Europa (Francia y España)

Africa

Asia

grabados, estatuillas, objetos decorativos

Eran imagenes de caza y animales

Los primeros indicios de arte en el paleolitico fueron realizados en piedra, huesos o madera trabajada.

Para realizar las pinturas rupestres se utilizaba rojo de oxido de hierro, negro de oxido de manganeso y ocre de arcilla.

sus obras era de caracter magico de sentido naturista con representaciones de animales.

Las primeras obras se realizaban en las cuevas que habitaban.

Las representaciones artisticas comienzan a enfocarse en la comunidad, la representacion grupal.

En este periodo seguia la utilizacion de pigmentos para sus obras.

Grabados en piedras, huesos y madera.

Dentro de la arquitectura , los monumentos constaban de grandes construcciones de piedra, se cree que pueden tratarse de observatorios astronómicos o también tener uso funerario.

Monumentos funerarios

Asociado con el culto a la fertilidad

Pinturas en murales

Intensionalmente religioso y simbolico, representacion de dioses.

Pinturas en murales

Enterramientos notables (piramides y mastabas)

Estilos:

-Dorico

- Jonico

- Corintio

Temas religioso y mitologicos

observacion externa de la anatomia

Arcaico

Clasico

Helenistico

Kuros/ Kouroi eran esculturas de jovenes atletas desnudos.

Ambas eras figuras rigidas y con los brazos pegados al cuerpo

Las esculturas clásicas tenían proporciones perfectas y facciones idealizadas. Y estas características venían de estándares de belleza muy estrictos.

ESTILO NEOATICO: orientada a la forma humana, resaltando tematicas mitologicas y epopeyas.

ESTILO HELENISTICO-ALEJANDRINO: donde se observaban pinturas rurales, paisajes y marinas.

Elongación de los cuerpos, distorsión de sus proporciones.

Composiciones complejas y tensas. Los cuerpos de las figuras se despliegan en movimientos y gestos que marcan direcciones opuestas, dificultando su lectura.

Empleo de la línea serpentina o figura serpentinata. A través de ella, los cuerpos se contorsionan sobre su propio eje, describiendo una figura en forma de “S”.

Tintoretto

Il Sodoma

El Greco

Giulio Romano

Giorgio Vasari

Bronzino

Pontormo

Andrea Palladio

Leone Leoni

Valorización del detalle y exceso de ornamento

Búsqueda de la espiritualidad, de las sensaciones y las pasiones internas

Dualismo y contradicción

Contraste entre luces y sombras

Sentido del movimiento

Oscuridad, complejidad y sensualismo

Pesimismo y desengaño

busca fomentar la devoción tanto de los fieles como de los súbditos, estando en manos de la Iglesia y del poder.

El color predomina sobre el dibujo, y es la luz la principal protagonista de la pintura

El movimiento está muy presente y para representarlo, se utilizan composiciones diagonales o líneas oblicuas que cruzan la composición del cuadro.

Realismo detallado: Se presta atención meticulosa a los detalles anatómicos, ropajes y texturas, creando una representación vívida y palpable.

Movimiento dinámico: Las figuras a menudo están en poses retorcidas y en movimiento, capturando momentos de tensión y acción.

Contraste de luces y sombras: La iluminación juega un papel crucial en resaltar la forma y crear efectos dramáticos en las esculturas.

Ornamentación exquisita: Se incorporan elementos decorativos elaborados en vestimenta y entornos, añadiendo riqueza visual y simbólica.

Texturas enriquecidas: Superficies texturizadas y detalles intrincados agregan profundidad y realismo a las esculturas.

Virtuosismo técnico: Los escultores barrocos dominaban la talla de materiales como mármol y madera, logrando resultados intrincados y expresivos.

Empleo de formas clásicas transformadas

Abovedamientos cupuliformes

Profusión de elementos decorativos

Tanto en las iglesias como en los palacios, el muro no marca el límite, ya que por medio de espejos o pinturas en las bóvedas se pretende ampliar ilusoriamente el espacio.

Se concede gran importancia al urbanismo.

Hendrick Avercamp

Mattia Preti

Juan Martínez Montañés

Bernardo Strozzi

Bartolomé Esteban Murillo

Artemisia Gentileschi

Joos Van Craesbeeck

Gian Lorenzo Bernini

Pedro de Mena

Caravaggio

Juan Martínez Montañés

Buscaba reflejar el placer de los miembros de las clases más altas de la sociedad: la aristocracia y la rica burguesía.

Dio lugar a la aparición de nuevos géneros decorativos, pictóricos y musicales.

Se reemplazaron los grandes temas, las escenas solemnes y lo imponente del Barroco, el estilo anterior, por temas divertidos, sensuales, alegres, refinados y desenvueltos.

El uso de formas onduladas y curvas en la ornamentación.

La búsqueda por crear ambientes alegres y luminosos, con especial atención a la iluminación mediante ventanas, espejos, lámparas de cristal, colores claros y el uso de oro y plata en los relieves ornamentales.

Libertad ornamental mediante el uso de una gran variedad de recursos, pero siempre con el objetivo de crear ambientes livianos, alegres, cómodos e íntimos.

Adquirieron mucha importancia las artes decorativas: muebles, tapices, lámparas, etc.

Amplio desarrollo de la construcción de edificios para el ocio: pabellones de caza, pequeños palacios veraniegos, cabañas campestres, espacios íntimos.

Francesco Queirolo

Canaletto

François Boucher

Jean-Baptiste Marie Pierre

Élisabeth Vigée-LeBrun

interés por el equilibrio, la proporción y la simetría

Uso de la luz clara y fría.

Contornos claros y bien definidos.

Superficies bien acabadas y uniformes que no permiten distinguir las pinceladas.

Eliminación de escenas secundarias.

Para el fondo predominó el uso de la arquitectura grecolatina o, incluso, el uso de penumbras sobre el paisaje.

Supresión de lo decorativo y lo superfluo.

Preferencia por la composición ortogonal.

La anatomía sigue estrictamente el ideal del canon clásico de la antigüedad.

Gestualidad de los personajes contenida: no hay signos de dolor o de emociones.

Los objetos de la escena suelen ser referencias de los hallazgos arqueológicos.

Predominio de la pintura histórica (historia grecorromana, revolución francesa e historia republicana), seguida por mitología grecorromana alegórica. Escaso interés en la religión.

En cuanto a la técnica, uso mayoritario de la pintura al óleo (se usó también el fresco).

Preferencia por el mármol, el cobre y el alabastro.

Exaltación de la belleza ideal.

Equilibrio formal.

Sutileza en la representación de la expresión emocional.

Escenas dinámicas poco frecuentes.

Aspecto general de pureza helada.

Rechazo de la compenetración de las plantas y volúmenes.

Volúmenes interiores expresados en el exterior.

Respeta pureza de planos y volúmenes.

No interrumpe las líneas ni suaviza los contornos.

Anne-Louise Girodet de Roussy-Trioson

Antonio Canova

Giovanni Battista Piranesi

David Allan, Charles Lock Eastlake

Jacques-Germain Soufflot

Francisco de Goya

Individualismo

Naturaleza

Rechazo de la razón

Nacionalismo

Rechazo de la industrialización

Las composiciones están llenas de dinamismo , introducen la actualidad como tema. se busca explorar estados emocionales y psicológicos. Se busca la originalidad y la individualidad. Algunos pintores se centraron en la naturaleza, pintando al aire libre.

Temas Personales e Históricos

Individualidad

Asimetría

Narrativa y Drama

Detalles Realistas

Énfasis en la Pasión

Asimetría

Naturaleza y Paisajismo

Diversidad Estilística

Carácter Evocador

Detalles Ornamentales

Inspiración Histórica

Théodore Géricault

Eugène Delacroix

William Blake

Francisco de Goya

Johann Heinrich Füssli

John Constable

Antoine-Louis Barye

Se trata de una pintura objetiva que deja a un lado lo subjetivo y la idealización. Se toma como inspiración la vida cotidiana.

Rechazan la temática histórica y el interés por lo oriental y lo exótico.

Se vuelca en la representación de la clase media y las clases bajas de la sociedad.

Las obras se tornan más sombrías, empleándose colores oscuros para mostrar la triste situación de la clase trabajadora.

Naturalismo Técnico

Eliminación de Idealizaciones

Enfoque en la Vida Cotidiana: Esto proporciona una conexión más profunda entre la obra y el espectador.

Expresión Emocional Auténtica

Uso de Nuevos Materiales: como el bronce, permitiendo una mayor experimentación y expansión de las posibilidades artísticas.

Rompe con Convenciones Previas

Simplicidad Geométrica

Ausencia de Ornamentos

Honestidad Estructural: Busca mostrar la verdad constructiva del edificio, revelando vigas, columnas y otros elementos estructurales, en lugar de ocultarlos detrás de ornamentos decorativos.

de Materiales Auténticos: Prefiere materiales como acero, vidrio y concreto

Racionalidad y Proporción

Innovación Tecnológica

Auguste Rodin

Gustave Courbet

Jean-François Millet

Honoré Daumier

Capturar la atmósfera y el ambiente de un momento en lugar de detalles precisos.

Representación de la luz y el color en función de la percepción subjetiva del artista.

Preferencia por la pintura al aire libre (plein air).

Captura de expresiones y movimientos transitorios.

Experimentación con la textura y el acabado de la superficie de las esculturas.

Énfasis en la espontaneidad y la impresión en lugar de la perfección técnica

Empleo de colores suaves y tonos sutiles

Preferencia por formas suaves y ondulantes en lugar de líneas rectas

Creación de ambientes etéreos

Diseño que considera cómo cambia la luz y la atmósfera a lo largo del día y las estaciones

Integración del contexto y la naturaleza circundante en el diseño.

Énfasis en la experiencia sensorial

Pierre-Auguste Renoir

Édouard Manet

Edgar Degas

Camille Pissarro

Berthe Morisot

Nuevas formas de representar el color y la forma en sus obras, experimentando con paletas de colores vivos y contrastantes, así como con formas geométricas y abstractas. Buscaban transmitir emociones y sensaciones a través del uso del color y la forma.

Uso de pinceladas y texturas visibles.

Atención a la luz y la composición en sus obras.

Importancia a la estructura y la forma. Buscaron una representación más sólida y conceptual de la realidad, utilizando formas geométricas y composiciones más estructuradas.

Exploraron nuevas técnicas y formas, desafiando las estructuras convencionales

Fusionaron elementos figurativos con símbolos y mitología para transmitir significados más profundos y espirituales en las esculturas.

Énfasis en el Movimiento: La representación dinámica del movimiento y la vitalidad fue una característica distintiva, capturando la energía y la tensión en las formas esculturales y desafiando la estática tradicional.

Temas Mitológicos y Espirituales: Artistas como Paul Gauguin incorporaron temas mitológicos y espirituales en sus esculturas, explorando narrativas más allá de la realidad tangible y agregando capas de significado simbólico.

Individualidad Estilística

La reinterpretación de elementos naturales, como formas orgánicas y patrones geométricos inspirados en la flora y fauna

Paleta de colores vibrantes y audaces

Diseños más dinámicos y orgánicos que desafían las convenciones clásicas.

Fusiona elementos de diversas corrientes, desde la Art Nouveau hasta el Art Decó

Expresión Subjetiva

Evolución en la Funcionalidad

Paul Cézanne, Paul Gauguin

Georges Seurat

Henri de Toulouse-Lautrec

Henri Rousseau

Emily Carr

La manifestación más importante del arte románico fue la arquitectura religiosa, especialmente sobre iglesias y monasterios.

Las distintas disciplinas artísticas, como la pintura, escultura y el mosaico, estaban subordinadas a la arquitectura. Las paredes de las iglesias estaban cubiertas por pinturas y relieves que tenían una función narrativa: transmitir a los fieles, generalmente analfabetos, los principios del cristianismo.

Predominio del dibujo sobre el color.

Muy expresiva, con cierta abstracción y hieratismo en las expresiones y gestos.

Frontalidad

Uso de frescos para decorar las paredes interiores de las iglesias

Pinturas que cuentan historias bíblicas y hagiográficas

Las posturas, rostros y formas son antinaturales, ya que se busca más lo emocional que la forma.

La temática es religiosa.

La portada, el tímpano y los capiteles son los lugares más habituales para la escultura

Se construyen gruesos muros reforzados con contrafuertes para soportar el peso de las bóvedas.

Las ventanas son muy pequeñas y estrechas

Los interiores tienen poca iluminación

La decoración es un aspecto representativo. Se utilizan motivos vegetales, animales (reales o fantásticos), figuras humanas o de tipo geométrico.

Los capiteles, por su función evangelizadora, recuerdan las historias del Antiguo y el Nuevo Testamento.

Uso del arco de medio punto y las bóvedas de cañón y de arista.

Su aplicación en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales.

El diseño de formas extravagantes.

La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el concepto de luminosidad.

La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz hacia el interior de las catedrales y monasterios.

El tema más común es la narración de episodios de la Biblia

Se emplea la luz y el contraluz para ofrecer sensación de realismo y volumen.

Las técnicas son el fresco, la pintura sobre tabla, el óleo o el temple.

Los colores son brillantes, siendo habitual el uso del oro sobre tabla

Se ilustran también libros con miniaturas muy preciosistas.

La expresión de sentimientos de dolor, ternura, empatía, entre otros.

Gran nivel de detalle en las representaciones humanas.

Uso de ornamento en las columnas y los parteluces.

El uso de técnicas para recrear la profundidad de los objetos y el nivel de los detalles.

Los arcos arbotantes: Consistían en un medio arco construidos en la parte externa de la edificación y que se apoyaban en los muros laterales.

El arco ojival: Terminación en punta de ventanales y puertas que acentuaban la sensación de altura.

Extensas paredes de vitrales ubicadas en la mitad superior de la edificación y contenidas por un sistema de columnas. Los vitrales tenían colores vivos e imágenes religiosas que reflejaban la luz del sol hacia el interior.

Duccio di Buoninsegna

Simone Martini

Jan van Eyck

Claus Sluter

Nicola Pisano

El ser humano como centro del universo.

Creencia en que el conocimiento es la causa principal de la felicidad del ser humano.

Búsqueda de la perfección y la simetría para la representación del cuerpo humano.

Temáticas mitológicas y relacionadas con el cuerpo humano, la historia, la religión y la naturaleza.

La fe se vio cuestionada y creció el interés por adquirir nuevos conocimientos basados en la razón.

En la pintura del s. XV y en la romana del s. XVI predominó el dibujo en el contorno y diseño de los personajes y de las composiciones sobre un uso espontáneo del color. Y en el cinquecento, el color va ganando importancia.

Se utilizaban técnicas como el óleo, los frescos o el temple.

Los temas religiosos tradicionales se humanizan o se proponen lecturas neoplatónicas.

El retrato es un género que adquiere una gran relevancia.

Los temas mitológicos vuelven a tener un destacado protagonismo.

Preocupación por la perspectiva.

Las expresiones faciales y corporales lograban una autenticidad emocional.

Las esculturas renacentistas lograban representar el movimiento y la acción de manera dinámica

Se prestó una gran atención a los pliegues y detalles de los ropajes.

Las esculturas se realizaban en mármol, bronce y madera.

Se da gran importancia a la proporción armoniosa y la simetría en la disposición de elementos arquitectónicos.

Uso de columnas clásicas y entablaturas que añaden elegancia. Uso de ornamentación escultórica, relieves y detalles arquitectónicos en las fachadas.

La arquitectura renacentista destaca por cúpulas y arcos imponentes.

Se busca crear espacios armónicos y proporcionados, considerando la luz natural.

Mediante la utilización de piedras brillantes, mosaicos dorados, vívidas pinturas murales, marfil esculpido de forma intrincada y metales preciosos en general, los artistas bizantinos lo embellecieron todo, desde edificios hasta libros, y su principal legado, y también el más duradero, son sin duda los iconos, que continúan decorando iglesias cristianas en todo el mundo.

Desarrollo de la iconografía cristiana con representaciones estilizadas de santos, la Virgen María y Cristo. Estos iconos fueron esenciales para la devoción religiosa.

Teófanes el Griego

Antemio de Tralles y Isidoro de Mileto

Lázaro de Jerusalén

Santa Sofía (Hagia Sophia)

Monasterio de Daphni

Senenmut

Hemiunu

Thutmose

Bek

Policleto

Mirón

Escopas

Polignoto

Zeuxis

Parrasio

Agesandro

Atenodoro

Polidoro de Rodas

Pompeyo Apeles

Apolodoro de Damasco