COSTUMBRISMO: Argentino

DESARROLLO DEL ARTE:

Las parvas plantea una cuestión estilística interesante y largamente debatida en la historia del arte argentino respecto de su relación con el arte europeo.

Demostraría así la identificación tradicional de Malharro como el primer pintor impresionista argentino, y con ello, en una interpretación lineal de su evolución, un “retraso” de al menos treinta años en la adopción de la modernidad a la europea.

Sin embargo, esta filiación directa entra en franca contradicción con los escritos del artista y su posición respecto de la cuestión del arte nacional, a cuyas posibilidades y naturaleza dedicó Malharro buena parte de sus reflexiones y debates en la prensa.

El tratamiento del color, la pincelada, el empaste y, sobre todo, la iconografía de esta obra aparecen muy cercanos a la serie de parvas exhibida por Monet en la galería Durand-Ruel en 1891, serie que, a todas luces, Malharro conoció durante su estadía en París.

Se trata de una de las últimas obras pintadas por el artista, fechada en el año mismo de su muerte.

En una fotografía enviada por el artista desde París a Francisco Grandmontagne, dedicada y fechada el 1 de julio de 1899 (luego publicada en la revista Caras y Caretas), pueden verse en la pared de su estudio parisino otras cuatro pinturas de parvas, todas ellas diferentes de esta pero que pueden colocarse en una misma serie.

En la serie de más de treinta Parvas pintadas a comienzos de los 90 esta búsqueda se vuelve evidente.

La pincelada y la paleta impresionistas tuvieron el valor de un insumo común para muchos pintores finiseculares enrolados en búsquedas espiritualistas, Malharro encaraba a partir de su estancia parisina la búsqueda de un carácter particular en su arte en términos nacionales.

Fue un idealista, un anarquista convencido de que debía transformar el arte nacional y con él la formación de nuevos ciudadanos a partir de la enseñanza del dibujo en directa relación con la naturaleza.

Sus Parvas, tanto como sus paisajes nocturnos o su animización de los árboles, son el resultado de una largamente meditada confrontación de la naturaleza en busca de un carácter local, auténtico y original.

Si se compara el color y la disposición de las Parvas con la serie de Monet, se percibe en el argentino una dramática vibración del color, que dibuja con pinceladas intensas un cierto pathos pampeano.

Más de la mitad del espacio ocupado por un cielo en el que las nubes adquieren una solidez y un peso compositivo considerable, con grandes pinceladas matéricas.

Tal vez en esta obra es posible percibir, como en ninguna otra, la sutileza de estas búsquedas sobre un soporte que, tal como había ensayado Monet en su exposición de 1891, presenta ligerísimas variaciones iconográficas respecto de un modelo o schemata modernista para centrarse en la expresividad de la materia y el color.

LINK:https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/5869/

BIOGRAFIA DEL AUTOR:Nació en Azul, Provincia de Buenos Aires, el 25 de agosto de 1865; y murió en Buenos Aires el 17 de agosto de 1911. Pintor, grabador y litógrafo argentino. De un hogar de modestos recursos, debió trabajar duramente desde temprana edad. Empleado en un taller litográfico de Buenos Aires hacía dibujos para etiquetas de cigarrillos, membretes comerciales y reconstrucciones litográficas de sucesos policiales para las crónicas periodísticas. Después de su trabajo frecuentaba las clases de dibujo y pintura que impartía el artista italiano Francesco Romero en la Sociedad Estímulo de las Bellas Artes (1889). Luego de haber solicitado ayuda oficial para poder proseguir con sus estudios y que ésta le fuera negada, buscó en Tierra del Fuego el mundo dimensional para su pintura. Allí trabajó solo, espontáneo, libre; sus paisajes tuvieron el eco de una serenidad emocional. En marzo de 1895 se embarcó en el vapor Don Pedro, para "perfeccionarse en el arte de la pintura", según diarios de la época. Colorista en el más estricto sentido de la palabra, opta y se incorpora sin reservas al impresionismo. En 1902 la Galería Witcomb realizó la primera muestra de su obra. Su obra comprende óleos, pasteles y aguadas. Se halla representado en los Museos Nacional de Bellas Artes, Bellas Artes de la Plata, Consejo Deliberante de Buenos Aires y otros.

LINK:https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/martin-malharro#:~:text=Malharro%2C%20Mart%C3%ADn,trabajar%20duramente%20desde%20temprana%20edad.

(no resumimos su biografia porque era muy breve).

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE:La obra presenta una serie de personajes ubicados en el interior de una pulpería, interesados en la payada que se desarrolla en el centro de la composición. Los dos hombres que tocan la guitarra son observados y escuchados por otros, entre los que asoma una mujer, la única, que aparece sobre el lateral izquierdo con una canasta sobre la cabeza.

La composición está organizada en distintos planos que nos van introduciendo en la payada, hasta el muro de fondo que sostiene estantes con mercancías.

Haciendo una lectura solo en sentido horizontal, la mirada va de un personaje al otro, a excepción del hombre que se toma del poste que sostiene el techo y permite elevar la mirada.

Gauchos y soldados de Rosas se hacen presentes en este espacio, que expone también algunos productos como las escobas y bebidas que se venden en el lugar.

LINK:http://museosvivos.educ.ar/index29f2.html?p=1051

BIOGRAFIA DEL AUTOR: Carlos Morel

(Buenos Aires, 1813 - Quilmes, Prov. de Buenos Aires, 1894)Hijo de José María Morel y Pérez, gallego, y de Juliana Miró –casada en segundas nupcias con el pintor italiano Cayetano Descalzi, de quien se divorcia unos años después–, Morel asiste entre 1827 y 1831 a las clases de dibujo de la Universidad de Buenos Aires. Sus maestros son Joseph Guth y Pablo Caccianiga, y entre sus condiscípulos está Fernando García del Molino, con quien Morel comparte a partir de 1835 la ejecución de algunas obras. En 1837, Marcos Sastre ya lo menciona en su discurso de inauguración del Salón Literario, como una joven promesa de la pintura nacional.

Morel realiza retratos, algunos notables, como el de Florencio Escardó o el de Patricio Peralta Ramos. También pinta miniaturas, entre ellas las del general Juan Manuel de Rosas y la de Encarnación Ezcurra –pintadas en 1836 junto a García del Molino–, escenas costumbristas y algunas pinturas que representan  enfrentamientos y batallas federales. Su producción tardía incluye asimismo cuadros de temas religiosos, que han sido en general juzgados como inferiores al resto de su obra.

Pero es sobre todo un reconocido litógrafo, actividad que comienza a desarrollar a fines de los años 30. Son suyas la vista del Interior de la Catedral, basada en la acuarela de Carlos Enrique Pellegrini, y las 8 láminas que constituyen la Serie grande de Ibarra, publicada en 1841 en la Litografía Argentina de Gregorio Ibarra. También ejecuta en esta técnica varios retratos, entre ellos tres de Juan Manuel de Rosas, que imprime Luis Aldao en la Litografía de las Artes de la calle Cangallo, co-administrada entonces con Pellegrini.

En 1842 Morel se traslada a Río de Janeiro. En ese momento vivían allí Prilidiano Pueyrredón y su familia y otros intelectuales argentinos contrarios al régimen rosista, entre ellos Bernardino Rivadavia, José María Gutiérrez y Juan Bautista Alberdi. Son de esa época los dos retratos que Morel realiza de su cuñado, José María Dupuy, asesinado por orden de Rosas el mismo año en que el pintor se trasladara a Brasil.

En 1844 regresa a Buenos Aires y en 1845 se publica, a través de la Litografía de las Artes de Luis Aldao –ubicada en ese momento en la calle de la Federación–, su álbum Usos y costumbres del Río de la Plata, compuesto de dos cuadernos de doce láminas cada uno, el primero de temas costumbristas y escenas urbanas, el segundo de asuntos gauchescos y militares.

La trayectoria artística de Morel toca a su fin cuando, cercano a los 45 años y psíquicamente trastornado, deja de pintar. Según Alejo B. González Garaño, autor de la biografía aparecida en el catálogo de la exposición dedicada por Amigos del Arte al artista en 1933, Morel pasó los últimos años de su vida como un “ser insignificante y huraño, recogido por fraternal cariño en el plácido hogar de una hermana”, en la localidad de Quilmes.

LINK:http://cvaa.com.ar/03biografias/morel_c.php

COSTUMBRISMO: Argentino y romanticismo.

DESARROLLO DEL ARTE:se puede apreciar en el Museo Histórico Nacional de Argentina. En una tela de tamaño pequeño, puesto que mide 45 x 54 cm. Carlos Morel nos presenta una escena de batalla que se suele entender como un combate entre federales y unitarios argentinos, durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas. Así podemos afirmar que es una obra de inspiración histórica, y sobre todo una representación de una división del país. La política del régimen federal afectó mucho a la familia del pintor, así que pintó episodios que remiten a esto.

LINK:https://buenaondaargentina.wordpress.com/2015/04/03/combate-de-caballeria-en-la-epoca-de-rosas/

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: Como ya esta dicho de la forma que se realizo la pintura y que materiales se necesito, esta pintura fue expresada de esta forma: El género del retrato durante el siglo XIX, sufrió cambios que respondieron a las necesidades de la nueva clientela burguesa. En Buenos Aires, este género, encontró importantes cultores desde Carlos Enrique Pellegrini a Prilidiano Pueyrredón.
En la obra que nos ocupa, el retrato de Macedonia Escardó, la figura aparece de medio cuerpo y semiperfilada al sesgo mirando de frente. Presenta un interesante manejo de la luz, armonía de valores y contrastes de color que permiten concentrar la atención en el rostro. Fija la expresión y la fuerza de la mirada.
La reciente limpieza de esta obra ha logrado recuperar la vibración del rojo y los sutiles pasajes de las tierras entre la cabeza, el alto peinetón y el fondo, así como también los pentimenti (arrepentimientos) del artista.

LINK:https://www.fundacionkonex.org/obra-obras-maestras-64-retrato-de-macedonia-escardo-1839'

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: La luz y el color no fueron datos objetivos de la naturaleza a imitar sino formas de expresar sus ideas sobre el arte y la sociedad. Ideas que volcó en su labor pedagógica, crítica y periodística, y también en sus ilustraciones anarquistas y sus paisajes. Sus pinturas no fueron impresiones captadas en un momento preciso de una realidad objetivable, sino resultado de un proceso de simbolización y síntesis de elementos que resultaban de una profunda compenetración con el paisaje nacional: la pampa, sus árboles y sus ranchos a la luz de la luna. “Malharro fue –argumenta Malosetti Costa– un anarquista convencido de la posibilidad de cambiar el mundo, y de la operatividad del arte para hacer nacer hombres nuevos en la Argentina”.

LINK: http://carpetashistoria.fahce.unlp.edu.ar/carpeta-1/arte/los-paisajes-de-martin-malharro-en-la-historia-del-arte-moderno-argentino

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: era el motivo propio que podía sustentar la base de un arte nacional. Para ésto era necesario salir al aire libre, contemplar los cambios de la luz, percibir las coloraciones, estar atento a las variaciones diurnas y nocturnas y su incidencia en lo natural, hacerse uno con la naturaleza. El resultado de dicha práctica se ve en obras como “En plena naturaleza” (1901), “Paisaje” (c.1909) y “Un rincón de Belgrano” (c.1910).

LINK:https://natividadmaron.blogspot.com/2013/05/martin-malharro-la-cuestion-del-arte.html

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: El “pintor federal” retrató a todas las mujeres cercanas a Juan Manuel de Rosas: su mujer Encarnación Ezcurra, su cuñada María Josefa Ezcurra, su hermana Agustina Rosas de Mansilla, su suegra Teodora de Arguibel de Ezcurra y su hija Manuelita Rosas. ¿Qué dama federal –de aquellas que demostraron su devoción con vivas al carro alegórico que recorrió la ciudad con la imagen de Rosas realizada por García del Molino– no intentaría tener su retrato de divisa ejecutado por la misma mano?

LINK:https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/7112/

BIOGRAFIA DEL AUTOR: Nace en Chile en 1813. A los seis años de edad, se traslada a Buenos Aires con su familia. Junto con Carlos Morel, figura entre los primeros artistas con obra documentada en miniaturas, cuadros al óleo y dibujo. Si bien su formación temprana se inicia en La Academia de Dibujo de la Universidad de Buenos Aires, se reconocía como autodidacta. A los veinticinco años de edad, ya es un artista de renombre para la época. En su taller de numerosos asistentes, produjo alrededor de cuatro mil retratos, la mayoría de ellos por encargo de las familias de elite de la época. Aproximadamente ochocientas de estas obras han llegado intactas hasta nuestros días, en ellas se observa el talento del artista en captar la fisonomía y el carácter de sus modelos. Los retratos de Juan Manuel de Rosas, Manuelita Rosas y Encarnación Ezcurra figuran entre sus trabajos más reconocidos y es por su carácter de ser, en los hechos, el pintor oficial de la familia de Rosas que es principalmente recordado. Se destaca también el retrato de Gregoria del Arca Saénz Peña perteneciente al Museo Municipal Eduardo Sívori, En su producción artística puede visualizarse el clima social y político del período federal y del siglo XIX de Buenos Aires. Fallece en Buenos Aires en 1899

LINK:https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/fernando-garcia-del-molino

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: el género del retrato alcanza su plenitud cuando el pintor sabe trascender la mera representación de los rasgos fisonómicos para encontrarse con el universo espiritual que agita su estado anímico. Así, nuevamente en palabras de Pagano, “sus retratos viven, atraen, tienen un contenido virtual” y a ninguno se le puede atribuir “aire impersonal”. Ya fuesen mujeres u hombres los representados, generalmente lo son de tres cuartos de cuerpo y el artista modela a medias tintas, sin acentuar el claroscuro.

LINK:https://trascarton.com.ar/aniversarios/fernando-garcia-del-molino-pintor-del-rosismo

COSTUMBRISMO: Argentino.

DESARROLLO DEL ARTE: Es coleccion en el museo de bellas artes en 1942 porque es una de sus mas exitosas pinturas del pintor y varias paginas le dan a entender a la gente que fue realizada en ese año pero gracias a este retrato se realizo el retrato de MARIA JOSEFA RAMONA HERRERA ya que esta pintura represento poder, dominante con la mirada, representa la fuerza femenina y la luz de uno mismo.

LINK: (sin link ya que siempre trata de representar lo mismo en sus retratos)

(BIOGRAFIA EN EL SIGUIENTE CARTEL).

ACLARACION:

NO SE ENCONTRARON FECHAS DE MAS DE 15 AÑOS DE DISTANCIA ENTRE PINTURAS YA QUE EN VARIOS RETRATOS NO DEFINIAN MUY BIEN AL RETRATO, LA FECHA TAMPOCO, ESTA PINTURA SE PUDO COMPLETAR CON ESTA INFORMACION MUY BREVE YA QUE NO LE DAN MUCHA DEFINICION A LA HISTORIA DE LA CREACION).