El arte durante el Imperio Romano se caracterizó por ser una herramienta política, su función era ser un aliado del imperio. Para esto, el emperador era retratado como un ser casi divino, lleno de poder, fuerte e idealizado. En este contexto profundamente patriarcal e imperial parece no haber espacio para el retrato de mujeres, ya que estas desde la antigua Grecia no eran más que figuras sensuales, bellas y decorativas que no evocan ningún tipo de poder o autoridad. Sin embargo, Livia Drusilla, esposa de Augusto, logró trascender en la historia y en el arte como una figura que va más allá de la belleza. 

La Estatua de Livia Drusilla es la representación de una mujer solmene que evoca respeto y dignidad. Muchos historiadores concuerdan en que Livia era una mujer de carácter fuerte, era ambiciosa, consciente de que sus palabras e ideas debían ser escuchadas y de que su presencia era necesaria en el ámbito político. De hecho, se puede pensar que esta estatua tiene también una función política y social (como las de su esposo), Livia era la emperatriz de Roma, modelo a seguir para mujeres y hombres de todo el imperio. La Estatua de Livia representa a esta mujer de manera idealizada, empezando por el ámbito físico. El rostro de Livia es perfecto, tiene una expresión enérgica, imponente, dignificada y serena. Sus rasgos son suaves, está sentada en un trono mostrando su poder, parece una figura casi divina, pero que a diferencia de la mayor parte de deidades romanas no estaba desnuda, de hecho, está cubierta por un traje romano que evoca riqueza y un velo que muestra su carácter etéreo. La manera en la fue representada nos remite a una dimensión moral, su expresión corporal y su rostro dan a entender que ella fue una guía espiritual, la imagen de la tan importante tradición romana, de los antepasados que cargan consigo valores y principios fundamentales, de la grandeza de roma. Por último, la estatua está compuesta por dos bloques de mármol, que su composición permite entender que estaba destinada a ser mirada desde abajo aludiendo a su superioridad y poder. Es probable que también tuviera una pequeña corona y un cetro para mostrar su autoridad. Todos los aspectos de la escultura exponen que Livia era una figura influyente y fundamental en la sociedad romana imperial. 

Fecha: siglo III. 
Cultura: romana 
Estilo: Arte paleocristiano
Material: Toba Volcánica 
Técnica: Fresco pintado sobre la pared de la catacumba
Dimensiones: 1,60 m de alto
Lugar: Catacumba de Priscila (Roma),

análisis
El mosaico de la emperatriz Teodora es la representación del poder político y eclesiástico encarnado en una mujer, Teodora. . En esta obra cada elemento lleva a pensar en opulencia, riqueza, majestuosidad pero de la misma manera carga un poder espiritual y religioso. Teodora era la cabeza de la iglesia durante el mandato de su esposo, el emperador Justiniano, ella era  símbolo y guía espiritual para los creyentes del imperio. El mosaico es una afirmación del poder político, cultural y religioso de Teodora, al fin y al cabo ella era el corazón del imperio. En el mosaico, al igual que en la vida imperial, Teodora se encuentra en el centro, está acompañada por dos hombres, un grupo de seis mujeres dentro de las cuales destacan la hija de la emperatriz Juana y Antonina, la esposa del general Belisario. Aunque la representación de los rostros de los personajes de la obra son muy similares entre sí destaca la emperatriz por sus ostentosas joyas, corona, cáliz de oro,  vestimenta purpura, todo esto simboliza la riqueza, el poder, la majestuosidad de Teodora y por lo tanto del imperio. El color dorado destaca en la representación, este es la manifestación de Dios, la luz y el efecto que este color le proporciona a la obra una dimensión espiritual. Teodora se ve rodeada por dorado, por lo tanto por Dios, esta figura es cercana a Dios, ella está dotada de autoridad, de superioridad y de poder religioso. Todo esto reafirma el poder imperial y la sensibilidad religiosa de los emperadores en cada lugar del imperio y más específicamente en Ravenna que es donde se encuentra el mosaico. Por otro lado, la composición de la obra sugiere estabilidad,  poco movimiento,  hay figuras geométricas, presencia de abundantes líneas horizontales y verticales mostrando un esquematismo perfecto, hay una simetría en la composición general pero también en cada uno de los personajes en la obra. Esta estabilidad y perfección en la composición da cuenta de una representación estática simbolizando que el poder de Teodora, su autoridad política y espiritual son eternos, inquebrantables e  inmovibles. La obra tiene como propósito reafirmar el poder imperial, consolidar un orden jerárquico, estable, inamovible a través de una figura fuerte, majestuosa, imponente, poderosa y espiritual, Teodora. 
 

ANÁLISIS
Sofonisba Anguissola fue una de las primeras mujeres reconocidas en la pintura y su autorretrato reafirma su importancia como una artista mujer. 

Durante el renacimiento muchos artistas les dieron un giro a los autorretratos que normalmente se usaban con una función funeraria, en el renacimiento se convirtieron en un medio de legitimización. Los artistas renacentistas iniciaron a retratarse a sí mismos para así legitimar su rol en la sociedad, para establecerse como personas importantes, dignas. Esto es precisamente lo que hace Sofonisba Anguissola, con una diferencia claro, su intención no parece ser legitimarse como una persona importante, de la clase alta, pudiente como lo hacían sus compañeros masculinos, ella se legitima como artista. Anguissola nos mira fijamente, su mirada firme y segura penetra al espectador. Está sentada en posición cómoda que sugiere confianza y sostiene un pincel y una paleta de colores que demuestra que está en proceso de pintar un retrato. El color marrón de su vestido y la oscuridad del fondo contrastan con la paleta de colores del cuadro que se encuentra pintando, vemos entonces un claroscuro típico renacentista. De este claroscuro destacan los personajes del cuadro que ella se encuentra pintando y el rostro seguro de Anguissola, estos están particularmente iluminados, mostrando que ella y su obra valen, son dignos de atención.  El cuadro que pinta es de temática religiosa, representa a la Madonna y al niño, una obra que su realización estaba destinada para los artistas hombres. Anguissola se reafirma como artista haciendo un retrato de ella misma mientras que termina de representar a la Madonna y al niño. Por otro lado, Anguissola se representa a sí misma en un plano más bajo que el lienzo que está pintando , lo que crea una sensación de profundidad y dimensión, que muestra su talento y destreza artística y además permite que el espectador se enfoque tanto en la artista como en su obra en progreso. La pintura muestra el enfoque meticuloso y detallado de Anguissola en su técnica. Se aprecian las texturas de los tejidos, como el encaje y las joyas en su vestimenta, así como los matices sutiles en su rostro. Esto resalta su habilidad para capturar con precisión los detalles y crear una representación realista de sí misma .Para finalizar todos los elementos del autorretrato de Sofonisba Anguissola, como el pincel, el caballete, la obra que pinta, la paleta de colores,  muestran y reafirman su identidad como artista.