RETRATO. 

• Modulado por temperatura del color, carga del pincel y toque pictórico.

• Disociación color-objeto, exaltación del contraste.

• Saturación y neutralización del tono. 

• Materiales: Acrílico y/u óleo.

• Preparación del soporte. 

Diferencias entre tipos de pinceles y espátulas. Curado de la paleta.

CUADRÍCULA

La cuadrícula es una retícula o enrejado regular formado por una sucesión de cuadrados, mediante la cual podemos recrear perfectamente una imagen en otro soporte. 

La cantidad de cuadrados debe permanecer igual tanto al agrandar como al achicar la imagen. Sólo se puede variar el tamaño de cada cuadrado según el caso, pudiéndose además subdividir cuadrados en las zonas donde tenemos que ajustar los detalles, -generalmente ojos, nariz y boca-, pero también se puede utilizar para estampados, fondos complejos, etc.  

De esta manera, la cuadrícula nos permite ampliar o reducir la imagen manualmente.

Cuando transferimos una imagen con este recurso, seguramente logremos más fidelidad con el original que trasladándola "a ojo", y esto adquiere más valor al tratarse de figuras específicas o retratos donde se debe respetar el parecido con el o la modelo. 

Para realizar una transferencia utilizando el sistema de cuadrícula necesitarán: 

IMAGEN de REFERENCIA

Por ejemplo, para un retrato será necesaria: 1 fotografía color de cabeza de frente o tres cuartos (completa) incluyendo cuello y puede ser parte del torso. Deben ser fotos de buena calidad y bien iluminadas y tener un formato rectangular que sea proporcional al soporte definitivo. Ej A4, 15x21, La cuadrícula la van a hacer con un lápiz acuarelable de color claro (gris, celeste, lila, ocre).

Además van a necesitar: Lápiz HB o Nº2, goma compacta blanca, regla larga. Si no quieren marcar la foto también traer un papel de calcar del tamaño de la foto. 

SOPORTE de PINTURA

-Soporte rígido de aproximadamente 50 x 70 cm - Tela s/ bastidor o fibrofácil, preparado con dos manos de base blanca -gesso, acrílico, látex- o cola vinílica. El fibrofácil debe tener un espesor de aproximadamente 0,5cms. 

Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de una manera imitativa (mimesis), que presta atención a detalles muy precisos, y que representa la naturaleza con verosimilitud.

El realismo en las artes tiende a representar personajes, situaciones y objetos de la vida cotidiana de forma verosímil.

Existen principalmente dos maneras en que el artista logra materializar una obra de arte:

Arte fisioplástico o representativo o figurativo. Fisio es un prefijo de origen griego (physis, "naturaleza").

Se relaciona frecuentemente con lo orgánico y lo naturalista o realista.

Es el que trata de reproducir con mayor fidelidad posible a la naturaleza del objeto, persona o lugar. 

Arte Ideoplástico o No representativo o No figurativo. 

Se relaciona frecuentemente con lo inorgánico, lo geométrico y lo abstracto. 

Parte de las ideas, de lo que se quiere representar, pero abstraído de la realidad. Contiene formas que pueden ser reconocidas de la realidad, pero con una mínima parte. 

Estas son algunas de las características que diferencias lo orgánico de lo inorgánico en el Arte.

ORGANICO (figurativo o No figurativo)

| Biomórfico

| Desarrollo - Crecimiento - Dinámico

| Asimétrico  - Irregular

| Sensible (Cálido, irracional, sanguíneo)

| Volumétrico

 | Claroscurista

| Subjetivo

| Emocional - Ilógico

| Espacial (escorzo, perspectiva, diagonales)

| Colores más terrestres 

INORGÁNICO (figurativo o No figurativo)

| Constructivo

| Quieto - Estático - Estable

| Simétrico - Regular

 | Geométrico (Frío, racional, matemático)

| Planimétrico

| Lineal

| Objetivo

| Racional – Lógico

| Ortogonal (horizontalidad, verticalidad)

| Colores más simbólicos y/o químicos  

La sintaxis del color plantea diferentes combinaciones en pares y tríadas de tonos, principalmente primarios y terciarios. Sus combinaciones pueden producir armonías y discordancias, tranquilidad o exaltación, inclusive repulsión. 

En la selección de imágenes ilustrativas podrán apreciar algunos aspectos comunes:

1- FORMATO: Se propone un formato de 30x30 cm. de fibrofácil –puede ser otro tipo de madera como hardboard, melamina, etc. para cada ejercicio. También pueden comprar bastidorcitos.

2- TAMAÑO: Se unifican las dimensiones para poder luego hacer una composición mayor que agrupe los distintos trabajos en la presentación final.

3- TEMA/ SERIE: Hay un hilo temático que atraviesa cada uno de los conjuntos. De eso se trata cuando abordamos una serie de trabajos. Hay "series famosas" de grandes artistas como la serie de Juanito Laguna de Antonio Berni o los desastres de la Guerra de Francisco de Goya, pero como podemos apreciar no todos los ejemplos son figurativos.

4- MATERIAL: Es importante en términos de unidad y criterio artístico, utilizar los mismos materiales en todos los trabajos. Por ejemplo los 6 trabajos con óleo o los 6 con acrílico. 

En los trabajos de referencia que se adjuntan podrán apreciar que en algunos hay tonos neutros –blanco, negro, grises y tierras. Esto es optativo, y lo irán decidiendo según lo que quieran representar y las necesidades expresivas de cada uno/a. Hay algunas mezclas no recomendables como el uso de los grises con tonos que tengan mucho amarillo, para evitar que se ensucie demasiado el color. El blanco es el neutro que mejor ayuda a conseguir versiones más claras de colores que por su naturaleza son “tonos bajos” como por ejemplo el azul, índigo, turquesa, rojo o magenta. El blanco neutraliza el color base sin que pierda identidad.

Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción, síntesis, la descomposición de la forma, la desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).

TEMAS: Los artistas plásticos pintarán la cultura, el caos y el bullicio de las grandes ciudades, lo urbano, las máquinas, los vehículos en movimiento, los deportes, la guerra. 

RECURSOS PLÁSTICOS: movimiento, velocidad, energía, fuerza interna, ritmo.

Simultaneismo (diferentes vistas de un mismo objeto plasmadas en una sola imagen), dinamismo, fragmentación, repetición, dislocamiento, multiplicación, yuxtaposición, deconstrucción formal. Collage. 

Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción, síntesis, la descomposición de la forma, la desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).

TEMAS: Los artistas plásticos pintarán la cultura, el caos y el bullicio de las grandes ciudades, lo urbano, las máquinas, los vehículos en movimiento, los deportes, la guerra. 

RECURSOS PLÁSTICOS: movimiento, velocidad, energía, fuerza interna, ritmo.

Simultaneismo (diferentes vistas de un mismo objeto plasmadas en una sola imagen), dinamismo, fragmentación, repetición, dislocamiento, multiplicación, yuxtaposición, deconstrucción formal. Collage. 

Los artistas expresionistas relacionan lo plástico, lo artístico con la sociedad, con la política y con la angustiosa situación vital de sus contemporáneos.

Tienen una concepción existencial del arte partiendo de la realidad transitoria para trascenderla a lo eterno, a lo inmutable.

El expresionismo busca mostrar de manera cruda y sin matices, los desequilibrios sociales y la angustia del ser humano, considerando además la civilización industrial como algo amenazador e intrínsecamente malo.

Todos los artistas coincidirán en exaltar la libertad individual, el pesimismo y el irracionalismo como valores clave.

En su estética predomina la subjetividad, buscando la expresión del sentimiento del artista en la obra. Hay una continua preocupación por mostrar el propio mundo interior, los estados de ánimo, sobre todo los que tienen que ver con la angustia, la tristeza, el desasosiego.

La aplicación violenta de la materia pictórica, el predominio de la línea curva, de lo sinuoso, de las formas zigzagueantes, se completan con un antinaturalismo exacerbado que los lleva a la deformación de objetos y rostro.

Su temática entrará en lo morboso, lo prohibido, lo demoniaco, lo sexual y lo fantástico.

DEFINICIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO

El término expresionismo se populariza en el contexto de la República de Weimar y, más concretamente, a partir de las críticas de Worringer en la revista Der Sturm (La tormenta) a raíz de la exposición de la Sociedad Berlinesa de 1911. Al año siguiente se comenzó a denominar expresionista a toda la vanguardia europea, por extensión. Hoy día la historia del arte acota el término expresionismo al arte comprometido con la renovación política y social en la Alemania de principios del siglo XX.

A diferencia del futurismo, los expresionistas no tienen una filiación política clara, aunque predominan los socialistas (por lo que el movimiento será perseguido por el nacionalsocialismo).

Existen expresionistas de primera línea fuera del epicentro alemán, como por ejemplo el francés George Rouault (1871-1958) y los considerados iniciadores del movimiento: el noruego Edvard Munch (1863-1944) y el belga James Ensor (1860-1949). 

Los artistas futuristas buscaban reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno.

Rompían con lo tradicional, el pasado y el academicismo.

Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción, síntesis, la descomposición de la forma, la fragmentación, el dislocamiento y la desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo).

El movimiento generado con la multiplicación y yuxtaposición de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), la realización de las líneas de fuerza, y la intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).

TEMAS: la cultura, el caos y el bullicio de las grandes ciudades, lo urbano, las máquinas, los vehículos en movimiento, los deportes, la guerra. 

DEFINICIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO

El movimiento futurista es en realidad un exponente de la crisis cultural del siglo XX, que tuvo como consecuencia más inmediata las dos guerras mundiales. El futurismo, como todos los movimientos románticos, surge con la fuerza y el fanatismo de una contracultura. Se lanza contra los museos, considerados sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo, las bibliotecas y academia, adopta lógicamente formas políticas -el nacionalismo- y cae cuando estas formas demuestran su falta de consistencia y llevan a Europa a una salvaje guerra.

Los dirigentes del Futurismo eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que se le daba al sensacionalismo, así las publicaciones futuristas utilizaban un tono altisonante digno de páginas de sucesos de un periódico sensacionalista, consiguiendo así bastante popularidad.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Acrílico y/u óleo.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Óleo, acrílico y/o collage.

Se procurará incluir algunos de los recursos analizados en clase mediante análisis de obra de varios artistas referentes.

Soporte rígido de 50x70 hasta 100x70cm. Óleo o acrílico.

Expresionismo Abstracto (3 trabajos grupales de 110x80cm sobre papel misionero)

Trabajos realizados con la Practicante Susana Tonetti.

Fue creado por los cubistas Picasso y Braque, que en 1912 comenzaron a incorporar elementos de la vida cotidiana al arte. Ya en 1899, Pablo Picasso experimentaba pegando fotografías a sus dibujos, pero en 1912, incorporó una rejilla de hule a su obra “Naturaleza muerta con silla de rejilla” y una soga como marco. Al mismo tiempo, su amigo Georges Braque realizaba los primeros papiers collés, agregando recortes de papel pintado imitación madera a su obra en “Tête de femme” (1912). Rápidamente fue incorporado por otras vanguardias del siglo XX como el Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo y el arte Pop.

Entre algunos de los artistas más conocidos por su incursión en el collage también tenemos a Max Ernst, Juan Gris, Marcel Duchamp, Man Ray, Hans Arp, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Raoul Hausmann, Kurt Schwitters, George Grosz, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Jasper Johns y los argentinos Antonio Berni, Marcia Schvartz, León Ferrari y Alberto Greco.