para la época. Se puede ver como la infanta Margarita es reemplazada por una fotografía de una niña sin piernas, al fondo se puede ver un hombre con una pose muy sensual, el perro es sustituido por uno muerto y frente al autorretrato se puede ver lo que parece ser un cadáver. Por otro lado la figura que se encuentra en al fondo a la derecha parece hacer alusión a una de las figuras del "Guernica" de Picasso. Es por eso, y por las experiencias de vida del artista que se podría decir que la imagen hace alusión a la guerra. Por otro lado, se sigue conservando un poco de la composición y también del reflejo de los reyes. La obra se puede ver que ya no tiene color, debido a que es una especie de fotomontaje de la época, técnica llamada Gelatinobromuro, el cual trataba de acercarse al concepto de cámara instantánea. Esto técnica funciona, ya que le da más dramatismo. Esto hace que la reinterpretación quede  con cierto sabor de la esencia del barroco.   

Referencias:
  • "Las meninas", "Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid", 3 de noviembre del 2020.
  • https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/meninas-self-portrait-after-velazquez-meninas-autorretrato-segun-velazquez
]]> 2020-11-03 23:19:52 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/888130377 Romanticismo lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/911018976 Ficha técnica:
La envidia (Serie de los alienados)
Théodore Géricault
Óleo sobre tela
ca 1822-1823 d.C
72 x 58 cm
Romanticismo francés
Se encuentra en el Musée des Beaux-Arts (Lione).

Análisis visual-características formales

Théodore Géricault es un gran exponente del Romanticismo francés, su formación es académica es por esto que tiende a hacer los cuerpos de forma muy realista. El artista además de ser romántico es uno de los precursores del Realismo, dado que escogía crónicas contemporáneas para representar en sus obras. En el caso del cuadro la "Serie de los alienados", Gericault, decide retratar a diferentes personas que sufrían de monomanía ( es decir una enfermedad mental que hace obsesionar a las personas con una idea principal). En la serie, el artista pinta cinco tipos diferentes de monomanías, entre esas "La envidia" para esto retrata a una mujer anciana, la obra tiene solo una luz focal que ilumina la cara de la mujer, la técnica es al óleo y los colores son terrosos. La luz juega un rol importante, dado que le da dramatismo a la obra y mayor protagonismo a la mirada de la mujer, que es lo más importante, dado que representa su situación psicológica. El artista es realista por el hecho de que busca en un manicomio a estas personas para lograr así, mayor expresión en las caras y ojos de los retratos. Por otro lado es romántico por el interés que tiene en mostrar la condición trágica del ser humano, en este caso por parte de la psicología.
La mujer cambia, ya no es vista como una idealización como era vista la mayor parte de las veces. La obra muestra una mujer real, que ni siquiera se enfoca en ella, sino en la enfermedad mental que tiene y el sufrimiento con el que carga, como cualquier otro ser viviente.

Referencias: 
  •   Di Teodoro, Francesco Paolo. Il Cricco Di Teodoro Itinerario nell'arte: Romanticismo. 
       Bologna: Zanichelli editore           S.p.A, 2012
 


]]> 2020-11-11 00:14:24 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/911018976 Impresionismo lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/934569309 Ficha técnica:
Little Girl in a Blue Armchair
Mary Cassatt
Óleo sobre tela
ca 1878 d.C
89,5 × 129,8 cm
Impresionismo estadounidense
Se encuentra en el National Gallery de Washington.

Análisis visual-características formales

Los impresionista nacieron en Francia en los años 60 como un grupo de artistas que se reunían en el Café Guerbois y discutían una respuesta a la invención de la fotografía. Desde la segunda revolución industrial el arte tuvo un gran cambio, ya no era necesario crear cosas fieles a la realidad, pues la fotografía ya lo hacía, el arte entonces pierde el sentido.
Los impresionistas deciden retratar las sensaciones del momento, de forma en que eliminaban los detalles en las pinturas. Se dedican a observar las transformaciones de la luz y para esto aprovechan de los estudios de la teoría del color de la época y de la nueva forma de pintar a Plein air, situación que no ocurría antes, puesto que los artistas preferían trabajar en sus talleres. La velocidad, los colores y la luz juegan un rol importante para los impresionistas.
Una de las pocas mujeres reconocidas y considerada impresionista es Mary Cassatt la cual pinta la obra "Little Girl in a Blue Armchair", la pintura muestra a una niña que está recostada en un sillón azul turquesa, acompañada por su perro. El centro focal de la obra está en la izquierda y es la niña, esto se puede notar porque es el punto con mayor luz en la obra. La luz parece entrar por una ventana por la parte superior derecha y atraviesa la tela hasta llenar a la niña, tambíen se podría decir que gracias a esta, la imagen parece tener una ubicación temporal: la de la mañana. La obra está dividida en tres planos principales, así haya ausencia de la perspectiva: el primero es la niña, sigue el perro y luego los dos sillones del fondo. La técnica es óleo sobre tela y los colores son muy vivos y brillantes, crean un gran contraste y buen uso de la teoría del color; las pinceladas son rápidas y pastosas, típicas del impresionismo. La imágen es muy particular, dado que muestra a una niña que se encuentra muy relajada, muestra una situación real, que probablemente antes no se hubiera visto. La niña se encuentra escurrida que muestra sus piernas abiertas y su cansancio, cosas que jamás habían sido retratadas en años anteriores y aún menos tratándose de una niña. Lastimosamente esta obra es muy conocida por ser retocada por Degas, dado que él y Cassatt eran buenos amigos. Esto es otra demostración de la sociedad patriarcal que no le da el mérito merecido a las mujeres que han trabajado con esfuerzo por ello.

Referencias:
  • "Little Girl in a Blue Armchair", "National Gallery of Washington", 18 de noviembre del 2020.
  • https://www.nga.gov/global-site-search-page.html?searchterm=Little+Girl+in+a+Blue+Armchair
]]> 2020-11-18 00:34:50 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/934569309 Art Nouveau lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/958572879 Ficha técnica:
Danae
Gustav Klimt
Oleo sobre tela
ca 1907-1908 d.C
77 x 83 cm
Art nouveau
Se encuentra en la Galerie Würthle en Viena.

Análisis visual- características formales

El art nouveau nació en Bélgica antes de la Primera Guerra Mundial, es un movimiento reconocido por recorrer toda Europa, de hecho en cada país se le conoce por un término diferente. Este movimiento está acompañado por los estudios de psicoanálisis y es conocido con el término de Gesamtkunstwerk, que en alemán significa "obra de arte total" esto porque el Art Nouveau se caracteriza por ser un movimiento muy amplio que no solo se manifestó en la pintura sino también en la arquitectura, el diseño, la caligrafía y las artes menores. También está muy relacionado con el Decadentismo inglés y el "arte por el arte". El Art Nouveau nace con la Segunda Revolución Industrial, con la necesidad de mezclar el valor de lo artesano con la velocidad de lo industrial, para poder llegar a un mayor público. Es por esto que también se conoce por se un arte puramente decorativo. Es importante saber que el Art Noveau se conecta con el movimiento literario del Simbolismo, es por esto que se unen a la naturaleza y a las metáforas, es por esto que se usa una gran cantidad de líneas curvas y geométrica que recuerdan a la naturaleza; este aspecto del Simbolismo también puede ser contradictorio, dado que en un principio el Art Nouveau se caracteriza por ser para todo público, sin embargo el Simbolismo se conoce por ser lo contrario, ya que su uso masivo de figuras retóricas hace que sea complicado de entender para todos.
El simbolismo se desarrolló principalmente en Austria, específicamente en Viena, unos de los artistas más importantes de la época es Gustav Klimt. El artista es conocido por su obra de "El beso" y por su gran habilidad para representar figuras femeninas y para trabajar el oro, esto último es debido a que dedico parte de su vida a la orografía. También se conoce por ser muy decorativo y estético, esto es debido a que se dedicó a el estudio de las artes menores.
La obra presentada es "Danae" el artista trata de representar un mito griego que cuenta como esta mujer fue encerrada por su padre, dado que un oráculo había dicho que el primer hijo de ella le quitaría el trono a él. Sin embargo, el destino para los griegos es impostergable y Zeus embaraza a Danae transformado en oro. Klimt fue muy criticado en la época por mostrar mujeres desnudas y sensuales que mostraban su sexualidad y además se mostraban como una femme fatale.  También fue catalogado lugo por los Nazis como un artista degenerado y sus obras fueron prohibidas.
La obra muestra a Danae recostada en su cama y la lluvia dorada que es representación de Zeus pasa entre sus piernas, la escena también parece como si ella se estuviera masturbando. Esto hace que la obra muestra la sexualidad femenina. Klimt representa a Danae como una mujer muy sensual, no solo por su pose, también por sus labios carmín y los colores rojos que son reconocidos por transmitir fuerza y pasión. La mujer está ubicada diagonalmente en la obra y está rodeada por una tela morada que la hace resaltar su pelo y su figura. No es muy claro de dónde viene la luz, sin embargo, se puede notar que ella es el primer plano y el punto focal con su tamaño dentro de la obra, aunque también se podría pensar que lo más notorio es su pierna, por su grandeza, de hecho se puede ver que pierde proporción con el resto del cuerpo de la mujer . La obra es muy decorativa por el uso del dorado y por la ausencia de perspectiva. lo que hace que la figura parezca un poco flotando y sin profundidad alguna.
Es importante como la mujer en la época cambia, es una femme fatale, más empoderada y que tiene decisión sobre el hombre, es sensual y no tiene miedo de mostrar su sexualidad. Es un gran contraste con los estereotipos de mujeres precedentes, pues en este caso la mujer adquiere un rol principal, con voz y con una gran confianza.

Referencias:

  • Di Teodoro, Francesco Paolo. Il Cricco Di Teodoro Itinerario nell'arte: Art Nouveau. 
       Bologna: Zanichelli editore           S.p.A, 2012
 


]]> 2020-11-25 03:43:19 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/958572879 Arte Contemporáneo lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/978500000 Ficha técnica:
Hace parte de la serie  Society Portraits: Sin título n 465
Cindy Sherman
Fotografía
2008 d.C
No hay información exacta de la medida
Arte contemporáneo
La serie aparece en la exhibición " Once Upon a Time, 1981-2011 ", que se inaugura el 18 de abril en la Galería Mnuchin.

Análisis visual-características formales

Cindy Sherman es una artista reconocida por sus fotografías, que son reconocidas por tener un carácter performático. La fotógrafa utiliza disfraces, maquillaje y actuación para poder crear sus imágenes tan impactantes. También se puede identificar la crítica social y política que se presentan en cada una de las imágenes de Sherman.
La obra presentada no tiene título, solo se conoce como la número 465 y hace parte de la serie llamada Society Portraits, la cual trata de retratar a las mujeres mayores de clase alta de la época. La artista las muestra de una forma muy particular, pues trata hacerlas lucir más jóvenes desde un punto de vista satírico, para esto utiliza mucho maquillaje, hasta llegar al punto en el que las mujeres adquieren una imagen grotesca en vez de una joven y bella. Con esto Sherman trata de criticar la sociedad de la época y la necesidad que tenían las mujeres ricas en lucir más jóvenes para sus maridos. Dejando a la belleza femenina como un aspecto muy importante en sociedad.
El la imagen la mujer es el punto focal, dado que se encuentra en todo en centro con su cara a 3/4 y su cuerpo semi de espalda. Pareciera que se le hace referencia a la jóven con el arete de perla, por la posición y por el arte. Situación que crea un fuerte contraste y hace reflexionar sobre el tema de miedo a envejecer. La mujer presentada es delgada, con escote, peluca y mucho maquillaje que parece hacerle notar más las arrugas cuando debería ser al contrario. El segundo plano muestra que es de día y  parece ser un parque o un sitio público que crea contraste con el vestido de ella, que parece ser elegante para la noche. También se puede ver como la imagen se desenfoca en el segundo plano, haciendo más notorio y dándole aún más importancia a la mujer.
Es interesante como se puede ver la teoría sobre la comedia y el humorismo del escritor italiano Pirandello. Pone como ejemplo a una mujer que es de una edad avanzada se maquilla y se hace ver más jóven, en un principio puede causar risa (comedia), sin embargo, apenas hay un procedimiento racional sobre la acción, pasa de ser algo que da risa a un cierto sentimiento de tristeza, ya que se puede entender el porqué de la acción de la mujer, es ahí donde entra lo que se denomina humorismo. Cindy Sherman logra a la perfección hacer esto con su obra. Termina haciendo que los espectadores reflexionen sobre el por qué de la posición de la mujer en la época, no sólo critica la acción.

Referencias:
  •  “El nuevo programa de Cindy Sherman examina a las mujeres ricas y la vergüenza por la edad”, "The Cut", 17 de abril del 2017 . 

  • https://www.thecut.com/2017/04/cindy-sherman-society-portraits-mnuchin-gallery.html.


]]> 2020-12-02 03:38:36 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/978500000 Trabajo final lsantacruz4 https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/1000929363 El rol de la mujer en una sociedad patriarcal ha ido cambiando a través de cada generación. Ha pasado de representar casi un “objeto”, a ser reconocida como una “mujer ángel”, luego pasar a ser una “femme fatale”, hasta llegar a lo que es hoy en día: una mujer que representa la lucha de las generaciones pasadas para adquirir cada vez más derechos e igualdad y que demuestran a las generaciones futuras, que cada vez alzan más fuerte la voz para hacerse escuchar. Para el proyecto final decidí crear un fuerte contraste entre las imágenes presentadas, por un lado, escogí fotografías de publicidad de los años 50, en donde se muestra a la mujer vulnerable, como casi un “objeto” parte de la casa que se dedica a su esposo e hijos. Por otro lado, están las imágenes de mujeres que recorren toda la historia del arte. Este contraste demuestra la posición de la mujer de frente a una sociedad patriarcal, una mujer que es vista como un objeto que sirve para mantener la casa y para cumplir estándares de belleza que satisfacen a los hombres. La imagen que cree quiere provocar un fuerte impacto, que lleve a un cambio en la sociedad, que aunque ha avanzado tiene que seguir trabajando.
 
]]> 2020-12-09 04:26:28 UTC https://padlet.com/lsantacruz4/cru35cfxzvraice0/wish/1000929363